Proyecto de creación plástica y visual: VERDE.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica en torno al color VERDE. Podemos pensar en cualquier cosa que tenga que ver con cualquier variante o tono de este color secundario, podemos pensar también en la ausencia de este color, e incluso en su caligrafía, es decir en como se escribe. Tendrá cabida cualquier obra que deje claro al espectador que este color es el protagonista…

deGranero VERDE

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas, fotos coloreadas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo. El soporte también podrá ser intervenido por el alumno a su antojo, podrá trabajar sobre él directamente, entelarlo, empapelarlo, pegar cualquier textura…

Para participar en este proyecto titulado VERDE, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia o nos traslade directamente a una imagen con gran cantidad de verde,  y que te parezca que no deberían faltar en una exposición sobre el líquido elemento. Mide tus fuerzas y piensa en de qué manera puedes representarlo. No debes quedarte en “lo facilón”, se original, no tenemos intención alguna de que este proyecto se llene de bosques…

Se establecen los siguientes plazos:

  • Semana del 15 de Octubre, presenación del proyecto en los distintos grupos.
  • Semana del 5 de Noviembre, comienzo de la ejecución de la obra en si.
  • Semana del 28 de Enero de 2019, fin de la obra.

Con todas las obras participantes tendrá lugar la exposición “Verde que te quiero VERDE” durante la segunda quincena de febrero en una sala aún por determinar de Madrid (estamos en plena negociación).

Con la finalidad de que empieces a pensar… te dejamos aquí alguna imágenes en las que el verde es el protagonista…

4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer. La pintura acrílica es un medio muy flexible, adecuado para muchas técnicas y estilos. Cuando se aclara con agua es similar a la acuarela y puede pintarse en suaves y transparentes lavados, o salpicarse sobre la superficie. Cuando se diluye en más medios, se comporta como una pintura al óleo de secado rápido y puede aplicarse en finas veladuras sobre capas de pintura gruesas y delgadas.

deGRanero 4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer

4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer:

  1. Diluida con agua:

    Cuando el pigmento se diluye con agua, de forma que la pintura queda fluida y transparente, el acrílico se usa casi como una acuarela. Se extiende fácilmente sobre la superficie y es perfecto para los fondos. Una pintura acrílica poco densa es ideal porque se mezcla fácilmente con agua y cuesta menos aplicarla con el pincel.

  2. Lavados sobre dibujo:

    La pintura acrílica diluida o transparente se puede aplicar sobre un dibujo. Esta acción es más efectiva si las líneas del dibujo son gruesas y su composición repele el agua, como ocurre con un buen lápiz de grafito. Asegúrate de que la pintura sea muy translúcida, puesto que sólo se trata de dar un tinte al dibujo.

  3. Aerosol y goteo:

    La tercera de estas técnicas para pintar con acrílico diluido es la pintura con aerosol. Ésta es ideal para pintar superficies uniformemente; también es excelente para trabajar con plantillas. Para un enfoque más dramático y abstracto estruja u contenedor blando de plástico de boquilla estrecha que contenga pintura un poco espesa, o aplica la pintura con esponja, déjala gotear, salpícala o arrójala sobre la superficie.

  4. Veladura:

    Es la técnica de aplicar una película fina de pintura diluida a una superficie ya pintada. Permite homogeneizar los colores para crear un aspecto unificado,y también se emplea para retrasar algunos elementos creando profundidad en el cuadro. Para diluir la pintura es mejor usar un medio de veladura, que se mantiene fluida y seca uniformemente.

Algunos consejos para pintar con acrílico diluido:

  • La pintura diluida en agua puede guardarse en botes de cierre hermético.
  • Para aplicarla con atomizador, debes mezclar la pintura con mucha agua, el pigmento tiene que ser muy fino para que sea propulsado por la boquilla.
  • Para gotear y salpicar , la pintura tiene que tener la consistencia adecuada (fluida como un yogur cremoso).
  • Cuando lancs pintura y la dejes gotear, pon el soporte sobre el suelo para que te puedas mover con facilidad a tu alrededor.
  • La proporción para una veladura es un 90 % de medium y un 10% de pintura.

Hasta aquí estas 4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer. Es fácil dejarse seducir por el acrílico en su estado natural, por la consistencia que tiene la pintura recién salida del tubo. Sin embargo, recomendamos aplicar la pintura espesa sobre una superficie de lavados diluidos, ya que una construcción desde pintura líquida a la densa logra profundidad e interés visual. Normalmente, con los acrílicos es mejor evitar aplicar pintura espesa sobre espesa, esto puede derivar en un trabajo sobrecargado y turgente.

pintar con acrílico espeso

4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer:

  1. Pintura espesa directa del tubo:

    La pintura semiopaca se aplica tal como sale del tubo o se mezcla con un poco de agua. Cuando se extiende con un pincel firme retiene las pinceladas, La pintura opaca, con su peculiar aspecto semejante al pastel, puede usarse con pincel o con espátula.

  2. Agentes espesantes:

    Se añaden a la pintura para aumentar su consistencia natural. Por ejemplo cuando se añade un medium extra fuerte a una pintura fluida o espesa se aumenta su volumen, densidad y viscosidad, lo que es fundamental para que las pinceladas o los trazos hechos con espátula permanezcan.

  3. Uso de espátula:

    La tercera técnica para pintar con acrílico espeso es el empleo de una espátula. Es perfecto para el empaste, en el que la pintura se pone sobre la superficie (en general directamente del tubo) y se esparce con una ligera presión . La pintura debe tener un espesor semejante al de la mantequilla untada en pan. Los resultados son más angulares y menos versátiles que los creados a pincel.

  4. Collage:

    Muchos artistas usan esta técnica para añadir interés a la superficie, y es particularmente eficaz en obras abstractas o semiabstractas. Se pegan fragmentos de papel, tela o cartulina  sobre lienzo con medio acrílico o con acetato de polivinílo.

Algunos consejos para pintar con acrílico espeso:

  • Una buena pincelada aguanta si no se sobrecarga la pintura. Trabajarla demasiado la aplana y hace trazos menos evidentes.
  • Debido a su alto contenido en pigmento, la mayoría de las pinturas acrílicas de buena calidad oscurecen al secar.
  • Encima de un collage puedes extender un lavado ligero de un color acrílico. Al secarse, el lavado proporciona una superficie sellada y segura sobre la que se puede aplicar más pintura.
  • Los acrílicos combinan muy bien con medios con base de agua. Como se secan rápido, a menudo se usan como base para las pinturas al óleo.
  • Los medios espesantes extienden la pintura y aumentan su brillo y transparencia. También proporcionan más tiempo de trabajo. La piedra pómez añade textura y volumen.

Hasta aquí estas 4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantado de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid. 

 

 

5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer. El acrílico tiene muy pocas restricciones en lo que se refiere a herramientas y soportes. Puede pintarse sobre casi todo, con o sin imprimación, y se aplica con cualquier tipo de pincel. Su único inconveniente es que deja una superficie blanda y flexible que atrae el polvo. SI quieres que tus pinturas hechas con acrílicos duren, debes protegerlas con una capa de barniz.

deGranero 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer

5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer:

  • Pinceles:

    Para trabajar con acrílicos puedes usar tanto pinceles naturales como sintéticos. Los pinceles blandos son adecuados para acrílicos fluidos, pues retienen más humedad  y dispersan la pintura líquida más eficazmente. Los pinceles gruesos y duros son imprescindibles para usar pintura espesa, tal como sale del tubo o con un poco de agua.

  • Superficies:

    Hay tres superficies para pintar: lienzo, tabla (madera o cartón) y papel. También se puede experimentar con plástico.. Se recomiendan papeles de acuarela gruesos, de buena calidad, 100% algodón, prensados en frío o en caliente. Aguantan más y se deforman menos.

  • Paletas:

    La tercera de estas 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer es la paleta. En teoría, cualquier superficie no porosa sirve como paleta para acrílicos. El plástico, el cristal o incluso la madera sellada son perfectos para este fin. Muchos artistas usan bandejas o platos de plástico para las mezclas. Como el acrílico se seca rápido, es importante no poner demasiada pintura cada vez; ponla en la paleta a medida que la necesites. Puedes mantener tus colores húmedos atomizando un poco de agua por encima.

  • Imprimaciones:

    La pintura acrílica puede aplicarse sin preparación sobre la mayoría de superficies, pero normalmente se acepta que es mejor sellarlas previamente. Las superficies sin imprimar son muy absorbentes y, debido a que el acrílicos tiene base de agua, embeben el color de forma que el pigmento pierde su vivacidad y se vuelve plano y sin vida. Los papeles de acuarela de buena calidad se venden sellados con cola, pero el lienzo y la tabla tendrán una superficie más estable si se impriman primero con un medio acrílico o una imprimación acrílica de gesso.

  • Barnices:

    El acrílico seco tiene un lustre natural atractivo, pero a algunos artistas les gusta aplicar barniz brillante cuando quieren mostrar su obra sin cristal, pues el barniz crea una superficie brillante, diamantina. Tanto el barniz brillante como el mate proporcionan una película protectora transparente que hace más fácil limpiar la superficie. Escoge con prudencia el barniz pues algunos son permanentes y no pueden eliminarse. El barniz mate suele tener base de agua y da un lustre uniforme no brillante. El barniz brillante tiene base acuosa o de aguarrás y da al acrílico un lustre muy brillante que realza los colores y repele el polvo.

Hasta aquí estas 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

 

 

 

 

 

 

 

11 imprimaciones para pintar que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 imprimaciones para pintar que debes conocer. La imprimación es el proceso por el cual se prepara una superficie para un posterior pintado. A la superficie ya imprimada se le llama soporte pictórico. Los soportes más usuales en la historia han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas de madera, lienzos y pergamino o papel.

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Selladores e imprimaciones para pintar con acrílico y óleo:

  1. Imprimación de “gesso” acrílico: No hay que confundirla con el gesso tradicional. Hay varias imprimaciones acrílicas de secado rápido para cartón, lienzo, metal, acrílico e incluso metal, y son las más sencillas de aplicar. Hay que lijar la superficie, pero no es necesario sellarla de antemano. En superficies porosas, como cartón o lienzo, es aconsejable diluir la primera capa para que la imprimación pueda penetrar, y se deben aplicar una o dos manos. Normalmente, un lienzo con imprimación acrílica carece de la tirantez de una superficie tratada con cola de conejo, pero la marca Golden ha desarrollado imprimaciones que tensan el lienzo para imitarla. Las diferentes marcas varían, pero hay un “gesso” acrílico que creaun fondo semiabsorbente. Para que la superficie quede lisa hay que lijar entre capas. Recientes pruebas indican que la imprimación acrílica conserva una flexibilidad muy buena (mejor que una base tradicional de cola e imprimación con aceite). Por tanto, muchos fabricantes  la recomiendan como alternativa para el lienzo cuando se pinta con óleo o acrílico. Golden, más prudente, indica que una vez que la pintura se ha secado y se endurece esta flexibilidad puede agrietar el aceite que tienen encima; sólo lo recomienda como imprimación para óleo sobre cartón.
  2. Látex doméstico: La mayoría de pinturas para paredes de interior del hogar tienen base de acetato de polivinílo. El PVA es más barato que el acrílico, peor, como el óleo, se ha demostrado que se endurece con el tiempo y que es menos duradero que el acrílico. Las colas y pinturas domésticas normalmente se fabrican para durar unos 15 años. Por ello, y aunque el látex doméstico actúa como sellador e imprimador, tal vez sólo debería emplearse para proyectos de corta duración.
  3. Cola PVA: Como la segunda de las imprimaciones para pinar que te presentamos, el PVA se basa en acetato de polivinílo. Se pude usar como sellador pero es más quebradizo que el acrílico y normalmente no se usa sobre lienzo. Sin embargo, hay quien asegura que es un mejor sellador para el óleo sobre lienzo que la cola de piel de conejo o el acrílico porque forma un soporte rígido que no absorbe la humedad de, aire.
  4. Medio acrílico: El medio acrílico puede usarse como cola transparente para sellar cartón o lienzo antes de pintar al óleo  y como cola para hacer collages. Se mantienen más flexibles que con cola PVA. Sin embargo, no todas las marcas de pinturas acrílicas y medios tienen los mismos químicos y no deben mezclarse diferentes firmas. Sigue siempre los consejos del fabricante sobre sus aptitudes y aplicación.

Selladores e imprimadores para pintura al óleo:

  1. Leche: La caseína que contiene la leche entera se puede usar para sellar papel. Pinta con ella y deja secar. Es una forma fácil de preparar un cuaderno de bocetos.
  2. Goma Laca: Es una resina elaborada con la secreción de un gusano asiático de la laca, y normalmente se disuelve en alcohol. Se usa para sellar papel, cartón o paredes. Es muy fuerte, pero quebradizo, y no se recomienda para el lienzo.
  3. Cola de conejo: Hecha de piel animal, es el sellador tradicional que se aplica a las superficies  antes de la imprimación a base de aceite y es un ingrediente del gesso tradicional, de la imprimación al huevo y del temple. Cuando se usa como sellador, se aplican dos capas para que la cola empape bien. La cola aplicada al lienzo lo tensa, proporcionándole una tirantez suficiente. Encima de la cola de conejo  sólo debe ponerse imprimador con base de aceite y nunca acrílico porque la pintura se agrietaría.
  4. Imprimación de gesso tradicional: Es un fondo quebradizo, de consistencia de tiza, blanco y absorbente, elaborado con tiza y cola de conejo. Se extiende sólo sobre tablas, preferiblemente cubiertas de gasa. La tela hace que la base se mantenga dentro de los bordes y evita que se descascarille. Su preparación es laboriosa, pero la superficie que se obtiene es incomparable ara pintar, muy diferente a las bases de gesso acrílicas o alquídicas.
  5. Imprimación tradicional de emulsión de huevo y aceite: Se añade aceite y huevo a la imprimación de gesso tradicional para obtener una base más flexible que permita pintar sobre lienzo. Su tacto es parecido al yeso acrílico, pero es más propenso a amarillear y volverse quebradizo con el tiempo.
  6. Imprimaciones alquídicas: La décima de las 11 imprimaciones para pintar que te presentamos, es la imprimación alquídica tixotrópica, es una versión evolucionada del esmalte  doméstico antigoteo. En este contexto, tixotrópico significa que la pintura es como un gel enlatado, fluida al pintar y gelatinosa cuando seca. Esto le proporciona una cualidad autonivelable y da como resultado una superficie lisa, brillante, no absorbente.
  7. Imprimaciones domésticas con base de aceite: En las ferreterías se encuentran una gran variedad de imprimaciones con base de aceite para madera, metal y cemento. También tienen base alquídica y pueden amarillear y volverse quebradizos, como están hechas para uso doméstico duran unos veinte años.

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Hasta aquí estas 11 imprimaciones para pintar que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo y pintura en Madrid.

 

 

 

5 consejos para dibujar desnudos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 consejos para dibujar desnudos que debes conocer. En el arte contemporáneo se atribuye menos importancia a las habilidades de dibujo y pintura tradicionales que a la fuerza de la idea que está detrás de la obra. No obstante las clases de dibujo con modelos, es decir las clases para dibujar desnudos, siguen siendo muy populares en el mundo occidental. El estudio de la figura desnuda del natural tiene un atractivo permanente: no sólo se trata de pulir las habilidades, sino que responde a una fascinación por el precioso vehículo humano. Dibujar desnudos del natural nos proporciona un vocabulario de formas y genera ideas. También ayuda a inventar  figuras imaginarias y a dibujar y pintar figuras vestidas.

Las artistas Jenny Saville, Gwen Hardie y Wangechi Mutu han trabajado con la figura humana desnuda de maneras muy diferentes.

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Jenny Saville, Vis and Ramin I, 2018. Photo: Mike Bruce/Jenny Saville. Courtesy the artist and Gagosian.

Saville es conocida por sus pinturas de mujeres grandes vistas en perspectivas extremadas. Pintadas con gestos poderosos en colores naturalistas, sus imágenes asertivas parecen rescatar el cuerpo femenino de los refinados desnudos de la pintura del pasado.

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Gwen Hardie “03.20.12” (2012) Óleo sobre tondo. Medidas: 30 pulgadas de diámetro

Gwen Hardie crea imágenes de quietud y belleza; observa áreas de su propio cuerpo en primer plano, pinta carne luminosa en momentos íntimos de conciencia aumentada. El encuadre y la ampliación de la piel convierte en un misterio una parte determinada del cuerpo y nos entrega una imagen que desplaza entre la forma reconocible y la ilusión atmosférica.

Las singulares imágenes de Wangechi Mutu bailan entre lo bello y lo grotesco. Mutu crea figuras nunca vistas , hechas de una combinación de materiales como pelo animal, pintura, purpurina y collages de fotos, que dan a las figuras una expresiva entidad física. En su serie “Histología de las distintas clases de tumores uterinos” emplea diagramas médicos  del siglo XIX como base de sus collages de cabezas.

5 consejos para dibujar desnudos que debes conocer.

  1. Asista a una clase de dibujo del natural. Intente alternar el dibujo objetivo (lo que se ve) y la experimentación con varios medios, destacando los elementos de la figura que  más te interesen. Combina este ejercicio con el dibujo a ciegas (sin mirar el papel).
  2. Observa diversos mapas del cuerpo de distintos sistemas médicos,  tales como acupuntura, osteopatía, reflexología, medicina china, medicina occidental, tantras hindúes, dibujos de Leonardo… Haz tus propios mapas del cuerpo.
  3. Dibuja el esqueleto y los músculos a partir de una imagen encontrada. Haz un collage de piel con pañuelos en capas  encima del dibujo, dejando que aparezcan partes del interior. Piensa en dentro/fuera, textura y realidad física.
  4. Los esqueletos de plástico son útiles para dibujar, pero resultan muy caros. Busca ilustraciones de anatomía en libros o en Internet, estúdialos copiándolos y úsalos como base de tu idea.
  5. Dibuja tu propio cuerpo empleando espejos.

Hasta aquí estos 5 consejos para dibujar desnudos que debes conocer. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo o al menos organizar tus ideas. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

6 herramientas para dibujar con carboncillo que debes conocer.

En este artículo te explicamos 6 herramientas para dibujar con carboncillo que debes conocer. El  carboncillo de sauce, lo mismo que el de viña, es madera quemada y es posible que sea el material de dibujo más antiguo. El que se comercializa en la actualidad está hecho de ramas de sauce o de viña y se presenta en diversos tamaños. El carboncillo grueso de artista es el más grande, adecuado para trabajos a gran tamaño, mientras que el lápiz de carboncillo es útil para detalles.

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Una vez aclarado esto, vamos con esas 6 herramientas para dibujar con carboncillo que debes conocer:

  1. Carboncillo comprimido: Es carboncillo de sauce molido en polvo, pegado con un aglutinante como el aceite y comprimido en forma de barra. Es un tipo de tiza o pastel negro.
  2. Tiza: La tiza blanca o negra se hace de carbón o de yeso aglutinados con resina o con aceite y configurados en forma de barras.
  3. Fijador: Los modernos fijadores en bote de aerosol son normalmente una solución de PVA (resina de acetato de polivinilo) y alcohol metílico, que se evapora rápidamente cuando se seca la superficie. Si se desea una superficie sellada más duradera, se aplican con pistola dos o tres capas de látex acrílico diluido.
  4. Superficies: Para usar tiza o carboncillo sirve cualquier superficie con un poco de textura, ya que ésta ayuda a que el pigmento se adhiera. El papel de dibujo y los papeles de acuarela con textura  son adecuados, así como los papeles texturados y teñidos fabricados específicamente para el dibujo al pastel. Para dibujos de grandes dimensiones puedes adquirir papeles de dibujo en rollo (Papel caballo).
  5. Lápices de carboncillo: Los lápices de tiza y de carboncillo se afilan fácilmente y son óptimos para trabajos detallados. Igual que los lápices de grafito, se presentan en diversos grados de dureza, y cada variedad tiene características ligeramente diferentes a las de las demás.
  6. Borradores: Los borradores de plástico eliminan el carboncillo, lo mismo que el grafito, sin dejar manchas. Se cortan en trozos para usarlos más fácilmente en áreas detalladas. Otra opción es emplear una goma moldeable moldeada en punta. Caliéntala primero en la mano y amásala bien o emborronará la superfice.

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Hasta aquí estas 6 herramientas para dibujar con carboncillo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo o al menos ordenar tus ideas. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo y pintura en Madrid

 

8 materiales para pintar al óleo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 8 materiales para pintar al óleo que debes conocer.  El óleo, palabra proveniente del latín oleum (aceite), es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla. El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la mezcla de colores.

deGranero 8 materiales para pintar al óleo que debes conocer.

Ahora si, vamos con esos 8 materiales para pintar al óleo que debes conocer:

  1. Imprimadores: La pintura al óleo suele aplicarse sobre una superficie sellada previamente. En soportes porosos como el papel, el lienzo sin preparar o la madera, el aceite de la pintura es absorbido y el pigmento se queda sin ningún elemento de adherencia. Además, el ácido linoleico de la pintura pudre el lienzo. Lo más fácil y rápido es preparar la superficie con un imprimador acrílico. Si se quiere usar un imprimador al óleo, primero hay que aplicar cola de conejo, adhesivo PVA o medium acrílico para formar una barrera entre el óleo y el soporte.
  2. Superficies: Casi cualquier superficie puede pintarse al óleo con tal de que esté sellada o imprimada. Lienzo, madera, cartón, papel, metal, lámina acrílica y vidrio se usan como soportes. No obstante, a diferencia de la pintura acrílica, el óleo se vuelve quebradizo con el tiempo y es susceptible de agrietarse sobre superficies flexibles. Si la duración en el tiempo es importante, se aconseja trabajar en una superficie rígida, o montar el papel o el lienzo en un tablero.
  3. Pinceles: Para pintar al óleo pueden emplearse pinceles de pelo natural o sintético. Los pinceles de cerdas rígidas son más adecuados para aplicar pintura espesa tal como sale del tubo, mientras que los de pelo suave se usan para lavados finos, velados y detalles. Los disolventes usados con la pintura al óleo no tratan bien a los pinceles, y son particularmente agresivos con los de pelo suave. Hay que limpiarlos bien con agua y jabón para prolongar su vida.
  4. Disolventes: Sirven para disolver el aceite de la pintura. En general, los pinceles se limpian con aguarrás mineral, y la pintura se diluye con trementina para pintar fondos. Ambas sustancias pueden mezclarse con más óleo o resina para elaborar medios pictóricos, aunque la más usada de ambas es la trementina. Cuando la pintura se seca el disolvente se evapora y el óleo se asienta en la superficie. Ambos productos deben usarse con buena ventilación, pero sus vapores son nocivos para la salud. No deben verterse en el fregadero.
  5. Aguarrás mineral: Es un producto derivado del petróleo. Más barato y menos viscoso que la trementina, suele emplearse para limpiar los pinceles. Aunque debe usarse siempre con buena ventilación, es menos nocivo que la trementina y, pese a que embota ligeramente la calidad de la pintura, puede usarse para disolverla y para hacer medios pictóricos.
  6. Trementina: La trementina se hace de resina de pino destilada. Su calidad y mordiente varían según la manera en que sea procesada. Es preferible adquirir trementina de doble destilación  o rectificada antes que otros productos , ya que es más pura y su olor es menos pronunciado. La trementina se usa para diluir la pintura cuando se hacen fondos, ya que posee una claidad ligeramente resinosa que ayuda a que la pintura disuelta se pegue al soporte. También sirve como ingrediente para hacer medios pictóricos.
  7. Aguarrás de olor reducido: Empleado correctamente, es una alternativa segura al aguarrás mineral. Tiene un tratamiento que elimina algunas de sus impurezas y se seca más despacio, por lo que no huele tanto. No obstante, en una habitación con pinturas que estén secándose se forman vapores con el tiempo, por lo que se requiere una ventilación adecuada.
  8. Aceite de lavanda: El último de estos 8 materiales para pintar al óleo que debes conocer es el destilado de un tipo concreto de lavanda, se trata de un disolvente de secado lento que puede tardar varios días en evaporarse. Los artistas del pasado lo empleaban mucho como diluyente y puede ser una alternativa apara personas alérgicas a la trementina. A diferencia de los disolventes anteriores, no es considerado nocivo para la salud. No tiene olor, pero de todos modos debe emplearse en una habitación bien ventilada.

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Hasta aquí estos 8 materiales para pintar al óleo que debes conocer. Como siempre espramos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

 

6 tipos de cartones y tablas para pintar que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 tipos de cartones y tablas para pintar que debes conocer. Los cartones y tablas que mostramos aquí pueden imprimarse con la lámina entera y luego cortarse en trozos. A menudo se encuentran recortes en tiendas de madera o en los contenedores, una opción más barata que el lienzo entero. Los cartones son la superficie más estable para pintar, pero los que sean grandes y delgados deben ponerse en un bastidor o soporte para evitar que se deformen. te recomendamos que leas un artículo que escribimos hace tiempo titulado “5 soportes para pintar que debes conocer“.

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Ahora si, vamos con esos 6 tipos de cartones y tablas para pintar que debes conocer:

  1. Cartón de conservación: La ventaja de este cartón es que tiene PH neutro y que, a diferencia de los cartones del supermercado, no se volverá amarillo ni quebradizo con el tiempo.
  2. Cartón prensado: Es más ligero y menos denso que el cartón MDF y más vulnerable y propenso a darse de sí y a decolorarse debido a la humedad. Debe sellarse bien.
  3. Tabla MDF (medium density fiberboard): Está hecho con serrín y cola prensados en cilindros para elaborar una lámina sólida. Como tiene una estructura uniforme, es una superficie muy estable para pintar. Se encuentra en diferentes grosores y es la opción más atarctiva ya que parece un panel de madera sólida. No obstante a diferencia del resto de cartones que se mencionan en este artículo contiene ingredientes cancerígenos y debemos emplear una mascarilla para cortarlo o lijarlo.
  4. Tabla de fibra prensada: Es similar al MDF pero, como se fabrica a presión, es más fuerte y no contiene ingredientes cancerígenos. Normalmente es más delgado que el MDF, y está disponible con la parte superior lisa y la trasera texturada o con las dos caras lisas.
  5. Contrachapado: Esta hecho de finas capas de madera que se encolan para unirlas. Las capas se giran de forma que,  a diferencia de una pieza sólida de madera,  las vetas van en todas las direcciones y se reduce el riesgo de que se alabee. Sin embargo, como está sometido a tensión, es menos estable que el cartón de fibras prensadas o el MDF.
  6. Cartón: Elaborado con pulpa de madera, el cartón es una excelente superficie ligera para pinturas pequeñas. Si es importante la duración, debes escoger uno con PH neutro, y sellar bien la superficie.

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Hay que sellar bien los cartones por ambas caras para que no se deformen, y especialmente en el borde de corte, para que no entre humedad.

Hasta aquí estos 6 cartones y tablas para pintar que debes conocer. Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

6 temas sobre composición en pintura que debes conocer.

En este artículo te explicamos 6 temas sobre composición en pintura que debes conocer.  El trabajo con el entorno ofrece varias posibilidades a la composición en pintura., desde el clásico paisaje con horizonte hasta un primer plano encuadrado o una disposición geométrica, presentados en formatos orgánicos o regulares.

La composición es el planeamiento, la colocación o el arreglo de elementos o de ingredientes en un trabajo de arte, o la selección y la colocación de elementos del diseño según principios del diseño dentro del trabajo. Contribuye a una respuesta del espectador; la obra de arte se considera dentro de lo estético (que satisface al ojo), si los elementos dentro del trabajo se ordenan en una composición equilibrada (Dunstan, 1979). No obstante, existen artistas que prefieren romper las reglas de la composición tradicional, desafiando a los espectadores a reconsiderar las nociones de equilibrio, y a diseñar elementos dentro de trabajos de arte, por ejemplo los artistas como Salvador Dalí. También puede ser pensado como la organización de los elementos del arte de acuerdo a los principios del arte.

La composición fue considerada principio fundamental en el arte europeo hasta principios del siglo XX, cuando es gráficamente desplazada luego de la desaparición del concepto dadá. El fundamento de la estética formalista, en donde predomina la composición fue exclusivamente, fue lenta y trabajosamente desplazado por la preeminencia en el significado creado en la imagen. La preeminencia de la composición como estructurante de la obra de arte se vincula más al academicismo del siglo XIX y a las Bellas Artes que al arte contemporáneo que no admite tales reglas (objeto, performance, instalación, artes audiovisuales, etc.) En la contemporaneidad el fundamento citado para la importancia de la composición se encuentra en la psicología de la Gestalt, desarrollada a principios del siglo XX. La composición de las artes visuales son actividades propias del ser humano, mediante las cuales se satisfacen ciertas necesidades estéticas y prácticas. Constituyen una unidad orgánica que permite ordenar los elementos conceptuales, visuales y técnicos, necesarios para el acto creador. La composición de las artes visuales es la forma total con la que se comunica una plástica, la percepción visual es el medio idóneo para acceder a esta comunicación.

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Alasdair Lindsay.”Southwark Bridge”, 45 x 45 cm

Ahora si vamos con estos 6 temas sobre composición en pintura que debes conocer:

  1. La proporción áurea: Muchos paisajistas emplean instintivamente la teoría de la proporción áurea como base de sus composiciones, sin remitirse a sus reglas matemáticas exactas. Hay una versión simplificada, en fotografía llamada “regla de los tercios“, por la cual el formato se divide en tercios  y los puntos de interés del paisaje se ubican en las intersecciones de las secciones verticales y horizontales.
  2. Panorámica: Hay pintores que emplean un formato panorámico para abarcar al máximo lo que tienen delante. Hay veces que el formato es exageradamente alargado, pero las características del paisaje corresponden aproximada a la “regla de los tercios”.
  3. Composición clásica: Por ejemplo la representación del alzado de un edificio. Series de rectángulos grandes y pequeños con divisiones descentradas, que crean una sensación de orden y estabilidad al tiempo que se mantiene el interés gracias a cierta asimetría.
  4. Vista de planta geométrica: Encontrar un patrón y el color de las vistas aéreas para crear versiones simplificadas geométricas y abstractas por ejemplo. Un formato cuadrado dividido en tercios horizontales y verticales que forman nueve cuadrados más pequeños. Jugando con el color la composición en pintura podría dar versiones muy diferentes.
  5. Formato orgánico: Un dibujo puede crecer de manera orgánica hasta encontrar sus propios bordes, siguiendo  mapas que representan la geometría del desarrollo urbano. El resultado es una forma que flota en el papel, con calles que se desvanecen a medida que alcanzan el espacio vacío que les rodea.
  6. Horizonte bajo: Un cielo puede hacerse el protagonista de un dibujo. El horizonte muy bajo, denota un punto de vista elevado sobre el paisaje ciudadano. Hay que colocar los elementos importante en las líneas de división de la proporción áurea.
deGranero dibujo y pintura en Madrid. Composición
Kathy Prendergast. City Drawings Series: Tehran and London, 1997, pencil on paper, 12.2 x 8.3 inches each

Hasta aquí estos 6 temas sobre composición en pintura que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo.