22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 22 puntos sobre la aguada que debes conocer. Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. A continuación te damos todas las pautas necesarias para un buen manejo de esta técnica tan similar a la acuarela.

deGranero la aguada

22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

  1. La aguada como definición: Tanto la acuarela como la aguada utilizan el color disuelto en agua, al que se añade un aglutinante (formado en su mayor parte por goma arábiga). Una de las mayores diferencias que se encuentran entre la aguada y la acuarela es que el color utilizado en la aguada es más pastoso y viscoso.
  2. El color blanco en la aguada: Otra diferencia es que el color blanco y la luz en la aguada no se obtienen por la transparencia del papel, sino a través del empleo de color blanco. Esta técnica permite la utilización de una amplia gama cromática a partir de un único color de base, el cual se trabaja a partir de fundidos.
  3. Aplicación de la aguada: Se aplica en general con pincel. La dificultad y tal vez la belleza de esta técnica consiste en saber diluir correctamente la tinta y plasmar sobre el dibujo las distintas franjas entre la luz directa y la sombra tonal.
  4. La práctica de la aguada: Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. Se sugiere comenzar pintando desde lo más brillante hacia lo más oscuro, ya que las capas se acumulan unas encima de otras. Por otro lado, las aguadas suelen emplearse en el mismo papel que se usa para acuarela. Esto quiere decir que se tiene que usar un papel de grosor suficiente para no combarse.
  5. El encaje de las formas: Con esta técnica se parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza siempre de menos a más, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros vayan hacia los más oscuros. Esto se debe a que son los tonos claros los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo resulta vital dejar establecido desde el primer momento cuales van a ser las principales zonas de trabajo en el dibujo. Esta será la única forma de determinar con exactitud que tonalidades responden a cada zona.
  6. El modelo: El modelo que se utilizará en la obra se debe analizar desde un punto de vista completamente sintético, sin recaer en ningún tipo de valoración de los tonos. Para lograr esto, se sugiere utilizar un lápiz del mismo tono de la aguada que se va a plantear, encajando cada una de las formas de manera exacta.
  7. Cómo modificar el fondo en la aguada: La aguada parte siempre de tonalidades más claras, que se pueden ir oscureciendo a medida que se avanza el dibujo, pero no se puede realizar la tarea contraria, es decir, trabajar un tono claro sobre una base de color oscuro.
  8. La plumilla en esta técnica: El trabajo de la plumilla sobre la aguada se debe realizar cuando ésta se encuentra completamente seca. De otro modo la carga de la plumilla se expandiría por toda la zona humedecida.
  9. ¿Cómo hacer una aguada?: Al tener una amplia gama de tonos, el éxito dependerá de una evaluación y de una comparación meticulosa de los matices observados en el tema como así también en todo el dibujo. Por lo tanto, siempre conviene actuar prudentemente. Se aconseja aumentar la intensidad tonal de tal o cual parte sólo después de una detenida reflexión.
  10. ¿Cuales con os colores más apropiados para una aguada?: Todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, tinta neutra, sanguina, negro de carbono, son apropiados para una aguada, así como la acuarela parda, los diferentes colores de gouache y la tierra de Siena. Se puede aplicar sin problemas en los dibujos a lápiz y a plumilla y con precaución sobre el pastel, la tiza y el carboncillo.
  11. La técnica: La aguada es una técnica acumulativa, se comienza por aplicar capas cálidas y transparentes, añadiendo capa sobre capa hasta obtener los tonos más oscuros, Es difícil rebajar la intensidad de un tono ya aplicado sobre el dibujo, por lo que el exceso de tinta habrá siempre que evitarlo. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce ese efecto de sombras aterciopeladas. El procedimiento requiere mucha paciencia, ya que hay que esperar que una capa se seque antes de aplicar la siguiente.
  12. Cómo preparar el papel para una aguada: En el mercado se ofrecen centenares de papeles excelentes para trabajar esta técnica. Los más recomendables son los de acuarela. Sin embargo es aconsejable experimentar con todo tipo de papeles. Sólo así se podrán descubrir las opciones más adecuadas para cada caso.
  13. Aguada uniforme sobre papel húmedo: El primer paso es humedecer el papel de acuarela. Después iremos añadiendo pinceladas de color diluido en agua. Como el papel está mojado se repartirá el agua de forma sencilla.
  14. Aguada mojado sobre mojado: Para crear aguadas se debe antes de comenzar a hacer las franjas de color, humedecer el papel un poco con la brocha.
  15. Aguada mojado sobre seco: Se realizan cuando la pintura ya está seca y se vuelve a humedecer con el pincel o se aplica más pintura. Esta técnica es útil para suavizar un perfil ya seco. Así se puede mojar el pincel en agua limpia y pintar sobre la zona. Se escurre el pincel y a continuación se recoge el agua, que se lleva el color antes seco.
  16. Cómo perfilar una aguada: Cuando hablamos de un perfilado, nos referimos a una marco natural formado por el propio papel alrededor de la aguada, es decir de la pintura en sí. Para lograrlo hay que pegar la cinta adhesiva sobre el área que se desea cubrir. Frotar con fuerza para que se pegue bien y evitar que la pintura se deslice por debajo.
  17. Aguada lisa: Para crear una aguada lisa hay que colocar agua limpia en un pocillo. Añadir el color hasta la intensidad deseada. Tener presente que la acuarela, cuando seca, pierde intensidad y se ve más desvaída que cuando está húmeda. Es recomendable preparar una buena cantidad de mezcla, para no quedarse sin color a ,mitad del trabajo. Aplicar con pinceladas a un lado y otro.
  18. Aguada degradada: Comenzamos con el color más saturado y vamos cargando el pincel cada vez con agua más limpia.
  19. Aguada variada: Mezclamos varios colores pasando con sutileza de uno a otro.
  20. Aguada con efecto esponja: Aplicamos la aguada cargando una esponja y la aplicamos sobre el papel.
  21. Aguada con efecto salpicadura: Podemos crear salpicaduras usando un cepillo de dientes o un pincel viejo y despuntado. Levantamos el exceso de color con un trapo limpio.
  22. Aguada con efecto sal: Aplicar sal sobre la aguada húmeda. Este elemento absorberá el agua, quedando un efecto jaspeado. Es imprescindible retirar la sal sólo cuando se encuentre bien seca.
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Hasta aquí estos 22 puntos sobre la aguada que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Los lápices de acuarela (o acuarelables) son como lápices de colores normales pero, al diluirlos con agua, permiten realizar un gran número de efectos pictóricos. En una obra pintada con acuarela, son perfectos para tratar los detalles: destellos y reflejos del agua, juegos de luces y sombras, follajes, etc. También se pueden utilizar solos para el trabajo al aire libre: croquis en vivo o ilustración de un cuaderno de viaje.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

deGranero lápices acuarelables
  1. Técnica del lápiz acuarelable: Este lápiz puede ser utilizado tanto en seco como en húmedo. Es decir, una vez realizada la ilustración con el lápiz de color, es posible dejar el lápiz en esta fase previa al humedecido, quedando un dibujo realizado en técnica seca o es posible realizar posteriormente el humedecido para acuarelar la obra.
  2. Cómo utilizar los lápices acuarelables: Lo habitual, cuando un artista desea pintar un dibujo, es que use lápices de color permanente. Esta es quizá la técnica más utilizada y habitual para realizar este trabajo, pero no es la única. De hecho una de las tantas alternativas es la que ofrece el lápiz acuarelable.
  3. La técnica del efecto acuarelable: Realizamos un dibujo, pintamos como se de un lápiz normal se tratara y después deslizamos el pincel mojado con agua logrando así un efecto acuarelable.
  4. La técnica del efecto directo: Si se desliza el pincel mojado con agua sobre la punta del lápiz de color acuarelable, se logra cargar el pelo del pincel con color, por lo que después es posible pintar directamente con el pincel sobre la superficie.
  5. La técnica del lijado: Tomar una lija de grano fino y frotarla sobre la punta del lápiz acuarelable. Este polvo, puede ser utilizado para ser espolvoreado en las zonas de la obra a las que desees dar color. Después con el pincel húmedo, se debe disolver este polvo.
  6. La técnica del lijado mixto: Se trata de repetir el procedimiento anterior, pero utilizando varios colores para conseguir una gama de mezclas amplia.

Hasta aquí estos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. La etimología de acuarela nos lleva a acquarella, un vocablo de la lengua italiana. Una acuarela es una pintura que se plasma sobre un cartón o un papel, cuyos colores se diluyen en agua. El concepto también permite referirse a los colores usados en este tipo de pinturas y a esta clase de técnica artística en general. Los historiadores creen que la acuarela surgió un siglo antes de Cristo en China, cuando comenzó a desarrollarse el papel. Los árabes, durante el siglo XII, llevaron la producción de papel de Asia a Europa y así, con el tiempo, la acuarela es instaló en el Viejo Continente. De este modo, entre los artistas europeos, la técnica de la acuarela sucedió al fresco. El alemán Alberto Durero y el italiano Raffaello Sanzio fueron algunos de los pioneros de la acuarela en dicha región.

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11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

  1. Medium para acuarela: Se trata de una mezcla de goma arábiga, ácido acético y agua. Se utiliza disuelto en el agua para pintar, unas gotas por medio litro es suficiente para eliminar restos de grasa, dar mayor intensidad, brillo y transparencia al color aumentando también la adherencia. En líneas generales se pude utilizar este accesorio para espesar la pintura. Para ello se debe mezclar directamente con ella.
  2. Hiel de buey: Esta sustancia es depurada y es capaz de variar la tensión superficial del agua consiguiendo, por ello, que la pintura se seque en un tiempo medio. Por esto, si se utiliza en invierno, la pintura tardará menos en secarse y en verano se prolongará el tiempo de secado. Se puede añadir al agua de uso o mezclar directamente con la pintura. También favorece la fluidez y la adherencia de la misma.
  3. Goma líquida: Se trata de una solución cremosa de látex natural y amoniaco. Se extiende sobre el papel y forma una película impermeable que lo protege de la pintura. De esta forma el artista puede reservar zonas del papel en blanco para sugerir brillos y destellos o bien los objetos que son de este color.La goma de reserva se desprende fácilmente del papel frotando suavemente con el dedo o con una goma de borrar. A pesar de esto se recomienda no dejar la goma líquida sobre el papel largos periodos de tiempo ya que puede adherirse demasiado y estropear el papel después al intentar despegarla. para aplicar esta sustancia se aconseja utilizar un pincel viejo dado que la goma puede dañar el pelo del pincel, también se puede usar pluma si la parte a reservar es una fina línea o un pequeño detalle.
  4. Barnices: Se utilizan para proteger los colores y darles un ligero brillo. Se pueden encontrar en estado líquido para ser aplicados con pincel o en aerosol. En el caso de aplicarse con pincel es imprescindible asegurarse de hacerlo cuando la acuarela esté totalmente seca para evitar el arrastre de la pintura lo cual puede ensuciar algún otro color en la obra. Si se abusa del uso de barnices puede generarse un empobrecimiento y enmascaramiento de los tonos. Esto último sucede sobre todo en los tonos suaves o pálidos en los que se puede llegar a generar una distorsión en el efecto principal.
  5. Sal: Este elemento se utiliza para conseguir efectos y texturas originales. Para lograrlo se debe añadir la sal por encima de las aguadas.
  6. Glicerina: Se utiliza vertiendo una pequeña cantidad en el recipiente del agua y sirve para retardar el secado. Se emplea sobre todo en los días de mucho viento o de mucho calor en verano. Es un elemento a tener en cuenta cuando se pinta con la técnica de la acuarela húmeda.
  7. Alcohol: Al contrario de la glicerina el alcohol se utiliza para acelerar el secado. Se usa con frecuencia en los días de mucho fío o humedad o ante cualquier otra circunstancia por la que se quiera acelerar el secado. Es vital utilizar siempre alcohol puro, de 96º.
  8. Botes de agua: Son utilizados para tener a mano el líquido que ayudará a disolver la pintura a la acuarela. Además se utiliza para limpiar los pinceles cada vez que se cambia de color. Es importante que la capacidad de los botes sean de al menos medio litro. Esto se debe a que en frascos menores se hace más denso el contenido de pintura y se ensucia más el agua.
  9. Pocillos: Se trata de pequeños recipientes donde se disuelve la pintura en agua para obtener un tono concreto que no debe variar durante su aplicación.
  10. Mezcladores: Son bandejas que contienen celdillas donde se deposita la pintura para su uso y preparación. Se los puede encontrar de muchos tipos y tamaños. Algunos le dan más protagonismo a la paleta y otras a las celdillas. El más frecuente es el que combina celdas redondas y rectangulares, ya que resulta muy útil para jugar con las densidades de la pintura. En las redondas es posible tener la pintura más aguada, mientras que en las rectangulares la pintura permanece más pastosa.
  11. Paletas: Es el instrumento que utiliza el artista para mezclar colores. Están hechas o recubiertas de materiales que repelen el agua. Además en ellas la pintura debe resbalar con facilidad. Pueden estar dotadas de un agujero donde se introduce el dedo pulgar para sostenerlas. Básicamente son de metal esmaltado, de cerámica o de plástico y de color blanco para evitar distorsionar los colores.
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Hasta aquí estas 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. El color en la acuarela es algo de gran importancia. Aprovechando bien los colores es posible pintar todo lo que queramos siendo la propia imaginación del artista lo que marque el único límite. Hoy en día en el mercado existen unos ciento veinte pigmentos distintos para la acuarela. Está claro que no tenemos por que adquirirlos todos. Mezclando unos tonos podremos obtener otros sin problema.

deGranero el color y la acuarela

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

  1. El color: El color en realidad no existe. Existe la luz, y el color es un resultado de ella. Sin embargo, nuestra vida está rodeada de colores siendo dichos más que usuales expresiones como cielo azul, nieve blanca o tomate rojo, aunque en realidad las percepciones de azul, blanco y rojo no son más que la captación y el procesamiento por parte del ojo humano de un determinado haz de luz. Por todo esto se sabe que los colores no existen, sino que en realidad se trata del fenómeno de reflexión de la luz.
  2. Variables del color: Existen cuatro variables básicas que tiene la capacidad de intervenir y modificar los colores. Ellas son el matiz, la luminosidad, el tono y la saturación.
  3. Matiz: Se refiere a cada una de las gradaciones que puede recibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás.
  4. Valor o luminosidad: Es una de las cualidades intrínsecas del color. Ella es la que indica el grado de claridad u oscuridad que posee. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor. Los colores se pueden alterar a través de la adición de colores más claros. Si se quiere oscurecer un color, será necesario agregar porciones del color complementario de manera que éste pueda quitarle luminosidad.
  5. Tono: Se trata de la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro. Esta variable tiene referencia de valor y matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece.
  6. Saturación: Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa.
  7. Simbología del color rojo: Es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.
  8. Simbología del color naranja: Representa la alegría, la juventud, el calor, el verano.
  9. Simbología del color amarillo:En muchas culturas, es el símbolo de la deidad y es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.
  10. Simbología del color verde: Simboliza la esperanza, la fecundidad, los vienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Representa la naturaleza.
  11. Simbología del color blanco: Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  12. Simbología del color púrpura: Representa el misterio.
  13. Simbología del color azul: Es el símbolo de la profundidad.
  14. Simbología del color negro: Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, el dolor, la desesperación, la formalidad y solemnidad, la tristeza, la melancolía, la infelicidad y desventura, el enfado y la irritabilidad. Asimismo puede representar lo que está escondido y velado. Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  15. Simbología del color gris: Iguala todas las cosas y no influye en otros colores.
  16. Paletas de color: No hay que confundir los términos paleta de pintor con paleta de color. El primero se refiere a un instrumento, es decir a la herramienta donde se depositan los colores para hacer la mezcla. Por su parte, se llama paleta de color al conjunto personalizado de colores que cada pintor utiliza con más frecuencia.
  17. Colores fríos: Los colores fríos son los de la gama azul-verde. Son una parte vital de la paleta. El azul marino francés es un sólido y básico azul. El azul cobalto es un pigmento más intenso. También es un poco más ligero. Un verde básico es el verde hierba o pasto. El verde hoja es un poco más suave. Una buena alternativa es intentar con el azul de Prusia o Ftalo, que tiene un tinte metálico o turquesa de colbalto para los que busquen un tono diferente. Agregar un violeta, como el malva, también es una excelente opción.
  18. Blanco y negro: El blanco en acuarela no existe ya que se trata de aprovechar la luminosidad y los blancos del propio papel. El negro directo de pastilla resulta un tanto industrial. Un buen negro puedes conseguirlo de la mezcla de tierra siena tostada con azul ultramar oscuro.
  19. Tonos tierra: Los colores tierra son útiles para desarrollar una gran cantidad de temas, no sólo los relacionados con los paisajes. Son ideales para mezclar y combinar. Pueden ser usados para las áreas menos brillantes de la pintura y ayudan a crear contrastes. El tono sombra tostada es un marrón oscuro. El tierra siena tiene un ligero tono chocolate. El ocre es más ligero y amarillento. El tierra natural es un marrón que se puede utilizar para oscurecer los tonos más claros.
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Hasta aquí estos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Proyecto de creación artística: URBAN concept.

Este proyecto (URBAN concept) tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica y visual de conceptos relacionados con la urbe y más concretamente con el paisaje urbano.

El espacio urbano es el centro poblacional y el paisaje propio de las ciudades. La noción suele utilizarse como sinónimo de medio urbano o área urbana.

«Atardecer en Nueva York», Ricardo Galán Urréjola, 90 x 100 cm. Óleo sobre lienzo.

De cara a su posible representación, no podemos pasar por alto otros rasgos diferenciadores de los llamados espacios urbanos o ciudades:
• Existe una masificación.
• Los habitantes de ellos están sometidos a un importante nivel de estrés pues se pasan el día de aquí para allá con prisas.
• Existe un marcado anonimato de los ciudadanos, precisamente por esa numerosa población que hay.
• Es igualmente importante el hecho de que en cualquier espacio urbano hay una gran multiculturalidad y diversidad que, entre otras cosas, permite la convivencia de variadas tribus urbanas y de personas procedentes de países de todo el mundo.
• Sus habitantes disfrutan de una gran inmensidad de propuestas de diversión y de ocio.
• En el aspecto más negativo, hay que resaltar el hecho de que existe un alto nivel de contaminación así como un elevado porcentaje de personas en situación de exclusión social. Todo ello sin olvidarse tampoco de los numerosos atascos que tienen lugar a diario o de la necesidad de hacer colas para disfrutar de servicios de diversa tipología.

«Rooftops in the snow», Jeremmy Mann, 61 x 76 cm. Óleo sobre lienzo.

Después de estas breves pinceladas en torno al paisaje urbano, veamos qué debemos hacer

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y tendrá el precio habitual. Hará un máximo de seis obras que podrán tener un formato superior porque así la idea lo requiera, también se ejecutarán sobre tablero contrachapado con bastidor.

Para participar en este proyecto titulado URBAN concept, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

«City Scape», 18 x 30 cm, acuarela y caseína sobre papel Arches.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia al paisaje urbano y que te parezca que no deberían faltar en esta exposición. Mide tus fuerzas y piensa de qué manera puedes representarlo.

¿Puedo pintar una farola? Por qué no… Puedes trabajar con elementos del mobiliario urbano, con rincones de la ciudad que te parezcan sugerentes, con elementos decorativos de la urbe como los grafitis, con la planta de la ciudad, con paisajes urbanos que te atraigan, incluso con suburbios o zonas deprimidas, cualquier cosa que lleve al espectador a pensar en un concepto urbano será bienvenida.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 14 de octubre: Esta semana se lanzará el proyecto a través del blog del taller. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada.
  • Semana del 21 y semana del 28 de octubre: Cada alumno expondrá al profesor de manera individual su propuesta y entre ambos le darán forma para que la ejecución sea lo mejor posible y la idea no se desvirtúe.
  • Del lunes 4 de noviembre al sábado 1 de febrero: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.
deGranero URBAN CONCEPT
«Estación de ferrocarril», Ernest Descals, 25 x 25 cm., óleo sobre lienzo.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica se llevará a cabo una exposición titulada «URBAN concept» del 15 al 28 de Febrero de 2020 en el Centro Cultural Carril del Conde de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria. Estamos seguros de que juntos lograremos una magnífica muestra de nuestro Colectivo AZUL de deGranero como en ocasiones anteriores.

deGranero URBAN CONCEPT
URBAN LANDSCAPE , Valerie Hoffmann 34″X 44″ ACRYLIC/MIXED MEDIA/COLLAGE 2009

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Si te gusta pintar paisaje del natural, te recomendamos que leas nuestros 10 consejos para pintar paisaje del natural, ahí encontrarás una pautas muy útiles para desarrollar bien una obra basada en el paisaje.

deGranero pintar paisajes con acuarela

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

  1. El inicio del paisaje: Antes de comenzar a pintar el paisaje se recomienda probar colores en un soporte que no sea el cuadro. De esta manera se podrá tener una idea más acabada respecto a la forma final de los mismos.
  2. El paisaje tema recomendado: Los paisajes representan uno de los motivos más recomendados para quienes se inician en el mundo de la acuarela . Resultan muy aconsejables por su sencillez. Esto se debe, en gran medida, a que suelen contener formas poco específicas, que no requieren demasiada precisión.
  3. Inicio del boceto en los paisajes: Se aconseja partir desde la línea del horizonte, luego se deben bosquejar los elementos más grandes como las montañas, las rocas, los árboles y la vegetación. El siguiente paso es pintar el cielo. para ello se pude pintar de color azul oscuro la parte superior del plano del cuadro e ir degradando el color hasta llegar al azul más claro que debe ir acercándose al horizonte.
  4. El color en los paisajes: Si el paisaje tendrá una superposición de colores, siempre habrá que aplicar primero el más cálido. Y continuar con esta premisa de forma sucesiva.
  5. Las sombras en el paisaje: Si se desea oscurecer una parte del paisaje, no se debe aplicar negro. Lo que se debe hacer es añadir una tonalidad sombría dentro del círculo cromático de color a oscurecer. De este modo, se podrá equilibrar la luminosidad sin mayores inconvenientes.
  6. Los reflejos en el paisaje: Muchas veces los paisajes deben plasmar reflejos o transparencias. Esto ocurre por ejemplo cuando hay que pintar vidrios o algún espejo de agua. Para lograr un buen efecto de reflejo, nada mejor que recurrir a una gama de grises o blancos, sobre todo para indicar que allí se halla un elemento transparente.
  7. El agua en el paisaje: Si el paisaje tendrá un lago o espejo de agua que reflejará, habrá que tener en cuenta que el tono azulado deberá ejercer un efecto sobre las figuras que se hallan detrás. Así, por ejemplo, si hay algún elemento en el fondo de color amarillo, se deberá pasar a un tono verde suave.
  8. Las figuras en el paisaje: Al momento de realizar un paisaje, la percepción visual es uno de los puntos donde más cuidado se debe tener. Las figuras del fondo no tienen que mostrar matices fuertes o colores muy llamativos. Por mucho que se quieran resaltar elementos como las montañas, lo mejor será difuminarlas o degradarlas según corresponda.
  9. El punto focal en el paisaje:Todo paisaje debe contar con un centro de interés o punto focal. Si todos los objetos que componen un paisaje tienen la misma importancia, se crearán paisajes recargados y confusos. Para evitar que esto suceda hay que elegir un área determinada o elemento de la pintura que dominará el resto capturando la atención del espectador, y podrán encontrarse por ejemplo otros dos elementos secundarios que apoyen al primero.
  10. La composición del paisaje: Las reglas de composición ayudan a crear un paisaje armonioso. Esto se debe a que todo en la naturaleza obedece a ciertos patrones geométricos/matemáticos, de esta premisa han surgido las diferentes reglas de composición.
  11. Cómo aplicar la composición en el paisaje: Existen varias reglas de composición que han sido utilizadas desde la antigüedad: sección áurea (divina proporción o proporción áurea), espiral dorada, regla de los tercios, etc. Y se usan no sólo para la pintura sino también en la arquitectura y otras artes, pero para aplicarlas se requieren de algunas operaciones matemáticas, algunas muy sencillas, otras más complejas.
  12. La regla de los tercios en el paisaje: La regla de los tercios consiste en dividir las imagen por medio de dos guías horizontales y dos verticales que generan una división en nueve partes iguales. Al realizar esta división se podrán ubicar los puntos de interés justo en la intersección de alguna de estas guías horizontales o verticales, Así se conseguirá una composición más armónica.
  13. Visualizar la regla de los tercios en el paisaje: Actualmente algunas cámaras fotográficas ofrecen la posibilidad de visualizar la cuadrícula de la regla de los tercios. Esto ayuda a tomar interesantes imágenes para pintar paisajes y lograr una mejor composición de la obra. De igual forma, algunos programas gráficos como Photoshop también permiten recortar una imagen aplicando la regla de los tercios entre otras.
  14. La proporción áurea en el paisaje: Es la fórmula que distintas civilizaciones utilizaron como inspiración para las artes. Ella rige ciertos patrones de la naturaleza. Se trata de un patrón basado en un rectángulo, el cual, circunscripto en si mismo se repite con unas proporciones determinadas hasta el infinito.
  15. El verde en los paisajes: El verde es uno de los predominantes en los paisajes. Si se precisa que sea menos intenso, habrá que agregar un poco de rojo. Con sólo una pequeña parte se controla el color sin afectar mucho su calidad, pero se debe tener cuidado ya que a medida que se agrega más rojo los colores se vuelven más terrosos.
  16. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes: Si se necesita aclarar el verde para hacer por ejemplo las luces en el follaje de un árbol o en el pasto, quizá no sólo alcance con agregar blanco, sino que habrá que agregar también amarillo, si es que se desea conservar el carácter cálido del color.
  17. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes II: Para oscurecer un verde se puede agregar siena tostada o sombra tostada conservando el carácter cálido, también se pueden usar rojos complementarios, que suelen ser rojos oscuros.
  18. El verde más oscuro en los paisajes: Si se busca un verde más oscuro pero frío, muy apropiado para algunas sombras, es buena idea oscurecer con un azul oscuro, y en las zonas más oscuras agregar también sombra tostada o negro.
  19. Buscar armonía en los paisajes: Utilizar el azul cielo para crear los verdes puede ayudar a lograr que el cuadro quede con mayor armonía.
  20. Visualizar los colores en los paisajes: Buscar diferentes fotografías de paisajes. Esto ayudará a ver cómo son los verdes (además de amarillos y azules) de un día soleado, como son de un día nublado, en la mañana, al mediodía, a la tarde, en las diferentes estaciones, etc. El color del cielo debe guardar correlación con el pasto, vegetación y otros elementos del paisaje.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

deGranero pintar animales con acuarela
Pez, David Lobenberg.

Todo hace suponer que la pintura a la acuarela siguió a la invención del papel en China (atribuida al eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han Oriental), en el s.II d.C. Ya en el siglo XIII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco (pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo). Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van DyckThomas GainsboroughJohn ConstablePaul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada GuilabertCeferino OlivéFrancisco Bonnín GuerínJosé Comas Quesada o Alberto Manrique. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

Pues vamos al grano con nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

  1. Pintar animales: Pintar animales con acuarela se considera un trabajo de cierta dificultad. Al tratarse de una figura realista no se recomienda para principiantes sino para pintores con algo de experiencia.
  2. El pelo de los animales: El pelo del animal es una de las cuestiones más difíciles de pintar. Aquí juega un papel muy importante la textura. De hecho, el pelo de los animales es una de las texturas de mayor dificultad, pues debe mostrar el sentido del pelo, marcar el cuerpo y la musculatura del animal, así como las distintas tonalidades que adopta el pelambre frente a la luz.
  3. El proceso para el pelo de los animales: El proceso de pintado del pelo de los animales se realiza por capas, para representar las sucesivas hileras de pelo que el animal posee. Debe utilizarse un pincel especial para este trabajo.
  4. El primer color para los animales: El primer paso es dar color de fondo a la piel. Este puede variar de acuerdo a cada parte del animal.
  5. A tener en cuenta para el pelo: Es importante tener en cuenta el sentido de crecimiento del pelo, desde la raíz hacia las puntas y su largo. Todo esto determinará el largo de la pincelada.
  6. Pintar la musculatura de los animales: La musculatura es otro factor de vital importancia a tener en cuenta. Esto se debe a que produce movimientos en el pelo y efectos de luces y sombras sobre el mismo.
  7. Los tonos para el pelo de los animales: Es aconsejable utilizar varios tonos de cada color para crear un pelaje más realista. Al momento de dar vida a las sombras, se irán agregando detalles en tonos más oscuros.
  8. El inicio del pelo de los animales: Se aconseja comenzar a pintar el pelaje desde las patas y la cola, hacia arriba, capa por capa, de modo que se superpongan y la capa final, la del lomo, será la que esté más afuera.
  9. Naturaleza muerta de los animales: Los animales son considerados parte del universo de la naturaleza muerta. Sin embargo, resulta ser mucho mayor el grado de dificultad de otras naturalezas muertas.
  10. Las zonas para el pelo de los animales: En las zonas donde se marca la musculatura, se comenzará la hilera de pelo en el nacimiento del músculo para dejarlo en evidencia.
  11. Las pinceladas para el pelo de los animales: Las pinceladas siempre deben ser en la dirección del crecimiento para que se afinen hacia la punta del pelo.
  12. La composición de los animales: A la hora de pintar animales con acuarela la composición es vital. Por ejemplo si se tratará de un pájaro será necesario saber si está volando o si estará sobre una rama. En el caso de un animal doméstico habrá que ver si se encontrará en alguna parte del hogar o en el exterior. De esta manera se podrán crear interesantes juegos de colores, contrastes etc.
  13. Empezar por el fondo de los animales: Lo más recomendable es comenzar por el fondo. Así, por ejemplo si se tratará de un pájaro en vuelo, primero habrá que pintar el cielo. Humedecer el pincel, aplicar pintura azul, comenzar a limpiarlo a través del papel y dejar que el agua natural se disperse por el papel. Así se obtendrá un cielo lavado al que se podrá añadir más azul y luego nubes.
  14. Pintar pájaros: A la hora de pintar pájaros se recomienda comenzar por la cabeza. Luego habrá que establecer la forma del cuerpo.
  15. Tonos para pintar pájaros: Utilizar diferentes tonos de color ayudará a resaltar las texturas de las plumas del ave. Esto puede lograrse a través del uso de diferentes tonos de color o mediante la aplicación de trazos de pintura color negro con un pincel muy pequeño para llevar a cabo el aspecto de capas de las plumas.
  16. Mejorar las partes del pájaro: Una buena forma de mejorar la calidad de las plumas es mojando un pincel y difuminando la acuarela en cada pluma para crear una graduación de color en las plumas que se destacan sobre las capas creadas por las líneas finas de negro.
  17. Pintar partes del pez: Si se quieren pintar escamas de peces se recomienda elegir un tono claro para los espacios de mayor tamaño y otro más oscuro para los detalles. De esta forma se podrá otorgar una mejor textura a la obra.
  18. Pintar el fondo del pez. Se sugiere que en la pintura de peces el fondo sea más claro que la figura. De esta forma se creará un buen contraste en el que se destacará el animal y sus detalles.
  19. Perspectiva para el pez: Si la pintura del pez será vista desde una perspectiva superior, tomarán gran importancia algunos aspectos como los reflejos en el lomo del pez o sus ojos.
  20. El agua para el pez: El agua es el segundo elemento en la escala de importancia en la pintura de un pez. Es relevante jugar con sus diferentes matices. Luces, sombras, movimientos y colores juegan un papel primordial al momento de crear una obra capaz de transmitir sensaciones.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

20 consejos para pintar retratos con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 20 consejos para pintar con retratos con acuarela que debes conocer.

"Niña", David Lobenberg. pintar retratos con acuarela
  1. El inicio para pintar retratos: La composición del retrato es esencial. Cuando el retrato es el centro de importancia básico que ningún otro punto de la obra rivalice, y para ello se pueden seguir los conceptos básicos de la regla de los tercios o la de sección áurea.
  2. Las proporciones para pintar retratos con acuarela: Respetar las proporciones es esencial. Es normal que el pintor principiante amplíe ciertos elementos como por ejemplo los ojos o la boca y reduzca otros como las orejas, cuello, frente o cabello.
  3. Los modelos para pintar retratos: Si se trabaja con modelos, se aconseja representarlo hasta los hombros. De esta manera se podrá apreciar mejor la personalidad y actitud del retratado.
  4. Un punto importante para los retratos: La mirada es un punto importante en cualquier retrato. En un retrato de perfil, o de tres cuartos, es preciso dejar la mayor parte del «aire» en el lado hacia donde mira la persona, cuidando así mismo de dejar suficiente espacio por encima de la cabeza, de este modo, la composición de torna equilibrada.
  5. Más realismo para los retratos: Un buen retrato suaviza el contorno de las sombras para darles más realismo. Con sólo aplicar el color y pasar el pincel limpio pero aún húmedo sobre los bordes de la zona en cuestión se consigue el efecto.
  6. La boca en los retratos: Para pintar la boca se deben aplicar pinceladas más o menos diluidas en función de la reflexión de la luz. Para dar una impresión de brillo, dejar una zona sin pintar en el centro del labio inferior.
  7. Los ojos en los retratos: Si se quiere otorgar redondez a los ojos hay que resaltar el párpado superior y colocar una sombra sutil en el párpado inferior.
  8. Partes de los ojos en los retratos: Definir el párpado inferior es de vital importancia. Esto ayudará a que el ojo se vea bien ubicado y no «flote».
  9. Ojos expresivos en los retratos: Para crear ojos expresivos hay que definir muy bien la línea en la que el párpado superior se pliega cuando el ojo está abierto.
  10. Luces y sombras en los retratos: Observar y plasmar con detalle y dedicación las figuras, luces y sombras dentro del ojo. Este truco le brindará mucha más profundidad en la mirada.
  11. La piel en los retratos: Las mezclas de colores para la piel en el retrato pueden y deben variar de artista en artista y de obra en obra.
  12. Tonos en la frente de los retratos: Hay algunos detalles que suelen permanecer invariables en los distintos retratos como por ejemplo que en la frente predominan los tonos más ocres o que en las zonas oculares suelen aparecer tonos fríos ligados a los violetas.
  13. Las mejillas en los retratos: Otras constantes en los retratos se pueden ver en las zonas de las mejillas (en general asociadas a los rosados), en la nariz (donde suelen incrementarse los rojos o naranjas) o en la mandíbula en la que suelen aparecer tonos grises para las mujeres y verdes para los hombres.
  14. La carne en los retratos: El color carne se consigue a base de ir intercambiando tonos cálidos y fríos. Un buen método para no olvidar esto es trabajar todo el rostro con sólo colores cálidos y tras ello trabajar sólo con fríos en sólo las zonas donde se supone que deberían estar.
  15. El blanco en los retratos: No dejar nunca el blanco del papel solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Se deben añadir otros tonos como el ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color (normalmente el color de la luz que ilumina el rostro) sin importar que sea cálido o frío.
  16. Tonos en la piel de los retratos: Los tonos de la piel no varían en función de que el retrato lo hagas más realista o más impresionista, son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trato de la pincelada más o menos difuminada.
  17. Claros/oscuros en los retratos: Dominar la técnica del claro-oscuro ayudará a conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de un rostro y no tanto el color.
  18. Primero los claros al pintar retratos con acuarela: Iniciar los retratos con los tonos claros y proceder a oscurecer de forma progresiva.
  19. El fondo en los retratos: Hay que tener en cuenta que las tonalidades o colores del fondo suelen reflejarse en los extremos de las mejillas.
  20. La ropa en los retratos: El color de la ropa tiene su reflejo en el mentón y en la zona inferior de la mandíbula.
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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Los materiales son una parte muy importante al momento de pintar a la acuarela. En este artículo vamos a darte algunas claves sobre los pigmentos de las acuarelas. Vamos allá.

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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas.

  1. Acuarelas, una aproximación química. El principal atractivo de la pintura a la acuarela se basa en la transparencia de sus colores, hecho que la convierte en una pintura fresca, luminosa y espontánea. Esa forma de pintar ha sido ideada para ser trabajada con agua y aplicada sobre un soporte de papel. De todos modos, hoy la acuarela se aplica a otros soportes como cartón o arcilla entre otros.
  2. Composición de la acuarela: La pintura a la acuarela se encuentra compuesta de pigmentos naturales molidos, sustancias aglutinantes como la goma arábiga, que la convierten en una masa.
  3. Pigmentos: Los pigmentos son pequeñas partículas que dan color. Cada uno de ellos tiene un origen específico por lo cual es lógico que reaccionen de manera diferente. Los hay con mayor o menos poder de tinción, algunos son de por sí transparentes y otros son ligeramente opacos. Es justamente por eso que es necesario prestar mucha atención a la hora de recomendar combinaciones de colores con una composición.
  4. Pigmentos inorgánicos: Se trata de pigmentos derivados de compuestos que nunca fueron parte de la materia viva y que no contienen carbón. Este grupo incluye los cadmios, el cobalto, el ultramar, los tierra y una amplia gama de otros colores tradicionales.
  5. Pigmentos orgánicos: Son pigmentos derivados de sustancias vivas o de sustancias que en algún momento fueron parte de algo vivo. Dentro de este grupo se incluyen numerosos pigmentos modernos conocidos por su claridad y transparencia. Algunos de ellos ftalocianina, quinacridona, perileno y bencimidazolona. Estos pigmentos contienen carbón.
  6. Pigmentos únicos. Todos los pigmentos difieren en forma, tamaño, color y «personalidad». Los pigmentos de las acuarelas especialmente, son la caja de herramientas o los elementos a través de los que «dicen» los artistas, los elementos que los ayudan a manipular la obra y alterar su expresión. Es por esto que muchas marcas tratan de crear formulaciones con pigmentos únicos. Las formulaciones con pigmentos únicos tienen tonos más puros y colores más limpios que las mezclas de pigmentos, lo que facilita la realización de un mayor número de mezclas cromáticas y retrasa la aparición de los efectos de emborronado.
  7. Pigmentos de las acuarelas mixtos. Aunque los pigmentos mixtos pierden inevitablemente algo de intensidad cromática o viveza, existen numerosas razones por las que marcas como Windsor & Newton todavía los utilizan en las formulaciones. En algunos casos, es posible lograr un nivel de permanencia superior con un pigmento mixto.
  8. Pigmentos tierra naturales. Los pigmentos tierra son los materiales colorantes más antiguos del mundo. En las cuevas de Altamira y Las-caux aún se encuentran obras de arte de hace al menos 15.000 que los han utilizado. Las tierras naturales son esenciales debido a su escaso poder colorante y sus tonos naturales. Además son esenciales porque no se pueden obtener a partir de mezclas de tonos negros o blancos. Los tierras son depósitos de color que suelen haber adquirido su tono por haber estado en contacto con hierro durante millones de años. Son algunos de los pigmentos más inertes y permanentes que se pueden encontrar. Los pigmentos tierra se extraen del suelo y se limpian y lavan posteriormente.
  9. Pigmentos tierra sintéticos. Los pigmentos tierra sintéticos representan al grupo de pigmentos que han sustituido a los pigmentos tierra naturales dada su falta. Se trata de óxidos de hierro sintéticos. Estos últimos son atractivos por sí mismos dado que su carácter tiende a ser bastante resistente y opaco. Los primeros datan de mediados del siglo XIX. Aunque los óxidos de hierro sintéticos poseen buenas características propias, no reemplazan totalmente a los pigmentos tierra. Por lo tanto, es recomendable que el artista cuente con pigmentos tierra naturales y tierra sintéticos.
  10. Pigmentos cadmio. Los colores que contienen pigmentos de cadmio constituyen una importante gama cromática en la paleta del artista. Sus singulares tonos, son buena cobertura y su escaso poder colorante son cualidades que ningún otro pigmento disponible iguala. Además cuentan con una excelente solidez a la luz y son muy opacos. Se trata de los rojos y amarillos más populares de la paleta de los artistas.
  11. Pigmentos alternativos. Ha habido preocupación por los compuestos de cadmio utilizados en otras industrias y por su impacto en el medio ambiente. Tomando esto en consideración, algunos artistas que no dependen da las singulares características de los cadmios pueden optar por usar alternativas. No hay sustitutos directos de estos tonos, pero existen alternativas que poseen algunos de sus atributos.
  12. Quinocridonas. Son un grupo de pigmentos muy importante originado en la década de 1.950. Las primeras fueron introducidas por Windsor & Newton, como el Rosa permanente y el Magenta permanente. Con la gran transparencia y solidez a la luz de sus tonos, estos colores transformaron la sección del rosa y del malva de la paleta, una zona que siempre había estado signada por su escasa solidez a la luz. Con el tiempo fue posible disponer de muchos otros tonos de esta gama.

Hasta aquí estos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

  1. ¿Qué es la acuarela?: El término «acuarela», etimológicamente, deriva del latín «aqua». El diccionario define este vocablo como «pintura realizada con colores diluidos en agua». Esta definición no resulta para nada casual ni azarosa si se considera que el agua es el medio a través del cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos y aglutinados con otras sustancias como por ejemplo la goma de Senegal o goma arábiga, por mencionar algunas. Las personas muy puristas de la técnica suelen añadir otros componentes a las acuarelas como glicerina, miel, hiel de vaca o algún agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio. A estas disoluciones se las conoce como tintas y los baños con los que se baña el papel usando el pincel u otro medio, se llaman aguadas.
  2. La importancia del color en la acuarela: Los colores de las acuarelas se forman a través de un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábiga y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel. La característica principal s elos trabajos en acuarela es la transparencia que generan estos pigmentos diluidos. Desde finales del siglo XIX, la pintura a la acuarela ha gozado de una gran popularidad. Y fue justamente esta enorme popularidad la causante de cierto desprestigio de la técnica ya que, el termino «pintar a la acuarela» se asociaba primeramente a los más altos estratos de la sociedad que transformaban su afición por la pintura en un pasatiempo ameno haciendo uso de las acuarelas como medio de expresión, ejecutando de forma repetitiva paisajes delicados donde se utilizaban mayormente los tonos pastel.
  3. ¿Por qué el agua es protagonista de esta técnica? El agua es la protagonista de la pintura a la acuarela y la causante de su típica transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En la pintura a la acuarela interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa diáfana Esto es justamente lo que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
  4. ¿Por qué es la técnica más admirada? Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, cuando están húmedas, a una presentación atenuada, clara una vez que la obra está seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con la que se haya cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Es justamente por eso que se debe tener en cuenta este proceso durante la realización del trabajo para poder conseguir el aspecto deseado. A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, es decir un modo que «respeta» las normas establecidas en tiempos de antaño, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan diversas técnicas en la misma obra.
  5. ¿Por qué nos gusta pintar con acuarelas? La técnica de la acuarela es la más seguida por los que tienen la intención de empezar a introducirse en el bello arte de la pintura. Aunque para la mayoría de expertos es la técnica más compleja, es precisamente este y otros aspectos la que la hace más interesante. Con acuarelas el artista puede pintar obras de colores muy vivos. Desarrollar paisajes y marinas con esta técnica, es la mejor manera para la representación del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con las otras técnicas. Su luz, cuando el manejo es ya avanzado termina siendo radiante y potente en cualquier práctica. El soporte donde se pinta con la acuarela también le proporciona al artista una ventaja sin igual. Normalmente se trabaja sobre papeles con grano semigrueso o grueso, lo que le aporta a la obra una gran plasticidad.
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