Proyecto de creación plástica y visual “Abstracciones”.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno y ahondar, mediante las herramientas necesarias, en el arte abstracto.

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las piezas será de 100 x 70 cm. en sentido vertical. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo. Éste soporte, tras ser imprimado, podrá ser intervenido por cada participante como le sea más idóneo para la representación de su idea. Es decir, se podrá trabajar directamente sobre la madera, entelarla, adherir una chapa metálica, cartón o cualquier otra cosa que sea beneficiosa para la creación de una pieza abstracta.

Para participar en este proyecto “Abstracciones”, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica y visual se llevará a cabo una exposición titulada ABSTRACCIONES del 14 al 28 de julio de 2020 en el Centro Socio-Cultural MONTECARMELO de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria, pero nos parece muy interesante para el desarrollo de la creatividad de cada alumno. Estamos seguros de que volveremos a llenar juntos de buen de arte esta nueva muestra del Colectivo AZUL de deGranero TALLER DE DIBUJO, PINTURA Y FOTOGRAFÍA.

Generalmente, cuando lanzamos el proyecto a los participantes, establecemos unos plazos de tiempo para el desarrollo del propio proyecto y por supuesto para la ejecución de las obras. En este caso, debido los difíciles momentos por las que pasamos a causa del coronavirus, no tenemos claro cuando regresaremos a la dinámica normal, en función de esto se establecerán los plazos más adelante, excepto le entrega que será como máximo el viernes 10 de julio de 2020. No nos desanimemos y miremos al futuro. Os proponemos este nuevo proyecto expositivo para que en la búsqueda de ideas estos días en la soledad de nuestros domicilios tengamos un entretenimiento más investigando en el arte abstracto. También solemos presentaros el tema en grupo en el taller enseñándoos una proyección sobre la temática y estableciendo un debate, en esta ocasión hemos decidido daros herramientas en este mismo artículo para que podáis comenzar a trabajar en solitario en los bocetos o ideas y cuando todo esto pase tengamos un poco de trabajo adelantado.

¿En qué debo pensar para generar esta obra abstracta?

El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores.

Surge en torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que acabaron desembocando en creaciones no figurativas. La abstracción es el resultado de una tendencia a resumir y sintetizar que comienza a finales del siglo diecinueve, con Gaugain, Van Gogh y Cézanne, y que continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el Futurismo. Así pues, nos encontramos ante un movimiento que ya se iba perfilando desde el siglo anterior y que busca la renovación absoluta de la pintura.

FAUVISMO: André Derain,1904, Paisaje en Chatou, óleo sobre lienzo. Colección privada.
CUBISMO: Pablo Picasso, 1907, Las señoritas de Avignon, óleo sobre lienzo. MOMA de Nueva York.
FUTURISMO: Giacomo Balla, Muchacha corriendo en el balcón, óleo sobre lienzo. Galleria d´Arte Moderna, Milán.

La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa estético común. Ha ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de una racionalidad exentos de referencias inmediatas al mundo exterior.

La primera se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas que exaltan la fuerza del color y se denomina abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción geométrica, se apoya en la estructuración cubista.

Abstracción Lírica.

El mayor de los referentes en el campo de la abstracción lírica fue Wassily Kandisnsky que realizaba abstracciones cargadas de sentimiento. La clave de las abstracciones líricas es que la obra consiga transmitir la emoción del artista de una manera que pueda ser entendida y compartida por el público.

deGranero abstracciones Kandinsky
Wassili Kandinsky, 1925, Yellow-Red-Blue, Óleo sobre lienzo. Centro Pompidou, París.

Los pintores de este tipo de abstracción rechazan representar la realidad objetiva porque ello conlleva a que la gente saque sus propias impresiones acerca del significante de tales objetos. Para ellos es necesario crear nuevas formas que por si mismas no representen nada para el público en general y poder así crear emociones partiendo de cero.

El movimiento surge a partir de 1910, en los años posteriores alcanzó una gran fama que realmente sigue presente en muchos de los pintores contemporáneos.

Paul Klee, 1928, Burg und Sonne, óleo sobre lienzo. Colección privada.

Otro de los artistas más representativos de la Abstracción lírica es Paul Klee. Mientras que en la corriente francesa destaca Robert Delaunay que recogió las teorías de Chevreul para poder elaborar contrastes simultáneos de colores.

Paul Klee, 1927, Barcos en reposo, tempera sobre cartón. Adquisición Torcuato Di Tella.
Robert Delaunay, Ritmo, la alegría de vivir, óleo sobre lienzo. Musée National d’Art Moderne, París.

Abstracción Geométrica.

El arte abstracto es una de las formas de expresión que generan más interés dentro del arte. Esto se debe a que utiliza gran cantidad de elementos, como el color, la forma, las líneas o las texturas. Su popularidad estuvo en auge durante gran parte del siglo XX, manteniéndose vigente hasta nuestros días. La abstracción geométrica es uno de las tantas vertientes que tiene el arte abstracto, que se caracteriza por el uso de distintas formas geométricas, organizadas de manera “lógica”, para recrear determinada forma.

Técnicamente, las obras compuestas con un estilo similar al de la abstracción geométrica están dispuestas para que no represente entes u objetos que puedan ser palpables en la realidad. Cabe destacar que, de igual forma, los artistas que defienden esta peculiar expresión, mantienen que buscan hacer de esta algo universal y, sobre todo, objetivo, mediante el uso racional de las distintas formas neutrales y simples; además, sostienen que, las líneas, le confieren a la obra un tono delicado, claro y con fría precisión. Su precursor más importante fue Wassily Kandinsky, un pintor ruso que se movía en Europa exponiendo las virtudes artísticas que traía consigo la abstracción.

Entre sus antecedentes se puede mencionar el suprematismo, un movimiento impulsado por el artista ruso Kasimir Malevich, hacia el año 1915, cuya principal característica era la reducida gama de formas y colores que se emplea para la realización de los cuadros; fue llamada “una de las formas más puras de arte abstracto”. Igualmente, neoplasticismo, que osa como máximo exponente a Piet Mondrian, resaltaba por descomponer la forma de lo que iban a representar a sólo las siluetas más básicas, con colores primarios; una de las frases más célebres del artista antes mencionado, dicta: “Todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos, y no por lo que sean capaces de representar”.

SUPREMATISMO: Kasimir Malevich, 1915, Suprematismo Dinámico, óleo sobre tela. Tate Gallery, Londres.
NEOPLASTICISMO: Piet Mondrian, 1925, Cuadro nº2, óleo sobre tela. Colección Max Bill. Zurich

Abstracción objetiva.

Experimento de artistas ingleses en 1930, con la transformación de objetos y escenas de la naturaleza, con diseños coloreados. Relacionados con la pintura abstracta expresiva, derivada de la obra de MonetBazaine y Manessier, reflejan la impresión óptica y no el objeto en si. Añadieron una idea romántica, de expresar un sentimiento de la naturaleza desde formas abstractas. La influencia fue mayor con la obra de J. M. W. Turner que con el ‘Impresionismo‘. En el grupo estaban: William ColdstreamGraham BellVictor PasmoreRodrigo Moyhihan e Ivon Hitchens; en el que sólo Hitchens quedó fiel el estilo. Y en 1934 se celebró la exposición ‘Objective Abstraction‘ en la Zwemmer Gallery.

Rodrigo Moynihan ,1935, Painting, óleo sobre lienzo.

Abstracción Perceptiva.

Se refiere a varias escuelas abstractas, sucedidas del Expresionismo abstracto, como “La pintura de zonas de color”, “La pintura Hard Edge”, El Minimalismo, y El Op Art.

OP ART: Victor Vasarely, 1937, Zebra.
MINIMMALISMO: Frank Stella, 1970, Damascus Gate (Stretch Variation I).
HARD EDGE: Stuart Davis, 1938, New York Waterfront, óleo sobre lienzo.

Abstracción Postpictórica.

En el catálogo de la exposición de Pintura contemporánea, en 1964, en el County Museum de los Ángeles, llamada “Post-Painterly Abstraction”, se suscribe éste movimiento, por el crítico estadounidense Clement Greenberg. Representa una generación de artistas de ruptura con el “Expresionismo abstracto“, y no con la pintura figurativa. Lo representan: Morris LouisKenneth NolandJack YoungermanLeon Polk SmithFrank StellaElls-worth KellyLarry Poons

Morris Louis – Alpha Pi. Image via metmuseum.org

Pintura abstracta-creación: Arte no figurativo.

Grupo de Pintores abstractos y Escultores abstractos o No objetivos, formados en París en febrero de 1931, luego de la primera exposición de arte abstracto celebrada en el mismo lugar en 1930. Fue el heredero del grupo Cercle Et Carré, fundado en 1930. Un grupo que llegó a 400 miembros aceptando artistas de cualquier nacionalidad. El grupo publicaba un anuario: Abstraction-Création: Art non-figuratif desde 1932 a 1936, editado cada número por una persona distinta, y realizaba exposiciones colectivas. Abarcaba obras desde el Constructivismo de GaboPevsnerLissitzky, y el Neoplasticismo de MondrianVordemberge-Gildewart y DomelaMagnelly y Gleizes, que llegaban a la pintura abstracta no-figurativa desde el ‘Cubismo‘; la pintura abstracta expresiva de Kandinsky, la pintura abstracta biomórfica de ARP, y algunas del ‘Surrealismo Abstracto‘. Por el peso del Constructivismo y “La escuela de D’ Stijl“; se inclinó hacia la pintura abstracta geométrica, en las corrientes expresivas y líricas. Debido a la marcha a Inglaterra de los constructivistas más importantes; el movimiento decayó en 1936. La exposición “Abstraction-Création“, se celebró en Munster en 1978 en honor al movimiento Painting abstract-création, luego se trasladó al Museum d’ Art Moderne de la Ville de París. Gladys C. Fabre recopiló documentos detallados del movimiento. Artistas: Gorin, Herbin, Helion.

Algunos artistas abstractos españoles…

Antonio Saura.

Antonio Saura, 1979, Crucifixión, óleo sobre lienzo.

Eusebio Sempere.

Eusebio Sempere, 1978. El día , la noche, la tierra. Gouache sobre tabla.

Esteban Vicente.

Esteban Vicente, Labels (Etiquetas), 1956. Papel coloreado, papel impreso, tinta, carboncillo, gouache y pastel sobre cartón, 124 x 190cm.

AHORA toca PENSAR…

Una vez os hemos presentado a grandes rasgos la abstracción en la pintura, hemos intentado abriros la mente, para comenzar a investigar y generar ideas de cara a esta próxima exposición. Vais a encontrar muchos más artistas abstractos muy sugerentes que os ayudarán a pensar y también abrirán la puerta a diferentes técnicas con las que trabajar. Quedamos a vuestra disposición para cualquier consulta, y recordad… ¡Nos vemos pronto!

5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer. Estas 5 maneras de corrección te servirán tanto sobre pintura húmeda como sobre seca también. Aunque es verdad que no es fácil, si es posible corregir pequeños errores en las acuarelas. Todo dependerá del tamaño del error (la cosa se complica si éste es muy grande), el tipo de pigmento y el papel sobre el que se haya pintado.

deGranero 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer

5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer.

Puedes corregir errores en acuarela incorporándolos al cuadro, retirándolos, pintando encima o, en el caso de elementos olvidados, añadiéndolos más tarde. Incluye esponja, pañuelos de papel, escalpelo, pincel de cerdas rígidas y gouache blanco en el “kit de correción”.

  1. Incorporar errores: En lugar de retirar errores como los borrones, intenta incorporarlos cambiando un color, pintando encima o añadiendo más detalle a su alrededor.
  2. Retirar: Si el error aún tiene la pintura húmeda, se puede retirar directamente con material absorbente, como una esponja o un pañuelo de papel húmedo.
  3. Rascar con un pincel: Puedes retirar pequeños trozos de pintura seca rascando con un pincel rígido húmedo; este método es abrasivo, ten cuidado con el papel.
  4. Rascar con una hoja: Si el papel es grueso, elimina detalles pequeños o añade cosas rascando suavemente la pintura seca con una hoja pequeña o un escalpelo.
  5. Utilizar blanco opaco: Añade un detalle que has olvidado pintando sobre pintura blanca opaca. Este método funciona mejor con detalles que con veladuras.

Incorporar errores.

Para incorporar errores necesitarás pinturas y pinceles. Los borrones, manchas o corridos no tiene que suponer un desastre. Si el error no arruina la composición, puedes añadir un elemento adicional, como un árbol, para ocultar el área, o cambiar el color o el tipo de sentimiento que se quiere transmitir.

Retirar.

Para retirar necesitarás esponja o pañuelo de papel y agua limpia. Si detectas el error con la pintura húmeda, soluciónalo de inmediato: retíralo con una esponja o pañuelo de papel húmedo. Si aplicas mucha agua en la zona, el pigmento perderá adherencia y se correrá con más facilidad. Deja que se seque bien antes de volver a pintar.

Rascar.

Vamos con la tercera manera de corregir errores en acuarela. Necesitarás pincel limpio de cerdas rígidas y agua limpia. Si el error se ha secado antes de que puedas retirarlo, humedece la zona y rasca suavemente con un pincel rígido. Deja secar bien el papel antes de volver a pintar encima.

Rascar con una hoja.

Necesitarás una hoja afilada o un escalpelo. Utiliza el escalpelo para retirar pintura seca cuando necesites una herramienta más precisa que un pincel. Este método solo debes emplearlo con un papel grueso y resistente, nunca sobre una superficie delicada.

Utilizar blanco opaco.

Necesitarás gouache blanco opaco y un pincel redondo de pelo blando. Si tienes que corregir o añadir detalle, cubre el error con gouache blanco y vuelve a pintar. Es posible que tengas que aplicar varias capas de blanco para ocultar totalmente el error.

Has aquí estas 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

Explorar el rango tonal.

Cada color tiene un rango tonal de tintas, tonos y sombras: una escala del brillo, del más claro al más oscuro. Debes emplear el color tonal para todo, desde las luces más potentes hasta las sombras más oscuras, así imitarás el comportamiento de la luz sobre un objeto determinado o espacio y crearás un efecto de tres dimensiones con su profundidad.

deGranero tintas, tonos y sombras

3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

  1. Tintas: Las tintas se crean añadiendo blanco a los colores, con ello conseguirás suavizar el brillo de lo acrílicos y crear diferentes tonos pastel, dependiendo de la cantidad de blanco que emplees.
  2. Tonos: Los tonos los conseguirás añadiendo gris o una mezcla de blanco y negro a los colores. Conseguirás diferentes variantes más complejas según vayas ajustando las cantidades de blanco y negro en la mezcla.
  3. Sombras: Vas a conseguir sombras cuando añadas negro a los colores. Emplea poco negro, éste es muy dominante y puede que se apoderé por completo del color de la sombra.

Practiquemos.

Puedes pintar un cuadro en el que cada color se mezcle con gris o negro para crear así efectos tonales de luz y sombra. Una fotografía en la que la iluminación sea dura como imagen de referencia te proporcionará mucho contraste para experimentar. Elijas el tema que elijas, para saber si lo estás haciendo correctamente fotografía en blanco y negro la pintura en color terminada. Así podrás ver si el rango tonal que has utilizado es el correcto.

  • Sombras: Aplica zonas de azul profundo al fondo y el resto de sombras, el contraste atractivo de oscuros con luces potentes definirán las formas. Para las sombras en primer plano puedes introducir tonos más suaves con mezclas de azul y gris.
  • Tintas: Agrega muchas tintas amarillas claras para evocar una sensación de luz. Utiliza tintas de rojo y azul entre el amarillo para añadir interés. La diferencia tonal entre tintas y sombras produce grandes contrastes y crea destacados efectos de luz.
  • Tonos: Sugiere con sutiles tonos degradados de azul, amarillo y rojo. Utiliza tonos más oscuros cerca de las sombras y tonos más claros que se difuminen con las tintas de la parte superior. Experimenta antes en una paleta, ajusta la proporción de negro en el blanco en las mezclas de gris para crear diferentes tonos.
  • Mezclas de colores secundarios: Vincula los colores primarios mezclando tintas, tonos o sombras de colores secundarios. Amplia el abanico de tintas rojas añadiendo azul al rojo para crear púrpuras pastel; o agrega un toque de rojo a las mezclas gris azul para obtener un tono verdoso.

Hasta aquí nuestros 3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer.

¿Cómo elegir los pinceles?

La gama de pinceles para acrílicos es enorme, encontrarás un sinfín de tamaños y formas; la selección depende en parte si rebajas la pintura o la utilizas directamente son rebajar. Las cerdas pueden ser de pelo natural, más caras, o de fibra sintética, que funcionan muy bien en esta técnica, especialmente si empleas pintura espesa.

deGranero pinceles y espátulas para pintar con acrílicos

4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos.

Los pinceles de cerdas rígidas van bien si usas pintura espesa y los de pelo suave pueden cargarse con mucha pintura fluida y rebajada. Encontrarás pinceles de cerdas sintéticas y de pelo suave suficientemente robustos para la pintura acrílica. Los pinceles de pelo de cerda (habituales en la pintura al óleo) son rígidos y adecuados para el acrílico. Los pinceles de marta por ejemplo son demasiado delicados para esta técnica.

Ahora si, vamos con los 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer:

  1. Tipos de pincel: Los principales pinceles que necesitas son los planos, redondos y lengua de gato. Los planos tienen la punta cuadrada, útiles para pinceladas anchas y sueltas, y para líneas atrevidas. Los redondos cargan mucha pintura y acaban en punta, ideales para pintar detalles. Los de lengua de gato tienen forma plana, pero acaban en redondo, lo que les da versatilidad. Los hay de otros tipos: delineadores para trazar líneas finas y abanicos para difuminar. Empieza con un par de pinceles grandes, dos medios y dos finos, de formas planas y redondas. Si lo que quieres es detallar mucho en la pintura, elige más pinceles redondos; si prefieres una pintura más suelta y expresiva, te irán mejor las paletinas, Practica con el pincel en diferentes posiciones para obtener diferentes efectos de pincelada.
  2. Cuidado de los pinceles: La base de la pintura acrílica es el agua, por lo que debes limpiar los pinceles con agua y jabón. Hay soluciones de limpieza especiales. Evita que la pintura acrílica se seque en los pinceles para que no se estropeen.
  3. Espátulas y otras herramientas: Hay espátulas de muchas formas y tamaños para crear marcas con texturas muy acentuadas. Puedes utilizarlas también para mezclar colores de manera rápida y limpia. Y para crear efectos de textura, prueba con pulverizadores, esponjas, cepillos de dientes, brochas para proyectar o rodillos.
  4. Otras formas de aplicar pintura acrílica: Puedes aplicar pintura con pulverizador diluyendo mucho el acrílico en agua. También puedes hacerlo con esponja y crearás efectos muy potentes. Viene bien para crear efectos de árboles o aplicar pintura de manera irregular. Y puedes usar también un rodillo para cubrir grandes áreas o crear líneas y marcas.
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¿Cómo sujetar el pincel?

  • Como un lápiz: Para pintar detalles finos, sujeta el pincel como si fuera un lápiz, con los dedos cerca de la punta: así obtendrás el máximo control.
  • Flexible: Para dar flujo a las marcas, sujétalo por la mitad el mango, para que puedas mover la muñeca y el brazo con libertad sobre la pintura.
  • Amplitud máxima: Sujeta el pincel por el final del mango para crear pinceladas muy atrevidas y libres, para cubrir grandes áreas con rapidez.

Curiosidades sobre los pinceles y las espátulas para pintar con acrílicos.

  • Pinceles: Los pinceles tienen diferentes formas y tamaños: redondos, planos, lengua de gato y delineadores. Están numerados, a mayor número más grande es el pincel. Con diversos pinceles puedes crear desde finas líneas a anchas veladuras.
  • Herramientas para efectos especiales: Consigue salpicaduras interesantes utilizando un cepillo de dientes o una brocha para proyectar. Las paletinas son magníficas para esparcir el color espeso y cubrir grandes áreas.
  • Espátulas: Aplica pintura con la parte plana, el borde o la punta de la espátula para obtener diferentes efectos, igual que con los pinceles, encontrarás espátulas de diversos tamaños y formas. Sujeta la espátula con el puño cerrado como si fuera una paleta.

Hasta aquí nuestros 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

En este artículo te damos 3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

Mostrar tu arte.

Para exponer tus obras de arte en público, estas deben estar bien montadas y enmarcadas. Puedes llevarlas a un enmarcador profesional o crear tus propios marcos tras hacerte con el equipo necesario. Cuando la presentación de tus obras de arte sea adecuada y hayas expuesto en muestras locales o nacionales te podrás plantear exponer en galerías de arte.

deGranero pautas para montar y exponer tus obras

3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

Una buena opción para las pinturas al óleo y los acrílicos sin cristal es enmarcar las obras más pequeñas con marcos más anchos y las obras más grandes con marcos más estrechos. Sin embargo en el caso de las acuarelas nuestra recomendación es que las protejas con un cristal y les pongas un marco fino.

  1. Marcos y molduras interiores: Aunque las tendencias cambian , sigue siendo bastante habitual incluir un marco interior o paspartú, de un color más claro que el marco, para equilibrar y mejorar la pintura. El oro domina demasiado, pero algún toque en el relieve del marco puede resultar eficaz. Aunque disponemos en el mercado de una gran gama de colores, lo mejor es elegir colores sutiles y suaves que complementen y destaquen tu obra. Evita marcos o molduras que distraigan o estorben en tu obra. Utiliza más de una moldura y deja un pequeño espacio entre ellas para acompañar la mirada del espectador hacia la pintura.
  2. Aspectos prácticos de enmarcar: Puedes enmarcar tus cuadros en casa, aunque para ello tendrás que adquirir equipo especializado. Te hará falta una ingletadora para cortar esquinas precisas y finas a 45 grados, clavos en V para unir las esquinas y una ensambladora para fijar estos clavos. Otra buena opción es que pidas a un profesional que te prepare los marcos a tu gusto, o que monte unos marcos de madera sin tratar, para que puedas luego acabarlos en casa aplicándoles una buena emulsión y una capa de cera protectora para muebles, barniz mate o satinado, pan de oro…
  3. Exponer las obras: Busca oportunidades para exponer obras en sociedades artísticas locales y en ferias de arte regionales y nacionales. Para exponer durante más tiempo, ponte en contacto con una galería. Investiga y ten preparadas tus obras de arte siempre.
deGranero exposición

Contactar con galerías.

Antes de nada, valora y prepara tus obras. ¿Puedes reconocer un estilo propio en ellas? Las galerías prefieren una obra coherente y original. Enumera las exposiciones y las ferias de arte en las que has participado, así como tu experiencia, y prepara un pequeño portfolio de piezas originales, bien presentadas y a punto para vender.

Elegir una galería.

  • ¿Tienes la misma experiencia y nivel que el resto de los artistas de la galería?
  • ¿Encajan ahí tus obras sin ser demasiado parecidas a las de otros artistas expuestos?
  • ¿Tus precios son equiparables a los de las otras pinturas de la galería?
  • Establece tus precios siguiendo una coherencia; descubre que comisión te aplicarán.

Negociar con la galería.

  • Nada de puerta fría: consigue una cita e investiga qué les interesaría ver.
  • Escúchales, ellos conocen este mundo.
  • Deja claras las condiciones antes de confirmar.
  • Hablad de sus requisitos y decide si podrás cumplirlos todos.
  • La comisión que cobran es el precio de su trabajo, tu creas y ellos venden a su cartera de clientes.

Hasta aquí estas 3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

En este artículo te damos 2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

¿Cómo decidir que pintar?

Conocer bien el tema te ayudará mucho cuando intentes pintarlo. Si conoces como actúa algo,qué peso tiene o a qué velocidad se mueve, es prácticamente seguro que puedas retratarlo con mayor precisión. Lo mejor para conocer un tema es dedicar tiempo a su observación y dibujarlo. Entonces, cuando entiendas bien la perspectiva, el color y el tono, puedes comenzar a experimentar con las pinturas…

deGranero pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

El tema influye en el estilo elegido. A los temas grandes y geométricos suele irles bien un enfoque atrevido, mientras que las pinturas finas y detalladas suelen ser adecuadas para temas más complejos. Empieza por identificar los estilos y temas que te resulten de interés. Elige temas adecuados que se ajusten a tu estilo y técnica, y estúdialos haciendo borradores, para empezar a pintar teniendo una buena base.

  1. Refinar la pintura: Una buena idea para descubrir el nivel de detalle que deseas en tu obra es desarrollar la pintura refinándola paulatinamente. Para lograrlo, el punto de partida debe ser impresionista, incluso abstracto. A continuación puedes ir añadiendo más detalles. El proceso es fácil con acrílicos y con óleos, ya que puedes añadir capas para ajustar el tono y el color; con acuarelas también lo puedes hacer: reserva las zonas de blancos para no perder las zonas iluminadas y emplea veladuras muy suaves al principio para conseguir dichas capas.
  2. Saber cuando hay que parar: Lo correcto es trabajar por toda la obra y no por áreas, de esta manera podrás parar en cualquier momento y considerar que la pintura está ya “terminada”. A los artistas les suele costar saber en que momento hay que dejar de pintar. Es importante separarte unos pasos de la pintura de vez en cuando para evaluar el progreso en su conjunto. Cargar demasiado una pintura estropea su impacto y puede dar sensación de sobrecarga. Si no eres capaz de dar por terminada una obra, déjala reposar y vuelve más tarde con la mirada fresca. Incluso puedes investigar algo más sobre el tema, hacer algún estudio o borrador adicional, para analizar el trabajo que llevas ya hecho. Así podrás decidir si queda algún área de la pintura por refinar y podrás darle el toque definitivo.
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3 temas para pintar que debes conocer.

Realiza diversos bocetos para descubrir los diferentes elementos de un tema. Algunas áreas cobrarán interés como imágenes más pequeñas o parte de una pieza más grande.

  1. Paisaje: La inmensidad de un imponente paisaje levanta el ánimo y destaca la fuerza y la escala. Los paisajes ofrecen una gran variedad de temas; el límite del tiempo y el cambio de luz suponen un emocionante reto.
  2. Naturaleza muerta: De manera muy fácil puedes preparar una naturaleza muerta en tu propia casa; ajustas la iluminación y eliges elementos que se ajusten a tus gustos y también a la técnica que practicarás. Es una fantástica forma de refinar el tono y la técnica de pincelada en la comodidad de tu estudio.
  3. Personas: Los retratos, las figuras o una muchedumbre son grandes ocasiones para que el espectador interactúe con la pintura. Reconocemos la emoción en los rostros y un retrato provoca reacciones diversas. Dibujar figuras sirve para desarrollar técnicas para dotar a los objetos de sensación de identidad, peso y equilibrio.

Hasta aquí estas 2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos muy contentos de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica.

En este artículo te enseñamos los pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica a la hora de trabajar en tu obra.

¿Acuarela, acrílico u óleo?

Para elegir una u otra técnica pictórica, fíjate en las obras de algunos artistas, es posible que te inspire el uso concreto de un tipo de pintura. Algunos artistas emplean diversas técnicas, mientras que otros emplean la misma en todos sus cuadros.La elección se basa en factores como el tiempo de secado, la facilidad de uso y el tamaño del cuadro. Si tienes interés por alguna obra con una sensación concreta, identifica qué técnica se ha utilizado para crearla.

Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica.

Acuarelas.

Las acuarelas se diluyen con agua, lo que facilita su uso y limpieza. Se vuelven a diluir incluso después de secarse, por lo que se pueden añadir colores nuevos a un color ya seco. Puedes utilizar transparencias para cubrir rápidamente grandes áreas.

Pros:

  • Son relativamente baratas.
  • Secan muy rápido.
  • Dan la posibilidad de crear pinturas expresivas con técnicas como las veladuras, los goteos y las salpicaduras.

Contras:

  • Es complicado dominar las técnicas de acuarela.
  • Es complicado corregir los errores.
  • Frágil: Una sola gota de agua puede estropear toda la obra.
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Acrílicos.

Los acrílicos mezclan ventajas tanto de los óleos como de las acuarelas. Secan rápido y se por tanto se pueden superponer capas en un breve espacio de tiempo. Se pueden mezclar con agua, por lo que no hay que preocuparse por los disolventes de la pintura o los productos de limpieza.

Pros:

  • Se pueden aplicar capas gruesas o veladuras finas.
  • Secan en minutos.
  • Útiles sobre diversos materiales, como lienzo, papel , plástico o metal.

Contras:

  • El secado rápido implica que hay que trabajar con celeridad para mezclar colores.
  • Los colores oscurecen al secarse.
  • Es complicado realizar grandes áreas uniformes.
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Óleos.

Las pinturas al óleo gozan de una gran tradición y popularidad gracias a su rica gama de colores. Confieren una calidad gruesa y estructural; con técnicas como el glaseado, el empaste y las capas pueden crearse desde obras abstractas hasta imágenes hiperrealistas.

Pros:

  • Son más flexibles gracias a un tiempo de secado más largo.
  • Los colores se mezclan muy bien.
  • Se pueden crear texturas con capas gruesas.

Contras:

  • Los lienzos deben imprimarse bien a ser posible con una técnica tradicional.
  • Requieren disolventes como el aguarrás.
  • Difícil creación de líneas limpias por el largo tiempo de secado.
deGranero Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica. 2

” El tema y lugar donde pintas influyen en la elección de la técnica. Un pintor de paisajes al aire libre y un pintor de retratos de interior necesitarán cosas diferentes”

Una acuarela puede contener diferentes técnicas, desde las delicadas veladuras hasta las líneas limpias y las luces claras. Con acrílico se pueden construir capas vibrantes de color y dar profundidad con tonos brillantes. Con el óleo puedes emplear colores suaves o no y conseguir calidades de empaste que el acrílico o la acuarela no te darán.

Hasta aquí estos pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer. El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el Color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.

deGranero pintar mejor con acuarela

10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer.

  1. El recurso de las capas superpuestas: Es otra manera de hablar del método “húmedo sobre seco”. En este caso cada capa debe secarse antes de pintar la siguiente. Es una técnica perfecta para crear texturas y detalles en el primer término.
  2. El recurso de la granulación: Una forma de aprovechar los errores tal como enseñamos a nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid es este recurso. Algunos pigmentos por sus características mecánicas, son los colores llamados “sedimentarios”. Ellos tienden a precipitarse cuando se mezclan con agua. El resultado es una superficie texturada, muy útil cuando se pinta por ejemplo piedra.
  3. El recurso de los corridos: Cuando uno comienza a trabajar con acuarela, en ocasiones se producen algunos errores que dan lugar a formas con diferentes aspectos orgánicos. De estos pequeños errores podemos aprovechar las texturas que nos dejan. Si pintamos una mancha con un color fuerte y estando ésta aun húmeda se aplica encima un color con más agua, el pigmento se alejará hacia los bordes. Es esta característica la que le da el nombre de “corridos”. Atención, los corridos deben producirse por que el artista así lo desee.
  4. El recurso de los degradados: El degradado es una transición de un color a otro. Para conseguir un buen degradado, es aconsejable aplicar movimientos en el mismo sentido y no pasar dos veces por el mismo sitio. Como mejor se consigue es con la técnica del húmedo sobre húmedo.
  5. El recurso de los borrones: Los borrones aparecen cuando aplicamos una capa de pintura sobre otra que aun no estaba completamente seca. Son controlables con el papel, cuanto más absorbente sea éste más difícil será que aparezcan borrones. De este error pueden surgir texturas interesantes. Los borrones se pueden corregir aplicando agua y limpiando rápidamente con un trozo de papel.
  6. El recurso del dibujo con pincel: Como les enseñamos a nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid, este recurso es muy empleado por los acuarelistas chinos y japoneses. En el mundo occidental es el dibujo tradicional con pincel. El pincel debe ser duro. Dependiendo de la presión con la que apliquemos la pintura a través del pincel podremos realizar líneas más gruesas o más finas.
  7. El recurso de las manchas: Las acuarelas líquidas con las más indicadas para trabajar con este recurso. Son poco controlables pero aportan fondos muy interesantes para comenzar a pintar algo encima.
  8. El recurso del restregado: Se trata de aplicar el pigmento al papel con un movimiento de frotación, con lo que el papel se cubrirá en todas las direcciones. Con este recurso conseguiremos resaltar la textura del papel.
  9. El recurso del lavado y línea: La línea es muy útil para añadir detalles o crear tramados de sombra cuando es necesario. El recurso de lavado y línea es diferente, usaremos la línea para dibujar toda la escena y los lavados para amplificar o unificar la pintura. Se pueden obtener resultados muy buenos empleando lavados de color y línea negra. o incluso un lavado en negro y línea coloreada.
  10. El recurso de la esponja sobre seco: Sobre el papel seco con un color no muy diluido se pueden conseguir texturas muy interesantes.
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Hasta aquí nuestros 10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer. La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semitransparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

deGranero recursos para trabajar con acuarelas

14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer.

  1. Degradado monocromático: Mismo color con distintos grados de opacidad, de más oscuro a más claro y viceversa.
  2. Degradado con distintos colores: La transición se hace de un color a otro.
  3. Técnicas del degradado: Es posible trabajar degradados con el mismo sistema de los fondos uniformes, técnica húmedo sobre seco o técnica de húmedo sobre húmedo. En este último caso te recomendamos elevar o inclinar un poco el tablero para que la pintura escurra un poco. Para que queden más suavizados se puede pasar el pincel limpio de pigmento y mojado en agua para extender mejor la pintura, especialmente en húmedo.
  4. Fondo degradado de oscuro a claro en papel seco con pincel: En este caso las franjas se verán bastantes desiguales. Aplicar el color con mucha carga de pigmento y poca de agua en el extremo. Ir disolviéndolo y aclarándolo con agua ,mientras ocurre un desplazamiento hacia abajo.
  5. Fondo degradado de oscuro a claro en papel húmedo con pincel: Aquí se realiza el mismo proceso que en el paso anterior humedeciendo previamente el papel.
  6. Fondo degradado de claro a oscuro con pincel: En el caso de degradado de claro a oscuro se recomienda empezar en la mitad del papel con el tono más claro. Primero hay que humedecer la parte superior del papel, aplicar el tono más claro en la mitad y extenderlo por la parte que ha sido humedecida previamente, degradando así el tono hasta lo más claro. Después se debe hacer lo mismo pero con un tono más medio y hacia la parte inferior del papel degradando a oscuro.
  7. Fondo con superposición de colores: Aquí hay que humedecer previamente la mitad del papel . En la parte seca aplicar un color y extenderlo. Dejar secar y repetir el proceso con otro color. Es posible repetir este proceso varias veces, dependiendo del número de colores que se quieran superponer.
  8. Técnica para pintar cielos: Los cielos se deben pintar siempre en húmedo , mojando con agua la parte del papel que ocupará el cielo y soltando mucho color. Es buen consejo no tener miedo en la aplicación de color en el cielo.
  9. Pintar cielos: Los extremos se encuentran en los cielos despejados y los nublados. En el medio se ubica una enorme cantidad de posibilidades.
  10. Cielos despejados: Si el cielo va a ser totalmente despejado y por lo tanto sólo azul, lo mejor será variar con dos o tres tonos de azul la superficie a colorear, ubicando los tonos de azul más cálidos en las zonas más altas.
  11. Cielo con nubes: SI se trata de un cielo con nubes tipo cúmulos, que son nubes de aspecto algodonoso, habrá que pintarlas quitando color a la superficie inundada de azules mediante la aplicación por tamponado (contacto sin desplazamiento lateral) de un trozo de esponja natural o artificial levemente humedecida, papel secante, o simplemente papel de celulosa de uso higiénico personal.
  12. El recurso de la agregación de colores: Este recurso técnico refiere a la agregación de colores en zonas aún húmedas, EL control reside en humedecer tan sólo las zonas en las cuales se desea provocar la mezcla de color.
  13. El recurso de las capas graduales: Se refiere a uno de los métodos para pintar acuarelas altamente emparentado con la técnica del húmedo sobre húmedo. Aquí la humedad base es justamente la que permitirá la fusión de colores. Se utiliza en zonas que no precisen definición o detalles.
  14. El recurso de las capas multicolores: Cuando se plica más de un color este recurso recibe el nombre de capas multicolor. Las pinturas de paisajes a menudo comienzan con una capa multicolor, con azul o un gris por arriba, que suele ir modificándose a amarillos y verdes hacia el primer plano. Las puestas de sol son otro tema típico de la utilización de este recurso.

Hasta aquí estos 14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 técnicas de acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 técnicas de acuarela que debes conocer. La acuarela es un tipo de pintura compuesta por pigmentos aglutinados con goma arábiga y el agua como diluyente. Tiene una particularidad respecto a otros tipos de pintura y es que se puede pintar con capas semitransparentes.

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11 técnicas de acuarela que debes conocer.

  1. Pasos para la técnica húmedo sobre seco: Es importante tener presente que primero hay que elaborar el boceto con lápiz para definir bien las capas de la pintura y comenzar a superponerlas. En estas superposiciones de colores es de vital importancia que si se van a combinar colores cálidos directamente en la pintura, se debe en todos los casos utilizar el color más cálido al principio. Por ejemplo, si se quiere obtener un color naranja, entonces primero se debe colocar una capa de color rojo y una vez que esté seca será momento de colocar el amarillo. En los colores fríos el proceso es a la inversa ya que primero se coloca el color más frío.
  2. Características más importantes en la técnica húmedo sobre seco: Algunas de las mejores características de la acuarela húmeda sobre seco son que es fácil de dominar y que además resulta muy útil al momento de obtener mayor precisión en los detalles. Para intensificar un color, bastará aplicar una nueva mano sobre las anteriores una vez que esté seca.
  3. Pintar con la técnica seco sobre seco: Se conoce como acuarela seca a la técnica de aplicar un color en el papel de acuarela totalmente seco, con un pincel seco y los pigmentos o pinturas casi sin diluir. Una vez que se ha secado una zona ya pintada o sin pintar sobre el blanco de la hoja, se deben hacer trazos o pinceladas con la acuarela pero casi sin humedecerla, lo que dará un efecto como raspado. Esta técnica permite llevar adelante una superposición de colores generando distintas transparencias cuando se superponen los mismos.
  4. Superposición de color en la acuarela seca: La aplicación de un color sobre otro ya seco, es decir las superposiciones, tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que se le superpongan. En las superposiciones secas, tal como sucede con las superposiciones sobre húmedo, se debe aplicar primero el color más cálido. De hecho, si se actúa al revés, es decir, se coloca primero el color frío ya continuación el cálido, el resultado es totalmente diferente.
  5. Pintar con la técnica del pincel seco: De las técnicas de acuarela, la del pincel seco es de las más difíciles de llevar a cabo. Agitar el tarro donde se encuentra la pintura muy bien para que se haga homogénea antes de verter unas gotas sobre el lugar que se utilice como paleta. Tomar el pincel de punta recta y untar una cuarta parte de su cerda en la pintura. Descargar el pincel sobre una superficie porosa dando pinceladas muy rápidas hasta que las últimas pinceladas no dejen huella.
  6. Pintar con la técnica del pincel semiseco: Es la que se utiliza con mayor frecuencia. Muchos la confunden con la técnica del pincel seco. La diferencia reside a la hora de descargar la pintura que se ha tomado con la punta del pincel. Cuando se aplica la técnica del pincel semiseco, la zona se resalta mucho más rápido por lo que aquello que era un error en la técnica del pincel seco se convierte en el modo de ser de la técnica del pincel semiseco.
  7. Pintar fondo uniforme en papel seco con pincel: En un papel seco aplicar el color directamente con el pincel. Conseguir un fondo uniforme de este modo es complicado, hay que hacerlo muy rápidamente y generalmente no se coloca la misma cantidad de acuarela en todas las partes.
  8. Pintar fondo uniforme en papel seco con esponja: Con la esponja es más fácil conseguir un tono uniforme en un papel seco, ya que permite repartir la acuarela por el papel de manera más homogénea.
  9. Pintar fondo uniforme en papel húmedo con pincel: Es la técnica húmedo sobre húmedo, el papel se humedece previamente y se usa el pincel con el color sobre la superficie húmeda.
  10. Pintar fondo uniforme en papel húmedo con esponja: Se trata de utilizar la técnica húmedo sobre húmedo sólo que con esponja en lugar de pincel. La esponja permite homogeneizar muy bien el color en la superficie.
  11. Degradados: Un degradado es una transición de tono y/o color. Puede ser monocromático, o con distintos colores.

Hasta aquí estas 11 técnicas de acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.

12 puntos sobre técnicas secas y húmedas de acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 12 puntos sobre técnicas secas y húmedas con acuarela que debes conocer. Nunca viene mal refrescar conceptos para así mejorar nuestra práctica con esta técnica que requiere paciencia y muchas pruebas para llegar a un correcto aprendizaje.

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Goteado.

12 puntos sobre técnicas secas y húmedas de acuarela que debes conocer.

  1. Fabrica tu propia máscara líquida: El líquido de enmascarar es un adhesivo flexible de látex aplicado a un lienzo o papel antes de la pintura de acuarela. Una vez que la pintura esté seca, el líquido de enmascarar se puede quitar con ayuda de una goma de borrar blanda o simplemente con los dedos, saliendo así el blanco que ha quedado debajo del propio papel. Aunque este líquido lo comercializan diferentes marcas, es posible que el propio artista prepare su fórmula a base de cualquier adhesivo de látex. El cemento de caucho también funciona bien como líquido de enmascarar sobre todo en un lienzo.
  2. Medio enmascarador transparente: Se utiliza para cubrir determinadas áreas del papel haciéndolas resistentes al agua. Este medio puede mezclarse también con acuarelas y es perfecto para aislar áreas de mucho detalle. Las zonas que se hayan tratado con el enmascarador deben dejarse secar antes de pintar encima. Podemos utilizar un secador de pelo para acelerar el secado de ser necesario. Una vez secas estas zonas quedan protegidas y las capas subsiguientes no podrán penetrar en el papel.
  3. Cómo utilizar el enmascarador permanente: Puede aplicarse de forma directa sobre papel blanco, sobre capas secas en el papel o mezclando primero con acuarelas. Todas las capas de acuarelas mezcladas con el medio enmascarador permanente persisten inacabadas y manejables mientras la capa esté aún mojada. Una vez seca, el área se convertirá en un área aislada.
  4. Pintar con la técnica sobre húmedo: En este caso se parte de un papel mojado. La técnica consiste en humedecer el papel sobre el que se va a pintar y, a continuación, pintar con el pincel bien cargado de color. Si se requiere conseguir por ejemplo un efecto en degradé, se deben dar pinceladas, horizontales, suaves, inclinando el papel para que corra el color y se pueda obtener así el degradado. También es posible conseguir un color totalmente plano, sin ningún degradado, simplemente dejando el papel totalmente plano y cargando el pincel en cada pasada con la misma cantidad de tinta o color. A estas capas de pintura se les denomina aguadas, baños o capas de lavado. Después y una vez seca la primera capa, se pueden superponer distintos baños. Hay que tener especial cuidado con el secado de las acuarelas ya que si los baños anteriores no se han secado correctamente es muy usual que se mezclan los colores, produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados.
  5. Pintar con la técnica húmedo sobre húmedo: Por lo general de las técnicas secas y húmedas de acuarela a esta se le suela llamar la técnica del “papel mojado”.Esto se debe a que para lograr los efectos deseados es preciso humedecer mucho el papel con el pincel y diluir bastante los colores en el agua, La técnica en sí misma consiste en aplicar un color sobre otro cuando el primero aún se encuentra húmedo. Ene este caso los colores se fundirán y se dispersarán en la dirección del trazo que se haya efectuado con la ayuda del agua. Con este recurso es posible dejar fluir la soltura del gesto o conducirlo y guiarlo. Se puede llevar a cabo esta técnica con el pincel, con un gotero, a través de salpicaduras, etc. Esta técnica es perfecta para suavizar la transición de colores diferente.
  6. Pintar con la técnica del goteado: Consiste en aprovechar el momento en el que la tinta está aún húmeda para depositar sobre ella una o varias gotas de un pincel bien cargado. Puede estar cargado con agua pura, con la misma tinta sólo que aplicada en intensidad diferente o con otro color de manera tal que la gota se funda casualmente aunque siempre guiándola inclinando el papel hacia uno u otro lado teniendo en cuenta el grado de humedad que en ese momento tenga.
  7. Buen manejo de la técnica del goteado: No se conseguirán los mismos resultados si el papel está muy cargado de humedad y el pincel con el que se “gotea” deposita poca cantidad de pigmento que, si por el contrario, el papel tiene poca humedad y el pincel lleva una carga considerable, Mientras que en el primer caso se diluirá con el color de fondo, en el segundo se mezclará con él pero conservando unos bordes radiantes bien definidos.
  8. Mezcla de colores en la técnica del goteado: Un color mezclado con otro por medio de la técnica del goteado y siempre que no se les toque después determina una composición desintegrad y desigual. Es un buen recurso para cielos, follajes, carnes o la resolución de nubes.
  9. El resultado de la técnica del goteado: El color goteado puede modificar cualquier baño y dar calidades más ricas y excelentes efectos de textura. Si se quiere aplicar el goteado sobre un baño ya seco, es necesario humedecer con agua limpia que sea capaz de ablandar el color aplicado previamente. Cuando el color esté lo suficientemente blando, sin que el papel se halle excesivamente saturado de humedad, es el momento de aplicar las gotas de color.
  10. Transición entre colores: Si lo que se busca es pasar de un color a otro de forma gradual, sin que exista una divisoria clara entre los mismos se debe recurrir a esta técnica. Así, después de haber depositado el primer color en el papel con una cantidad de humedad suficiente, se deberá extender el segundo color inclinando unos quince grados el tablero. De esta manera se irán mezclando los colores. Una vez obtenida la mezcla en la zona escogida se debe volver a situar el tablero de forma horizontal y continuar depositando el segundo color. Por este método se obtienen una bellas fusiones que resultan muy útiles y de gran efecto.
  11. Pintar con la técnica seco sobre húmedo: En este caso se trata de una base húmeda a la cual se le agrega un color en seco. El tono seco se fundirá pero no completamente.
  12. Pintar con la técnica húmedo sobre seco: La acuarela húmeda se aplica sobre una superficie seca. Una vez aplicada, la pintura se mantiene en su sitio sin correrse y los contornos secos resultan ser bien nítidos. De hecho sólo se fundirá si se insiste con agua sobre sus límites. Se puede mantener control sobre la pintura. En la acuarela húmeda sobre seco se trata de aplicar al papel diferentes baños tenues superponiendo un color sobre otro siempre y cuando esté seca la capa inferior. De esta manera se pueden agregar colores mucho más intensos con el pincel seco.
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Húmedo sobre húmedo.

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13 puntos sobre el contraste que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 13 puntos sobre el contraste que debes conocer. La luz puede ser representada en pintura en sus muy diversos grados de intensidad. Cuando la luz tiene un grado intenso y brillante, cercano al color blanco, es una luminosidad fuerte. Entonces es cuando existe contraste en la pintura debido a la diferencia de luminosidad entre los elementos.

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Círculo cromático.

13 puntos sobre el contraste que debes conocer.

  1. Círculo cromático: Se denomina círculo cromático a la representación gráfica sobre un círculo con los seis colores reflejados en la descomposición de la luz visible del espectro solar, según el siguiente orden: magenta, rojo, amarillo, verde, azul cian y violeta. Por lo tanto, en principio se encontrarán tres colores primarios: magenta, amarillo y azul cian y tres secundarios: rojo, verde y violeta.Estos colores se complementan con otros seis resultantes de las mezclas de los primarios con los secundarios más próximos, con lo que el círculo cromático quedaría compuesto por doce colores, tres primarios, tres secundarios y seis terciarios.
  2. Colores primarios: Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Son el amarillo, el azul cian y el magenta. A la hora de pintar podríamos emplear como primarios un amarillo cadmio medio, el azul celeste y el magenta o el carmín de garanza.
  3. Colores secundarios: Se trata de los colores que se obtienen mezclando dos colores primarios al 50%. De esta manera obtendremos verde, violeta y naranja.
  4. Colores terciarios: Se denominan colores terciarios o intermedios a los que se obtienen de la mezcla de un primario y un secundario. Realmente no son más que matices de un color. Los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario y de un secundario. Amarillo verdoso, azul verdoso, azul violáceo, rojo violáceo, rojo anaranjado y amarillo anaranjado. Los colores terciarios son muy abundantes en la naturaleza y por tanto muy usados en pintura, ya que por ellos brillan los colores más exaltados y cobran vida los colores de intensidad media.
  5. Colores cuaternarios: Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario más amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario más azul terciario da un verde muy neutro y rojo y azul terciario da un violeta neutro.
  6. Interacciones del color: Armonía. La armonía significa coordinar los diferentes valores que l color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores poseen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero en su mezcla mantienen parte de los mismo pigmentos de los restantes.
  7. Contraste de tono: Cuando se emplean diversos tonos cromáticos.
  8. Contraste de claro/oscuro: El punto extremo e este tipo de contraste está representado por blanco y negro.
  9. Contraste de saturación: Se genera por la modulación de un tono puro saturado con blanco, con negro o con gris, o con un color complementario.
  10. Contraste de cantidad: Contraposición de lo grande y lo pequeño, de tal modo que ningún color tenga preponderancia sobre otro.
  11. Contraste simultáneo: Se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los demás al yuxtaponerse a ellos en una composición gráfica.
  12. Contraste entre complementarios: Si se quiere lograr algo más armónico conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o con negro. EL tono puro debe ocupar una superficie muy limitada, pues la extensión de un color en una composición debe ser inversamente proporcional a su intensidad.
  13. Contraste entre tonos cálidos y fríos: Se trata de un contraste donde unos tonos pertenezcan al grupo de los cálidos y otros al de los fríos.

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16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer. La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semitransparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

deGranero 16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer.

16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer.

  1. Acuarela cremosa: Se presentan en pomos. A diferencia de las pastillas, este estado pastoso se obtiene debido a que posee una cantidad mayor de humectantes, lo cual hace que la pintura se seque con menos rapidez. Los pomos se pueden comprar sueltos o en cajas surtidas. La principal ventaja que ofrece esta clase de presentación es que permite mezclar colores sin ensuciar una con otro.
  2. Acuarela seca: Este tipo de acuarela se presenta en el mercado en pastillas, también llamadas godets. Es una masa sólida que precisa ser humedecida para deprender color. Se puede conseguir, por lo general, dispuestas en caja-paleta con colores surtidos o en pastillas individuales por color.
  3. Acuarela líquida: Se presentan en frasco. Este tipo de acuarela está indicada sobre todo para técnicas de pintura con colores planos. De hecho este tipo de presentación de la acuarela se utilizan más para trabajos de grafismo e ilustración que en la pintura artística. Ofrecen colores transparentes y de un brillo y luminosidad excepcional. Además no tienen pigmentos, y se mezclan inmediatamente entre sí. Se diluyen con agua y no se depositan. Entre otras cosas, la acuarela líquida es el producto perfecto para el aerógrafo, ya que es completamente soluble al agua, y no contiene aditivos que puedan obstruir la válvula del instrumento.
  4. El papel: La historia de la acuarela se encuentra íntimamente vinculada a la historia del papel convirtiéndose en un importante elemento que acompañó y documentó el desarrollo de gran cantidad de sociedades y culturas del mundo.
  5. Distintos tipos de papel de acuarela: El mercado actual ofrece una gran variedad de marcas y calidades para pintar con acuarela. Se clasifica de acuerdo con su peso o espesor.
  6. Diferenciar los gramajes del papel: Existen diferentes gramajes que van desde los 185 gr/m2 hasta los 850 gr/m2 y algún otro de características especiales como por ejemplo el denominado “torchón” que no presenta un grano definido sino unas ondulaciones más amplias y menos profundas.
  7. Utilidad del papel de acuarela: La mayor parte de los papeles de acuarela se pueden emplear por las dos caras, teniendo en cuenta que una será más granulada que la otra. Existen papeles prensados en caliente y en frío.
  8. Papeles prensados en caliente: Los papeles prensados en caliente tienen como resultado superficies satinadas y suaves que al usar las acuarelas no absorben bien las agudas, dejando una impresión opaca y sucia.
  9. Papeles prensados en frío: Los papeles prensados en frío dan una superficie con una buena textura para la absorción y el flujo del agua, dando como resultado unos bordes y contornos muy bien definidos.
  10. Texturas del papel de acuarela: El grano o textura del papel es un factor determinante en la técnica y el efecto pictórico. Las irregularidades del grano dotan de profundidad al tono y color de la acuarela. Los granos más usados son el medio y el fino. Algunos acuarelista más experimentados, prefieren el papel de grano grueso, sobre todo a la hora de pintar temas florales.
  11. Preparación del papel: Habitualmente el papel tiene un gramaje inferior a 300 gramos, comienza a ondularse al momento de tomar contacto con el agua. Por eso debemos colocar el papel humedecido previamente sobre un tablero y adherirlo a éste mediante cinta engomada para que las fibras tensen.
  12. El bloc: Otra opción es utilizar un bloc encolado por los cuatro lados. En este tipo de bloc, se pinta directamente sobre el papel y una vez seca la hoja, se separa del resto introduciendo una espátula plana en la pequeña abertura de uno de los lados.
  13. Pincel: La pincelería es el número 13 de estos puntos básicos sobre la acuarela que te presentamos en este artículo. El pincel es la herramienta más utilizada por la mayoría de los pintores que se dedican a esta técnica. Existe una enorme variedad de pinceles. Es importante mencionar que para los trabajos en acuarela es posible resolver las pinturas con dos o tres pinceles. Los puristas dicen que con un solo pincel es suficiente. Eso es cierto cuando uno tienen un buen nivel en la práctica, sólo en ese momento será posible utilizar un único pincel tanto para hacer retoques precisos como para rellenar y dar capas de fondo.
  14. Pinceles de pelo natural: Se trata de los pinceles más suaves que ofrece el mercado. Están hechos de pelo natural de diferentes animales siendo la marta, el de mejor calidad. El pelo de marta se utiliza mayormente para hacer pinceles para acuarela debido a que su fibra es suave y tiene la propiedad de almacenar mayor cantidad de agua y de color que un pincel sintético.
  15. Pinceles sintéticos: Están hechos de filamentos de nylon o poliéster. Una buena característica es que se los puede modificar de muchas maneras para conseguir pinceles más suaves, porosos o duros. Estos pinceles son alternativas económicas a los de pelaje natural, tienen una absorbencia media sin llegar a la de Marta Kolinsky o de ardilla. Asimismo liberan el pigmento de manera menos gradual, su sensación es firme y pueden puntear bien. Son una alternativa aceptable, aunque aún no se produce un filamento sintético que pueda igualar todas las propiedades de los mejores pelos naturales.
  16. Qué pinceles elegir: Para comenzar necesitarás dos o tres tipos de pincel. Lo mejor es contar con un pincel para dar lavados de pigmento a largas áreas de papel, con otro para áreas medias y por último con uno más para detalles. Deben ser blando. Un truco para saber si un pincel es absorbente o no es humedecerlo y pasarlo por la uña del pulgar En ese proceso el haz de pelo no debe gotear sino deslizarse y volver a su forma original.
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10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer. Como sabes las técnicas que empleamos para trabajar con acuarela pueden ser sobre húmedo pero también sobre seco. Aquí te desvelamos 10 recursos para trabajar con acuarela que estamos seguros de que te van a ayudar.

deGranero recursos para trabajar con acuarela

10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer.

  1. El recurso de la mezcla en superficie: Habitualmente los colores se mezclan en la paleta, pero se pueden conseguir efectos más sutiles si los tonos se mezclan o se continua la mezcla de colores en la superficie del papel.
  2. El recurso de las pinceladas dirigidas: Se trata de utilizar las pinceladas como evocadoras de algo real. El follaje agitado por el viento se pude lograr con pinceladas largas que sigan una dirección determinada, aportando la noción de movimiento y dinamismo necesaria.
  3. El recurso de la reserva del papel en blanco: Se utiliza para conseguir efectos muy luminosos. Para hacerlo, lo mejor es utilizar el propio papel en blanco. Esto implica planificar la obra con anterioridad para saber que sitios han de estar secos, antes de realizar aplicaciones alrededor.
  4. El recurso del enmascarador: Se aplica sobre el papel seco y se deja secar por completo antes de aplicar la pintura por encima. Se utiliza para mantener el blanco del papel, de modo que se pueda pintar libremente sin destruir el blanco. El color del enmascarador ayuda a identificarlo para ser retirado con facilidad al finalizar. Las aplicaciones más comunes son: la elaboración de un cuadro por partes, la inclusión de toque de luz y el pintado en negativo. Como la máscara líquida es permanente al secarse, se recomienda utilizar un pincel viejo para la aplicación o recubrirlo de vaselina antes de mojarlo en la máscara.
  5. El recurso de la extracción de reflejos: Cuando hay que obtener pequeños reflejos suaves es más recomendable la extracción de pintura que dejar el papel en blanco o utilizar la máscara líquida. Para llevara a cabo este recurso se utiliza un pincel ligeramente humedecido al final del proceso.
  6. El recurso de la extracción de pintura: Su primera función fue corregir errores. Sin embargo hoy en día se utiliza para producir toques de luz, difuminar contornos, producir movimiento cuando se utiliza junto a un lavado. La clave para controlar esta técnica está en el papel y el color a extraer. Se puede utilizar una esponja, un pincel, un bastoncillo de algodón y la goma de enmascarar. Para realizar líneas rectas se puede utilizar un papel absorbente doblado en el grosor deseado.
  7. El recurso del pincel seco: Esta es una técnica de sumo detalle, se trata de utilizar muy poca agua en el pincel, aplicando el color con el pincel casi seco. Este método ofrece un nivel de control mayor por lo que se aconseja su utilización para texturas y detalles. Por otro lado se desaconseja para estructuras grandes como por ejemplo un cielo o un fondo.
  8. El recurso de las salpicaduras con un cepillo de dientes: Sumergir el cepillo dental en pintura. Raspar el dedo pulgar sobre las cerdas para obtener salpicaduras de color.
  9. El recurso de las salpicaduras con un rociador: Puede llevarse a cabo con pintura o con agua. En este caso se puede extraer color o poner color en el agua arrojada. La pintura seguirá la forma e la gota por la hoja.
  10. El recurso del estarcido: A través de este recurso será posible dar vida a texturas de gran efecto. Para plasmarlo hay que utilizar un cepillo de dientes o un pincel corto de pelo duro. El paso siguiente es cargar el cepillo o pincel de color bastante diluido y darle unos golpecitos bruscos consiguiendo así unas manchas aleatorias. Seguidamente se deberá cargar el pincel o cepillo con otro color y con menos agua se deberán rascar las cerdas de tal manera que se pueda manchar por encima da las primeras manchas, siendo las manchas nuevas más pequeñas. Se podrá utilizar este recurso tantas veces como convenga hasta obtener el resultado perseguido.

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22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 22 puntos sobre la aguada que debes conocer. Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. A continuación te damos todas las pautas necesarias para un buen manejo de esta técnica tan similar a la acuarela.

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22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

  1. La aguada como definición: Tanto la acuarela como la aguada utilizan el color disuelto en agua, al que se añade un aglutinante (formado en su mayor parte por goma arábiga). Una de las mayores diferencias que se encuentran entre la aguada y la acuarela es que el color utilizado en la aguada es más pastoso y viscoso.
  2. El color blanco en la aguada: Otra diferencia es que el color blanco y la luz en la aguada no se obtienen por la transparencia del papel, sino a través del empleo de color blanco. Esta técnica permite la utilización de una amplia gama cromática a partir de un único color de base, el cual se trabaja a partir de fundidos.
  3. Aplicación de la aguada: Se aplica en general con pincel. La dificultad y tal vez la belleza de esta técnica consiste en saber diluir correctamente la tinta y plasmar sobre el dibujo las distintas franjas entre la luz directa y la sombra tonal.
  4. La práctica de la aguada: Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. Se sugiere comenzar pintando desde lo más brillante hacia lo más oscuro, ya que las capas se acumulan unas encima de otras. Por otro lado, las aguadas suelen emplearse en el mismo papel que se usa para acuarela. Esto quiere decir que se tiene que usar un papel de grosor suficiente para no combarse.
  5. El encaje de las formas: Con esta técnica se parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza siempre de menos a más, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros vayan hacia los más oscuros. Esto se debe a que son los tonos claros los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo resulta vital dejar establecido desde el primer momento cuales van a ser las principales zonas de trabajo en el dibujo. Esta será la única forma de determinar con exactitud que tonalidades responden a cada zona.
  6. El modelo: El modelo que se utilizará en la obra se debe analizar desde un punto de vista completamente sintético, sin recaer en ningún tipo de valoración de los tonos. Para lograr esto, se sugiere utilizar un lápiz del mismo tono de la aguada que se va a plantear, encajando cada una de las formas de manera exacta.
  7. Cómo modificar el fondo en la aguada: La aguada parte siempre de tonalidades más claras, que se pueden ir oscureciendo a medida que se avanza el dibujo, pero no se puede realizar la tarea contraria, es decir, trabajar un tono claro sobre una base de color oscuro.
  8. La plumilla en esta técnica: El trabajo de la plumilla sobre la aguada se debe realizar cuando ésta se encuentra completamente seca. De otro modo la carga de la plumilla se expandiría por toda la zona humedecida.
  9. ¿Cómo hacer una aguada?: Al tener una amplia gama de tonos, el éxito dependerá de una evaluación y de una comparación meticulosa de los matices observados en el tema como así también en todo el dibujo. Por lo tanto, siempre conviene actuar prudentemente. Se aconseja aumentar la intensidad tonal de tal o cual parte sólo después de una detenida reflexión.
  10. ¿Cuales con os colores más apropiados para una aguada?: Todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, tinta neutra, sanguina, negro de carbono, son apropiados para una aguada, así como la acuarela parda, los diferentes colores de gouache y la tierra de Siena. Se puede aplicar sin problemas en los dibujos a lápiz y a plumilla y con precaución sobre el pastel, la tiza y el carboncillo.
  11. La técnica: La aguada es una técnica acumulativa, se comienza por aplicar capas cálidas y transparentes, añadiendo capa sobre capa hasta obtener los tonos más oscuros, Es difícil rebajar la intensidad de un tono ya aplicado sobre el dibujo, por lo que el exceso de tinta habrá siempre que evitarlo. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce ese efecto de sombras aterciopeladas. El procedimiento requiere mucha paciencia, ya que hay que esperar que una capa se seque antes de aplicar la siguiente.
  12. Cómo preparar el papel para una aguada: En el mercado se ofrecen centenares de papeles excelentes para trabajar esta técnica. Los más recomendables son los de acuarela. Sin embargo es aconsejable experimentar con todo tipo de papeles. Sólo así se podrán descubrir las opciones más adecuadas para cada caso.
  13. Aguada uniforme sobre papel húmedo: El primer paso es humedecer el papel de acuarela. Después iremos añadiendo pinceladas de color diluido en agua. Como el papel está mojado se repartirá el agua de forma sencilla.
  14. Aguada mojado sobre mojado: Para crear aguadas se debe antes de comenzar a hacer las franjas de color, humedecer el papel un poco con la brocha.
  15. Aguada mojado sobre seco: Se realizan cuando la pintura ya está seca y se vuelve a humedecer con el pincel o se aplica más pintura. Esta técnica es útil para suavizar un perfil ya seco. Así se puede mojar el pincel en agua limpia y pintar sobre la zona. Se escurre el pincel y a continuación se recoge el agua, que se lleva el color antes seco.
  16. Cómo perfilar una aguada: Cuando hablamos de un perfilado, nos referimos a una marco natural formado por el propio papel alrededor de la aguada, es decir de la pintura en sí. Para lograrlo hay que pegar la cinta adhesiva sobre el área que se desea cubrir. Frotar con fuerza para que se pegue bien y evitar que la pintura se deslice por debajo.
  17. Aguada lisa: Para crear una aguada lisa hay que colocar agua limpia en un pocillo. Añadir el color hasta la intensidad deseada. Tener presente que la acuarela, cuando seca, pierde intensidad y se ve más desvaída que cuando está húmeda. Es recomendable preparar una buena cantidad de mezcla, para no quedarse sin color a ,mitad del trabajo. Aplicar con pinceladas a un lado y otro.
  18. Aguada degradada: Comenzamos con el color más saturado y vamos cargando el pincel cada vez con agua más limpia.
  19. Aguada variada: Mezclamos varios colores pasando con sutileza de uno a otro.
  20. Aguada con efecto esponja: Aplicamos la aguada cargando una esponja y la aplicamos sobre el papel.
  21. Aguada con efecto salpicadura: Podemos crear salpicaduras usando un cepillo de dientes o un pincel viejo y despuntado. Levantamos el exceso de color con un trapo limpio.
  22. Aguada con efecto sal: Aplicar sal sobre la aguada húmeda. Este elemento absorberá el agua, quedando un efecto jaspeado. Es imprescindible retirar la sal sólo cuando se encuentre bien seca.
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Hasta aquí estos 22 puntos sobre la aguada que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Los lápices de acuarela (o acuarelables) son como lápices de colores normales pero, al diluirlos con agua, permiten realizar un gran número de efectos pictóricos. En una obra pintada con acuarela, son perfectos para tratar los detalles: destellos y reflejos del agua, juegos de luces y sombras, follajes, etc. También se pueden utilizar solos para el trabajo al aire libre: croquis en vivo o ilustración de un cuaderno de viaje.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

deGranero lápices acuarelables
  1. Técnica del lápiz acuarelable: Este lápiz puede ser utilizado tanto en seco como en húmedo. Es decir, una vez realizada la ilustración con el lápiz de color, es posible dejar el lápiz en esta fase previa al humedecido, quedando un dibujo realizado en técnica seca o es posible realizar posteriormente el humedecido para acuarelar la obra.
  2. Cómo utilizar los lápices acuarelables: Lo habitual, cuando un artista desea pintar un dibujo, es que use lápices de color permanente. Esta es quizá la técnica más utilizada y habitual para realizar este trabajo, pero no es la única. De hecho una de las tantas alternativas es la que ofrece el lápiz acuarelable.
  3. La técnica del efecto acuarelable: Realizamos un dibujo, pintamos como se de un lápiz normal se tratara y después deslizamos el pincel mojado con agua logrando así un efecto acuarelable.
  4. La técnica del efecto directo: Si se desliza el pincel mojado con agua sobre la punta del lápiz de color acuarelable, se logra cargar el pelo del pincel con color, por lo que después es posible pintar directamente con el pincel sobre la superficie.
  5. La técnica del lijado: Tomar una lija de grano fino y frotarla sobre la punta del lápiz acuarelable. Este polvo, puede ser utilizado para ser espolvoreado en las zonas de la obra a las que desees dar color. Después con el pincel húmedo, se debe disolver este polvo.
  6. La técnica del lijado mixto: Se trata de repetir el procedimiento anterior, pero utilizando varios colores para conseguir una gama de mezclas amplia.

Hasta aquí estos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. La etimología de acuarela nos lleva a acquarella, un vocablo de la lengua italiana. Una acuarela es una pintura que se plasma sobre un cartón o un papel, cuyos colores se diluyen en agua. El concepto también permite referirse a los colores usados en este tipo de pinturas y a esta clase de técnica artística en general. Los historiadores creen que la acuarela surgió un siglo antes de Cristo en China, cuando comenzó a desarrollarse el papel. Los árabes, durante el siglo XII, llevaron la producción de papel de Asia a Europa y así, con el tiempo, la acuarela es instaló en el Viejo Continente. De este modo, entre los artistas europeos, la técnica de la acuarela sucedió al fresco. El alemán Alberto Durero y el italiano Raffaello Sanzio fueron algunos de los pioneros de la acuarela en dicha región.

deGranero  herramientas para pintar con acuarela

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

  1. Medium para acuarela: Se trata de una mezcla de goma arábiga, ácido acético y agua. Se utiliza disuelto en el agua para pintar, unas gotas por medio litro es suficiente para eliminar restos de grasa, dar mayor intensidad, brillo y transparencia al color aumentando también la adherencia. En líneas generales se pude utilizar este accesorio para espesar la pintura. Para ello se debe mezclar directamente con ella.
  2. Hiel de buey: Esta sustancia es depurada y es capaz de variar la tensión superficial del agua consiguiendo, por ello, que la pintura se seque en un tiempo medio. Por esto, si se utiliza en invierno, la pintura tardará menos en secarse y en verano se prolongará el tiempo de secado. Se puede añadir al agua de uso o mezclar directamente con la pintura. También favorece la fluidez y la adherencia de la misma.
  3. Goma líquida: Se trata de una solución cremosa de látex natural y amoniaco. Se extiende sobre el papel y forma una película impermeable que lo protege de la pintura. De esta forma el artista puede reservar zonas del papel en blanco para sugerir brillos y destellos o bien los objetos que son de este color.La goma de reserva se desprende fácilmente del papel frotando suavemente con el dedo o con una goma de borrar. A pesar de esto se recomienda no dejar la goma líquida sobre el papel largos periodos de tiempo ya que puede adherirse demasiado y estropear el papel después al intentar despegarla. para aplicar esta sustancia se aconseja utilizar un pincel viejo dado que la goma puede dañar el pelo del pincel, también se puede usar pluma si la parte a reservar es una fina línea o un pequeño detalle.
  4. Barnices: Se utilizan para proteger los colores y darles un ligero brillo. Se pueden encontrar en estado líquido para ser aplicados con pincel o en aerosol. En el caso de aplicarse con pincel es imprescindible asegurarse de hacerlo cuando la acuarela esté totalmente seca para evitar el arrastre de la pintura lo cual puede ensuciar algún otro color en la obra. Si se abusa del uso de barnices puede generarse un empobrecimiento y enmascaramiento de los tonos. Esto último sucede sobre todo en los tonos suaves o pálidos en los que se puede llegar a generar una distorsión en el efecto principal.
  5. Sal: Este elemento se utiliza para conseguir efectos y texturas originales. Para lograrlo se debe añadir la sal por encima de las aguadas.
  6. Glicerina: Se utiliza vertiendo una pequeña cantidad en el recipiente del agua y sirve para retardar el secado. Se emplea sobre todo en los días de mucho viento o de mucho calor en verano. Es un elemento a tener en cuenta cuando se pinta con la técnica de la acuarela húmeda.
  7. Alcohol: Al contrario de la glicerina el alcohol se utiliza para acelerar el secado. Se usa con frecuencia en los días de mucho fío o humedad o ante cualquier otra circunstancia por la que se quiera acelerar el secado. Es vital utilizar siempre alcohol puro, de 96º.
  8. Botes de agua: Son utilizados para tener a mano el líquido que ayudará a disolver la pintura a la acuarela. Además se utiliza para limpiar los pinceles cada vez que se cambia de color. Es importante que la capacidad de los botes sean de al menos medio litro. Esto se debe a que en frascos menores se hace más denso el contenido de pintura y se ensucia más el agua.
  9. Pocillos: Se trata de pequeños recipientes donde se disuelve la pintura en agua para obtener un tono concreto que no debe variar durante su aplicación.
  10. Mezcladores: Son bandejas que contienen celdillas donde se deposita la pintura para su uso y preparación. Se los puede encontrar de muchos tipos y tamaños. Algunos le dan más protagonismo a la paleta y otras a las celdillas. El más frecuente es el que combina celdas redondas y rectangulares, ya que resulta muy útil para jugar con las densidades de la pintura. En las redondas es posible tener la pintura más aguada, mientras que en las rectangulares la pintura permanece más pastosa.
  11. Paletas: Es el instrumento que utiliza el artista para mezclar colores. Están hechas o recubiertas de materiales que repelen el agua. Además en ellas la pintura debe resbalar con facilidad. Pueden estar dotadas de un agujero donde se introduce el dedo pulgar para sostenerlas. Básicamente son de metal esmaltado, de cerámica o de plástico y de color blanco para evitar distorsionar los colores.
deGranero  herramientas para pintar con acuarela

Hasta aquí estas 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. El color en la acuarela es algo de gran importancia. Aprovechando bien los colores es posible pintar todo lo que queramos siendo la propia imaginación del artista lo que marque el único límite. Hoy en día en el mercado existen unos ciento veinte pigmentos distintos para la acuarela. Está claro que no tenemos por que adquirirlos todos. Mezclando unos tonos podremos obtener otros sin problema.

deGranero el color y la acuarela

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

  1. El color: El color en realidad no existe. Existe la luz, y el color es un resultado de ella. Sin embargo, nuestra vida está rodeada de colores siendo dichos más que usuales expresiones como cielo azul, nieve blanca o tomate rojo, aunque en realidad las percepciones de azul, blanco y rojo no son más que la captación y el procesamiento por parte del ojo humano de un determinado haz de luz. Por todo esto se sabe que los colores no existen, sino que en realidad se trata del fenómeno de reflexión de la luz.
  2. Variables del color: Existen cuatro variables básicas que tiene la capacidad de intervenir y modificar los colores. Ellas son el matiz, la luminosidad, el tono y la saturación.
  3. Matiz: Se refiere a cada una de las gradaciones que puede recibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás.
  4. Valor o luminosidad: Es una de las cualidades intrínsecas del color. Ella es la que indica el grado de claridad u oscuridad que posee. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor. Los colores se pueden alterar a través de la adición de colores más claros. Si se quiere oscurecer un color, será necesario agregar porciones del color complementario de manera que éste pueda quitarle luminosidad.
  5. Tono: Se trata de la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro. Esta variable tiene referencia de valor y matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece.
  6. Saturación: Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa.
  7. Simbología del color rojo: Es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.
  8. Simbología del color naranja: Representa la alegría, la juventud, el calor, el verano.
  9. Simbología del color amarillo:En muchas culturas, es el símbolo de la deidad y es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.
  10. Simbología del color verde: Simboliza la esperanza, la fecundidad, los vienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Representa la naturaleza.
  11. Simbología del color blanco: Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  12. Simbología del color púrpura: Representa el misterio.
  13. Simbología del color azul: Es el símbolo de la profundidad.
  14. Simbología del color negro: Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, el dolor, la desesperación, la formalidad y solemnidad, la tristeza, la melancolía, la infelicidad y desventura, el enfado y la irritabilidad. Asimismo puede representar lo que está escondido y velado. Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  15. Simbología del color gris: Iguala todas las cosas y no influye en otros colores.
  16. Paletas de color: No hay que confundir los términos paleta de pintor con paleta de color. El primero se refiere a un instrumento, es decir a la herramienta donde se depositan los colores para hacer la mezcla. Por su parte, se llama paleta de color al conjunto personalizado de colores que cada pintor utiliza con más frecuencia.
  17. Colores fríos: Los colores fríos son los de la gama azul-verde. Son una parte vital de la paleta. El azul marino francés es un sólido y básico azul. El azul cobalto es un pigmento más intenso. También es un poco más ligero. Un verde básico es el verde hierba o pasto. El verde hoja es un poco más suave. Una buena alternativa es intentar con el azul de Prusia o Ftalo, que tiene un tinte metálico o turquesa de colbalto para los que busquen un tono diferente. Agregar un violeta, como el malva, también es una excelente opción.
  18. Blanco y negro: El blanco en acuarela no existe ya que se trata de aprovechar la luminosidad y los blancos del propio papel. El negro directo de pastilla resulta un tanto industrial. Un buen negro puedes conseguirlo de la mezcla de tierra siena tostada con azul ultramar oscuro.
  19. Tonos tierra: Los colores tierra son útiles para desarrollar una gran cantidad de temas, no sólo los relacionados con los paisajes. Son ideales para mezclar y combinar. Pueden ser usados para las áreas menos brillantes de la pintura y ayudan a crear contrastes. El tono sombra tostada es un marrón oscuro. El tierra siena tiene un ligero tono chocolate. El ocre es más ligero y amarillento. El tierra natural es un marrón que se puede utilizar para oscurecer los tonos más claros.
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Hasta aquí estos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Proyecto de creación artística: URBAN concept.

Este proyecto (URBAN concept) tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica y visual de conceptos relacionados con la urbe y más concretamente con el paisaje urbano.

El espacio urbano es el centro poblacional y el paisaje propio de las ciudades. La noción suele utilizarse como sinónimo de medio urbano o área urbana.

“Atardecer en Nueva York”, Ricardo Galán Urréjola, 90 x 100 cm. Óleo sobre lienzo.

De cara a su posible representación, no podemos pasar por alto otros rasgos diferenciadores de los llamados espacios urbanos o ciudades:
• Existe una masificación.
• Los habitantes de ellos están sometidos a un importante nivel de estrés pues se pasan el día de aquí para allá con prisas.
• Existe un marcado anonimato de los ciudadanos, precisamente por esa numerosa población que hay.
• Es igualmente importante el hecho de que en cualquier espacio urbano hay una gran multiculturalidad y diversidad que, entre otras cosas, permite la convivencia de variadas tribus urbanas y de personas procedentes de países de todo el mundo.
• Sus habitantes disfrutan de una gran inmensidad de propuestas de diversión y de ocio.
• En el aspecto más negativo, hay que resaltar el hecho de que existe un alto nivel de contaminación así como un elevado porcentaje de personas en situación de exclusión social. Todo ello sin olvidarse tampoco de los numerosos atascos que tienen lugar a diario o de la necesidad de hacer colas para disfrutar de servicios de diversa tipología.

“Rooftops in the snow”, Jeremmy Mann, 61 x 76 cm. Óleo sobre lienzo.

Después de estas breves pinceladas en torno al paisaje urbano, veamos qué debemos hacer

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y tendrá el precio habitual. Hará un máximo de seis obras que podrán tener un formato superior porque así la idea lo requiera, también se ejecutarán sobre tablero contrachapado con bastidor.

Para participar en este proyecto titulado URBAN concept, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

“City Scape”, 18 x 30 cm, acuarela y caseína sobre papel Arches.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia al paisaje urbano y que te parezca que no deberían faltar en esta exposición. Mide tus fuerzas y piensa de qué manera puedes representarlo.

¿Puedo pintar una farola? Por qué no… Puedes trabajar con elementos del mobiliario urbano, con rincones de la ciudad que te parezcan sugerentes, con elementos decorativos de la urbe como los grafitis, con la planta de la ciudad, con paisajes urbanos que te atraigan, incluso con suburbios o zonas deprimidas, cualquier cosa que lleve al espectador a pensar en un concepto urbano será bienvenida.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 14 de octubre: Esta semana se lanzará el proyecto a través del blog del taller. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada.
  • Semana del 21 y semana del 28 de octubre: Cada alumno expondrá al profesor de manera individual su propuesta y entre ambos le darán forma para que la ejecución sea lo mejor posible y la idea no se desvirtúe.
  • Del lunes 4 de noviembre al sábado 1 de febrero: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.
deGranero URBAN CONCEPT
“Estación de ferrocarril”, Ernest Descals, 25 x 25 cm., óleo sobre lienzo.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica se llevará a cabo una exposición titulada “URBAN concept” del 15 al 28 de Febrero de 2020 en el Centro Cultural Carril del Conde de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria. Estamos seguros de que juntos lograremos una magnífica muestra de nuestro Colectivo AZUL de deGranero como en ocasiones anteriores.

deGranero URBAN CONCEPT
URBAN LANDSCAPE , Valerie Hoffmann 34″X 44″ ACRYLIC/MIXED MEDIA/COLLAGE 2009

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Si te gusta pintar paisaje del natural, te recomendamos que leas nuestros 10 consejos para pintar paisaje del natural, ahí encontrarás una pautas muy útiles para desarrollar bien una obra basada en el paisaje.

deGranero pintar paisajes con acuarela

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

  1. El inicio del paisaje: Antes de comenzar a pintar el paisaje se recomienda probar colores en un soporte que no sea el cuadro. De esta manera se podrá tener una idea más acabada respecto a la forma final de los mismos.
  2. El paisaje tema recomendado: Los paisajes representan uno de los motivos más recomendados para quienes se inician en el mundo de la acuarela . Resultan muy aconsejables por su sencillez. Esto se debe, en gran medida, a que suelen contener formas poco específicas, que no requieren demasiada precisión.
  3. Inicio del boceto en los paisajes: Se aconseja partir desde la línea del horizonte, luego se deben bosquejar los elementos más grandes como las montañas, las rocas, los árboles y la vegetación. El siguiente paso es pintar el cielo. para ello se pude pintar de color azul oscuro la parte superior del plano del cuadro e ir degradando el color hasta llegar al azul más claro que debe ir acercándose al horizonte.
  4. El color en los paisajes: Si el paisaje tendrá una superposición de colores, siempre habrá que aplicar primero el más cálido. Y continuar con esta premisa de forma sucesiva.
  5. Las sombras en el paisaje: Si se desea oscurecer una parte del paisaje, no se debe aplicar negro. Lo que se debe hacer es añadir una tonalidad sombría dentro del círculo cromático de color a oscurecer. De este modo, se podrá equilibrar la luminosidad sin mayores inconvenientes.
  6. Los reflejos en el paisaje: Muchas veces los paisajes deben plasmar reflejos o transparencias. Esto ocurre por ejemplo cuando hay que pintar vidrios o algún espejo de agua. Para lograr un buen efecto de reflejo, nada mejor que recurrir a una gama de grises o blancos, sobre todo para indicar que allí se halla un elemento transparente.
  7. El agua en el paisaje: Si el paisaje tendrá un lago o espejo de agua que reflejará, habrá que tener en cuenta que el tono azulado deberá ejercer un efecto sobre las figuras que se hallan detrás. Así, por ejemplo, si hay algún elemento en el fondo de color amarillo, se deberá pasar a un tono verde suave.
  8. Las figuras en el paisaje: Al momento de realizar un paisaje, la percepción visual es uno de los puntos donde más cuidado se debe tener. Las figuras del fondo no tienen que mostrar matices fuertes o colores muy llamativos. Por mucho que se quieran resaltar elementos como las montañas, lo mejor será difuminarlas o degradarlas según corresponda.
  9. El punto focal en el paisaje:Todo paisaje debe contar con un centro de interés o punto focal. Si todos los objetos que componen un paisaje tienen la misma importancia, se crearán paisajes recargados y confusos. Para evitar que esto suceda hay que elegir un área determinada o elemento de la pintura que dominará el resto capturando la atención del espectador, y podrán encontrarse por ejemplo otros dos elementos secundarios que apoyen al primero.
  10. La composición del paisaje: Las reglas de composición ayudan a crear un paisaje armonioso. Esto se debe a que todo en la naturaleza obedece a ciertos patrones geométricos/matemáticos, de esta premisa han surgido las diferentes reglas de composición.
  11. Cómo aplicar la composición en el paisaje: Existen varias reglas de composición que han sido utilizadas desde la antigüedad: sección áurea (divina proporción o proporción áurea), espiral dorada, regla de los tercios, etc. Y se usan no sólo para la pintura sino también en la arquitectura y otras artes, pero para aplicarlas se requieren de algunas operaciones matemáticas, algunas muy sencillas, otras más complejas.
  12. La regla de los tercios en el paisaje: La regla de los tercios consiste en dividir las imagen por medio de dos guías horizontales y dos verticales que generan una división en nueve partes iguales. Al realizar esta división se podrán ubicar los puntos de interés justo en la intersección de alguna de estas guías horizontales o verticales, Así se conseguirá una composición más armónica.
  13. Visualizar la regla de los tercios en el paisaje: Actualmente algunas cámaras fotográficas ofrecen la posibilidad de visualizar la cuadrícula de la regla de los tercios. Esto ayuda a tomar interesantes imágenes para pintar paisajes y lograr una mejor composición de la obra. De igual forma, algunos programas gráficos como Photoshop también permiten recortar una imagen aplicando la regla de los tercios entre otras.
  14. La proporción áurea en el paisaje: Es la fórmula que distintas civilizaciones utilizaron como inspiración para las artes. Ella rige ciertos patrones de la naturaleza. Se trata de un patrón basado en un rectángulo, el cual, circunscripto en si mismo se repite con unas proporciones determinadas hasta el infinito.
  15. El verde en los paisajes: El verde es uno de los predominantes en los paisajes. Si se precisa que sea menos intenso, habrá que agregar un poco de rojo. Con sólo una pequeña parte se controla el color sin afectar mucho su calidad, pero se debe tener cuidado ya que a medida que se agrega más rojo los colores se vuelven más terrosos.
  16. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes: Si se necesita aclarar el verde para hacer por ejemplo las luces en el follaje de un árbol o en el pasto, quizá no sólo alcance con agregar blanco, sino que habrá que agregar también amarillo, si es que se desea conservar el carácter cálido del color.
  17. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes II: Para oscurecer un verde se puede agregar siena tostada o sombra tostada conservando el carácter cálido, también se pueden usar rojos complementarios, que suelen ser rojos oscuros.
  18. El verde más oscuro en los paisajes: Si se busca un verde más oscuro pero frío, muy apropiado para algunas sombras, es buena idea oscurecer con un azul oscuro, y en las zonas más oscuras agregar también sombra tostada o negro.
  19. Buscar armonía en los paisajes: Utilizar el azul cielo para crear los verdes puede ayudar a lograr que el cuadro quede con mayor armonía.
  20. Visualizar los colores en los paisajes: Buscar diferentes fotografías de paisajes. Esto ayudará a ver cómo son los verdes (además de amarillos y azules) de un día soleado, como son de un día nublado, en la mañana, al mediodía, a la tarde, en las diferentes estaciones, etc. El color del cielo debe guardar correlación con el pasto, vegetación y otros elementos del paisaje.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.