3 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con óleos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con óleos que debes conocer.

¿Cómo elegir los pinceles y espátulas para pintar con óleos?

Un buen surtido de pinceles es esencial para trabajar con óleos. Algunos artistas tienen dos pinceles de cada tamaño: uno para colores claros y otro para oscuros, con la finalidad de conservar los colores separados y limpios mientras trabajan. Los pinceles de cerdas rígidas suelen ser los más habituales para los óleos; las espátulas son magníficas para mezclar pintura y crear textura.

deGranero pinceles y espátulas para pintar con óleos

3 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con óleos que debes conocer.

Los pinceles para óleos tienen que ser rígidos para deslizar la pintura espesa y robustos para soportar la limpieza con disolventes. Los pinceles naturales de cerda han sido tradicionalmente los favoritos, pero los de fibras sintéticas también funcionan bien y son más baratos. Los pinceles de pelo suave sirven para trabajar con pintura húmeda; las fibras sintéticas son más prácticas que las naturales delicadas.

  1. Tipos de pincel: Existen pinceles de muchas formas, cada uno con su marca diferente. Los pinceles planos tienen puntas cuadradas que hacen marcas rectas con el lado plano y líneas finas con el borde estrecho. También tienen largas cerdas elásticas que te permiten aplicar la pintura presionando o barriendo. Los pinceles planos cortos son como los planos, pero con el pelo más corto y, por lo tanto, más firmes. Los pinceles lengua de gato tienen plano la virola (pieza de metal que sujeta los pelos) y redonda la punta: pueden crear marcas anchas, como un pincel plano, pero con bordes suaves, como un pincel redondo. Los pinceles redondos se unen en forma de círculo y sus pelos acaban en punta. Cargan mucha pintura y producen diversas marcas, desde pinceladas anchas con el lateral hasta motas delicadas con la punta. Los pinceles de abanico no cargan tanta pintura y, por lo tanto, sirven para técnicas de pincel seco y difuminado suave. Los pinceles delineadores son pinceles pequeños de pelo largo; pueden cargar mucha pintura gracias a su longitud. Son ideales para trazar líneas finas, como ramas de árbol.
  2. Espátulas: Aplica pintura al óleo con espátulas para crear marcas y texturas potentes y directas. Igual que los pinceles , encontrarás espátulas de cualquier forma, ancho y tamaño. Las mejores son las que tienen mango flexible; elige los tamaños más grandes para aplicar grandes pinceladas y las formas más estrechas y pequeñas para el trabajo de precisión. Utiliza la parte plana para aplicar mucho color, el borde para rascar la pintura y crear textura, y la punta para aplicar motas y puntos pequeños. Las espátulas planas de borde recto son útiles para mezclar y desplazar la pintura. Los laterales rectos son idóneos para retirar cualquier exceso de pintura húmeda del lienzo. Utilízalas también para mezclar pintura en la paleta en lugar de hacerlo con el pincel, para conservar limpios los colores y evitar que los pinceles se contaminen con diferentes colores. Las espátulas se limpian fácilmente con un trapo.
  3. Cuidado de los pinceles: Si cuidas bien tus pinceles, te durarán mucho más. Tras el trabajo, retira el óleo del pincel con un trapo y acláralo con disolvente o símil de aguarrás para eliminar cualquier resto de pintura. Lávalo con agua tibia (no caliente) y jabón (no detergente), y acláralo hasta que el agua salga limpia. Cuando esté limpio, sacúdelo, ayúdale a recuperar suavemente su forma y deja que se seque por completo con las cerdas arriba. No lo guardes hasta que esté bien seco o puede enmohecerse.
deGranero pinceles y espátulas

¿Cómo sujetar un pincel?

  • Por la mitad del mango: Sujeta un pincel plano o lengua de gato por la mitad para crear presión y dar pinceladas anchas.
  • Plano: Para crear marcas expresivas, coloca el pulgar bajo el mango para sujetarlo suelto y plano.
  • Inclinado: Pinza con el pulgar y el índice cerca de la virola para crear líneas ligeras y rotas.
  • Lápiz por punta: Para el control máximo cuando pintes detalles, sujeta el pincel por la punta, como un lápiz.
  • Lápiz flexible: Sujeta el pincel como un lápiz, pero más abajo del mango para ganar control y poder cambiar la presión.

Hasta aquí estos 3 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con óleos que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos en cantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 consejos para dibujar con pincel que debes conocer.

En este artículo te damos 5 consejos para dibujar con pincel que debes conocer. Dibujar, es trazar en una superficie la imagen de algo. En este caso vamos a ver como hacerlo con un pincel, que no es más que  un instrumento que dispone de un mango largo y delgado que, en uno de sus extremos, presenta un manojo de cerdas, pelos u otros filamentos.

deGranero dibujar con pincel

Crear siluetas iniciales con pintura.

Desarrollar unos buenos cimientos de dibujo es importante para aprender a pintar. No obstante, si dedicas demasiado tiempo y energía en crear el esbozo preliminar perfecto frenarás tu creatividad cuando te toque pintar. Para que esto no pase, detalla las formas iniciales con pintura y pincel. Así todo el proceso será fluido y te ayudará a capturar solo elementos clave del tema en las fases iniciales.

Establecer las formas básicas.

Independientemente de que planifiques una naturaleza muerta sencilla o un retrato detallado, con el dibujo inicial crearás formas básicas y establecerás la composición. No es necesario mucho detalle en esta fase: el esbozo hecho a pincel será simple e impresionista.

5 consejos para dibujar con pincel que debes conocer.

  1. Líneas y elipses: Empieza con formas y objetos simples y reconocibles, como un grupo de copas de forma similar. Practica dibujando las líneas y las elipses.
  2. Grupo de objetos: Céntrate en las formas y siluetas con un gran grupo de copas de diferentes formas y tamaños. Resiste la tentación de añadir color a cualquier área.
  3. Pinceles para borradores: Los pinceles redondos y planos son los más versátiles para dibujar: permiten variar el grosor de la línea y añadir forma y tono. Vas a necesitar un par de pinceles para esto, uno redondo y uno plano.
  4. Un objeto solo:Tras establecer la forma global de un objeto con lineas simples, presta atención a los colores y los detalles.
  5. Retrato: La fase de dibujo de un retrato te ayuda a situar correctamente los rasgos y a establecer la forma de la cara antes de pintar las formas con tonos claros y oscuros.
deGranero dibujando flores

Ejercicio: Un objeto solo.

Un bodegón con un objeto solo como por ejemplo una copa de color, es un buen ejercicio para aprender a dibujar con pincel. Centrándote en un único sujeto sin la distracción de otros objetos alrededor, covierte el dibujo inicial a pincel en una gran pintura acabada.

  • Silueta inicial: Establece la forma básica.
  • Líneas coherentes: Mantén constante el grosor de las líneas y utiliza la misma mezcla y concentración de color.
  • Aplica color: Con el mismo pincel comienza por arriba y llena de color el centro de la copa. Asegúrate de que las pinceladas siguen todas la misma dirección.
  • Tonos más oscuros: Añade los tonos más oscuros.
  • Tintas claras: Añade blanco para crear una serie de tintas claras.
  • Toques finales.

Hasta aquí estos 5 consejos para dibujar con pincel que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 maneras de armonizar el color que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 maneras de armonizar el color que debes conocer. Armonizar: significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición, de forma que todos los colores posean una parte común al resto de los que intervienen.

Crear cuadro equilibrados.

La armonía de color ayuda a crear pinturas bonitas y equilibradas. Existen diversas maneras de conseguir la armonía de color; cada método requiere una paleta concreta y unificada para que cada elemento se conjugue con el siguiente. Es importante no solo considerar el color del tema, sino también cualquier color adicional que quieras introducir como parte de la interpretación artística de una escena.

deGranero 4 maneras de armonizar el color que debes conocer.

4 maneras de armonizar el color que debes conocer.

Existen cuatro maneras diferentes de armonizar el color; la mayoría implica trabajar con una paleta limitada. Utilizar colores complementarios es una manera eficaz de conseguir armonía del color en temas vivos, mientras que una gama limitada de tonos naturales análogos es ideal para paisajes.

La armonía del color es tan importante como el dibujo a la hora de equilibrar la composición, pero también es importante saber cuando aplicar las normas y cuándo romperlas: si sigues una norma a rajatabla, perderás toda la espontaneidad. Busca la armonía del color en el tema.

  1. Fijar los primarios: A veces las mezclas vibrantes de colores primarios discordan en un cuadro. Evítalo introduciendo un color tierra. Ta ayudará a unificar los colores potentes y crear sensación de armonía.
  2. Colores análogos: Utiliza una secuencia de hasta cinco colores contiguos en el círculo cromático. Por ejemplo, con amarillo, amarillo naranja y amarillo verde obtendrás una gama armoniosa como base para tu cuadro.
  3. Colores complementarios: Los colores que están en lados opuestos del círculo cromático, como magenta y verde, tienen una relación cromática vibrante. No chocan entre sí y puedes utilizarlos con intensidad variable para conseguir muchos efectos.
  4. Color de la atmósfera: Mezcla un color de atmósfera central y añádelo a posteriores mezclas para vincular tus colores.
deGranero pintura Madrid

Hasta aquí estas 4 maneras de armonizar el color que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

6 medios para añadir texturas con acrílico que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 medios para añadir texturas con acrílico que debes conocer. Las texturas son un buen recurso para hacer tu obra más personal.

Utilizar medios para obtener efectos de textura.

Experimenta con geles de textura y pastas para crear diversos efectos de empaste y textura. El gel pesado de estructura te permite obtener acabados muy llamativos. De color blanco y con consistencia de mantequilla, adquiere un aspecto transparente, satinado y duro al secarse. Puedes aplicarlo directamente sobre el lienzo para crear una superficie más táctil o mézclalo con acrílicos para obtener una pintura más espesa con la que cubrir capas de color.

deGranero añadir texturas con acrílico

Efecto de textura.

Aplica gel pesado de estructura, esponja o pincel. Añade elementos adicionales antes de que se seque, como arena, ramas o papel, para hacer un collage. Existen muchos medios que puedes añadir a los acrílicos para crear efectos de textura espectaculares.

6 medios para añadir texturas con acrílico que debes conocer.

  1. Gel de textura de arena: Gel que contiene pequeñas partículas de arena natural y retiene la textura al mezclarse con pintura; produce un efecto fino de arena.
  2. Gel de textura de bolas de vidrio: Un gel incoloro de cuerpo medio que contiene microesferas de vidrio que crean un efecto de burbujas.
  3. Gel textura lava negra: Gel granulado con partículas minúsculas de piedra. Es gris cuando se moja; cuando se seca pasa a negro moteado en el color de la mezcla.
  4. Gel hilado: Mezcla gel hilado con pintura acrílica para obtener unos hilos de color fluidos y con mayor transparencia.
  5. Medios fluidos: Añade medios fluidos a la pintura acrílica para producir toda una gama de efectos, como gotas largas y finas de pintura, complejos patrones marmoleados y depósitos suaves y cristalinos de color, ideales para composiciones multicolor con húmedo sobre húmedo.
  6. Pasta para modelar: Esta pasta se parece al gel pesado de estructura, pero no es tan suave. Cuando se seca, se puede esculpir o lijar.

Si eres nuevo en añadir texturas con acrílico, un buen proceso de trabajo puede ser crear una capa base de gel pesado de estructura y añadir un poco de arena de sílice para darle más textura. Después puedes añadir más gel pesado con espátula y variar su grosor. Puedes seguir añadiendo arena, y cuando este seco pintar con acrílico. Experimenta…

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Hasta aquí estos 6 medios para añadir texturas con acrílico que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid o en nuestros cursos de dibujo y pintura online.

6 cosas sobre tus pinturas acrílicas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 cosas sobre tus pinturas acrílicas que debes conocer. Las pinturas acrílicas son de base acuosa y los pigmentos están contenidos en un polímero, que actúa como emulsionante.

Propiedades de los acrílicos.

Los acrílicos con más fáciles de manipular que los óleos porque son solubles en agua y tienen un tiempo de secado más corto. Encontrarás una enorme gama de colores y consistencias. Pero lo más recomendable para crear cuadros con colores duraderos es elegir una pintura acrílica de buena calidad y de pigmento puro.

Encontrarás acrílicos en muy diversas presentaciones: en spray, en tinta, como rotuladores, y en botes y tubos de pintura. La consistencia de los acrílicos también varía mucho: los ligeros tienen una textura suave y cremosa, mientras que los pesados y los muy pesados son excepcionalmente espesos. También encontrarás acrílicos en forma líquida.

Tu estilo de trabajo determinará el tipo de pintura que necesitas. La espesa es ideal para obras muy expresivas y con textura, en las que tienen que verse las pinceladas en el cuadro. En obras detalladas o si buscas un acabado plano, es preferible una consistencia más suave, especialmente en superficies grandes. Encontrarás tres calidades: básica, para estudiantes y profesional. El precio, refleja la proporción de pigmento puro y aglutinante: cuanto más puro sea el pigmento, más cara será la pintura. Un pigmento más puro cambiará menos de color cuando se seque. También se conservará mejor y tendrá más solidez de color: sus colores resistirán más la exposición del sol. Existe una gama descomunal de colores acrílicos de diferentes fabricantes; puedes mezclar diferentes marcas de acrílicos si tienen el mismo aglutinante. Además de los típicos colores tradicionales, de vez en cuando aparecen algunos nuevos.

deGranero acrílicas

6 cosas sobre tus pinturas acrílicas que debes conocer.

  1. Blanco y negro: Tienes poca variación a la hora de elegir pintura blanca o negra. Las diferencias oscilan desde cambios muy sutiles, como un poco más de transparencia u opacidad, hasta contrastes muy marcados. Entre los diferentes negros del mercado hay negro de hueso, negro de Marte, negro marfil y negro de carbón (el más oscuro). En cuanto a blancos, las opciones son blanco de zinc, muy transparente, y blanco de titanio, el más opaco. La elección depende del tema y del estilo: el retrato requiere una mezcla suave de colores, mientras que en pintura de colores fuertes precisa una versión más dominante.
  2. Cuidado de las pintura: Mantén alejada la pintura acrílica de fuentes de calor y de la luz directa del sol, ya que se secará en su recipiente. Si se congela, también se verá afectada. Mantén los recipientes bien sellados para evitar contaminantes. Los acrílicos duran varios años, pero tienen una fecha de caducidad más corta que los óleos, que duran décadas. Tras abrirlos, la intensidad de los colores disminuye con el tiempo. Si detectas moho o un olor agrio, es que tus acrílicos han caducado. Como los acrílicos se secan muy deprisa, debes tomar precauciones para evitar, por ejemplo, que se te sequen los colores mezclados por la noche. Utiliza una paleta con pocillos hondos y tapa hermética, y déjala tapada en un lugar fresco cuando no pintes. Si aparece una película en la superficie de la pintura, rómpela con una espátula para volver a pintar.
  3. Pintura especializada: Las pinturas acrílica fluorescentes y metálicas crean efectos interesantes. No obstante, el pigmento fluorescente se va apagando a la luz del sol directa y puede llegar a desaparecer completamente.
  4. Tipos de pintura acrílica: La pintura acrílica se manipula más fácilmente que la pintura al óleo y se aplica con diversos métodos, desde aerosoles hasta rotuladores.
  5. Paleta básica: Amarillo limón, amarillo cadmio, amarillo cadmio oscuro, ocre amarillo, siena tostada, rojo cadmio, magenta, violeta oscuro, azul cobalto, azul cerúleo, cian, verde ftalo, verde salvia y verde oliva claro. Esta sugerencia de paleta incluye una buena gama de tonos cálidos y fríos; también debes añadir el blanco de titanio. Algunos colores como la gama de cadmios son más caros.
  6. Colores adicionales: La gama disponible de colores acrílicos es enorme, experimenta con los tonos. Añade retardador de secado cuando mezcles pinturas para evitar que se sequen con demasiada rapidez.

Hasta aquí estas 6 cosas sobre tus pinturas acrílicas que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid o en nuestras clases de pintura online.

4 pasos para barnizar un cuadro que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 pasos para barnizar un cuadro que debes conocer.

¿Qué es barnizar?

Barnizar es aplicar barniz a una superficie. En este caso hablamos de un cuadro, que puede estar pintado sobre una tabla, tabla entelada, lienzo o incluso papel. Dependiendo de con qué técnica hayamos trabajado el cuadro aplicaremos un barniz u otro. Hay barnices específicos para acrílico que no son más que una cola sintética (por ejemplo acetato de polivinílo) diluida en agua al cincuenta por ciento. Pero también hay barnices para óleo que también podrían emplearse para acrílico, generalmente vienen de una goma (por ejemplo goma Damar) que se diluye en esencia de trementina a través de una muñequilla que hace de filtro. Puedes fabricar el barniz tu mismo o emplear alguno de todos los que puedes encontrar en el mercado.

Barnizar, proteger y potenciar…

Una vez hayas terminado tu cuadro, debes dejar que se seque por completo antes de aplicarle el barniz. La ventajas del barniz son diversas. Gracias a él protegerás la superficie de la pintura de la luz y las condiciones atmosféricas, otorgarás más profundidad a los colores vivos y mejorarás el aspecto general del cuadro. Vas a encontrar barnices mates o brillantes, si mezclas ambos conseguirás un efecto satinado. Cuidado con los barnices mates, llevan un poco de cera y tienden a amarillear.

deGranero barnizar un cuadro

¿Cuándo empezar a barnizar un cuadro?

La pintura al óleo puede tardar hasta un mes en secarse, piensa que el óleo es pigmento aglutinado con aceite y un poco de cera de abejas. El aceite tarda en secar, por lo que aunque la capa superficial esté seca, las capas internas aun están frescas. Por lo que deberías esperar mínimo seis meses para barnizar, o incluso más en pinturas gruesas. La pintura se seca de fuera a dentro, por lo que a veces parece seca al tacto, pero continúa húmeda debajo. Comprueba siempre que la superficie a barnizar está bien seca.

4 pasos para barnizar un cuadro que debes conocer.

El barniz potencia los colores y da coherencia al acabado de la superficie. Barniza siempre en una zona bien ventilada y libre de polvo con un pincel limpio y seco.

  1. Cuadro acabado y seco: Después de varios meses de reposo, comprueba que el cuadro está seco. Si es así, colócalo plano sobre una mesa.
  2. Aplica el barniz: Moja una brocha grande en el barniz y retira el exceso de material en el borde del recipiente. Aplica una capa fina con una pincelada larga y sigue por todo el lienzo. Da otra pincelada que se solape un poco con la primera, y sigue hacia abajo. Una vez seco el barniz aplica otra capa.
  3. Barniz húmedo: El barniz tardará unas 24 horas en secar por completo. Mantén el cuadro sin polvo mientras se seque. Si es posible, protégelo con un cartón pluma con algún separador para que no toque la superficie barnizada.
  4. Cuadro barnizado seco: Tras secarse el barniz, la superficie presentará un acabado consistente. Los oscuros parecerán más vivos.

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6 puntos para mezclar colores que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos para mezclar colores que debes conocer. Debes aprovechar la teoría del color para mezclar colores. Puedes comprar muchas pinturas, pero con pocos colores básicos puedes mezclar muchas variaciones y, por tanto, controlar más toda la obra. A diferencia de otras pinturas, los óleos no cambian de color al secarse: la mezcla presentará el mismo color exacto al final. Los acrílicos oscurecen al secar.

deGranero mezclar colores

6 puntos para mezclar colores que debes conocer.

  1. Temperatura y tendencia del color: Los rojos, naranjas y amarillos se consideran cálidos, mientras que los púrpuras, azules y verdes se consideran fríos. La elección de tonos cálidos o fríos afectará al equilibrio y sentimiento de la obra. Cada color también tiene su variación fría y cálida. Por ejemplo, el azul con tendencia al rojo (azul purpúreo) se considera cálido, mientras que el azul con tendencia al amarillo (azul verdoso) se considera frío. Como esta tendencia afectará las mezclas con otros colores, debes incluir una versión cálida y fría de cada color primario o en la paleta para tener mayor flexibilidad.
  2. Mezclar colores secundarios vivos: Mezclando los colores primarios creas un color secundario. Si mezclas dos primarios cercanos al mismo color secundario en el circulo cromático, crearás un color secundario intenso. Por ejemplo, el ultramar francés y el carmesí de alizarina dan un violeta vivo porque ambos se acercan al púrpura.
  3. Mezclar colores secundarios apagados: Si mezclas dos colores primarios cercanos a diferentes colores secundarios en el circulo cromático, crearás un color secundario apagado. Por ejemplo, azul cerúleo y rojo cadmio hacen un violeta apagado porque en el circulo cromático se acercan al verde y al naranja respectivamente.
  4. Mezclar los tres colores primarios para crear oscuros: Crea toda una gama de colores oscuros y apagados mezclando los tres colores primarios. Según la proporción de cada primario, crearás diferentes negros y marrones, normalmente más profundos y sutiles que las versiones comerciales. Esto especialmente útil para pintura de paisajes.
  5. Mezclar colores complementarios para crear grises: Los colores complementarios están en lados opuestos del círculo cromático; por ejemplo, el rojo y el verde o el amarillo y el púrpura. Cuando pones colores complementarios juntos, se intensifican entre sí. Sin embargo, si los mezclas obtienes el efecto opuesto y creas gris. Varía la mezcla para obtener grises cálidos, fríos o de color, que darán sutileza y profundidad a las obras. Si añades blanco, ampliarás aún más la variedad. Mezcla tus propios grises para dotar a tu obra de sutileza y profundidad.
  6. Mezclar claros: Por instinto, añadimos blanco para aclarar un color y, a menudo, es una buena solución. No obstante, al añadir blanco a la mezcla se desatura y adquiere un aspecto pastel. El color de los objetos bajo la luz directa se intensifica en lugar de debilitarse; por eso pintar la luz implica un uso racional de color saturado y blanco.
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5 soportes y otros materiales para óleos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 soportes y otros materiales para óleos que debes conocer. ¡Comenzamos!

Elegir una superficie para pintar.

Existen muchos soportes o superficies diferentes para pintar con óleos. Puedes elegir lienzo, papel y muchos tipos de madera. Mientras el soporte este bien imprimado, puedes pintar casi sobre cualquier superficie. El lienzo puede ser de algodón o de lino, es un soporte clásico para pintar al óleo, aunque muchos artistas prefieren pintar sobre tabla, incluso sobre tabla entelada que tiene la rigidez de la madera y la textura de la tela.

deGranero 5 soportes y otros materiales para óleos que debes conocer.

5 soportes y otros materiales para óleos que debes conocer.

Como he dicho antes, todos los soportes deben imprimarse antes de su uso para sellar la superficie y que el soporte no absorba la pintura. Muchos soportes ya vienen imprimados, pero si empleas un soporte hecho por ti, tendrás que imprimarlo. Una imprimación tradicional se hace a base de un gesso hecho con cola de conejo, creta y blanco de titanio. El gesso acrílico es más fácil de utilizar. También funciona bien una primera capa con base de agua o una imprimación con algo de yeso y cola blanca. Si imprimas con un brochón grande, dejarás pinceladas visibles en la superficie que darán textura y movimiento. Utiliza un rodillo para un acabado más uniforme, o puedes experimentar marcando con una tela de arpillera sobre el gesso húmedo para dejar textura.

  1. Tipos de lienzo: El lienzo es la opción más popular entre los pintores. Encontrarás muchos tipos: los de lino son los más tradicionales (Lino Goya o Lino Velázquez), mientras que los de algodón son más asequibles y tienen un tejido más regular. Para crear una superficie adecuada para pintar, el lienzo se estira y se fija sobre un bastidor de madera. Después se tensa con cuñas en las esquinas que separan las piezas del bastidor. Encontrarás lienzos con todo tipo de texturas, de fina a rugosa. Debes imprimarlos antes de usarlos.
  2. Tablas de madera: DM, tablex y contrachapado son buenos materiales para pintar al óleo. Su gran ventaja es que pueden cortarse a cualquier tamaño e imprimarse con la textura elegida. Las tablas duran más que los lienzos, y se guardan con más facilidad y sin riesgo de daños. Las tablas son útiles para pintar al aire libre, porque las puedes llevar en un transportín de obras húmedas y ocupan menos que los lienzos. Si quieres puedes entelar la tabla.
  3. Utilizar papel: Algunos artistas prefieren trabajar sobre papel para óleo, un papel con textura de lienzo ideal para óleos. Se vende por unidades o en bloques, es más económico que el lienzo y se puede montar sobre una tabla. Es muy útil tener este papel en el estudio para probar composiciones o mezclas de color antes de atacar el lienzo. También puedes utilizar papel de acuarela imprimado.
  4. Caballetes en el estudio: Necesitas algún tipo de caballete para sujetar el soporte. Existen caballetes para cada situación. Los de aluminio son ligeros y portátiles mientras que los de madera son fuertes, duraderos y tradicionales. También son más pesados, lo que dificulta su transporte; por eso son mejores para trabajar en el estudio. Otros modelos de estudio, más grandes, incluyen una manivela para subir y bajar mejor los cuadros grandes y facilitar así el trabajo.
  5. Al aire libre: Las cajas pochade almacenan el material y proporcionan soporte cuando trabajas fuera del estudio. Los caballetes franceses también incorporan zona para llevar el material.
deGranero pintando al óleo

Otros conceptos de interés.

  • Papeles y tablas: Los soportes populares para óleos, como lienzo, tablex, DM y contrachapado, tienen diferentes ventajas.
  • Imprimar tablas: Debes empezar dando pinceladas con un pincel horizontal o un rodillo para cubrir el soporte con imprimación y deja que se seque antes de aplicar una segunda capa vertical para una cobertura uniforme. Cuando seque, ya puedes comenzar a pintar encima.
  • Medios y disolventes: Puedes añadir medios a las pinturas al óleo para que sean más fáciles de trabajar, para rebajarlas o espesarlas. Limpia los pinceles con esencia de trementina o white spirit.
  • Caballetes: Las cajas pochade y las cajas caballete pliegan para poder transportarlas cuando pintes al aire libre. Los caballetes trípode son más grandes, fuertes y pesados, ideales para pintar en el estudio o en casa.
  • Paletas: Las tradicionales paletas de madera de todo tipo son muy populares. Las paletas de un solo uso son útiles para exteriores.
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8 consejos para planificar un cuadro que debes conocer.

En este artículo te damos 8 consejos para planificar un cuadro que debes conocer. Planificar un cuadro es recoger, esbozar y desarrollar. Sea cual sea el tema, planifica cada cuadro de manera parecida. Si siempre sigues las mismas fases de desarrollo antes de realizar la obra final, puedes estar seguro de que te sentirás orgulloso del resultado.

deGranero planificar un cuadro.

8 consejos para planificar un cuadro que debes conocer.

Independientemente del tema que elijas para pintar un cuadro, puedes hacer diversos esbozos y fotografías previas in situ antes de desarrollar la pintura y crear la obra definitiva en el estudio.

  1. Esbozos in situ: Debes hacer dibujos y pinturas in situ para tener material de referencia para el cuadro final. Dedica tu tiempo a esbozar el tema desde diferentes puntos de vista. Además de ser un material de referencia muy útil, estos “apuntes” visuales ayudan a fijar el tema en la memoria.
  2. Fotografías de referencia: Aunque no siempre es aconsejable trabajar con fotografías, es útil complementar los dibujos con fotos para captar detalles que nos has tenido tiempo de esbozar in situ.
  3. Composición: En tu estudio, analiza los esbozos y fotografías y crea una lista de candidatos para la disposición final. Se tan flexible como puedas en estas fases iniciales. Ahora tienes toda la libertad para mover o eliminar elementos de la escena si ves que con ello mejorarás el resultado. Prepara esbozos pequeños con varias composiciones que exploren las diferentes vistas que has registrado. Busca la escena que capture mejor la esencia del lugar y que mantenga la atención del espectador.
  4. Sentimiento: Tras elegir la composición, desarrolla los estudios de tono y color con diferentes veladuras para explorar qué sensaciones quieres transmitir. Sé, pues, flexible y contempla la posibilidad de pintar más de una versión del tema. Cuando te decidas, transfiere la composición al soporte definitivo y al tamaño adecuado.
  5. Referencia tonal: Debes establecer las diferentes áreas tonales del cuadro final.
  6. Reinterpretación: La obra final debe valerse de algunas licencias artísticas para modificar elementos de las escenas capturadas in situ. Puedes recolocar algún elemento del cuadro para conseguir una composición más equilibrada.
  7. Memoria detallista: El estudio exhaustivo de un elemento del cuadro se convierte en una referencia única a la hora de aplicar detalles en el primer plano. Las fotografías tomadas in situ también serán útiles para afinar los últimos detalles.
  8. Pintura definitiva: Durante la investigación, planificación y realización de la obra, habrás omitido o adaptado varios elementos. La pintura terminada no pretende reflejar fielmente la realidad, sino capturar la esencia del lugar.
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Busca la escena que capture mejor la esencia del lugar y que mantenga la atención del espectador. Debes dirigir la mirada de éste hacia algún punto del cuadro. Tu cuadro estará terminado cuando esté equilibrado y tenga atmósfera.

Hasta aquí estos 8 consejos para planificar un cuadro que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 puntos para elegir tus pinturas al óleo que debes conocer.

En este artículo te mostramos 3 puntos para elegir tus pinturas al óleo que debes conocer.

Propiedades de los óleos.

Las pinturas al óleo tienen una característica fundamental: los pigmentos de gran profundidad y viveza, junto con su consistencia cremosa, hacen que sea un medio versátil y popular. Además de las pinturas al óleo normales, encontrarás también óleos alquídicos, que incluyen un secante alquídico para acelerar el secado y que se sequen en un día. Si no quieres usar disolventes, también existen óleos para mezclar con agua.

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3 puntos para elegir tus pinturas al óleo que debes conocer.

Las pinturas al óleo, tienen el aceite como base, suele tener el pigmento suspendido en aceite de linaza. Como el aceite se evapora menos que el agua, los óleos tardan mucho más en secarse que las pinturas con base de agua. Como enseñamos en nuestras clases de pintura en Madrid, el tiempo de secado da la pintura varía según la marca: algunos colores se secan antes que otros según el contenido en aceite y los materiales utilizados para crear los pigmentos. Los colores tierra como el siena tostada o sombra tostada, se hacen a partir de óxido de hierro y se secan relativamente rápido, lo que los convierte en candidatos ideales para las primeras capas y glaseados. La mayoría de colores se habrán secado al tacto en una semana, aunque una capa gruesa puede tardar años en secarse, ya que el óleo seca de fuera a dentro.

  1. Elegir óleos: Existen en el mercado muchos fabricantes de óleos; la mayoría produce dos gamas; la profesional, con mucha pureza, contenido de pigmento y diversidad de colores; y una gama más baja y más barata porque utiliza más aglutinante y menos pigmento. Un pigmento más concentrado se traduce con mayor pureza y precisión al mezclar colores. También afecta a la permanencia del color: aumenta su longevidad y resistencia a la luz del sol. Ambas gamas producirán resultados buenos, pero te recomendamos usar la gama profesional. Dentro de cada gama, los colores se separan por series, cada una con un precio diferente, que varía según el coste del pigmento empleado en su producción. Algunos colores son más caros que otros, aunque puedes encontrar alternativas asequibles a los pigmentos más preciados, como los colores cadmio. Para indicar estas sustituciones, aparece la palabra “tono” seguida del nombre del color.
  2. Transparencia: Los colores también se clasifican en función de su transparencia como transparentes, semitransparentes, semiopacos y opacos. La transparencia de un color afecta a la cantidad de pintura necesaria para dar una buena cobertura. Sin embargo, debes tener en cuenta el principio de graso sobre magro; para colores de fondo es mejor mezclar un color transparente con un color opaco que aplicarlos demasiado espesos. Encuentra la utilidad de la transparencia del blanco cuando mezcles colores. La elección depende de tu tema y estilo. Incluso los colores con el mismo nombre cambian entre fabricantes, aunque contengan el mismo pigmento.
  3. Medios: Existe una gran variedad de aceites y medios preparados en el mercado, para aumentar o reducir la consistencia, acelerar o retardar el tiempo de secado, añadir brillo o alterar el aspecto final del cuadro. Los disolventes para limpiar pinceles y rebajar la pintura incluyen aguarrás, símil de aguarrás y alternativas sin olor como el white spirit; o también opciones más respetuosas con el medio ambiente a base de piel de cítico, que diluyen la pintura y limpian los pinceles bien. Puedes reutilizar los diluyentes si los decantas con cuidado y dejas de reposen, práctica que empleamos en nuestras clases de pintura en Madrid. Emplea los disolventes y óleos en áreas ventiladas, Lávate bien las manos tras pintar o utiliza guantes de vinilo.

5 aspectos sobre tus pinturas al óleo a tener en cuenta.

  • Consistencia de los óleos: Una característica que define los óleos es su consistencia espesa. Puedes aplicarla directamente del tubo para aprovechar al máximo esta cualidad, o rebajarla con medios.
  • Opacidad: Algunos pigmentos son más transparentes que otros, Los colores transparentes producen buenos glaseados, mientas que los opacos son mejores para coberturas sólidas.
  • Añadir medios: Los medios afectan a el tiempo de secado, la consistencia y el brillo. Añádelos a la pintura en la paleta o mójalos como si fuesen agua. Algunos amarillean el color ligeramente.
  • Elegir colores: Elige los colores que quieras, pero que sean de buena calidad. En este enlace puedes encontrar una paleta básica que funciona muy bien.
  • Negro: Existen negros en el mercado, marfil, humo… Aunque si no quieres un negro excesivamente industrial, te recomendamos que emplees una mezcla de tierra sombra tostada con azul ultramar oscuro, será más cálido cuanto más marrón le pongas a la mezcla y más frío si añades más cantidad de azul.

Hasta aquí estos 3 puntos para elegir tus pinturas al óleo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Proyecto de creación plástica y visual “Abstracciones”.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno y ahondar, mediante las herramientas necesarias, en el arte abstracto.

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las piezas será de 100 x 70 cm. en sentido vertical. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo. Éste soporte, tras ser imprimado, podrá ser intervenido por cada participante como le sea más idóneo para la representación de su idea. Es decir, se podrá trabajar directamente sobre la madera, entelarla, adherir una chapa metálica, cartón o cualquier otra cosa que sea beneficiosa para la creación de una pieza abstracta.

Para participar en este proyecto “Abstracciones”, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica y visual se llevará a cabo una exposición titulada ABSTRACCIONES del 14 al 28 de julio de 2020 en el Centro Socio-Cultural MONTECARMELO de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria, pero nos parece muy interesante para el desarrollo de la creatividad de cada alumno. Estamos seguros de que volveremos a llenar juntos de buen de arte esta nueva muestra del Colectivo AZUL de deGranero TALLER DE DIBUJO, PINTURA Y FOTOGRAFÍA.

Generalmente, cuando lanzamos el proyecto a los participantes, establecemos unos plazos de tiempo para el desarrollo del propio proyecto y por supuesto para la ejecución de las obras. En este caso, debido los difíciles momentos por las que pasamos a causa del coronavirus, no tenemos claro cuando regresaremos a la dinámica normal, en función de esto se establecerán los plazos más adelante, excepto le entrega que será como máximo el viernes 10 de julio de 2020. No nos desanimemos y miremos al futuro. Os proponemos este nuevo proyecto expositivo para que en la búsqueda de ideas estos días en la soledad de nuestros domicilios tengamos un entretenimiento más investigando en el arte abstracto. También solemos presentaros el tema en grupo en el taller enseñándoos una proyección sobre la temática y estableciendo un debate, en esta ocasión hemos decidido daros herramientas en este mismo artículo para que podáis comenzar a trabajar en solitario en los bocetos o ideas y cuando todo esto pase tengamos un poco de trabajo adelantado.

¿En qué debo pensar para generar esta obra abstracta?

El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores.

Surge en torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia histórica las que acabaron desembocando en creaciones no figurativas. La abstracción es el resultado de una tendencia a resumir y sintetizar que comienza a finales del siglo diecinueve, con Gaugain, Van Gogh y Cézanne, y que continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el Futurismo. Así pues, nos encontramos ante un movimiento que ya se iba perfilando desde el siglo anterior y que busca la renovación absoluta de la pintura.

FAUVISMO: André Derain,1904, Paisaje en Chatou, óleo sobre lienzo. Colección privada.
CUBISMO: Pablo Picasso, 1907, Las señoritas de Avignon, óleo sobre lienzo. MOMA de Nueva York.
FUTURISMO: Giacomo Balla, Muchacha corriendo en el balcón, óleo sobre lienzo. Galleria d´Arte Moderna, Milán.

La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un programa estético común. Ha ella podemos llegar a través de dos vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de una racionalidad exentos de referencias inmediatas al mundo exterior.

La primera se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas que exaltan la fuerza del color y se denomina abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción geométrica, se apoya en la estructuración cubista.

Abstracción Lírica.

El mayor de los referentes en el campo de la abstracción lírica fue Wassily Kandisnsky que realizaba abstracciones cargadas de sentimiento. La clave de las abstracciones líricas es que la obra consiga transmitir la emoción del artista de una manera que pueda ser entendida y compartida por el público.

deGranero abstracciones Kandinsky
Wassili Kandinsky, 1925, Yellow-Red-Blue, Óleo sobre lienzo. Centro Pompidou, París.

Los pintores de este tipo de abstracción rechazan representar la realidad objetiva porque ello conlleva a que la gente saque sus propias impresiones acerca del significante de tales objetos. Para ellos es necesario crear nuevas formas que por si mismas no representen nada para el público en general y poder así crear emociones partiendo de cero.

El movimiento surge a partir de 1910, en los años posteriores alcanzó una gran fama que realmente sigue presente en muchos de los pintores contemporáneos.

Paul Klee, 1928, Burg und Sonne, óleo sobre lienzo. Colección privada.

Otro de los artistas más representativos de la Abstracción lírica es Paul Klee. Mientras que en la corriente francesa destaca Robert Delaunay que recogió las teorías de Chevreul para poder elaborar contrastes simultáneos de colores.

Paul Klee, 1927, Barcos en reposo, tempera sobre cartón. Adquisición Torcuato Di Tella.
Robert Delaunay, Ritmo, la alegría de vivir, óleo sobre lienzo. Musée National d’Art Moderne, París.

Abstracción Geométrica.

El arte abstracto es una de las formas de expresión que generan más interés dentro del arte. Esto se debe a que utiliza gran cantidad de elementos, como el color, la forma, las líneas o las texturas. Su popularidad estuvo en auge durante gran parte del siglo XX, manteniéndose vigente hasta nuestros días. La abstracción geométrica es uno de las tantas vertientes que tiene el arte abstracto, que se caracteriza por el uso de distintas formas geométricas, organizadas de manera “lógica”, para recrear determinada forma.

Técnicamente, las obras compuestas con un estilo similar al de la abstracción geométrica están dispuestas para que no represente entes u objetos que puedan ser palpables en la realidad. Cabe destacar que, de igual forma, los artistas que defienden esta peculiar expresión, mantienen que buscan hacer de esta algo universal y, sobre todo, objetivo, mediante el uso racional de las distintas formas neutrales y simples; además, sostienen que, las líneas, le confieren a la obra un tono delicado, claro y con fría precisión. Su precursor más importante fue Wassily Kandinsky, un pintor ruso que se movía en Europa exponiendo las virtudes artísticas que traía consigo la abstracción.

Entre sus antecedentes se puede mencionar el suprematismo, un movimiento impulsado por el artista ruso Kasimir Malevich, hacia el año 1915, cuya principal característica era la reducida gama de formas y colores que se emplea para la realización de los cuadros; fue llamada “una de las formas más puras de arte abstracto”. Igualmente, neoplasticismo, que osa como máximo exponente a Piet Mondrian, resaltaba por descomponer la forma de lo que iban a representar a sólo las siluetas más básicas, con colores primarios; una de las frases más célebres del artista antes mencionado, dicta: “Todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos, y no por lo que sean capaces de representar”.

SUPREMATISMO: Kasimir Malevich, 1915, Suprematismo Dinámico, óleo sobre tela. Tate Gallery, Londres.
NEOPLASTICISMO: Piet Mondrian, 1925, Cuadro nº2, óleo sobre tela. Colección Max Bill. Zurich

Abstracción objetiva.

Experimento de artistas ingleses en 1930, con la transformación de objetos y escenas de la naturaleza, con diseños coloreados. Relacionados con la pintura abstracta expresiva, derivada de la obra de MonetBazaine y Manessier, reflejan la impresión óptica y no el objeto en si. Añadieron una idea romántica, de expresar un sentimiento de la naturaleza desde formas abstractas. La influencia fue mayor con la obra de J. M. W. Turner que con el ‘Impresionismo‘. En el grupo estaban: William ColdstreamGraham BellVictor PasmoreRodrigo Moyhihan e Ivon Hitchens; en el que sólo Hitchens quedó fiel el estilo. Y en 1934 se celebró la exposición ‘Objective Abstraction‘ en la Zwemmer Gallery.

Rodrigo Moynihan ,1935, Painting, óleo sobre lienzo.

Abstracción Perceptiva.

Se refiere a varias escuelas abstractas, sucedidas del Expresionismo abstracto, como “La pintura de zonas de color”, “La pintura Hard Edge”, El Minimalismo, y El Op Art.

OP ART: Victor Vasarely, 1937, Zebra.
MINIMMALISMO: Frank Stella, 1970, Damascus Gate (Stretch Variation I).
HARD EDGE: Stuart Davis, 1938, New York Waterfront, óleo sobre lienzo.

Abstracción Postpictórica.

En el catálogo de la exposición de Pintura contemporánea, en 1964, en el County Museum de los Ángeles, llamada “Post-Painterly Abstraction”, se suscribe éste movimiento, por el crítico estadounidense Clement Greenberg. Representa una generación de artistas de ruptura con el “Expresionismo abstracto“, y no con la pintura figurativa. Lo representan: Morris LouisKenneth Noland, Jack Youngerman, Leon Polk Smith, Frank Stella, Ells-worth Kelly, Larry Poons

Morris Louis – Alpha Pi. Image via metmuseum.org

Pintura abstracta-creación: Arte no figurativo.

Grupo de Pintores abstractos y Escultores abstractos o No objetivos, formados en París en febrero de 1931, luego de la primera exposición de arte abstracto celebrada en el mismo lugar en 1930. Fue el heredero del grupo Cercle Et Carré, fundado en 1930. Un grupo que llegó a 400 miembros aceptando artistas de cualquier nacionalidad. El grupo publicaba un anuario: Abstraction-Création: Art non-figuratif desde 1932 a 1936, editado cada número por una persona distinta, y realizaba exposiciones colectivas. Abarcaba obras desde el Constructivismo de GaboPevsnerLissitzky, y el Neoplasticismo de Mondrian, Vordemberge-Gildewart y Domela, Magnelly y Gleizes, que llegaban a la pintura abstracta no-figurativa desde el ‘Cubismo‘; la pintura abstracta expresiva de Kandinsky, la pintura abstracta biomórfica de ARP, y algunas del ‘Surrealismo Abstracto’. Por el peso del Constructivismo y “La escuela de D’ Stijl“; se inclinó hacia la pintura abstracta geométrica, en las corrientes expresivas y líricas. Debido a la marcha a Inglaterra de los constructivistas más importantes; el movimiento decayó en 1936. La exposición “Abstraction-Création“, se celebró en Munster en 1978 en honor al movimiento Painting abstract-création, luego se trasladó al Museum d’ Art Moderne de la Ville de París. Gladys C. Fabre recopiló documentos detallados del movimiento. Artistas: Gorin, Herbin, Helion.

Algunos artistas abstractos españoles…

Antonio Saura.

Antonio Saura, 1979, Crucifixión, óleo sobre lienzo.

Eusebio Sempere.

Eusebio Sempere, 1978. El día , la noche, la tierra. Gouache sobre tabla.

Esteban Vicente.

Esteban Vicente, Labels (Etiquetas), 1956. Papel coloreado, papel impreso, tinta, carboncillo, gouache y pastel sobre cartón, 124 x 190cm.

AHORA toca PENSAR…

Una vez os hemos presentado a grandes rasgos la abstracción en la pintura, hemos intentado abriros la mente, para comenzar a investigar y generar ideas de cara a esta próxima exposición. Vais a encontrar muchos más artistas abstractos muy sugerentes que os ayudarán a pensar y también abrirán la puerta a diferentes técnicas con las que trabajar. Quedamos a vuestra disposición para cualquier consulta, y recordad… ¡Nos vemos pronto!

5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer. Estas 5 maneras de corrección te servirán tanto sobre pintura húmeda como sobre seca también. Aunque es verdad que no es fácil, si es posible corregir pequeños errores en las acuarelas. Todo dependerá del tamaño del error (la cosa se complica si éste es muy grande), el tipo de pigmento y el papel sobre el que se haya pintado.

deGranero 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer

5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer.

Puedes corregir errores en acuarela incorporándolos al cuadro, retirándolos, pintando encima o, en el caso de elementos olvidados, añadiéndolos más tarde. Incluye esponja, pañuelos de papel, escalpelo, pincel de cerdas rígidas y gouache blanco en el “kit de correción”.

  1. Incorporar errores: En lugar de retirar errores como los borrones, intenta incorporarlos cambiando un color, pintando encima o añadiendo más detalle a su alrededor.
  2. Retirar: Si el error aún tiene la pintura húmeda, se puede retirar directamente con material absorbente, como una esponja o un pañuelo de papel húmedo.
  3. Rascar con un pincel: Puedes retirar pequeños trozos de pintura seca rascando con un pincel rígido húmedo; este método es abrasivo, ten cuidado con el papel.
  4. Rascar con una hoja: Si el papel es grueso, elimina detalles pequeños o añade cosas rascando suavemente la pintura seca con una hoja pequeña o un escalpelo.
  5. Utilizar blanco opaco: Añade un detalle que has olvidado pintando sobre pintura blanca opaca. Este método funciona mejor con detalles que con veladuras.

Incorporar errores.

Para incorporar errores necesitarás pinturas y pinceles. Los borrones, manchas o corridos no tiene que suponer un desastre. Si el error no arruina la composición, puedes añadir un elemento adicional, como un árbol, para ocultar el área, o cambiar el color o el tipo de sentimiento que se quiere transmitir.

Retirar.

Para retirar necesitarás esponja o pañuelo de papel y agua limpia. Si detectas el error con la pintura húmeda, soluciónalo de inmediato: retíralo con una esponja o pañuelo de papel húmedo. Si aplicas mucha agua en la zona, el pigmento perderá adherencia y se correrá con más facilidad. Deja que se seque bien antes de volver a pintar.

Rascar.

Vamos con la tercera manera de corregir errores en acuarela. Necesitarás pincel limpio de cerdas rígidas y agua limpia. Si el error se ha secado antes de que puedas retirarlo, humedece la zona y rasca suavemente con un pincel rígido. Deja secar bien el papel antes de volver a pintar encima.

Rascar con una hoja.

Necesitarás una hoja afilada o un escalpelo. Utiliza el escalpelo para retirar pintura seca cuando necesites una herramienta más precisa que un pincel. Este método solo debes emplearlo con un papel grueso y resistente, nunca sobre una superficie delicada.

Utilizar blanco opaco.

Necesitarás gouache blanco opaco y un pincel redondo de pelo blando. Si tienes que corregir o añadir detalle, cubre el error con gouache blanco y vuelve a pintar. Es posible que tengas que aplicar varias capas de blanco para ocultar totalmente el error.

Has aquí estas 5 maneras de corregir errores en acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

Explorar el rango tonal.

Cada color tiene un rango tonal de tintas, tonos y sombras: una escala del brillo, del más claro al más oscuro. Debes emplear el color tonal para todo, desde las luces más potentes hasta las sombras más oscuras, así imitarás el comportamiento de la luz sobre un objeto determinado o espacio y crearás un efecto de tres dimensiones con su profundidad.

deGranero tintas, tonos y sombras

3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer.

  1. Tintas: Las tintas se crean añadiendo blanco a los colores, con ello conseguirás suavizar el brillo de lo acrílicos y crear diferentes tonos pastel, dependiendo de la cantidad de blanco que emplees.
  2. Tonos: Los tonos los conseguirás añadiendo gris o una mezcla de blanco y negro a los colores. Conseguirás diferentes variantes más complejas según vayas ajustando las cantidades de blanco y negro en la mezcla.
  3. Sombras: Vas a conseguir sombras cuando añadas negro a los colores. Emplea poco negro, éste es muy dominante y puede que se apoderé por completo del color de la sombra.

Practiquemos.

Puedes pintar un cuadro en el que cada color se mezcle con gris o negro para crear así efectos tonales de luz y sombra. Una fotografía en la que la iluminación sea dura como imagen de referencia te proporcionará mucho contraste para experimentar. Elijas el tema que elijas, para saber si lo estás haciendo correctamente fotografía en blanco y negro la pintura en color terminada. Así podrás ver si el rango tonal que has utilizado es el correcto.

  • Sombras: Aplica zonas de azul profundo al fondo y el resto de sombras, el contraste atractivo de oscuros con luces potentes definirán las formas. Para las sombras en primer plano puedes introducir tonos más suaves con mezclas de azul y gris.
  • Tintas: Agrega muchas tintas amarillas claras para evocar una sensación de luz. Utiliza tintas de rojo y azul entre el amarillo para añadir interés. La diferencia tonal entre tintas y sombras produce grandes contrastes y crea destacados efectos de luz.
  • Tonos: Sugiere con sutiles tonos degradados de azul, amarillo y rojo. Utiliza tonos más oscuros cerca de las sombras y tonos más claros que se difuminen con las tintas de la parte superior. Experimenta antes en una paleta, ajusta la proporción de negro en el blanco en las mezclas de gris para crear diferentes tonos.
  • Mezclas de colores secundarios: Vincula los colores primarios mezclando tintas, tonos o sombras de colores secundarios. Amplia el abanico de tintas rojas añadiendo azul al rojo para crear púrpuras pastel; o agrega un toque de rojo a las mezclas gris azul para obtener un tono verdoso.

Hasta aquí nuestros 3 aspectos sobre tintas, tonos y sombras en acrílico que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer.

¿Cómo elegir los pinceles?

La gama de pinceles para acrílicos es enorme, encontrarás un sinfín de tamaños y formas; la selección depende en parte si rebajas la pintura o la utilizas directamente son rebajar. Las cerdas pueden ser de pelo natural, más caras, o de fibra sintética, que funcionan muy bien en esta técnica, especialmente si empleas pintura espesa.

deGranero pinceles y espátulas para pintar con acrílicos

4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos.

Los pinceles de cerdas rígidas van bien si usas pintura espesa y los de pelo suave pueden cargarse con mucha pintura fluida y rebajada. Encontrarás pinceles de cerdas sintéticas y de pelo suave suficientemente robustos para la pintura acrílica. Los pinceles de pelo de cerda (habituales en la pintura al óleo) son rígidos y adecuados para el acrílico. Los pinceles de marta por ejemplo son demasiado delicados para esta técnica.

Ahora si, vamos con los 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer:

  1. Tipos de pincel: Los principales pinceles que necesitas son los planos, redondos y lengua de gato. Los planos tienen la punta cuadrada, útiles para pinceladas anchas y sueltas, y para líneas atrevidas. Los redondos cargan mucha pintura y acaban en punta, ideales para pintar detalles. Los de lengua de gato tienen forma plana, pero acaban en redondo, lo que les da versatilidad. Los hay de otros tipos: delineadores para trazar líneas finas y abanicos para difuminar. Empieza con un par de pinceles grandes, dos medios y dos finos, de formas planas y redondas. Si lo que quieres es detallar mucho en la pintura, elige más pinceles redondos; si prefieres una pintura más suelta y expresiva, te irán mejor las paletinas, Practica con el pincel en diferentes posiciones para obtener diferentes efectos de pincelada.
  2. Cuidado de los pinceles: La base de la pintura acrílica es el agua, por lo que debes limpiar los pinceles con agua y jabón. Hay soluciones de limpieza especiales. Evita que la pintura acrílica se seque en los pinceles para que no se estropeen.
  3. Espátulas y otras herramientas: Hay espátulas de muchas formas y tamaños para crear marcas con texturas muy acentuadas. Puedes utilizarlas también para mezclar colores de manera rápida y limpia. Y para crear efectos de textura, prueba con pulverizadores, esponjas, cepillos de dientes, brochas para proyectar o rodillos.
  4. Otras formas de aplicar pintura acrílica: Puedes aplicar pintura con pulverizador diluyendo mucho el acrílico en agua. También puedes hacerlo con esponja y crearás efectos muy potentes. Viene bien para crear efectos de árboles o aplicar pintura de manera irregular. Y puedes usar también un rodillo para cubrir grandes áreas o crear líneas y marcas.
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¿Cómo sujetar el pincel?

  • Como un lápiz: Para pintar detalles finos, sujeta el pincel como si fuera un lápiz, con los dedos cerca de la punta: así obtendrás el máximo control.
  • Flexible: Para dar flujo a las marcas, sujétalo por la mitad el mango, para que puedas mover la muñeca y el brazo con libertad sobre la pintura.
  • Amplitud máxima: Sujeta el pincel por el final del mango para crear pinceladas muy atrevidas y libres, para cubrir grandes áreas con rapidez.

Curiosidades sobre los pinceles y las espátulas para pintar con acrílicos.

  • Pinceles: Los pinceles tienen diferentes formas y tamaños: redondos, planos, lengua de gato y delineadores. Están numerados, a mayor número más grande es el pincel. Con diversos pinceles puedes crear desde finas líneas a anchas veladuras.
  • Herramientas para efectos especiales: Consigue salpicaduras interesantes utilizando un cepillo de dientes o una brocha para proyectar. Las paletinas son magníficas para esparcir el color espeso y cubrir grandes áreas.
  • Espátulas: Aplica pintura con la parte plana, el borde o la punta de la espátula para obtener diferentes efectos, igual que con los pinceles, encontrarás espátulas de diversos tamaños y formas. Sujeta la espátula con el puño cerrado como si fuera una paleta.

Hasta aquí nuestros 4 aspectos sobre los pinceles y espátulas para pintar con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

En este artículo te damos 3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

Mostrar tu arte.

Para exponer tus obras de arte en público, estas deben estar bien montadas y enmarcadas. Puedes llevarlas a un enmarcador profesional o crear tus propios marcos tras hacerte con el equipo necesario. Cuando la presentación de tus obras de arte sea adecuada y hayas expuesto en muestras locales o nacionales te podrás plantear exponer en galerías de arte.

deGranero pautas para montar y exponer tus obras

3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer.

Una buena opción para las pinturas al óleo y los acrílicos sin cristal es enmarcar las obras más pequeñas con marcos más anchos y las obras más grandes con marcos más estrechos. Sin embargo en el caso de las acuarelas nuestra recomendación es que las protejas con un cristal y les pongas un marco fino.

  1. Marcos y molduras interiores: Aunque las tendencias cambian , sigue siendo bastante habitual incluir un marco interior o paspartú, de un color más claro que el marco, para equilibrar y mejorar la pintura. El oro domina demasiado, pero algún toque en el relieve del marco puede resultar eficaz. Aunque disponemos en el mercado de una gran gama de colores, lo mejor es elegir colores sutiles y suaves que complementen y destaquen tu obra. Evita marcos o molduras que distraigan o estorben en tu obra. Utiliza más de una moldura y deja un pequeño espacio entre ellas para acompañar la mirada del espectador hacia la pintura.
  2. Aspectos prácticos de enmarcar: Puedes enmarcar tus cuadros en casa, aunque para ello tendrás que adquirir equipo especializado. Te hará falta una ingletadora para cortar esquinas precisas y finas a 45 grados, clavos en V para unir las esquinas y una ensambladora para fijar estos clavos. Otra buena opción es que pidas a un profesional que te prepare los marcos a tu gusto, o que monte unos marcos de madera sin tratar, para que puedas luego acabarlos en casa aplicándoles una buena emulsión y una capa de cera protectora para muebles, barniz mate o satinado, pan de oro…
  3. Exponer las obras: Busca oportunidades para exponer obras en sociedades artísticas locales y en ferias de arte regionales y nacionales. Para exponer durante más tiempo, ponte en contacto con una galería. Investiga y ten preparadas tus obras de arte siempre.
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Contactar con galerías.

Antes de nada, valora y prepara tus obras. ¿Puedes reconocer un estilo propio en ellas? Las galerías prefieren una obra coherente y original. Enumera las exposiciones y las ferias de arte en las que has participado, así como tu experiencia, y prepara un pequeño portfolio de piezas originales, bien presentadas y a punto para vender.

Elegir una galería.

  • ¿Tienes la misma experiencia y nivel que el resto de los artistas de la galería?
  • ¿Encajan ahí tus obras sin ser demasiado parecidas a las de otros artistas expuestos?
  • ¿Tus precios son equiparables a los de las otras pinturas de la galería?
  • Establece tus precios siguiendo una coherencia; descubre que comisión te aplicarán.

Negociar con la galería.

  • Nada de puerta fría: consigue una cita e investiga qué les interesaría ver.
  • Escúchales, ellos conocen este mundo.
  • Deja claras las condiciones antes de confirmar.
  • Hablad de sus requisitos y decide si podrás cumplirlos todos.
  • La comisión que cobran es el precio de su trabajo, tu creas y ellos venden a su cartera de clientes.

Hasta aquí estas 3 pautas para montar y exponer tus obras que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

En este artículo te damos 2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

¿Cómo decidir que pintar?

Conocer bien el tema te ayudará mucho cuando intentes pintarlo. Si conoces como actúa algo,qué peso tiene o a qué velocidad se mueve, es prácticamente seguro que puedas retratarlo con mayor precisión. Lo mejor para conocer un tema es dedicar tiempo a su observación y dibujarlo. Entonces, cuando entiendas bien la perspectiva, el color y el tono, puedes comenzar a experimentar con las pinturas…

deGranero pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer.

El tema influye en el estilo elegido. A los temas grandes y geométricos suele irles bien un enfoque atrevido, mientras que las pinturas finas y detalladas suelen ser adecuadas para temas más complejos. Empieza por identificar los estilos y temas que te resulten de interés. Elige temas adecuados que se ajusten a tu estilo y técnica, y estúdialos haciendo borradores, para empezar a pintar teniendo una buena base.

  1. Refinar la pintura: Una buena idea para descubrir el nivel de detalle que deseas en tu obra es desarrollar la pintura refinándola paulatinamente. Para lograrlo, el punto de partida debe ser impresionista, incluso abstracto. A continuación puedes ir añadiendo más detalles. El proceso es fácil con acrílicos y con óleos, ya que puedes añadir capas para ajustar el tono y el color; con acuarelas también lo puedes hacer: reserva las zonas de blancos para no perder las zonas iluminadas y emplea veladuras muy suaves al principio para conseguir dichas capas.
  2. Saber cuando hay que parar: Lo correcto es trabajar por toda la obra y no por áreas, de esta manera podrás parar en cualquier momento y considerar que la pintura está ya “terminada”. A los artistas les suele costar saber en que momento hay que dejar de pintar. Es importante separarte unos pasos de la pintura de vez en cuando para evaluar el progreso en su conjunto. Cargar demasiado una pintura estropea su impacto y puede dar sensación de sobrecarga. Si no eres capaz de dar por terminada una obra, déjala reposar y vuelve más tarde con la mirada fresca. Incluso puedes investigar algo más sobre el tema, hacer algún estudio o borrador adicional, para analizar el trabajo que llevas ya hecho. Así podrás decidir si queda algún área de la pintura por refinar y podrás darle el toque definitivo.
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3 temas para pintar que debes conocer.

Realiza diversos bocetos para descubrir los diferentes elementos de un tema. Algunas áreas cobrarán interés como imágenes más pequeñas o parte de una pieza más grande.

  1. Paisaje: La inmensidad de un imponente paisaje levanta el ánimo y destaca la fuerza y la escala. Los paisajes ofrecen una gran variedad de temas; el límite del tiempo y el cambio de luz suponen un emocionante reto.
  2. Naturaleza muerta: De manera muy fácil puedes preparar una naturaleza muerta en tu propia casa; ajustas la iluminación y eliges elementos que se ajusten a tus gustos y también a la técnica que practicarás. Es una fantástica forma de refinar el tono y la técnica de pincelada en la comodidad de tu estudio.
  3. Personas: Los retratos, las figuras o una muchedumbre son grandes ocasiones para que el espectador interactúe con la pintura. Reconocemos la emoción en los rostros y un retrato provoca reacciones diversas. Dibujar figuras sirve para desarrollar técnicas para dotar a los objetos de sensación de identidad, peso y equilibrio.

Hasta aquí estas 2 pautas para elegir un tema para pintar que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos muy contentos de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica.

En este artículo te enseñamos los pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica a la hora de trabajar en tu obra.

¿Acuarela, acrílico u óleo?

Para elegir una u otra técnica pictórica, fíjate en las obras de algunos artistas, es posible que te inspire el uso concreto de un tipo de pintura. Algunos artistas emplean diversas técnicas, mientras que otros emplean la misma en todos sus cuadros.La elección se basa en factores como el tiempo de secado, la facilidad de uso y el tamaño del cuadro. Si tienes interés por alguna obra con una sensación concreta, identifica qué técnica se ha utilizado para crearla.

Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica.

Acuarelas.

Las acuarelas se diluyen con agua, lo que facilita su uso y limpieza. Se vuelven a diluir incluso después de secarse, por lo que se pueden añadir colores nuevos a un color ya seco. Puedes utilizar transparencias para cubrir rápidamente grandes áreas.

Pros:

  • Son relativamente baratas.
  • Secan muy rápido.
  • Dan la posibilidad de crear pinturas expresivas con técnicas como las veladuras, los goteos y las salpicaduras.

Contras:

  • Es complicado dominar las técnicas de acuarela.
  • Es complicado corregir los errores.
  • Frágil: Una sola gota de agua puede estropear toda la obra.
deGranero Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica.

Acrílicos.

Los acrílicos mezclan ventajas tanto de los óleos como de las acuarelas. Secan rápido y se por tanto se pueden superponer capas en un breve espacio de tiempo. Se pueden mezclar con agua, por lo que no hay que preocuparse por los disolventes de la pintura o los productos de limpieza.

Pros:

  • Se pueden aplicar capas gruesas o veladuras finas.
  • Secan en minutos.
  • Útiles sobre diversos materiales, como lienzo, papel , plástico o metal.

Contras:

  • El secado rápido implica que hay que trabajar con celeridad para mezclar colores.
  • Los colores oscurecen al secarse.
  • Es complicado realizar grandes áreas uniformes.
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Óleos.

Las pinturas al óleo gozan de una gran tradición y popularidad gracias a su rica gama de colores. Confieren una calidad gruesa y estructural; con técnicas como el glaseado, el empaste y las capas pueden crearse desde obras abstractas hasta imágenes hiperrealistas.

Pros:

  • Son más flexibles gracias a un tiempo de secado más largo.
  • Los colores se mezclan muy bien.
  • Se pueden crear texturas con capas gruesas.

Contras:

  • Los lienzos deben imprimarse bien a ser posible con una técnica tradicional.
  • Requieren disolventes como el aguarrás.
  • Difícil creación de líneas limpias por el largo tiempo de secado.
deGranero Pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica. 2

” El tema y lugar donde pintas influyen en la elección de la técnica. Un pintor de paisajes al aire libre y un pintor de retratos de interior necesitarán cosas diferentes”

Una acuarela puede contener diferentes técnicas, desde las delicadas veladuras hasta las líneas limpias y las luces claras. Con acrílico se pueden construir capas vibrantes de color y dar profundidad con tonos brillantes. Con el óleo puedes emplear colores suaves o no y conseguir calidades de empaste que el acrílico o la acuarela no te darán.

Hasta aquí estos pros y contras para elegir una u otra técnica pictórica. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer. El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el Color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.

deGranero pintar mejor con acuarela

10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer.

  1. El recurso de las capas superpuestas: Es otra manera de hablar del método “húmedo sobre seco”. En este caso cada capa debe secarse antes de pintar la siguiente. Es una técnica perfecta para crear texturas y detalles en el primer término.
  2. El recurso de la granulación: Una forma de aprovechar los errores tal como enseñamos a nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid es este recurso. Algunos pigmentos por sus características mecánicas, son los colores llamados “sedimentarios”. Ellos tienden a precipitarse cuando se mezclan con agua. El resultado es una superficie texturada, muy útil cuando se pinta por ejemplo piedra.
  3. El recurso de los corridos: Cuando uno comienza a trabajar con acuarela, en ocasiones se producen algunos errores que dan lugar a formas con diferentes aspectos orgánicos. De estos pequeños errores podemos aprovechar las texturas que nos dejan. Si pintamos una mancha con un color fuerte y estando ésta aun húmeda se aplica encima un color con más agua, el pigmento se alejará hacia los bordes. Es esta característica la que le da el nombre de “corridos”. Atención, los corridos deben producirse por que el artista así lo desee.
  4. El recurso de los degradados: El degradado es una transición de un color a otro. Para conseguir un buen degradado, es aconsejable aplicar movimientos en el mismo sentido y no pasar dos veces por el mismo sitio. Como mejor se consigue es con la técnica del húmedo sobre húmedo.
  5. El recurso de los borrones: Los borrones aparecen cuando aplicamos una capa de pintura sobre otra que aun no estaba completamente seca. Son controlables con el papel, cuanto más absorbente sea éste más difícil será que aparezcan borrones. De este error pueden surgir texturas interesantes. Los borrones se pueden corregir aplicando agua y limpiando rápidamente con un trozo de papel.
  6. El recurso del dibujo con pincel: Como les enseñamos a nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid, este recurso es muy empleado por los acuarelistas chinos y japoneses. En el mundo occidental es el dibujo tradicional con pincel. El pincel debe ser duro. Dependiendo de la presión con la que apliquemos la pintura a través del pincel podremos realizar líneas más gruesas o más finas.
  7. El recurso de las manchas: Las acuarelas líquidas con las más indicadas para trabajar con este recurso. Son poco controlables pero aportan fondos muy interesantes para comenzar a pintar algo encima.
  8. El recurso del restregado: Se trata de aplicar el pigmento al papel con un movimiento de frotación, con lo que el papel se cubrirá en todas las direcciones. Con este recurso conseguiremos resaltar la textura del papel.
  9. El recurso del lavado y línea: La línea es muy útil para añadir detalles o crear tramados de sombra cuando es necesario. El recurso de lavado y línea es diferente, usaremos la línea para dibujar toda la escena y los lavados para amplificar o unificar la pintura. Se pueden obtener resultados muy buenos empleando lavados de color y línea negra. o incluso un lavado en negro y línea coloreada.
  10. El recurso de la esponja sobre seco: Sobre el papel seco con un color no muy diluido se pueden conseguir texturas muy interesantes.
deGranero pintar mejor con acuarela bien

Hasta aquí nuestros 10 recursos para pintar mejor con acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer. La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semitransparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

deGranero recursos para trabajar con acuarelas

14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer.

  1. Degradado monocromático: Mismo color con distintos grados de opacidad, de más oscuro a más claro y viceversa.
  2. Degradado con distintos colores: La transición se hace de un color a otro.
  3. Técnicas del degradado: Es posible trabajar degradados con el mismo sistema de los fondos uniformes, técnica húmedo sobre seco o técnica de húmedo sobre húmedo. En este último caso te recomendamos elevar o inclinar un poco el tablero para que la pintura escurra un poco. Para que queden más suavizados se puede pasar el pincel limpio de pigmento y mojado en agua para extender mejor la pintura, especialmente en húmedo.
  4. Fondo degradado de oscuro a claro en papel seco con pincel: En este caso las franjas se verán bastantes desiguales. Aplicar el color con mucha carga de pigmento y poca de agua en el extremo. Ir disolviéndolo y aclarándolo con agua ,mientras ocurre un desplazamiento hacia abajo.
  5. Fondo degradado de oscuro a claro en papel húmedo con pincel: Aquí se realiza el mismo proceso que en el paso anterior humedeciendo previamente el papel.
  6. Fondo degradado de claro a oscuro con pincel: En el caso de degradado de claro a oscuro se recomienda empezar en la mitad del papel con el tono más claro. Primero hay que humedecer la parte superior del papel, aplicar el tono más claro en la mitad y extenderlo por la parte que ha sido humedecida previamente, degradando así el tono hasta lo más claro. Después se debe hacer lo mismo pero con un tono más medio y hacia la parte inferior del papel degradando a oscuro.
  7. Fondo con superposición de colores: Aquí hay que humedecer previamente la mitad del papel . En la parte seca aplicar un color y extenderlo. Dejar secar y repetir el proceso con otro color. Es posible repetir este proceso varias veces, dependiendo del número de colores que se quieran superponer.
  8. Técnica para pintar cielos: Los cielos se deben pintar siempre en húmedo , mojando con agua la parte del papel que ocupará el cielo y soltando mucho color. Es buen consejo no tener miedo en la aplicación de color en el cielo.
  9. Pintar cielos: Los extremos se encuentran en los cielos despejados y los nublados. En el medio se ubica una enorme cantidad de posibilidades.
  10. Cielos despejados: Si el cielo va a ser totalmente despejado y por lo tanto sólo azul, lo mejor será variar con dos o tres tonos de azul la superficie a colorear, ubicando los tonos de azul más cálidos en las zonas más altas.
  11. Cielo con nubes: SI se trata de un cielo con nubes tipo cúmulos, que son nubes de aspecto algodonoso, habrá que pintarlas quitando color a la superficie inundada de azules mediante la aplicación por tamponado (contacto sin desplazamiento lateral) de un trozo de esponja natural o artificial levemente humedecida, papel secante, o simplemente papel de celulosa de uso higiénico personal.
  12. El recurso de la agregación de colores: Este recurso técnico refiere a la agregación de colores en zonas aún húmedas, EL control reside en humedecer tan sólo las zonas en las cuales se desea provocar la mezcla de color.
  13. El recurso de las capas graduales: Se refiere a uno de los métodos para pintar acuarelas altamente emparentado con la técnica del húmedo sobre húmedo. Aquí la humedad base es justamente la que permitirá la fusión de colores. Se utiliza en zonas que no precisen definición o detalles.
  14. El recurso de las capas multicolores: Cuando se plica más de un color este recurso recibe el nombre de capas multicolor. Las pinturas de paisajes a menudo comienzan con una capa multicolor, con azul o un gris por arriba, que suele ir modificándose a amarillos y verdes hacia el primer plano. Las puestas de sol son otro tema típico de la utilización de este recurso.

Hasta aquí estos 14 recursos para trabajar con acuarelas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 técnicas de acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 técnicas de acuarela que debes conocer. La acuarela es un tipo de pintura compuesta por pigmentos aglutinados con goma arábiga y el agua como diluyente. Tiene una particularidad respecto a otros tipos de pintura y es que se puede pintar con capas semitransparentes.

11 técnicas de acuarela que debes conocer.

  1. Pasos para la técnica húmedo sobre seco: Es importante tener presente que primero hay que elaborar el boceto con lápiz para definir bien las capas de la pintura y comenzar a superponerlas. En estas superposiciones de colores es de vital importancia que si se van a combinar colores cálidos directamente en la pintura, se debe en todos los casos utilizar el color más cálido al principio. Por ejemplo, si se quiere obtener un color naranja, entonces primero se debe colocar una capa de color rojo y una vez que esté seca será momento de colocar el amarillo. En los colores fríos el proceso es a la inversa ya que primero se coloca el color más frío.
  2. Características más importantes en la técnica húmedo sobre seco: Algunas de las mejores características de la acuarela húmeda sobre seco son que es fácil de dominar y que además resulta muy útil al momento de obtener mayor precisión en los detalles. Para intensificar un color, bastará aplicar una nueva mano sobre las anteriores una vez que esté seca.
  3. Pintar con la técnica seco sobre seco: Se conoce como acuarela seca a la técnica de aplicar un color en el papel de acuarela totalmente seco, con un pincel seco y los pigmentos o pinturas casi sin diluir. Una vez que se ha secado una zona ya pintada o sin pintar sobre el blanco de la hoja, se deben hacer trazos o pinceladas con la acuarela pero casi sin humedecerla, lo que dará un efecto como raspado. Esta técnica permite llevar adelante una superposición de colores generando distintas transparencias cuando se superponen los mismos.
  4. Superposición de color en la acuarela seca: La aplicación de un color sobre otro ya seco, es decir las superposiciones, tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que se le superpongan. En las superposiciones secas, tal como sucede con las superposiciones sobre húmedo, se debe aplicar primero el color más cálido. De hecho, si se actúa al revés, es decir, se coloca primero el color frío ya continuación el cálido, el resultado es totalmente diferente.
  5. Pintar con la técnica del pincel seco: De las técnicas de acuarela, la del pincel seco es de las más difíciles de llevar a cabo. Agitar el tarro donde se encuentra la pintura muy bien para que se haga homogénea antes de verter unas gotas sobre el lugar que se utilice como paleta. Tomar el pincel de punta recta y untar una cuarta parte de su cerda en la pintura. Descargar el pincel sobre una superficie porosa dando pinceladas muy rápidas hasta que las últimas pinceladas no dejen huella.
  6. Pintar con la técnica del pincel semiseco: Es la que se utiliza con mayor frecuencia. Muchos la confunden con la técnica del pincel seco. La diferencia reside a la hora de descargar la pintura que se ha tomado con la punta del pincel. Cuando se aplica la técnica del pincel semiseco, la zona se resalta mucho más rápido por lo que aquello que era un error en la técnica del pincel seco se convierte en el modo de ser de la técnica del pincel semiseco.
  7. Pintar fondo uniforme en papel seco con pincel: En un papel seco aplicar el color directamente con el pincel. Conseguir un fondo uniforme de este modo es complicado, hay que hacerlo muy rápidamente y generalmente no se coloca la misma cantidad de acuarela en todas las partes.
  8. Pintar fondo uniforme en papel seco con esponja: Con la esponja es más fácil conseguir un tono uniforme en un papel seco, ya que permite repartir la acuarela por el papel de manera más homogénea.
  9. Pintar fondo uniforme en papel húmedo con pincel: Es la técnica húmedo sobre húmedo, el papel se humedece previamente y se usa el pincel con el color sobre la superficie húmeda.
  10. Pintar fondo uniforme en papel húmedo con esponja: Se trata de utilizar la técnica húmedo sobre húmedo sólo que con esponja en lugar de pincel. La esponja permite homogeneizar muy bien el color en la superficie.
  11. Degradados: Un degradado es una transición de tono y/o color. Puede ser monocromático, o con distintos colores.

Hasta aquí estas 11 técnicas de acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.