3 pasos para abordar un dibujo que debes conocer.

El dibujo es algo así como pensar sobre papel. En este artículo explicamos el empleo de los principios del diseño para ser más eficaces al abordar un dibujo.

abordar un dibujo

Principios del diseño.

Éstos son los principios del diseño que se explican en cualquier escuela de arte:

  • Equilibrio y armonía.
  • Énfasis.
  • Unidad  variedad.
  • Motivos.
  • Ritmo.
  • Movimiento.

Una vez tenemos claros estos 4 principios, vamos con estos 3 pasos para abordar un dibujo que debes conocer:

  1. Dibuja lo que te importe. Esto es fundamental. El dibujo sólo será interesante si . dibujas lo que te interesa. Busca motivos que te llamen la atención que te atraigan por algo. Dibujar algo que no te guste o te atraiga puede resultar incluso aburrido.
  2. Haz montones de apuntes. La segunda de las tres pautas para abordar un dibujo que aquí te . explicamos es importante. Planifica tus dibujos utilizando apuntes. No te conformes con hacer uno solo; haz muchos para ejercitar el poder visual de tu cerebro. La práctica desarrolla la confianza.
  3. Realiza apuntes para hacer pruebas. La primera idea no siempre es la mejor, intenta mejorar a partir e ella. Prueba opciones alternativas del diseño de tu dibujo. Piensa en distintas perspectivas y ángulos del asunto y examina las posibilidades de variar el patrón tonal. Prueba distintos formatos pictóricos y diferentes encuadres. Revisa diversas relaciones de altura-anchura.

¿Qué es un apunte?

A la hora de abordar un dibujo, es básico que conozcas lo que en realidad es un apunte. Es una manera simplificada y muy concisa de representar una imagen, puesto que:

  • Se eliminan todos los detalles.
  • Se reduce la imagen a sus elementos básicos.
  • Es una prueba preliminar del dibujo del asunto.

Se trata de un recurso importante y muy utilizado por dibujantes y pintores en las etapas de preparación.

Aquí te damos algunas ideas para hacer apuntes también:

  • Trabaja en pequeño formato y simplifica; haz un pequeño recuadro y dibuja dentro de él.
  • Trabaja en color o en escala de grises (lápiz o rotulador).
  • Usa un máximo de tres valores tonales para simplificar y sombrea el patrón de valores.
  • Identifica el centro de interés.
  • Decide qué hay que destacar y qué hay que suprimir.
  • Identifica los contrastes definidos.
  • Identifica las líneas que conducen la mirada hacia el centro de interés.

Hasta aquí estos 3 pasos para abordar un dibujo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

Proyecto de creación plástica: AGUA.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica del agua o de cualquier idea relacionada con este amplio concepto.

Agua

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 70 x 70 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo.

Para participar en este proyecto titulado AGUA, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia al AGUA y que te parezca que no deberían faltar en una exposición sobre el líquido elemento. Mide tus fuerzas y piensa en de qué manera puedes representarlo.

Proyecto agua

Fechas de ejecución de AGUA:

  1. Lanzamiento del proyecto: Semana del 9 de Octubre.
  2. Periodo de reflexión y lluvia de ideas: Del 9 al 23 de Octubre de 2017.
  3. Ejecución de la obra plástica: Del 1 de Noviembre de 2017 al 20 de Enero de 2018.

Cada alumno deberá consultar con el profesor su idea y forma de ejecución durante el periodo de reflexión y lluvia de ideas.

Gotas agua

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica se llevará a cabo una exposición titulada AGUA en el mes de Febrero de 2017. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria. Estamos seguros de que juntos lograremos una magnífica muestra de nuestro Colectivo AZUL de deGranero como las anteriores.

5 trucos para dibujar perspectivas que debes conocer.

En este artículo te presentamos unos sencillos trucos para dibujar perspectivas en nuestros cuadros y aumentar nuestra confianza. No es necesario entrar en el terreno técnico, a no ser que queramos realizar dibujos muy exactos de interiores y edificios.

deGranero dibujar perspectivas

Sobre la perspectiva te aclaramos aquí algunos términos que debes conocer:

  • Línea del ojo: La línea que pasa al nivel de la vista.
  • Línea del horizonte: Donde el terreno llano se encuentra con el cielo ( a menudo coincide con la línea del ojo).
  • Punto de vista: Línea imaginaria entre el ojo y el objeto que se mira. Cuando nos sentamos, la línea del ojo y el punto de vista cambian.
  • Campo de visión: Abarca todo lo que puede verse sin volver la cabeza.
  • Visión binocular: Responde al hecho de cada ojo tiene un campo de visión que se solapa con el otro y aumenta la percepción de la profundidad. Puede resultar confusa.
  • Punto de fuga: Líneas paralelas dentro del campo de visión (como una carretera que se aleja a la distancia) que convergen hacia un solo punto y se desvanecen.
  • Perspectiva aérea: La atmósfera altera la apariencia de los objetos en la distancia: los que están más lejos se ven más claros, con colores más tenues y azulados.
  • Profundidad: Disminución de tamaños de los objetos a medida que éstos se alejan en la distancia.

Ahora si, te presentamos estos cinco trucos para dibujar perspectivas que debes conocer:

  1. No hace falta ser exactos: Dibujar perspectivas no es siempre un tema de exactitud. Estudia los dibujos de los niños y los de los artistas que cambian la escala y la perspectiva en función de los elementos que más les interesan.
  2. Solapa las formas para indicar alejamiento: La profundidad puede expresarse fácilmente solapando un objeto sobre otro. De este modo, se destacan sus posiciones relativas y se evidencia su proximidad con respecto al espectador. Sin embargo, esta técnica no nos dice nada sobre el tamaño relativo de los objetos.
  3. Tres reglas sencillas en cuanto a las líneas para dibujar perspectivas: Las líneas horizontales paralelas que empiezan por debajo del horizonte ascienden hacia la línea del ojo. Las líneas que empiezan por encima del horizonte bajan hacia la línea del ojo. Fíjate en el ángulo que forman la línea horizontal del ojo y la línea que asciende (o desciende) y transfiere este ángulo al dibujo.
  4. Sitúa primero el horizonte: Antes de empezar un dibujo en perspectiva, decide la ubicación de la línea del horizonte en el papel. La línea puede ser baja o alta, pero hay que dejar clara su posición.
  5. La distancia afecta a los colores y los contornos: En el dibujo de paisajes hay que reflejar los fenómenos derivados de la profundidad. En la distancia los contornos se vuelven difusos y la definición desaparece. Los colores oscuros se hacen más claros, fríos y azulados a medida que retroceden. En contraste, los brillos tienden a apagarse y oscurecerse. Todo se fusiona gradualmente en un solo color.

Hasta aquí estos 5 trucos para dibujar perspectivas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

10 hábitos para dibujar bien que debes conocer.

En este artículo, te explicamos 10 hábitos para dibujar bien que debes conocer.  El dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como la delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace.​ Es una forma de expresión gráfica que plasma imágenes sobre un espacio plano, considerado parte de la pintura y una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal y ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, sus ideas, costumbres y cultura. Con estos 10 hábitos para dibujar, esperamos que en poco tiempos dibujes mucho mejor.

deGranero hábitos para dibujar bien

  1. Dibuja a menudo para que el dibujo se vuelva algo instintivo: De entre los 10 hábitos para dibujar bien, este es de los más importantes. En el dibujo participan tanto el cerebro como la mano; es una actividad que requiere tomar decisiones y pensar en lo que hacemos. Dibujar cada día, o tan a menudo como sea posible, es sin duda la mejor manera de desarrollar nuestra habilidad. Cuando ya sabemos dibujar. la práctica es la clave para mejorar, lo mismo ocurre con cualquier otra actividad, como tocar el piano o conducir un automóvil. Cuanto más dibujamos, más instintivo se vuelve el proceso y, con el tiempo, nos encontramos tomando decisiones sobre el desarrollo del dibujo a un nivel casi subconsciente.
  2. Empieza con un dibujo de cinco minutos: El dibujo del natural (y no de fotos) es una capacidad cuyo desarrollo requiere tiempo y práctica. Puedes ejercitarte haciendo un dibujo rápido de cinco minutos todos los días. Es un excelente ejercicio para cualquier artista: con independencia de sus circunstancias, todo el mundo tiene cinco minutos al día, y no se trata de realizar una obra maestra, porque no hace falta enseñárselo a nadie. Después de algún tiempo de realizar esta práctica, intenta ampliar su duración a diez minutos.
  3. Lleva siempre encima un pequeño cuaderno de bocetos: No dejes de hacer muchos bocetos rápidos allá donde estés. Para ello, lo más fácil es llevar contigo un cuaderno de bocetos y algo para dibujar. Descubrirás que dibujas mucho más sin ni siquiera tener que reservar tiempo para hacerlo.
  4. Concédete un lujo: tiempo y espacio para dibujar lo que te guste. De estos 10 hábitos para dibujar bien, éste es muy sencillo, si dibujas lo que te gusta siempre encontrarás tiempo para el dibujo. Dedica tiempo a largas sesiones consagradas a dibujar lo que más te divierta.
  5. Compara tus dibujos con los anteriores, no con los de otros: El dibujo no es una competición, y no hay una manera de dibujar que sea más correcta que otra. La técnica se desarrolla con el tiempo: cuanto más trabajes, mayor será tu destreza. Conserva el cuaderno de bocetos y no caigas en la tentación de arrancar las páginas que contienen fracasos. Cuando revises tus trabajos antiguos te sorprenderá ver lo mucho que has progresado.
  6. Recuerda: Nadie es perfecto. Intenta hacerlo lo mejor posible, pero recuerda: nadie puede realizar dibujos perfectos todo el tiempo. Te sorprendería bastante ver los dibujos cotidianos de muchos artistas: nadie es perfecto.
  7. El factor bienestar: El séptimo de los 10 hábitos para dibujar bien que te presentamos, consiste en que te sientas bien mientras dibujas. perderte en un dibujo es una especie de meditación y proporciona alivio del estrés de la vida diaria. Nuestro bienestar mientras dibujamos suele reflejarse en dibujos más fluidos y eficaces.
  8. Alcanza el dominio de un material o una técnica: La habilidad y la competencia no llegan desde el principio. Atender, observar, aprender, practicar y hacer son las cinco actividades que ayudan a desarrollar la maestría. El desarrollo del dominio de un material o de una técnica hará que tu seguridad y tu confianza aumenten de manera muy notable.
  9. El dibujo es un viaje: Siempre hay algo nuevo que dibujar o que aprender. Tu viaje con el dibujo nunca acabará, así que es importante que disfrutes del paisaje por el camino. Todos seguimos un camino propio para llegar adonde queremos ir, siempre se tarda tiempo en llegar. Registra tus progresos en un diario o en un blog.
  10. Empieza a dibujar en casa… y después viaja: Puedes empezar en casa, pero no temas ir a sitios nuevos. ¿Quién sabe? Quizá un poco más adelante decidas viajar por el mundo con un libro de bocetos.

deGranero dibujar bien en MAdrid

Hasta aquí estos 10 hábitos para dibujar bien que debes conocer. Esperamos como siempre haberte aportado algo nuevo…

Utensilios y materiales para dibujar que debes conocer.

No dibujamos solo por divertirnos: el dibujo es también una importante forma artística en sí. Incluso cuando escribimos o estampamos  nuestro nombre, lo que hacemos es dibujar. Cuando organizamos las líneas, podemos obtener formas, y cuando se lleva este proceso un paso más allá y se le añaden matices de oscuridad y claridad, los dibujos comienzan a adquirir formas tridimensionales y a ser más realistas. Uno de los aspectos más positivos de dibujar es que se puede hacer en cualquier sitio; además, los materiales necesarios son muy económicos. Sin embargo, como para conseguir los mejores hay que pagar más, es preferible que adquieras los que puedas al principio y vayas cambiándolos por otros mejores cuando te sea posible. Aunque en realidad se puede emplear cualquier objeto que deje marcas para dibujar, lo más normal es que uno quiera que sus estupendos esfuerzos no se desvanezcan con el paso del tiempo. He aquí algunos de los materiales que te servirán para empezar con buen pie.

deGranero dibujar

Zona de trabajo.

Es recomendable prepara un lugar que disponga de una buena iluminación y del suficiente espacio como para poder trabajar y tener colocadas las herramientas. Sobra decir que lo ideal sería contar con una habitación que tenga luz dirigible, caballete y mesa de dibujo. Sin embargo, lo único que hace falta en realidad es un lugar situado junto a una ventana para, así, tener luz natural. Si va a dibujar de noche, lo ideal es emplear una bombilla de luz blanca suave y un fluorescente d eluz blanca fría, ya que así podrá disfrutar de luz cálida (amarilla) y fría (azul).

Papel para dibujar al carboncillo.

Este tipo de papel se puede encontrar por hojas o en blocs, y con una gran variedad  de texturas. Algunos de los acabados superficiales de este papel son muy pronunciados, lo cual se puede usar para realzar la textura de los dibujos que se hagan entre ellos. Además se pueden adquirir de distintos colores y así, añadirles profundidad y atractivo visual a los dibujos.

Papel de dibujo.

A la hora de elaborar obras de arte terminadas, lo mejor es emplear hojas sueltas de papel de dibujo. Existe gran variedad de estas en cuanto a la textura superficial: de grano fino (suave y prensado en caliente), medio (prensado en frío), grueso y muy grueso. La superficie que se obtiene con el prensado en frío es la más versátil. Es de textura media pero no fina, por lo que es adecuada para una gran variedad de técnicas de dibujo.

RECOPILACIÓN DE LOS ELEMENTOS FUNDAMENTALES.

No es necesario que te hagas con una gran cantidad de materiales para empezar a dibujar; para comenzar a disfrutar del dibujo, basta con que tengas un lápiz del nº2 o HB, un sacapuntas, una goma de borrar de vinilo y cualquier hoja de papel. Cuando vayas a adquirir lápices ten en cuenta que van etiquetados con distintos números y letras que sirven para indicar el grado de dureza de las minas. Los lápices con minas B son más blandos que los que tienen minas H y, además, sirven para hacer trazos más oscuros. Las HB son una opción intermedia, por lo que resultan muy versátiles y una buena herramienta para los principiantes.

RECOPILACIÓN DE OTRAS HERRAMIENTAS DE DIBUJO.

Aunque un dibujo se puede comenzar con lápices de grafito, me gusta ir usando otras herramientas según voy avanzando en cada pieza. Los crayones Conté y el carboncillo, por ejemplo, dan lugar a unos trazos  emborronados y con aspecto de yeso que suavizan el aspecto de los sujetos. Al emplear tinta negra en el contorno de un dibujo, se logra que el sujeto resalte, mientras que si se aplican unas finas aguadas de tinta (o de acuarela negra) con un pincel, lo que se consigue son unos sombreados suaves.

  • Borradores para dibujantes: No debe faltarte un borrador moldeable. Se le puede dar forma de pequeñas cuñas y puntas para borrar marcas de zonas minúsculas. Los borradores de vinilo, por otra parte, van bien para las zonas grandes; sirven para borrar por completo las marcas de lápiz. Ningún tipo de borrador daña la superficie del papel a no ser que se frote con demasiada fuerza.
  • Difuminos: Estos utensilios hechos de papel enrollado, se pueden usar para difuminar y suavizar aquellas zonas que sean demasiado pequeñas como para emplear los dedos o un paño. También se pueden emplear los laterales para mezclar zonas extensas en muy poco tiempo. Cuando los difuminos se ensucian, basta con frotarlos con un paño para dejarlos como nuevos.
  • Cuchillas: Las cuchillas para manualidades son fantásticas para cortar papeles y cartulinas de dibujo; además, se pueden emplear para sacarles punta a los lápices. Existe una gran variedad de formas y tamaños de hojas, las cuales se pueden intercambiar con facilidad. Sin embargo, hay que tener cuidado, las hojas cortan como un bisturí.

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Hasta aquí esta recopilación de utensilios y materiales de dibujo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo.

4 pasos para dibujar un paisaje que debes conocer.

En este artículo te contamos 4 pasos para dibujar un paisaje que debes conocer.

Paisaje es el nombre que el estudio de la historia del arte da al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo).

En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros géneros (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo esencial para la pintura japonesa.

deGranero dibujar un paisaje a bolígrafo

Ahora si, vamos con estos 4 aparatados o pasos para dibujar un paisaje que debes conocer:

  1. Abocetar los diferentes temas de dibujo. El paisaje ofrece al artista una serie de elementos con los que puede disfrutar o componer con mayor libertad que en el resto de los temas pictóricos, posiblemente porque cualquier error es menos apreciable en el paisaje que en la figura o el bodegón. El paisaje exige una especial atención compositiva para repartir pesos y formas, un tema muy importante debido a al gran número de interpretaciones plásticas que posibilita. Una simple línea horizontal podría ser ya un paisaje, puesto que dividiría el espacio del papel y generaría una ilusión de horizonte. Con el horizonte se logra dar profundidad y situar el punto de vista del espectador. No se trata únicamente de trazar una línea sobre el papel, sino de situar los planos de profundidad. Al dibujar un paisaje, éste debe ser bien construido ya desde el principio, pues los trazos originales no hacen más que preparar el desarrollo posterior.
  2. Componer con la vista. Cuando el artista quiere dibujar un paisaje, al plasmarlo sobre el papel toma sólo un fragmento, es decir, no dibuja todo cuanto abarca su vista, sino únicamente una zona determinada. para ello debe hacer un esfuerzo de selección y de síntesis de lo que ve.
  3. Estructura e importancia del encuadre. Siguiendo con la importancia de la composición, esta propuesta trata conjuntamente los dos primeros aspectos del presente tema: el encuadre y la profundidad de términos. La relación entre los términos es tan necesaria en el dibujo de paisaje, que , sin un estudio adecuado, el trabajo podrá resultar un amasijo de tonos; en cambio, si se tienen en cuenta estas consideraciones, el paisaje será un verdadero recreo para la vista por su armonía y equilibrio. El encuadre de un motivo a representar se realiza mediante el dibujo esquemático de las líneas y formas más simples posibles que sintetizan los elementos principales que intervienen en la composición.
  4. Formas fundamentales y cálculo de distancias. Para dibujar un paisaje, podemos buscar puntos de referencia que permiten al espectador tener una cierta idea de las distancias. Algunos paisajes no tienen esta característica, sobre todo los románticos, en los que lo importante es impresionar al espectador al situarlo en una naturaleza sin referencias de tamaño. Pero en el dibujo realista, dichas referencias aportan la información imprescindible para que el espectador tenga una idea del entorno.

Hasta aquí este artículo en el que te damos 4 pasos o ideas para dibujar un paisaje que debes conocer. Siempre estaremos encantados de recibirte en alguno de nuestros cursos.

4 pasos para dibujar el rostro que debes conocer.

Este artículo lo dedicamos a la conjunción de todos los rasgos para dibujar el rostro humano y al estudio de la expresión en el retrato. Existen diferentes maneras de abordar el rostro humano, algunas de ellas se analizan en este artículo.

deGranero dibujar el rostro

Te mostramos ya los 4 pasos para dibujar un rostro que debes conocer:

  1. Encaje del rostros: Una vez resueltas las proporciones y la ubicación de los rasgos anatómicos, se puede abordar el tema del retrato desde un punto de vista muy directo y espontáneo. Este estilo fresco permitirá apuntar fácilmente los rasgos del retratado. Las líneas crean una estructura general que se va perfilando hasta lograr la forma definitiva de la cara y sus características. Este es el primer paso para dibujar el rostro. el encajado es fundamental, es decir, poner cada cosa en su sitio.
  2. Medidas y proporciones: El retrato, es con diferencia, el tema más complejo para un dibujante, pues implica el conocimiento del rostro y un acercamiento al interior del retratado. Cada técnica de dibujo ofrece posibilidades específicas para interpretar y representar, aunque la finalidad es siempre la misma: obtener el parecido y acercarse a la personalidad del personaje. Para dibujar el rostro debes empezar por el encajado. En esta primera fase, se estudian medidas y proporciones; deben quedar bien planteadas las distancias entre los ojos y la frente; la amplitud de los labios, la forma de la nariz y las dimensiones del rostro.
  3. Volumen y relación entre las facciones: Al dibujar el rostro, el volumen no se puede tomar a la ligera; un tono mal ubicado debe generar una forma que desestabilice la armonía de los rasgos. Hay que buscar la relación entre los volúmenes que se generan entre claros y oscuros y el equilibrio de cada rasgo.
  4. Realces y matices: Dibujar el rostro sobre papel de color puede ser muy agradecido, ya que admite la integración del color del papel como parte de la paleta que se emplea y más aún cuando se trabaja con una gama restringida. Se puede trabajar a partir de reservas y de realces. Te recomendamos que primero esboces la cara y una vez que los rasgos estén ubicados, se traza suavemente la principal zona de sombra. Después trabaja las sombras y trabaja los contrastes definitivos. Por último, los realces de blanco indicarán la dirección  da la luz y aportarán la expresividad definitiva.

Hasta aquí este breve artículo sobre los 4 pasos para dibujar el rostro que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo.

4 temas básicos para dibujar caricaturas que debes conocer.

Uno de los temas que mas simpatía despiertan son las caricaturas, es una de las variantes más divertidas del retrato. Lejos de lo que puede parecer,  dibujar caricaturas no es tarea fácil; sus peculiaridades pueden ser infinitas y cada artista puede trabajar con su estilo propio, y aplicar una serie de recursos que se terminan convirtiendo en su sello personal. En este artículo vamos a tratar 4 temas básicos e interesantes para dibujar caricaturas.

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  1. Proporcionar para comprender la forma: Un buen caricaturista es, sin duda alguna, un buen dibujante y, aunque existen ciertos aspectos que dan a la caricatura una gran elasticidad en la interpretación de las formas, se deben hacer extensivos al dibujo aspectos tales como las proporciones o el equilibrio de las formas en los cuerpos. Los rasgos, el movimiento, su dinámica y su aplicación a la anatomía también son elementos a caricaturizar. Las líneas deben sintetizar la forma, pues la caricatura no muestra la realidad, sino aquello que más destaca de la misma. El rostro se dibuja con líneas sintéticas acentuando los rasgos y sin entrar en detalles de valoración. El cuerpo humano se debe imaginar como un maniquí articulado capaz de adoptar múltiples posturas. Cada miembro ha de poder hacer un movimiento que se pueda representar de manera exagerada. Las formas se reducen a volúmenes simples, con los que se juega sobre el papel.
  2. Deformar según la forma del rasgo: Una de las características del retrato caricaturizado es la deformación de las facciones del rostro. La cara puede mostrar las cualidades del retratado acentuando algunas de sus principales características y estableciendo una dinámica entre las facciones del personaje. En la caricatura, el primer paso es siempre el más importante, pues en él se representan aspectos tan importantes como la personalidad, el sentido del humor, la expresión y el carácter. Al dibujar caricaturas es importante tener en cuenta los puntos de luz del rostro.
  3. La ironía en el retrato: La ironía es un aspecto muy destacable en cualquier caricatura. Saber encontrar el punto ideal de picaresca no es fácil, pues requiere práctica y conseguir acentuar el lenguaje interpretativo de las facciones a la manera personal del dibujante. Caricaturizar bien sólo se consigue con el dominio del dibujo y la perseverancia. Cuando se tiene cierta práctica sobre el tema, cada artista desarrolla un código particular que utiliza de manera cada vez más natural. La interpretación de los volúmenes de la cabezal dibujar caricaturas, se plantea desde un trazado muy libre, estructurando las formas en orden a acentuar las más evidentes.
  4. Diferentes estilos: La caricatura se puede hacer en estilos muy diferentes. Un simple trazo puede definir el rostro de un personaje, su actitud. Otras cuestiones técnicas permiten acentuar la personalidad del retratado o sus rasgos más característicos. Con las vanguardias artísticas la caricatura varió totalmente. Las tertulias en los cafés favorecían el hecho de que entre los mismos pintores e intelectuales se hicieran bromas a través de la caricatura. En el siglo XIX los caricaturistas solían ser pintores reconocidos que colaboraban en periódicos o revistas. La caricatura partía directamente del retrato y la deformación de los rasgos, aunque evidente, muchas veces no llegaba al sarcasmo actual. El concepto de retarto no se perdía en pos de la caricaturización de los rasgos.

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Hasta aquí nuestros 4 temas básicos para dibujar caricaturas que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo como siempre.

 

4 técnicas mixtas que te interesa conocer.

Las técnicas mixtas son innovadoras por el tratamiento y la combinación de los materiales entre sí. En ellas se mezclan pinturas de naturalezas distintas para conseguir efectos especiales de gran atractivos. Con la conjugación de materiales diferentes e incluso opuestos se produce un rechazo de la pintura que crea un interesante contraste entre texturas.

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Pues ahora, una vez aclarado lo que son las técnicas mixtas, vamos con estas cuatro que te interesa conocer para que tus cuadros estén cargados de recursos diferentes:

  1. El pincel seco: En cualquier técnica, el efecto que produce el agua suele ser degradado y fundido. Pero cuando se trabaja con una técnica mixta, debe buscarse el resultado contrario, una contraposición entre la textura lisa y la quebrada. El pincel seco es una técnica de pintura seca, muy distinta del acrílico, que e blando y maleable. Para lograr el efecto de pintura seca, se trabaja con poca agua y se restriega el pincel. Después, al lavarla, se desprenderán las zonas aún húmedas y se crearán las fragmentaciones y resquebrajados propios de las técnicas secas. Con pintura crílica muy espesa, casi sin diluir, se realiza un encaje suelto y espontáneo de pincelada rápida y directa en el que domina el empaste y el contraste de color. Con la pintura todavía tierna, se lava el dibujo bajo el grifo para que el color se funda y desprenda. La pintura tierna tiende a mezclarse con el agua creando tonos nuevos y transparentes. La presión del agua desprende las zonas más densas y crea un efecto más plano. De nuevo con pincel seco, se potencian el contraste y el volumen. Es un trabajo propio de la pintura acrílica, con la cual se consigue que , en el estado intermedio de secado, la pintura pueda fundirse o desprenderse.
  2. Pintura con textura: Para potenciarla textura y el relieve de una obra, bastará con añadir sustancias como la arena, el polvo de mármol e incluso piedras. Estos materiales son frecuentes en el arte abstracto, que persigue una investigación plástica del material. En el arte figurativo, en cambio, se suele recurrir a materias densas para representar elementos que expresan volúmenes importantes y pueden ser reforzados dando textura al pigmento antes de aplicarlo.  Según la cantidad de polvo que se utilice en la mezcla, se conseguirá un efecto con más o menos textura.
  3. Transferencia de la imagen al papel (transfer): Es frecuente en las técnicas mixtas las transferencias de imágenes fotográficas que después se modifican con el pincel. Puede pintarse directamente sobre la imagen como si se tratara de un collage. Si se desea un soporte único que excluya la añadidura de otros papeles, la imagen deberá transferirse sobre él; la silueta y los colores se deberán acoplar al soporte sobre el que después se pintará; para ello es necesario emplear líquidos corrosivos como los disolventes universales. Se elige la imagen sobre la que se quiere trabajar. Se realiza una fotocopia en color, que permitirá transferir la imagen a otro soporte. En una cubeta se coloca el papel que servirá de soporte y sobre él la fotocopia a color, de manera que la cara impresa de la fotocopia quede totalmente unida al soporte. Con un algodón se aplica el disolvente sobre el dorso de la fotocopia; conforme se humedece, el pigmento del color de la fotocopia se desprende y se adhiere al papel del soporte que tiene debajo. Se espera un poco a que el disolvente se seque para separar el papel de la fotocopia del papel sobre el cual va a realizarse el cuadro. Una vez separados, el motivo de la fotocopia habrá pasado al que servirá de soporte del trabajo a realizar: la imagen se habrá transferido.
  4. Acabado con transparencia acrílica densa: Una vez hayas transferido una imagen al papel puede retocarse y completarse con cualquier material. Si se desea que el color fotográfico sea muy visible, se retocará con medios transparentes o lápices de color que no  lo modifiquen excesivamente. Si, por el contrario, se desea crear una obra muy personal y con un dominio total del medio, se utilizarán pinturas que cubran, como el acrílico, que podrán convertir el trabajo en una obra pictórica  y sin apenas rastros del calco fotográfico.

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Hasta aquí éstas técnicas mixtas que te interesa conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer.

El proceso de la pintura no es un trabajo rápido. requiere una serie de matices y retoques que van desde las manchas más amplias hasta los detalles más precisos para conseguir un efecto realista. El trabajo del color es también progresivo y las primeras valoraciones se basan en tonos generales que definen cada objeto. Añadiendo matices se conseguirá enriquecer el colorido y aportar volumen y textura a cada motivo.

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En este artículo te mostramos 4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer, con esto tratamos de enseñarte un proceso bastante lógico para pintar con acrílicos:

  1. Partir de la transparencia respetando el dibujo: Conseguir tonos luminosos depende del tono que se emplea.  Normalmente se empieza aplicando la pintura líquida y se va empastando progresivamente. Los brillos muy fuertes se pueden obtener con blanco directo. Plantear la obra con tonos aguados supone una doble ventaja: el dibujo a lápiz queda a la vista y no se pierden ni los detalles ni los contornos. Los colores claros pueden solucionarse  con la transparencia sen mezclar el blanco, que taparía los trazos de lápiz. Nuestra propuesta es que para pintar con acrílicos dibujes primero el motivo, con grafito o con carboncillo que es más intenso. Con ello la pintura se trabaja más densa, pero los trazos resaltarán por su oscuridad. Se dibujan los contornos y se plantean los principales contrastes con carbón directo; así el sombreado queda establecido ya desde el principio. Nunca te olvides de fijar el dibujo al soporte, ya sea con un pincel aplicando un color acrílico diluido repasando las líneas del dibujo o bien con un fijador de carboncillo. Después aplica los tonos globales que definen cada elemento.
  2. Modelar las formas con mezclas directas: La pintura acrílica es muy apropiada para trabajar directamente y con impactos de color. Es un medio con un secado bastante rápido, lo cual hace que sea muy apropiado para fundir tonos y crear nuevas tonalidades por degradado si eres rápido. La alternativa a este proceso es la pincelada directa, por lo que los tonos deben ser elgidos acertadamente para que, al aplicarlos, definan correctamente el volumen y las características del objeto. Se aborda el motivo con nuevos tonos que explican mejor la textura e cada elemento. Se siguen añadiendo matices a toda la superficie para darle más profundidad y realismo. Después trabaja tonos oscuros reforzando el contraste y definiendo formas.
  3. Rehacer y corregir: El acrílico es una técnica que combina transparencia y opacidad. El hecho de aplicarlo opaco hace fácil la corrección de errores, así como cubrir unos colores con otros. Si se quiere tapar una zona, deberá empastarse  la pintura antes de aplicarla. Si se trabaja con oscuros, ello no supondrá ningún problema porque cubren muy bien. Y si se trabaja con claro, se mezclará el tono con blanco, consiguiendo un color igualmente opaco.
  4. Toques finales: Para terminar pintar con acrílicos tu obra, se deben seguir diferentes etapas: dibujo, manchado general y trabajo de los matices hasta resolver los volúmenes y las texturas de cada elemento. Tratándose de una pintura acrílica, los colores se superponen fácilmente sobe las capas anteriores sin necesidad de fundirlos. Por superposición pueden añadirse tantos matices como sea necesario.
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Acrílico sobre lienzo de nuestro alumno Paco Torralba.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.