7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta.

En este artículo te enseñamos 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta. Seguramente ya sabes que para obtener un color secundario sólo tienes que mezclar dos primarios (magenta, amarillo y cian) en distinta proporción y si lo quieres aclarar le añades blanco, pero si por el contrario lo quieres oscurecer le agregas negro. Pero todo esto no es estrictamente cierto. Ni siquiera los modernos pigmento CMYK usados en la impresión comercial pueden proporcionarnos cualquier color que necesitamos.

Calido y frío.

La palabra cálido se usa para describir colore que contienen rojo y amarillo en gran proporción, y frío describe a los que tienen más azul. En la práctica, se aplica cuando se hacen comparaciones entre dos colores similares. Por ejemplo alizarina crimson es más morado que el rojo cadmio y por tanto se describe como “frío”.

Una vez aclarado todo esto vamos con esas 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta:

1.Colores primarios.

  • Amarillo fríos: Amarillo cromo (tono)/ amarillo primario/ amarillo CMYK/ amarillo azo/ amarillo limón.
  • Amarillos cálidos: Amarillo cadmio (tono)/ amarillo permanente oscuro.
  • Azules fríos: Cerúleo/ azul primario/cian (azul CMYK)/ azul ftalocianina.
  • Azules cálidos: Ultramar francés/ ultramar.
  • Rojos fríos: Cramín alizarina/ Alizarina permanente/ rojo primario/ rojo quinacridona.
  • Rojos cálidos: Rojo cadmio (tono)/ rojo espectro.

2.Blancos.

  • Blanco titanio: Un pigmento moderno que proporciona un buen blanco opaco.
  • Blanco zinc: Un blanco transparente frío que es excelente para veladuras semitransparentes.
  • Blanco plono/ Blanco nieve: Más transparente, seca más rápido y de un color más cálido que el de titanio. Muy tóxico.

3.Colores terrosos.

  • Ocre amarillo, siena crudo, siena tostado, ocre crudo, ocre tostado: Son un buen atajo para crear un marrón y más baratos que los primarios.

4.Negros.

  • Negro humo, negro ébano: Aunque es posible crear el negro con tierra sombra tostada y azul ultramar oscuro, con el negro de tubo es más fácil conseguir tonos más profundos y enfríar los colores. Fíjate en que al mezclarlos, los negros tienen un matiz azul.

5.Verdes.

Si mezclamos nuestros propios verdes, es más probable que armonicen  con los otros colores de la pintura.

6.Violetas. 

Un buen violeta brillante puede ser difícil de conseguir; puede ser una buena adquisición para tu paleta si deseas trabajar con un color saturado.

7. Magenta CMYK.

Como el violeta, el magenta produce buenos y vívidos morados. Mezclado con amarillo da como resultado el rojo, pero mucho más apagado que el rojo de tubo.

Algunas cosas a tener en cuenta al comprar pinturas.

  • Algunos colores se aclaran con la luz mientras que otros se oscurecen. Los fabricantes puntúan la estabilidad del color con un número que varía según los países. Por ejemplo en el American Test Measure (ASTM), I es excelente, II es muy bueno, III es pálido o no permanente. Los pigmentos IV y V son muy pobres y se usan raramente en las pinturas de calidad.
  • Los fabricantes han mejorado la estabilidad con equivalentes sintéticos. A veces le dan el nombre antiguo, pero se añade permanente. como en “alizarina permanente”. Los pigmentos sintéticos se etiquetan como colores primarios, espectro CMYK.
  • Algunos pigmentos son tóxicos, no deben ingerirse y pueden absorberse a través de la piel. En España están prohibidos.
  • Los colores varían según el fabricante, así como el tacto y la consistencia.

Hasta aquí estas 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien.

En este artículo te contamos 5 aspectos básicos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien.

Sobre la repetición.

  • Motivo: Detalle o elemento recurrente.
  • Patrón: Organización de elementos repetidos en un diseño.
  • Repetición: Uso múltiple de un detalle o elemento.
  • Ritmo: Un compás visual.

deGranero ritmo, repetición y motivo

Una vez aclarado esto, vamos con esos 5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo:

1.Crea un motivo por repetición.

Cuando un patrón de un dibujo se repite y es significativo se le llama motivo. El dibujo ofrece la posibilidad de repetir formas empleando únicamente líneas en lugar de formas sólidas. El motivo de un artista puede ser un patrón creado a lo largo de un número significativo de dibujos.

2.Busca y utiliza la repetición.

La repetición tiene importancia en el dibujo y en el arte; consiste en repetir formas, líneas, tonos o colores y tiene diversas funciones. Sirve para promover equilibrio, armonía y unidad dentro de un dibujo, y para crear ritmos y patrones. El ojo tiende a viajar por el patrón en busca de pequeñas diferencias. Debes inducir a recorrer la imagen con la vista.

3.Observa los patrones a tu alrededor.

Un patrón puede ser un diseño natural o un dibujo intencionado. Cuando aprendas a ver y a observar los patrones, descubrirás que el mundo a tu alrededor está lleno de ellos. probablemente te fijaras más en los patrones que te resulten más atractivos, aunque tal vez no te des cuenta de ello.

4.Cómo conducir la mirada del espectador.

En cuanto a este tema que tratamos en este artículo (ritmo, repetición y motivo), te comentamos que el espectador necesita un modo de entrar y salir del dibujo para que éste no resulte confuso. EL movimiento muestra el camino: por ejemplo, la inclusión de zigzags y diagonales es una forma habitual de conducir el ojo por un dibujo.

5.Dibuja y fluye.

Hay artistas que que son envidiables, dibujan con un fluir que crea una línea poética. Por otra parte, cuanto más dibuja uno, más nota que el fluir en su trabajo se hace más instintivo.

El movimiento conduce al ojo.

El arte, el movimiento del ojo es la manera en que el ojo ve una obra de arte.

La repetición regular de cualquier elemento del diseño crea movimiento.

El diseño de formas y líneas sugiere movimiento. Por ejemplo:

  • Las líneas pueden ser direccionales, ondulantes, fluidas y erráticas.
  • Las formas rotatorias crean movimiento circular.
  • Las verticales y las horizontales tienden a limitar el movimiento.

La resolución atrae la mirada. Las áreas de mucha resolución son centros de atención, mientras que las áreas con poca resolución reciben menos interés.

 

Hasta quí estos 5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer. Vamos con ellos…

deGranero dibujar con fotos de referencia

1.Nuestras fotografías siempre son las mejores.

El autor de una foto recuerda mucho más de lo que muestra la imagen, además es probable que nuestras fotos capten asuntos que nos interesan personalmente.

2.Mira las fotos en una pantalla retroiluminada.

A la hora de dibujar con fotos de referencia, las pantallas LED retroiluminadas son óptimas para visionar imágenes fotográficas. El brillo y la gama de colores hacen que la imagen en pantalla sea mucho mejor que cualquier impresión.

3.Ajusta las distorsiones de las fotografías.

Ciertos programas de edición digital de imágenes como Adobe Photoshop permiten ajustar estas distorsiones

Distorsiones comunes de las fotografías.

Hay dos tipos comunes de distorsión fotográfica: la óptica (relacionada con la lente) y las cusadas por la perspectiva.

Distorsiones ópticas:

  • Valores tonales alterados: Las sombras pueden aparecer mucho más oscuras de lo que son en realidad. Procura hacer bocetos que muestren el verdadero rango tonal.
  • Color distorsionado: Las cámaras captan la luz de diferentes maneras, y a menudo los colores no son reales. La aberración cromática produce cercos de color.
  • Distorsión de barril (lente gran angular): Las líneas se curvan a partir del centro.
  • Distorsión de cojín (teleobjetivo): Las líneas parecen curvarse hacia dentro y hacia el centro.
  • Bordes oscuros (viñeta de lente): La imagen es brillante en el centro y oscura en los bordes.

Perspectiva:

  • Distorsión de la perspectiva: Las líneas rectas paralelas convergen. Suele ocurrir cuando se enfoca hacia arriba o hacia abajo.

Fotografía y rango tonal.

Las fotografías son muy poco fieles a los valores tonales. Por ello, es preferible emplearlas solamente como material de referencia (por ejemplo, para mostrar los detalles de una asunto) junto con bocetos que muestren los valores tonales reales.

4. Cinco maneras de evitar las distorsiones.

Cuando vas a dibujar con fotos de referencia, es probable este hecho se reconozca fácilmente a no ser que corrijas las distorsiones fotográficas comunes. EL mejor modo de evitar distorsiones la tomar fotos es saber como se producen y dedicar tiempo a evitarlas. Algunas medidas simples:

  • Evita las instantáneas: Dedica tiempo a tomar fotos de referencia compuestas correctamente.
  • Ajusta la cámara al tipo de luz: La calidad de las fotos de referencia mejora si se emplea una cámara con ajuste manual o automático de los niveles de luz.
  • Usa trípode: Toma una foto estable y con el ángulo y la altura correctos. Es conveniente disponer la lente en paralelo al asunto, y no en ángulo.
  • Muévete tanto como el zoom: Busca el modo de situar la cámara  a la altura del asunto para reducir la distorsión de la perspectiva.
  • Estudia la imagen en la pantalla de la cámara antes de tomar la foto: Comprueba las verticales y las horizontales y tómate el tiempo que necesites.

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Hasta aquí nuestros 4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

13 aspectos sobre los lápices que debes conocer.

En este artículo te contamos 13 aspectos sobre los lápices que debes conocer. El grafito para dibujo está disponible en lápices, en forma de barras, y en polvo. SU nombre procede de la palabra griega grapho, que significa “dibujar” o “escribir”. También se llama plomo negro y plumbagina.

deGranero dibujar en Madrid

1.Los lápices de calidad dan mejor resultado.

El utensilio de dibujo más usado es el lápiz de grafito, una delgada mina d e polvo de grafito mezclado con arcilla e inserto en la madera. El grafito de los lápices de dibujo de alta calidad es suave y, al mismo tiempo, muy denso para evitar que se rompa; su rendimiento es mucho mayor que el de los lápices corrientes.

2.Marcas y grados de grafito.

Los grafitos tienen distintos grados, que corresponden a trazos y valores tonales diferentes.

Los grados varían según la cantidad de arcilla con la que esté mezclado el grafito. La dureza en relación con los distintos grados no está estandarizada. Los grados de los lápices y barras de grafito va de 9B (el más blando y negro) a 9H (el más duro y claro). Es conveniente probar diversas marcas e invertir en un conjunto de lápices de distintos grados para averiguar con cuál de ellos trabajamos mejor.

3.Acabados de calidad.

No sobrecargues el grafito, ya que el dibujo puede quedar demasiado lustroso. Hay que aplicar fijador después de acabar el dibujo para evitar que este se emborrone.

4.Prueba los lápices de grafito sin madera.

Son lápices con una mina de grafito sólido, por lo que se gastan menos y tienen más usos que los normales, ya que permiten cubrir zonas grandes. Para ello, basta con retirar la capa protectora y usarlos de lado como los pasteles.

5.Prolonga la vida del lápiz con un portalápices.

El portalápices es un recurso muy sencillo para prolongar la vida del lápiz y ahorrar dinero.

6.Sostenibilidad.

Algunos fabricantes están adaptando un enfoque más sostenible de la gestión del as materias primas, la fabricación  y el control de los desechos. Busca las marcas comprometidas con los recursos renovables y la fabricación sin disolventes.

7.Grafito en polvo.

El grafito en polvo da buenos resultados en superficies con agarre. Funciona como el carboncillo en polvo y los pasteles blandos, y puede aplicarse con los dedos, pinceles y paños suaves. Para borrar las marcas se usa una goma de borrar maleable. Hay que usarlo con precaución, ya que la inhalación del polvo puede irritar los pulmones a corto plazo.

8.Portaminas.

También conocido como lápiz mecánico, este tipo de lápiz es muy útil para dibujar líneas de grosor uniforme. Tiene cuatro características propias:

  • Buen equilibrio: Nos e desgasta y por ello está bien equilibrado.
  • Mina continua: La carcasa contiene una zona para almacenar trozos de grafito extra que son empujados automáticamente hacia la punta del portaminas.
  • No hay que afilarlo: La fina mina de grafito no necesita afilado.
  • Resistencia a rupturas: Las minas modernas son resistentes y suelen estar recubiertas de polímero que impide que se rompan.

Hay minas de distintos grosores, normalmente definidos en milímetros y con diversos grados de dureza.

9.Portaminas gruesos.

Una variante del portaminas en la que la mina se sujeta con unas garras. Las minas son más gruesas, se insertan de una pieza y hay que afilarlas.

10.Lápices de carboncillo.

Estos lápices producen los tonos muy oscuros propios del carboncillo, pero son menos sucios y el trabajo con ellos es más suave y agradable.

11.Cómo sujetar el lápiz.

Dibujar es algo muy distinto de escribir. las personas que no han recibido enseñanza del dibujo suelen dibujar sujetando el lápiz como lo hacen para escribir, con los dedos muy cerca de la punta. Sin embargo, la manera de empuñar el lápiz para dibujar puede mejorar drásticamente la variedad y las cualidades del trazo.

  • Dibuja con todo el brazo; esto incrementa el tamaño y el flujo de los trazos y manchas y permite trabajar más fácilmente en hojas grandes.
  • Modifica tu manera de empuñar el lápiz para que tus dibujos no queden demasiado agarrados. Esto también facilita la ampliación de la gama de trazos.

12.Lápices de carboncillo.

Poseen una mina de carboncillo inserta en la madera y son de cualidades muy variables. Vale la pena probarlos en una tienda de suministros de arte, porque algunos son rasposos. El lápiz de carboncillo se usa para rehacer y resaltar líneas en dibujos al carboncillo o al pastel.

13.Lápices litográficos.

Estos lápices se usan para crear líneas sobre los soportes empleados en litografía. Su dureza suele oscilar entre 00(muy blando) y 5(duro).

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Hasta aquí estos 13 aspectos sobre los lápices que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

Proyecto de creación plástica “Historias de Mercado”

El proyecto de creación plástica “Historias de Mercado”, tiene como finalidad que el alumno desarrolle su creatividad generando una obra (da igual la técnica o estilo) en la que el espectador pueda percibir cualquier concepto asociado a un mercado de abastos.

deGranero Historias de Mercado

Todas las obras participantes ya sean dibujos, pinturas, fotografías o técnicas mixtas, se ejecutarán sobre un soporte rígido de 60 x 60 cm. de contrachapado que será el mismo para todos y que se os proporcionará en el taller (os diremos el precio lo antes posible). Este soporte se podrá preparar de diferentes formas dependiendo de lo que cada uno quiera ejecutar sobre él.

No se trata de apropiarse de una fotografía de un autor y reinterpretarla sino de buscar más un concepto y ver como que podemos representarlo.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 19 de marzo: Esta semana se presentará en cada clase mediante una charla teórica el proyecto en sí. Se os dará información suficiente para que tengáis bien claro que es lo que se espera para esta exposición y por tanto por donde podéis tirar, o mejor dicho, que tipo de ideas son más afortunadas y cuales menos. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada. Es importante asistir a esta sesión para entender bien lo que hay que hacer.
  • Semana del 2 de abril: Puesta en común de ideas. Cada alumno presentará en su clase su idea públicamente. Con este fin, el alumno debe asistir a clase con aquello que considere necesario para que entendamos su idea, un pendrive con imágenes, vídeos, un texto… Se establecerá un diálogo y de esta sesión saldrá la obra de cada alumno lista para su ejecución.
  • Del lunes 9 de abril al viernes 8 de junio: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.

La exposición “Historias de Mercado” tendrá lugar del 15 de junio al 15 de julio en el Mercado de La Paz de Madrid. La inauguración será el viernes día 15 de junio.

Por supuesto aunque es muy recomendable la participación en este proyecto, es totalmente voluntario. Quedo a vuestra entera disposición para resolver cualquier duda al respecto.

5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer.

En este artículo te mostramos 5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer. Los cielos y las nubes son temas fascinantes e inagotables. Además aparte de dibujarlos en exteriores puedes hacerlos también desde tu ventana si tienes una buena vista.

1.Mezclas ópticas.

Mira y dibuja continuamente el cielo que ves desde tu ventana: a distintas horas del día y en distintas estaciones y condiciones meteorológicas. Observa cómo cambian las nubes y los colores y lo rápidos que son los cambios.

2.No sirve cualquier azul.

Los cielos azules no son fáciles. El tono azul cambia según la estación, las condiciones climáticas y la hora del día, y el valor tonal del cielo también varía. Comprueba la intensidad de los tonos con tu tarjeta de escala de grises, sobre todo en torno al horizonte.

3.Dibuja la luz más que el color.

El cielo siempre es más claro que el paisaje. El factor dominante en el aspecto del cielo es la luz y no el color; compruébalo comparando el color y tono del cielo cerca del col con cualquier otra parte de la vista.

4.Mezclas ópticas.

A la hora de dibujar cielos y nubes, los cambios sutiles observados en los colores de las nubes son especialmente adecuados para las mezclas ópticas creadas con técnicas como las tramas y el restregado.

5.Estudios de nubes.

Usa una franja tonal y un medio blando para sombrear y mezclar nubes de distintos tipos. Te recomiendo que repitas esta práctica con nubes diversas.

IDENTIFICACIÓN DE LOS COLORES DEL CIELO.

Podemos estudiar el cielo siempre que salgamos fuera, aunque no hagamos bocetos en este momento.

  • Evalúa los cambios tonales; es fácil confundir los tonos cuando cambian los colores.
  • Crea muestras de color y un diagrama de los colores del cielo según la hora del día, la estación y el clima.

OBSERVACIÓN DE LAS NUBES.

Observa que clases de nubes se presentan en distintas situaciones meteorológicas y a diversas horas del día.

  • Haz bocetos de estudio, sobre los cambios y el desarrollo de las nubes.
  • Crea un esquema de color de nubes de distintos colores.
  • Observa y registra los cambios de diversos tipos de nubes a través de las estaciones.

Hasta aquí nuestros 5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

 

3 consejos para dibujar grupos de personas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 consejos para dibujar grupos de personas que debes conocer. En el te mostramos lo que hemos aprendido después de llevar años haciéndolo, es decir, te enseñamos desde nuestra propia experiencia…

Lugares donde dibujar grupos de personas.

Cuando empieces a adquirir confianza, empieza a dibujar grupos de gente. Visita lugares en donde haya personas inmóviles pero también otras que se muevan, que vayan y vengan:

  • Cafés y restaurantes
  • Bares y cafeterías.
  • Festivales.
  • Acontecimientos deportivos.
  • Parques y jardines.
  • Museos y galerías de arte.
  • Salas de espera y colas.
  • Calles y transportes públicos.

deGranero dibujar grupos de personas

3 consejos para dibujar grupos de personas.

1.La gente se mueve: aprende a dibujar rápido.

Para este tipo de dibujo, hay que asumir que es probable que éstas se muevan antes de que acabemos. Algunas estrategias para paliar este problema:

  • Acepta que habrá piezas que nunca podrás acabar.
  • Aprende a trabajar deprisa para dibujar más antes de que se muevan.
  • Céntrate en las formas grandes, excepto en torno a la cabeza.
  • La postura es más importante que la ropa.
  • Aprende a sustituir: incluye personas que han llegado y se han marchado en distintos momentos. Une la parte superior de una persona con la parte inferior de otra.
  • Busca personas que estén quietas o que hagan movimientos repetitivos.

2.Esboza primero el contorno.

Dibuja el contorno de todo el grupo de personas antes de empezar a separarlos de manera individual. Por ejemplo, unas personas sentadas en torno a la mesa pueden esbozarse inicialmente como unas pocas formas grandes.

3.Creación de un dibujo de grupo compuesto.

  • Usa imágenes individuales procedentes de distintas fuentes para crear un dibujo compuesto que presente una narrativa pero que no tenga el contexto del lugar.
  • Recuerda que es normal que personas que están en un mismo sitio tengan distintas estaturas. La perspectiva entra en juego cuando las personas están a distintas distancias del dibujante.
  • Aprende a superponer a las personas y procura hacerlo.
  • Haz ajustes para mantener las proporciones a media que se alejan hacia el fondo.
  • Busca la verosimilitud más que la perfecta exactitud.
  • Puede que realices personas compuestas de partes; pero eso no importa, porque no se trata de un retrato.
  • A veces resulta más fácil dibujar grupos grandes de personas si los miramos desde arriba.

Hasta aquí nuestros 3 consejos para dibujar grupos de personas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

 

11 cosas sobre el papel de dibujo que debes conocer.

La decisión en cuanto al papel de dibujo a emplear influye de manera decisiva en la apariencia del resultado final. En este artículo, te enseñamos 11 cosas sobre el papel de dibujo que debes conocer antes de decidir cual elegir.

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1.Aprende sobre el papel de bellas artes.

Conocer los procesos de elaboración del papel nos ayuda a elegir el soporte correcto para nuestros trabajos. Infórmate de las características de los papeles de arte y de las diferencias entre apresto superficial y apresto interno.

2.Características de las superficies.

Los papeles de bellas artes tienen distintas superficies según la forma en que están fabricados.

  • Áspero/torchon: Superficie áspera con salientes y entrantes. Los medios húmedos se asientan en los entrantes; los medios secos arrastrados longitudinalmente por la superficie tienden a agarrarse en los salientes sin tocar los entrantes.
  • Prensado en frío/grano fino/vitela: Textura con ligeras protuberancias, usado a menudo por los pintores de acuarela y de pastel que usan sus medios en lavados. El papel vitela es más liso pero también tiene un poco de agarre.
  • Prensado en caliente/satinado/de lámina: Papel de textura fina y suave, que permite un gran control de los detalles. Se usa para dibujos a pluma y tinta y también lo emplean los artistas botánicos.
  • Papel verjurado/ingres: Tiene una textura estriada y se presenta en tonos neutros o vividos. Se usa fundamentalmente para el dibujo a carboncillo o al pastel.
  • Papel tela/vélin: Papel tejido sobre una base de alambres, posee una superficie uniforme por una cara. Normalmente no tiene marca de agua.

3.Gramajes del papel.

Cuánto más grueso es el papel, más pesado y robusto resulta. Los pesos estándar del papel de acuarela son:

  • 180 g/m2
  • 300 g/m2
  • 640 g/m2

4.Medidas en los sistemas métrico y decimal.

El tamaño del papel se mide de maneras distintas según los países de origen. En EE. UU. se emplea el sistema imperial, expresado en pulgadas, mientras que en Europa y Reino Unido se usa el sistema métrico, expresado en centímetros. El sistema métrico responde al International Standard for Measuring Paper ISO 216, que se usa en casi todo el mundo. En este sistema la relación alto-ancho de todas las páginas es la raíz cuadrada de dos.

5.Prueba papeles de distintos colores.

Es posible crear dibujos estupendos sobre un papel que no sea blanco, pero no todos los medios dan un buen resultado sobre papel de color; hay que experimentar un poco. Trabajar el papel negro puede ser muy difícil, porque los colores tienden a perderse.

6.Acerca del apresto.

Los papeles de bellas artes contienen apresto, una sustancia añadida que afecta a la permeabilidad del papel y que repercute tanto en los medios húmedos como en los secos. El apresto puede aplicarse  tanto en el interior como en la superficie del papel. El color se queda en la superficie del papel que tiene mucho apresto mientras que penetra en el papel con poco apresto.

7.Frente y reverso del papel.

El papel tiene dos caras distintas. El lado bueno o frente de un papel de buena calidad es el lado por el cual se lee correctamente la marca de agua. El papel está pensado para que el trabajo se realice en el frente, pero puedes emplear el reverso si lo prefieres.

8.Distintos tipo de papel.

  • Papel de bellas artes: Se usa para dibujo, acuarela o impresión. Sus características difieren según las marcas, aunque suelen ser papeles de calidad archival y sin ácidos. Se hacen de algodón 100% y entre sus aditivos puede haber aprestos y abrillantadores ópticos.
  • Papel de dibujo (cartridge): Adecuado para estudios rápidos y dibujos no perdurables. Está hecho parcial o totalmente de celulosa de madera y a veces está libre de ácidos.
  • Papel corriente tipo periódico: Papel fino, barato, no archival, que se usa a menudo en sesiones con modelos. Con el tiempo se deteriora y se vuelve quebradizo.
  • Soporte de pastel: Papeles y cartulinas que tienen una textura llamada agarre. Algunos soportes más duros poseen una textura abrasiva.

9.Busca el tipo de superficie que más te guste.

Haz el mismo dibujo en diferentes superficies para ver los resultados. Prueba  a hacer lo mismo en papel prensado en frío y en caliente.

10.El papel archival es necesario si quieres vender tus dibujos.

Los dibujos destinados a la venta deben hacerse en papel de bellas artes de calidad archival, que no se deteriora. El papel archival es robusto y responde a un estandar de conservación de papel. Siempre está libre de ácido.

11.Prueba distintos formatos.

El uso de distintos formatos apaisado, vertical, acordeón, rollo… beneficia la creatividad y la destreza en el dibujo.

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Hasta aquí, estas 11 cosas sobre el papel de dibujo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantado de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

 

8 consejos para dibujar animales que debes conocer.

La mayoría de las personas que se dedican a dibujar animales domésticos empiezan dibujando las cabezas. En términos de realismo, la habilidad en el dibujo de los ojos y el pelo es lo que distingue a un buen artista de animales de un aficionado.

deGranero dibujar animales

Ahora si, ahí van nuestros 8 consejos para dibujar animales que debes conocer:

1.Dibujo de ojos.

Es preferible aplicar cada paso a los dos ojos al mismo tiempo:

  • Estudia la forma y el colore del ojo.
  • Contornea el ojo e indica la forma de la pupila.
  • Reserva el brillo de las pupilas, que añade vida al dibujo de cualquier animal.
  • Colorea el iris y la pupila: no son zonas de color plano.
  • Colorea el iris con aguadas transparentes de más de un color, marcando todos los cambios de coloración.
  • Refuerza el borde externo del iris: un color más intenso ayuda a dar forma esférica al globo ocular.
  • Oscurece el borde exterior del ojo.
  • Acaba con la sombra que crea el párpado sobre el ojo.

2.Dibujo de bigotes.

Utiliza una herramienta de hendido para plasmar los bigotes y los pelos finos. EL papel muy liso es la mejor superficie para dibujar pelo, plumas o bigotes con precisión.

3.Dibujo de perros.

A la hora de dibujar animales, hay que tener en cuenta por ejemplo que la forma de los perros varía tanto como la de las personas. La observación y el conocimiento de una raza canina es la única manera de dibujarla fielmente. Los perros de caza, los de trabajo y los de agility ofrecen muchas oportunidades de practicar los bocetos de perros en movimiento o trabajando.

4.Gatos domésticos y grandes felinos.

Los gatos domésticos son similares a los grandes felinos en muchos aspectos; estos últimos son sencillamente mucho más grandes; por ello, para dibujar grandes felinos lo mejor, para empezar, es practicar y desarrollar la destreza en el dibujo de los gatos domésticos.

5. Dibujar animales con caras simétricas.

Empieza por los ojos; ante todo, determina su forma y posición y después complétalos. A continuación, trabaja desde los ojos hacia fuera. Procura que los planos de los ojos, el morro y la base de las orejas se mantengan alineados sea cual sea el ángulo de la cabeza del perro. Los errores de simetría suelen ser muy evidentes.

6.Dibujo del pelo animal.

¿Cómo dibujas el pelaje?, es una de las preguntas más habituales a la hora de dibujar animales…

  1. Estudia las características del pelaje a dibujar (el pelo animal tiene muchas texturas distintas: fina, suave, rígida, espesa, hirsuta, etc. Intenta tocar el pelaje antes de empezar.
  2. Cocéntrate en el volumen y la forma general del animal. No tiene sentido reflejar el pelo con exactitud si la forma no es correcta.
  3. No empieces con los detalles hasta que no hayas definido las formas y los tonos más grandes.
  4. Simplifica y esquematiza el patrón de valores en no más de cinco tonos como guía para desarrollar las formas y base para el dibujo y sombreado posterior del pelaje.
  5. El patrón del pelo de la cara es complejo. Elabora un esquema del pelaje, tomado del natural, que te ayudará a realizar los trazos y marcas. Observa cómo el pelo sigue formas que hay debajo y asegúrate de que tus trazos sigan la dirección del crecimiento del pelo.
  6. EL pelaje no suele tener un sólo color, y es esencial mostrar sus variaciones, tanto en los dibujos en color como en los monocromos. Fíjate en pelos individuales para entender las variaciones del color.
  7. Los pelos del pelaje se plasman dibujando el espacio lleno (es decir, el pelo) y el espacio vacío (el espacio a su alrededor).
  8. Usa una goma de borrar en punta para aclarar el pelo a partir de un tono oscuro.

7.Encargos de dibujo de mascotas.

No son pocos los dibujantes que se ganan la vida dibujando retratos de mascotas por encargo. he aquí dos consejos para quienes quieran probar este tipo de trabajos:

  • No trabajes a partir de una foto de referencia de poca calidad; pide al cliente lo que necesites.
  • Las mejores fotos de referencia son las que toma uno mismo con una buena cámara. Haz tomas de partes importantes como la cara.

8.Dibujo compuesto a partir de distintas referencias.

No es raro que los artistas quieran trabajar a partir de fotos para dibujar animales, puesto que los modelos suelen negarse a sentarse y posar sin moverse. Selecciona material de referencia en diversas fotos. No dudes en mover los elementos para mejorar la composición pero asegúrate de mantener la perspectiva y la proporción y de que la iluminación sea consistente.

Hasta aquí nuestros 8 consejos para dibujar animales que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

 

 

 

 

 

16 consejos básicos para pintar con pasteles que debes conocer.

Los pasteles se hacen con una pasta pigmento en polvo fino y un aglutinante de goma arábiga o de esencia de resina, a veces se le añaden caolín o tiza en polvo para dar cuerpo. Antiguamente los pasteles eran llamados tizas.

Tipos de Pasteles.

Normalmente se hacen en forma de barras, pero también los hay de otras formas y tamaños. El pastel blando se valora por la facilidad con la que desprende su pigmento.

  • Blandos: Suelen llevar un envoltorio debido a su blandura y a la facilidad con que impregnan de color todo lo que tocan. La cantidad de pigmento y la suavidad varían según sus marcas. Los pasteles más blandos llenan el grano del papel muy rápidamente.
  • De alta calidad elaborados a mano: Suelen contener mucho más pigmento y menos aglutinante por lo que son pasteles blandos que producen con facilidad colores saturados.
  • Hechos a máquina: Tienden a contener más aglutinante para que resistan el proceso de extrusión.
  • Duros: No suelen tener envoltorio y no son blandos. Suelen hacerse a máquina.
  • Lápices pastel: Consisten en una mina dura de pastel embutida en madera. Producen el mismo tipo de efectos que el pastel duro, pero con menos cobertura.
  • Al óleo o grasos: Aunque se presentan en formato de barra y se les llama pasteles, son un artículo completamente distinto.

deGranero pintar con pasteles en Madrid deGranero pintar con pasteles en Madrid

16 consejos básicos para pintar con pasteles.

  1. Prueba distintos pasteles: Los trazos y manchas que hacen los pasteles varían mucho según las marcas. Para conocer realmente los pasteles como medio hay que probar varias marcas y grados de dureza.
  2. Haz que los pasteles parezcan pasteles: Saca partido de las características distintivas del medio que estés usando. Si intentas que parezca ser otro medio el resultado será mediocre.
  3. No hace falta rellenar todo el papel: Siempre puedes dejar el fondo a la vista. Prueba soportes de diferentes colores para ver el impacto que tienen en el dibujo acabado.
  4. Quita el envoltorio y rompe la barra: Todas las partes de la barra , lados y bordes, pueden usarse para hacer trazos y manchas en el papel o en otros soportes. Los trozos pequeños son más fáciles de usar para hacer restregados.
  5. Usos de los pasteles duros: Estos son excelentes para crear contornos claros y marcados, y resultan muy adecuados para hacer bocetos. Prueba a crear un dibujo de base a grandes rasgos con áreas de color extensas y planas como guía para desarrollar un dibujo. Los duros también sirven para definir detalles, rehacer bordes desvanecidos y añadir definición. Con el canto de una barra cuadrada se pueden hacer líneas limpias y marcadas. Estos pasteles también se usan para dibujar detalles intrincados.
  6. Usos de los pasteles blandos: El lado de estos sirve para cubrir grandes áreas con rapidez. La punta o un canto se utilizan para hacer mezclas ópticas de colores. Restriega ligeramente sobre un soporte abrasivo de color para que el color sea visible, o usa la punta de la barra para hacer tramas y difuminar. Prueba a mezclar y emborronar los colores y añade acentos de color final.
  7. Usa lápices pastel para los bordes y los detalles: Los lápices pastel son muy adecuados para trabajar los detalles y los bordes, para rehacer partes del dibujo que necesitan más definición. No pueden cubrir zonas grandes de manera rápida ni fácil, pero no ensucian las manos.
  8. Utiliza tramas ópticas: Los pasteles se prestan bien a la mezcla de colores mediante tramas ópticas. Practica la creación de muestras de color y varia las mezclas y el espaciado entre los trazos para crear una gama de colores distintos.
  9. Organiza las barras por colores y tonos: Clasifícalos por colores y tonos. Así es mucho más fácil ver las posibilidades de emplear  colores distintos del mismo tono para añadir atractivo y variedad al dibujo.
  10. Haz lavados con pincel y agua: Igual que con el carboncillo es posible crear un lavado y una pintura subyacente mezclando pasteles con agua y empleando una esponja o un pincel para esparcir el color. Los trazos de pastel por encima de una base de color aplicada a mano tienen impacto y son muy eficaces.
  11. De lo oscuro a lo claro: Trabaja sobre un fondo de color neutral o complementario. Empieza por los colores oscuros y apagados y avanza hacia los colores más vibrantes y claros.
  12. No abuses de las mezclas: El abuso de los dedos o de los difuminos para mezclar colores puede hacer que un dibujo al pastel quede muy plano, con colores desvaídos o sucios. Mantén la claridad de los trazos y mancha y el brillo del color mezcla sólo áreas pequeñas como los bordes.
  13. Cuida la seguridad y la higiene: Los pasteles son secos y producen polvo. Hay que quitar periódicamente el polvo del trabajo y tener mucho cuidado de no inhalarlo antes de aplicar el fijador. Para reducir al mínimo la cantidad de polvo, es conveniente trabajar en un caballete para que el polvo caiga en un depósito, y aspirar el polvo a medida que se trabaja. Saca el trabajo al exterior, ponte de cara al viento. golpea con firmeza el dorso del soporte y agítalo para hacer caer el polvo al suelo. Aplica fijador con regularidad después de quitar el polvo de pastel suelto. Es mucho mejor dar varias capas ligeras de fijador que una sola capa espesa que podría arruinar todo tu duro trabajo.
  14. Proteje los dibujos al pastel: Usa un fijador ligero en aerosol para pegar al soporte los trazos y manchas de pastel. Sin embargo, ten en cuenta que esta operación podría oscurecer y/o amortiguar los colores. Envuelve los dibujos al pastel con papel de seda.
  15. Cuida tus manos: Los pasteles son muy secos, absorben los aceites naturales y el agua de la piel y dejan las manos muy resecas. Una crema protectora puede evitar este problema.
  16. Haz retratos tradicionales: Negro, blanco, sanguina y sepia funcionan muy bien sobre papel de color neutro. Estudia los dibujos de maestros clásicos como Miguel Ángel para ver el uso que hacían de sus pasteles para crear dibujos muy expresivos. Estudia también los dibujos de retratos de Hans Holbein.

Hasta aquí estos 16 consejos básicos para pintar con pasteles que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.