7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer. Los restregados y empastes al óleo (pintura con espátula) son dos buenas maneras de empezar a trabajar con esta tradicional técnica. En estas técnicas se emplea la pintura tal como sale del tubo, por lo que son ideales para los alérgicos a los aceites y para los que desean evitar los disolventes. Ambas nos permiten sentir y aprovechar las cualidades de la pintura al óleo pura.

En el restregado, la pintura se extiende esparciéndola y frotándola sobre la superficie. la pintura al óleo muestra su carácter maleable, su capacidad de afinarse sin disolvente y de proporcionar una gama de tonos sin la adición de blanco ni negro. En el impasto, se aplica pintura al óleo espesa a la superficie, disfrutando de su condición pegajosa y opaca. Esta forma de trabajar, directa y con textura, construye un espeso lecho de pintura que , a diferencia del acrílico, permanece abierto: puede rascarse y manipularse durante uno o más días.

7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

  1. El encajado puede dibujarse con carboncillo o con pintura diluida en trementina. Recuerda que este dibujo de base se mezclará con la pintura y podría ensuciarla, por lo que es conveniente cepillar con el pincel los dibujos oscuros al carboncillo antes de pintar, y hacer la pintura de base con un color claro, como un ocre. Si la base es incorrecta, lo mejor es borrarla con un trapo por ejemplo.
  2. El restregado puede hacerse con cualquier tipo de pincel, pero la acción de frotado no es buena para las cerdas. Usa pinceles económicos y robustos de pelo de buey y no los suaves de marta, que son muy caros.
  3. Frota el pincel en un trapo al cambiar de color, en lugar de lavarlo con disolvente. Esto seca el pincel lo suficiente para arrastrar la pintura y produce interesantes mezclase de color en el restregado.
  4. Se puede usar el canto de una espátula para pintar y superponer bordes. Si es posible, usa una espátula con mango angular, que evitará  que tu mano toque la superficie húmeda.
  5. A veces puede ser difícil situar la espátula en la mejor posición. Podemos girar el tablero o lienzo para tener mejor acceso; si la pintura es pequeña, será posible sostenerla en la mano e inclinarla.
  6. La pintura se puede acumular con espesor, pero si es demasiado espesa se encoge al secarse. La adición de un medio de resina alquídica, como el oleopasto, ayuda a  solidificarla, acelera el tiempo de secado y preserva las marcas de la espátula.
  7. La pintura húmeda espesa puede rascarse fácilmente con una espátula y reemplazarse.

Hasta aquí nuestros 7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

En este artículo te damos 8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer. Hay muchas maneras de empezar a trabajar con nuestro entorno. Sin embargo, recuerda que en estos casos es posible que tengas que trabajar  con rapidez o ser capaz de actuar sin interrupciones durante un periodo de tiempo, y estos factores afectarán a tu respuesta.

Un lugar familiar al que puedas acudir a menudo será una fuente de estudio permanente. Puede ser el jardín de tu casa, o de una amplia zona de bosque o un parque urbano, o una calle de tu barrio…

El equipo necesario para pintar paisaje sobre el terreno puede ir desde un simple cuaderno de bocetos y un lápiz hasta lienzo y caballete, pinturas, pinceles y demás. Martin Beek, por ejemplo usa una modesta silla plegable como paleta.

Visor.

Un visor o una cámara te servirán para enmarcar el sujeto en horizontal (paisaje) o en vertical (retrato), de lejos o de cerca.

El visor puede ser una abertura de tamaño fijo recortada en un cartón, o dos piezas de cartón con forma de L unidas con cinta adhesiva para hacer aberturas de proporciones variadas. La abertura debe tener la misma orientación y proporciones que el papel a emplear.

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

  1. La observación desde un punto elevado puede revelar varios aspectos de un paisaje, las marcas y características de la presencia humana, así como los cambios originados por fenómenos naturales como lluvias o sequías. El paisaje también puede contemplarse a lo largo del año para ver los cambios estacionales.
  2. Haz un boceto de todo un paisaje hasta descubrir áreas más pequeñas que te interesen y que después podrás explorar en más detalle.
  3. Concéntrate en áreas de distintos tamaños y escalas.
  4. Fíjate en algo que esté a tus pies, como la hierba o una tapa de alcantarilla.
  5. Añade algo que hayas visto, como vallas o cables eléctricos, y atraviesa con ellos la composición usando un material o color de contraste, para añadir otra dimensión espacial.
  6. Dibuja o pinta con rapidez; imponte un tiempo límite o trabaja con algo móvil, como el agua o las nubes.
  7. Dibuja durante periodos más largos y regresa otras veces a la escena para incorporar una respuesta distinta o para recoger novedades que te interesen. Registra los cambios de los sitios, como las mareas en un estuario, las áreas de agricultura intensiva, o los edificios en construcción. Dibuja lugares en distintas condiciones climáticas y lumínicas.
  8. Registra los cambios con fotos, como hizo Liam O´Connor en su dibujo evolutivo de una construcción en el British Museum.
8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.
Liam O´Connor, “View from the Model Room Window”. 2010-13.

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3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

En este artículo te explicamos 3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer. El color siempre es visto dentro de un contexto. Su apariencia cambia según su relación con los colores vecinos y con el espacio que ocupa. Su significado también cambia en función de asociaciones culturales aprendidas.

Los artistas usan  el color con muchos fines distintos:

  • Por su presencia física inmediata.
  • Para expresar significado, ya sea emocional, personal o simbólico universal.
  • De forma sistemática: por ejemplo, limitándose a los primarios tricromáticos exactos o a determinados colores complementarios para controlar el efecto de las capas o las sensaciones ópticas. De forma arbitraria, simplemente para identificar capas separadas, como en la obra de Manfred Mohr.
deGranero el color y la música
Manfred Mohr. P-1414_148, pigment-ink on canvas, 2010, 80 cm x 80 cm.

Los artistas también enfocan sus usos del color de muchas y muy diversas maneras:

  • Improvisación: Cada decisión se toma en respuesta a lo hecho previamente, como producto del repertorio subconsciente individual de trazos y manchas o de referencias externas visuales, o de ambas cosas.
  • Control: Por ejemplo, con una estructura de cuadrícula y con un conjunto predeterminado de colores.

Muchos artistas se sitúan en algún punto entre estos extremos y combinan aspectos de la improvisación con otros del control.

Gina Burdass habla de la siguiente forma de su obra, “En mis cuadros intento resaltar las diferencias de los colores a través de sus interacciones y, aun permitiendo que cada color conserve su carácter distintivo, no dejo que ninguno de ellos domine y rompa la unidad”.

deGranero Gina Burdass
Gina Burdass – AF-6
acrylic on wood panel – 15 x 21 cm.

Música visual y sinestesia.

A menudo, los artistas relacionan su suso del color con la música, ya sea el free jazz, las estructuras matemáticas de Bach, o los compositores contemporáneos de música serial. La correspondencia entre las estructuras musicales y las armonías de color vienen siendo investigadas desde Platón. La música visual ha sido definida por Roger Fry como la traducción de la música a la pintura en su descripción sobre Kamdinsky, quien creía que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias semejantes a los acordes musicales. Esto se confunde fácilmente con la sinestesia: la música incita a algunos artistas a ver determinados colores y a intentar capturar en la pintura sus sensaciones de música-color. También se usan órganos de color, vídeos y ordenadores para generar respuestas de color a la música.

3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

  1. Selecciona un color o un grupo de colores armónicos. Rompe esta selección con un color de contraste para crear una reacción o para oscurecer la capa anterior. Busca un equilibrio empleando colores complementarios del mismo valor tonal.
  2. Considera las claves tonales de color: pigmentos puros para la clave alta, colores mezclados con blanco o con negro para la clave baja. Es probable que los colores resuenen más si hay un cambio de clave, por ejemplo, si el color de clave más alta se introduce en una imagen con predominio de clave baja.
  3. Ten en cuenta la ubicación y la forma de los espacios ocupados por los diferentes colores en relación con el formato de la obra. ¿tienen las formas un significado particular, o son menos contenedores neutros del color?¿Qué tensiones o efectos ópticos o espaciales se producen cuando ciertos colores se colocan en el borde o cerca de él, o en el centro de la composición?
Mali Morris. “Wilbury”. Acrílico sobre lienzo.

Has aquí nuestros 3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

 

 

 

 

 

10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

En este artículo te explicamos 10 consejos para pintar el entorno que debes conocer. A muchos artistas les gusta realizar obras completas en el sitio, delante del tema, pero otros consideran que esto no es práctico, o no les interesa. Cuando el artista trabaja en el estudio, está separado de su fuente de inspiración y , en consecuencia, necesita estrategias para desarrollar obras basadas en el entorno.

deGranero pintar el entorno

La artista Emma Stibbon comenta sobre este tema: “De regreso al estudio, a menudo manipulo o adapto una imagen. Suelo fotocopiar mis fotos, hacer collage con algunas partes y redibujar por encima. Me interesa empujar al espectador dentro del espacio pictórico, y a menudo es esto lo que guía la perspectiva o la disposición de la composición. Me interesa el modo en que la cámara recorta y enmarca la vista y también los recursos cinematográficos”.

Ute Kreyman dice: “Inicialmente hice una serie de estudios sobre el terreno en mi cuaderno de bocetos. Después empecé el dibujo a gran tamaño en la iglesia, recogiendo la arquitectura de los muros, antes de completar el dibujo en el estudio. Finalmente, alteré ventanas y suelos según mi imaginación”.

10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

  1. Amplia los bocetos en fotocopias y dibújalos o cálcalos.
  2. Trabaja con fotos, dibujando directamente. También puedes dibujar o pintar sobre fotos impresas.
  3. Elije detalles de tu cuaderno de bocetos para ampliarlos y rehacerlos con otros materiales.
  4. Usa sistemas de perspectiva para construir un espacio convincente.
  5. Trabaja con materiales recogidos en el entorno, como piedras o plantas.
  6. Superpón en el mismo papel dos o más dibujos desde distintos puntos de vista. Unifica la imagen decidiendo partes a conservar o a borrar. Este ejercicio proporciona un sentido más amplio del espacio del lugar.
  7. Haz modelos o disposiciones que puedan reemplazar temas de paisajes.
  8. Para estudiar el movimiento del agua, busca equivalencias que traduzcan en imágenes las formas de su flujo.
  9. Humedece, dobla o arruga el papel y trabaja con tinta o pintura en la superficie irregular, dejando que los materiales encuentren su propio nivel. En respuesta al resultado, corta o rasga el papel en formas adecuadas y dispón las piezas en un collage, o dibuja en la superficie para establecer o reestablecer una imagen.
  10. Mezcla materiales del entorno, como arena o sal con la pintura. la sal hace que la tinta o la acuarela se dispersen de modo diferente.

Hasta aquí estos 10 consejos para pintar el entorno que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 procedimientos pictóricos que debes conocer. Pinturas con cera, esmalte, alquídicas y miscibles en agua.

Las pinturas alquídicas, de esmalte y miscibles en agua son usadas por los artistas en combinación con la pintura al óleo convencional o como alternativa a ésta. El medio de cera se emplea para cambiar la consistencia a la pintura al óleo. En conjunto, estas pinturas van de mate a brillante y de espesas y cerúleas a muy fluidas. Son diferentes al tacto y cada una tiene sus ventajas y sus inconvenientes.

4 procedimientos pictóricos que debes cnocer. deGranero

4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

  1. Pintura alquídica: Las pinturas alquídicas son las que conocemos como pinturas caseras con base de aceite. Los artistas las emplean aveces porque son más baratas que las pinturas al óleo. Esta pintura fluida y brillante se esparce cuando sale del tubo. Es pegajosa para trabajar y, aunque resbala, no es fácil esparcirla si no está disuelta con aguarrás mineral. La adición de medio alquídico produce un efecto más traslúcido, pero también requiere disolver con aguarrás mineral. Una vez obtenida una buena consistencia, es fácil de mezclar y admite bien el esgrafiado. Tiene muchas de las características de la pintura al óleo mezclada con medio de resina damar. Su imprecisión hace difícil usarla para pintar con espátula, pero mantiene bastante bien su forma en la superficie y puede retocarse con un pincel. Tarda un día en quedar seca al tacto y conserva su superficie brillante.
  2. Pintura al óleo miscible en agua: Las pinturas miscibles en agua nos trasladan a algo casi milagroso… Cuesta entender cómo el óleo puede modificarse químicamente para que acepte el agua. Sin embargo, estas pinturas funcionan perfectamente y permiten a los artistas que las emplean pintar al óleo sin usar disolventes minerales. Es una pintura mucho más sólida que la alquídica, con un carácter muy ceroso y opaco que no tiene nada que ver con esta última. Diluida en agua ofrece un lavado seco y mate parecido al que se obtiene con óleo y aguarrás mineral; es más cómodo trabajar con esta pintura cuando está más espesa. No se esparce demasiado ni se mezcla con facilidad, y conserva las marcas de las pinceladas incluso en lavados. Las pinceladas se rompen creando una serie de marcas interrumpidas que caracterizan este tipo de pintura. El frotado y el esgrafiado funcionan bien con ella, y es fácil pintar con espátula, puesto que la pintura es espesa.
  3. Pintura de esmalte: El tercero de estos 4 procedimientos pictóricos es el esmalte. El termino esmalte se aplica actualmente a cualquier pintura muy brillante y autonivelante con base de disolvente o de agua. Suele contener una resina como damar, epoxi o alquídica. Las ricas pintura de esmalte están hechas con esmalte de automoción. La pintura de esmalte es muy líquida, mucho más que la alquídica. Se mezcla con un pincel y se aplica suavemente sin necesidad de diluirla con aguarrás mineral. Se acumula con facilidad, los colores se combinan en espirales y las lineas de esgrafiado se rellenan. Seca deprisa  y deja una superficie muy lisa y brillante, sobre la que es posible pintar al cabo de 10 o 15 minutos, pero que se levanta si es tocada demasiado pronto. La superficie se estropea fácilmente con el polvo, por lo que es conveniente protegerla con una cobertura improvisada mientras se está secando.
  4. Medio de cera: La cera en sí misma es un medio de pintura, y la mezcla de cera para añadir a los pigmentos se llama “pintura encáustica”. En este caso, la cera se disuelve en trementina para hacer un medio que se añade a la pintura al óleo. Esta operación disuelve y cambia la consistencia de la pintura de brillante a mate. El medio de cera tiene una consistencia suelta y cuando se añade a la pintura tal como sale del tubo ésta se diluye y adquiere una textura ligeramente granulosa. La pintura se alisa en la superficie y se seca casi al instante, por lo que se limitan las posibilidades de esparcir la pintura. Puede pintarse por encima en unos minutos, aunque la pintura permanece blanda y vulnerable hasta que se seca por completo, un par de días después. Es fácil realizar esgrafiado. A pesar de que la pintura es mate, es posible realizar efectos de lavados transparentes, y el color es puro y brillante.

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9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer. Las personas desean dibujar y pintar a otras personas ya que los seres humanos son un tema cautivador. Pero un retrato no es lo mismo que una imagen que incluye a una persona. Una obra puede ser identificada como un retrato si se indica el nombre de la persona representada, pero esta definición tan amplia puede ser discutible. El artista estadounidense Kehinde Wiley toma los cuadros de los maestros de la pintura antigua, con sus títulos originales, como base de sus retratos de hombres y mujeres modernos. En Napoleon Leading the Army over the Alps (original de Jacques-Louise David, 1800), Wilwy recrea la pose a caballo, pero reemplaza a Napoleón por un joven negro con atuendo contemporáneo, y el cielo por un motivo ornamental. De este modo, juega con los símbolos de poder y los atribuye al hombre negro, históricamente desprovisto de derechos.

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Napoleon Leading the Army over the Alps. Óleo sobre lienzo. Kehinde Wiley.

Wendy Elia ha pintado una serie de cuadros titulada “The Visit”. El trabajo en serie le brinda a Elia la oportunidad de explorar aspectos más amplios que la vida de un individuo. En su emotivo retrato The Visit V (Mary), la anciana madre de Elia y su bisnieto posan en el centro, mirando confiadamente al espectador. La franqueza de la mirada de Mary contrasta con su fragilidad física. Las imágenes y objetos de la habitación cuentan la historia de una vida y hablan de la muerte, la próxima etapa.

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The Visit V (Mary). Óleo sobre lienzo. Wendy Elia.

9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer.

  1. Autorretrato: Practica dibujando y pintando tu cabeza. Intenta dibujar tus rasgos en primer plano, desde distintos ángulos y en varias condiciones de iluminación.
  2. Composición: Antes de pintar, haz pequeños bocetos pensando en las opciones, por ejemplo, el formato (vertical u horizontal), la escala (grande o pequeño), la colocación (alto o bajo, derecha o izquierda), las opciones de escenario y contexto, encuadre…
  3. Transcripción: Toma prestadas pinturas del pasado. Reutiliza contenidos, temas y elementos técnicos como el color y la composición.
  4. Tableu vivant: Recrea pinturas antiguas haciendo posar a amigos o modelos, fotografía la escena y úsala como base de una pintura.
  5. Monotipo de una cabeza a partir de una fotografía: Pinta un retrato al óleo (para que se mantenga húmedo) en un acetato transparente o un metacrilato pùesto encima de una foto que sirva de guía. Pon el acetato boca abajo sobre un papel preparado con imprimador de óleo o acrílico, y aprieta con firmeza para obtener una impresión.
  6. Pinta a partir de una autofoto o selfie tomada con un teléfono móvil.
  7. Haz un collage o pinta una cabeza a partir de fotografías. También puedes usar papel de embalar o papel pintado como fondo.
  8. Retrato en palabras: Habla con tu modelo y anota palabras clave. Recorta y monta las palabras con la forma de la cabeza y el cuerpo de la persona.
  9. Retrato biográfico: Haz un mapa del viaje vital en forma de cuerpo, con la crónica de acontecimientos o etapas emocionales.

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3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

En este articulo te enseñamos 3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

El término perspectiva (en latín, perspicere “para ver a través de”) se utiliza en las artes gráficas para designar a una representación, generalmente sobre una superficie plana (como el papel o un lienzo), de un motivo tal como es percibido por la vista, de forma que se pueda intuir su configuración tridimensional.

Geométricamente, estas representaciones se obtienen a partir de la intersección de un plano (el plano del dibujo) con un conjunto de visuales (las líneas rectas o rayos que unen los puntos del objeto representado con el punto desde el que se observa (denominado el punto de vista).

Después de esta breve introducción, vamos con el tema que nos aborda.

3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

  • Perspectiva aérea: La perspectiva aérea o atmosférica utiliza contrastes de tono o de color para crear una sensación de espacio tridimensional, como en las obras de Christopher Le Brun y Joy Girvin que vemos más abajo. Los contrastes tonales fuertes parecen avanzar en el espacio, mientras que las áreas que contienen tonos parecidos parecen retroceder. El tono puede elaborarse mediante líneas y manchas. Las variaciones de tamaño e intensidad de estas marcas pueden emplearse también para crear la ilusión de espacio. Algunos dibujos de paisajes de Van Gogh son excelentes ejemplos de ello. La relación entre los colores también tienen efectos significativos en la creación de efectos espaciales: normalmente los azules, o los tonos más grisáceos, parecen retroceder, mientras que los rojos intensos y los matices claros avanzan.
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The Complete Journey. Acuarela. Christopher Le Brun PRESIDENTE DE LA ROYAL ACADEMY.

Half Column

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A Walk trough the Orchard, Trelissick. Pasteles y crayones Conté cobre papel. Joy Girvin.

  • Gran angular/distorsión. Empleo de fotomontaje para combinar puntos de vista: La perspectiva lineal sólo funciona dentro de un campo de visión bastante estrecho. Cuando se combinan distintos puntos de vista para crear un punto de vista más amplio o móvil se produce cierto grado de distorsión. Cézanne y los Cubistas  y Futuristas esran conscientes de este hecho. Más recientemente, David Hockney ha popularizado el uso de fotos para registrar vistas múltiples de un tema. La cámara muestra como la perspectiva se comba en los extremos de la vista. Los calcos superpuestos y Photoshop son herramientas útiles para el fotomontaje.
  • Proyección paralela: La proyección paralela es una disciplina del dibujo técnico. No es lo mismo que la perspectiva, puesto que los bordes paralelos no convergen sino que van en tres direcciones distintas. El sistema principal de proyección  paralela es el axonométrico. En la proyección axonométrica, los bordes de los planos girados que muestran más de una cara de un objeto se dibujan a 45 grados en relación con la horizontal. En la proyección isométrica, que es un tipo de proyección axonométrica, estos bordes se dibujan a 30 grados. La proyección paralela suele emplearse para mostrar formas arquitectónicas en tres dimensiones y a escala, de modo que puedan tomarse medidas a partir de los dibujos. Como los bordes paralelos de los objetos permanecen paralelos en todas las direcciones, los objetos alejados no parecen más pequeños que otros cercanos y del mismo tamaño (a diferencia de la perspectiva) y los dibujos se ven distorsionados, algo que puede aprovecharse para crear espacios ambiguos como los de M. C. Eschner.
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M.C. Escher.

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4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer. La pintura diluida con trementina o aguarrás se emplea para dibujar diseños esquemáticos o para crear una pintura base más elaborada y que se deja secar. Estas marcas de pintura lavada se modifican después con capas añadidas encima (velados), o se cubren y contrastan con pintura más espesa pintada o aplicada con espátula.

Para hacer velados hay que añadir medio de aceite, para que la pintura se seque más despacio que la capa inferior y que las distintas capas se sequen con el tiempo sin separarse ni agrietarse. La adición de medios también aporta lustre y brillo. Este método puede emplearse para modificar los colores y texturas de la pintura espesa o diluida que está debajo. Pintar por encima con colores opacos y mezclados con blanco oscurece parcialmente las capas inferiores y unifica áreas de tono y color; los colores traslúcidos cambian o intensifican el color subyacente.

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4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

  1. Pintura afinada con trementina: La adición de trementina hace que el pincelado de la pintura sea más fácil. Puedes darla con un pincel pequeño y suave, aplica los colores como si de un puzle se tratara. La trementina es considerada en general como el mejor disolvente para pintar, por su carácter resinoso que ayuda a que la pintura se adhiera y que otros disolventes no poseen.
  2. Áreas contrastadas de pintura: El trabajo se desarrolla cubriendo y modificando en algunas zonas la pintura diluida con pintura más espesa, sin diluir, mezclada directamente tal como sale del tubo. Puedes frotar algunas zonas con un trapo hasta llegar a la imprimación.
  3. Pintura sobre pintura espesa: Puedes trabajar con un velado sobre una pintura elaborada por ejemplo con una espátula, esto te ayudará a unificar los tonos y modificar el color. Para esto puedes usar un medium de aceite de linaza.
  4. Pintura con velados: Puedes emplear más de un velado transparente sobre una pintura dejando secar entre uno y otro. Puedes utilizar aceite de linaza polimerizado, 6 partes de trementina con 1 parte de aceite.

La regla de “flexible sobre menos flexible”.

Después de estas4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer, debes saber que una vez que la pintura está seca al tacto, es posible pintar una o más capas por encima. Las capas pueden ser escasas o finas, pero si se emplea un medio de aceite cada capa debería contener más aceite que la inferior.

Las capas inferiores tardan años en secarse por completo y se encojen un poco durante el proceso. Por ello, lo más inteligente es asegurarnos de que la pintura que está encima se seque más despacio que la inferior, para que pueda moverse con ella. De lo contrario, la capa superior podría resquebrajarse. Empieza con 6 partes de trementina por 1 de aceite y termina con no menos de 2 partes de trementina por 1 de aceite.

Suele haber confusión sobre como aplicar esta regla a un medio de resina alquídica de aceite modificado como Liquin. A diferencia de los medios de aceite, la resina alquídica acelera el secado en lugar de ralentizarlo. También se dice que esta sustancia se vuelve más quebradiza que el aceite de linaza. Por ello, en lugar de añadir más Liquin u oleopasto a medida que avanza la pintura, lo mejor es asegurarse de que todas las capas (incluidas las de pintura espesa) contengan más o menos la misma cantidad de medio alquídico.

Del mismo modo, pintar por encima con pintura al óleo espesa con un medio de resina de damar o de cera puede producir agrietamiento, por lo que  si se usan estos medios, es mejor mantenerlos en todo el trabajo, preferiblemente en pinturas húmedo sobre húmedo de una capa, en la que la composición es más estable.

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5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 cosas que debes tener en cuenta para dibujar del natural. Dibujar del natural es dibujar copiando directamente el modelo, que puede ser una persona, un objeto o el paisaje.

Por ejemplo, el pintor académico o el realista observa modelos, y realiza por lo tanto dibujos del natural, los que son la guía para la pintura que aplica después; mientras que los artistas del arte naïf o el futurismo, no copian nada del exterior, pues se remiten a las imágenes que pueblan su mente, buscando más que la perfección, la expresión.

deGranero 5 cosas para dibujar del natural que debes conocer

 

5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

Dispón hasta tres objetos simples sobre una hoja de papel y prueba las siguientes tres formas de mirara y dibujar. A los más noveles, les resultará más fácil si eligen objetos redondos o amorfos y no cuadrados, botellas o piedras mejor que cajas, para no tener que pensar demasiado en la perspectiva lineal en este momento.

  1. Dibujo de línea continua: Realiza un dibujo lineal sin retirar el lápiz del papel. Observa cuidadosamente los objetos, no el papel, y hazlo a tu manera. Deja que los ojos guíen la mano y dibuja lentamente lo que veas. Artistas como Matisse solían trabajar de esta manera para abstraerse de lo que veían; como ellos, tu obtendrás un dibujo simplificado, que quizá también resulte tremendamente inexacto. Debes perseverar, ésta es una excelente forma de mejorar tu observación.
  2. Cuadrícula: Puedes dibujar líneas adicionales como guía para observar distancias, ángulos y tamaños relativos. Traza horizontales y verticales para comparar la parte superior, la base y los lados de los objetos y úsalas para ver la altura de uno de los objetos en relación con otros. Dibuja líneas entre los objetos para apreciar bien la distancia entre ellos.
  3. Espacios vacíos: Son las formas negativas o espacios en blanco entre y alrededor de los objetos. Entrecierra los ojos para reducir los detalles, es decir mira desenfocado, y busca y dibuja los espacios vacíos, tratando el modelo como una serie de motivos interconectados. Esto te ayudará a relacionar los objetos entre sí y a dibujar contornos difíciles con mayor facilidad. Ésta es una manera de trabajar muy intuitiva.
  4. Compara medidas: Después de abocetar los objetos, toma medidas aproximadas con el pulgar apoyado en el lápiz. Compara la anchura y la altura y los tamaños relativos de los objetos. Por ejemplo, la botella es más o menos tres veces más alta que ancha o el tronco del árbol, es un tercio de ancha que la ventana de la casa de detrás…
  5. Mide: Sostén el lápiz sobre el bodegón real para encontrar conexiones y ver la alineación de objetos. Esto te será útil para hacer la cuadrícula. Las comparaciones debes hacerlas con el brazo extendido para que todas las medidas las tomes desde la misma distancia y, por lo tanto, sean consistentes.

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2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

En este artículo te explicamos 2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer. Los artistas trabajan de diferentes maneras para generar ideas y, con la práctica, encuentran el sistema más adecuado para ellos. Prueba varios enfoques para encontrar lo que sea eficaz para ti. Para comenzar, puede ser útil hacer las siguientes distinciones:

  • Con la imagen primero, la idea después, empezamos por la imagen y buscamos la idea a través de ella.
  • Con la idea primero, la imagen después, empezamos con la idea y buscamos imágenes para mostrarla.

El artista David Shrigley describe el segundo enfoque: “Otro método es escribir una lista de cosas antes de empezar: un árbol, un elefante, un camión, una orgía, etc. De este modo cada dibujotiene un punto de partida. Creo que el punto de partida es importante para un artista. Una vez que has empezado, la batalla está medio ganada”.

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“Joseph´s Dream”. Acrílico en papel sobre lienzo. Paula Rego

 

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“Yoy Brother”. Lápiz en papel. David Shrigley.

2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

1.La imagen primero, la idea después.

  • Haz collages. Recicla dibujos, pinturas o fotos, recórtalos y móntalos formando nuevas figuras. Inventa escenarios usando imágenes en collage, dibuja o pinta los tuyos propios , o utiliza fondos planos.
  • Fotogramas de cine. Dibuja o pinta a partir de una imagen pausada en la pantalla, destacando o exagerando los aspectos que te parezcan importantes.
  • Dibuja, pinta, fotografía del natural. Mira a tu alredeor. La vida supera la ficción y siempre nos ofrece temas sobre los que trabajar.
  • Dibuja de memoria, de la imaginación, de los sueños. No te preocupes por la precisión ni por el realismo, simplemente pon tus ideas en el papel. Observa pinturas antiguas y figuras en museos de distintas culturas y épocas y úsalas como base para tus ideas.

2.La idea primero, la imagen después.

  • Brainstorming: juego de azar. Escribe siete títulos: nombres, adjetivos, adverbios, entorno, clima, gente y emociones. Escribe diez palabras debajo da cada título. Elije una palabra al azar de cada categoría, por ejemplo, mar, lluvia, tren, verde, rápido, anciano, feliz. Haz un dibujo o pintura a partir de esta lista.
  • Brainstorming: identificación de temas. Haz una lista de palabras y elije unas cuantas de entre ellas. Haz dibujos a partir de las palabras o busca imágenes relacionadas para hacer un collage. También puedes hacer versiones dibujadas o pintadas de tus collages.
  • Narraciones: Dibuja a partir de un momento de una historia. redibuja muchas veces con distintas composiciones y diversos tamaños de las figuras.
  • Sal y toma fotos sobre un tema predefinido, que puede ser visual, como “mujer pelirroja” o abstracto, como “soledad”.
  • Junta los títulos de poemas o pies de fotos de los periódicos con imágenes con las que éstos no tengan relación aparente y busca nuevas conexiones.
  • Mira películas o lee libros, y toma notas. Identifica temas e investígalos trabajando en todos los medios.

Hasta aquí estos 2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.