4 técnicas mixtas que te interesa conocer.

Las técnicas mixtas son innovadoras por el tratamiento y la combinación de los materiales entre sí. En ellas se mezclan pinturas de naturalezas distintas para conseguir efectos especiales de gran atractivos. Con la conjugación de materiales diferentes e incluso opuestos se produce un rechazo de la pintura que crea un interesante contraste entre texturas.

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Pues ahora, una vez aclarado lo que son las técnicas mixtas, vamos con estas cuatro que te interesa conocer para que tus cuadros estén cargados de recursos diferentes:

  1. El pincel seco: En cualquier técnica, el efecto que produce el agua suele ser degradado y fundido. Pero cuando se trabaja con una técnica mixta, debe buscarse el resultado contrario, una contraposición entre la textura lisa y la quebrada. El pincel seco es una técnica de pintura seca, muy distinta del acrílico, que e blando y maleable. Para lograr el efecto de pintura seca, se trabaja con poca agua y se restriega el pincel. Después, al lavarla, se desprenderán las zonas aún húmedas y se crearán las fragmentaciones y resquebrajados propios de las técnicas secas. Con pintura crílica muy espesa, casi sin diluir, se realiza un encaje suelto y espontáneo de pincelada rápida y directa en el que domina el empaste y el contraste de color. Con la pintura todavía tierna, se lava el dibujo bajo el grifo para que el color se funda y desprenda. La pintura tierna tiende a mezclarse con el agua creando tonos nuevos y transparentes. La presión del agua desprende las zonas más densas y crea un efecto más plano. De nuevo con pincel seco, se potencian el contraste y el volumen. Es un trabajo propio de la pintura acrílica, con la cual se consigue que , en el estado intermedio de secado, la pintura pueda fundirse o desprenderse.
  2. Pintura con textura: Para potenciarla textura y el relieve de una obra, bastará con añadir sustancias como la arena, el polvo de mármol e incluso piedras. Estos materiales son frecuentes en el arte abstracto, que persigue una investigación plástica del material. En el arte figurativo, en cambio, se suele recurrir a materias densas para representar elementos que expresan volúmenes importantes y pueden ser reforzados dando textura al pigmento antes de aplicarlo.  Según la cantidad de polvo que se utilice en la mezcla, se conseguirá un efecto con más o menos textura.
  3. Transferencia de la imagen al papel (transfer): Es frecuente en las técnicas mixtas las transferencias de imágenes fotográficas que después se modifican con el pincel. Puede pintarse directamente sobre la imagen como si se tratara de un collage. Si se desea un soporte único que excluya la añadidura de otros papeles, la imagen deberá transferirse sobre él; la silueta y los colores se deberán acoplar al soporte sobre el que después se pintará; para ello es necesario emplear líquidos corrosivos como los disolventes universales. Se elige la imagen sobre la que se quiere trabajar. Se realiza una fotocopia en color, que permitirá transferir la imagen a otro soporte. En una cubeta se coloca el papel que servirá de soporte y sobre él la fotocopia a color, de manera que la cara impresa de la fotocopia quede totalmente unida al soporte. Con un algodón se aplica el disolvente sobre el dorso de la fotocopia; conforme se humedece, el pigmento del color de la fotocopia se desprende y se adhiere al papel del soporte que tiene debajo. Se espera un poco a que el disolvente se seque para separar el papel de la fotocopia del papel sobre el cual va a realizarse el cuadro. Una vez separados, el motivo de la fotocopia habrá pasado al que servirá de soporte del trabajo a realizar: la imagen se habrá transferido.
  4. Acabado con transparencia acrílica densa: Una vez hayas transferido una imagen al papel puede retocarse y completarse con cualquier material. Si se desea que el color fotográfico sea muy visible, se retocará con medios transparentes o lápices de color que no  lo modifiquen excesivamente. Si, por el contrario, se desea crear una obra muy personal y con un dominio total del medio, se utilizarán pinturas que cubran, como el acrílico, que podrán convertir el trabajo en una obra pictórica  y sin apenas rastros del calco fotográfico.

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Hasta aquí éstas técnicas mixtas que te interesa conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer.

El proceso de la pintura no es un trabajo rápido. requiere una serie de matices y retoques que van desde las manchas más amplias hasta los detalles más precisos para conseguir un efecto realista. El trabajo del color es también progresivo y las primeras valoraciones se basan en tonos generales que definen cada objeto. Añadiendo matices se conseguirá enriquecer el colorido y aportar volumen y textura a cada motivo.

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En este artículo te mostramos 4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer, con esto tratamos de enseñarte un proceso bastante lógico para pintar con acrílicos:

  1. Partir de la transparencia respetando el dibujo: Conseguir tonos luminosos depende del tono que se emplea.  Normalmente se empieza aplicando la pintura líquida y se va empastando progresivamente. Los brillos muy fuertes se pueden obtener con blanco directo. Plantear la obra con tonos aguados supone una doble ventaja: el dibujo a lápiz queda a la vista y no se pierden ni los detalles ni los contornos. Los colores claros pueden solucionarse  con la transparencia sen mezclar el blanco, que taparía los trazos de lápiz. Nuestra propuesta es que para pintar con acrílicos dibujes primero el motivo, con grafito o con carboncillo que es más intenso. Con ello la pintura se trabaja más densa, pero los trazos resaltarán por su oscuridad. Se dibujan los contornos y se plantean los principales contrastes con carbón directo; así el sombreado queda establecido ya desde el principio. Nunca te olvides de fijar el dibujo al soporte, ya sea con un pincel aplicando un color acrílico diluido repasando las líneas del dibujo o bien con un fijador de carboncillo. Después aplica los tonos globales que definen cada elemento.
  2. Modelar las formas con mezclas directas: La pintura acrílica es muy apropiada para trabajar directamente y con impactos de color. Es un medio con un secado bastante rápido, lo cual hace que sea muy apropiado para fundir tonos y crear nuevas tonalidades por degradado si eres rápido. La alternativa a este proceso es la pincelada directa, por lo que los tonos deben ser elgidos acertadamente para que, al aplicarlos, definan correctamente el volumen y las características del objeto. Se aborda el motivo con nuevos tonos que explican mejor la textura e cada elemento. Se siguen añadiendo matices a toda la superficie para darle más profundidad y realismo. Después trabaja tonos oscuros reforzando el contraste y definiendo formas.
  3. Rehacer y corregir: El acrílico es una técnica que combina transparencia y opacidad. El hecho de aplicarlo opaco hace fácil la corrección de errores, así como cubrir unos colores con otros. Si se quiere tapar una zona, deberá empastarse  la pintura antes de aplicarla. Si se trabaja con oscuros, ello no supondrá ningún problema porque cubren muy bien. Y si se trabaja con claro, se mezclará el tono con blanco, consiguiendo un color igualmente opaco.
  4. Toques finales: Para terminar pintar con acrílicos tu obra, se deben seguir diferentes etapas: dibujo, manchado general y trabajo de los matices hasta resolver los volúmenes y las texturas de cada elemento. Tratándose de una pintura acrílica, los colores se superponen fácilmente sobe las capas anteriores sin necesidad de fundirlos. Por superposición pueden añadirse tantos matices como sea necesario.
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Acrílico sobre lienzo de nuestro alumno Paco Torralba.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer.

La pintura acrílica es bastante peculiar, puesto que es más densa que la acuarela, pero seca muy rápido, por lo que fundir colores resulta basta engorroso. La pintura acrílica puede aplicarse muy aguada, como si se tratara de una acuarela, aunque su textura es más espesa, si bien no tanto como el óleo. Estas propiedades hacen del acrílico una pintura muy versátil y maleable, que permite fundidos, solapàmientos y todo tipo de mezclas, sobre el mismo cuadro o en la paleta…

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Una vez aclarado esto, te explicamos los 4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer:

  1. Las mezclas en la paleta: El hecho de mezclar colores en la paleta es una manera muy válida de obtener ciertos tonos que luego se podrán aplicar sobre el trabajo de manera muy determinada. Se trata de un proceso muy adecuado para trabajar, por ejemplo, con pintura plana en áreas rellenas de color que no necesitan ser fundidas ni degradadas. Las mezclas en la paleta permiten estudiar el cromatismo del nuevo tono y constatar los colores que intervienen.
  2. Las mezclas en el cuadro: La versatilidad de la pintura acrílica permite fundir colores y mezclarlos sobre el propio cuadro, lo cual es posible únicamente cuando la pintura se encuentra tierna, ya que, de lo contrario, se tratará de empastes y superposiciones de color. Las mezclas sobre el soporte exigen una buena cantidad de pintura para que los colores se integren, aunque mi recomendación es que añadas un poco de retardador de secado en cada color y después para fundir colores emplees un pincel seco.
  3. Humedecer el color en el cuadro: La pintura acrílica, es una pintura al agua como la acuarela o el guache. El acrílico una vez seco no se puede modificar solo con agua, sin embargo se vuelve tierna si se le añade un poco de alcohol y puede modificarse parcialmente fundiendo con un nuevo color. Desde mi punto de vista esto no es muy recomendable, es mejor colocar otra capa pictórica con retardador y fundir colores sobre ella.
  4. Rehacer las formas: La textura del acrílico, bastante espesa, permite correcciones y retoques muy difíciles en técnicas similares como la acuarela. El acrílico se puede trabajar de manera mixta, por empaste o por transparencia. Ésta no permite corregir errores, pues todos los trazos quedan reflejados en el papel. El empaste, sin embargo, es un método más cómodo, ya que permite superponer unos colores sobre otros y, de esta manera, corregir las siluetas o los tonos con la incorporación de nuevos trazos.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer. Esperamos haberte sido de ayuda como siempre, estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo y pintura en Madrid.

4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer.

En dibujo existen diferentes procesos que permiten acercar el objeto de la representación al espacio que éste ocupará en el papel. En el dibujo esquemático la corrección es constante desde el primer trazo, p correcta del dibujoero esta corrección es precisamente lo que define al ajuste del trazo y la comparación con las demás líneas del dibujo. Con la práctica, la corrección será cada vez más precisa desde los primeros pasos del esquema inicial.

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Ahora si, te presentamos los 4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer:

  1. El medio y su trazo: La elaboración del esquema es un paso importante a seguir para la construcción correcta del dibujo. Estas nociones elementales son imprescindibles para cualquier dibujo que se realice, por complejo que sea y por mucho dominio que uno tenga. En el esquema inicial intervienen varios factores técnicos que, a medida que se trabaje sobre ellos, se harán más imperceptibles y naturales. En según el tipo de dibujo, el esquema puede construir el objeto definitivo. El esquema es un dibujo rápido, que, ya desde el principio, ayudará a comprender el modelo. Cualquier medio puede ser válido. EL carboncillo da un trazo contrastado, muy maleable, ya que su cuerpo facilita su adhesión sobre el papel (casi sobre cualquier papel). Otro medio adecuado para el esquema es la sanguina. Más compacta que el carboncillo, se utiliza de manera similar. Su trazo puede ser más definido y duro, y se suele usar combinada con otros procedimientos de dibujo como el carboncillo o la creta blanca. Un trazo se combina con el gesto, característica que dará lugar a una viveza muy particular. Para un dibujo esquemático pueden utilizarse diferentes procedimientos y aportar al dibujo y aportar al dibujo diversas calidades de tono, color y trazo. La calidad del trazo puede constituir una guía muy útil de cara al aspecto final que vaya a tener nuestro dibujo.
  2. La dureza y la presión: En la realización de un dibujo esquemático es importante conocer el medio con que se está trabajando. A medida que se practica, uno va adquiriendo ciertas preferencias, pero para ello hay que investigar y probar. No todos los medios ofrecen un mismo resultado, puesto que, mientras algunos son duros y limpios, otros son blandos y manipulables. Los lápices más adecuados para el sombreado son los que tienen impresa una B. Cuanto más elevado sea el número que acompaña a la B, su huella será más blanda y grasa, y la variación de tonos será más rica. La dureza del lápiz determina, además el oscuro máximo, su capacidad gestual. Para ciertos trabajos, será importante que el lápiz tenga una cierta maleabilidad. En otros casos el dibujo puede requerir una cierta dureza. Los lápices duros dan un trazo bien perfilado y limpio. Su presión sobre el papel lo llega a marcar definitivamente, de tal manera que, si se tiene que corregir, la marca del trazo en el papel permanecerá. Cuando se dibuja con estos lápices conviene no presionar mucho el trazo, pues su máximo oscuro ya está preestablecido. Estos lápices llevan impresa la letra H, cuanto más alto sea el número, más duro va a ser el trazo.
  3. Formas del trazo en el dibujo esquemático: Cuando se empieza a dibujar, es preciso que el trazo se realice adecuadamente. El esquema inicial será acertado si parte de una buena base o estructura lineal. La mejor manera de entender eso es practicando. Cuando el esquema ha adquirido la forma adecuada, se atacarán los contrastes necesarios. En esa fase no se concluyen los detalles; el esquema es algo elemental y sintético, que se debe conservar en todo el proceso. Según el medio que se emplee, el aspecto final del trabajo será uno u otro.
  4. El carácter del trazo: El trazo es un extensión de la intención artística, así como la prolongación del pensamiento. Hay trazos que son susurros y otros que se pueden convertir en gritos o poesía. El carácter del trazo es lo que permite expresarse a través del dibujo. A lo cual ayudará el medio que se emplee.; es importante acertar en la elección del medio adecuado. Cada medio tiene su carácter, y si se le suma la vida que le da quien lo emplea, permite resultados sorprendentes. Incluso el medio más sencillo ofrece muchas posibilidades. El trazo es la expresión más elemental del medio y de él dependen en gran medida no sólo el resultado del dibujo esquemático sino también del dibujo definitivo. Un artista siempre debe pensar que su medio de expresión es el trazo y todo aquello que le acompaña: suavidad, dureza, gesto, matiz, etc. EL trazo es la quinta esencia de todo dibujo.

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Hasta aquí los 4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo y te recomendamos que leas otros artículo que escribimos hace tiempo titulado “10 consejos para dibujar bien“.

 

4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer.

Dejando a un lado las posibilidades acuarelables de las pinturas acrílicas, éstas pueden ser muy densas y permiten ser trabajadas con total opacidad. Es muy frecuente aplicar color con acrílicos en ilustraciones y dibujos con pintura plana y con tonos lisos realizados con una densidad media de color. Este espesor permite superponer (al aplicar color) unos tonos sobre otros, ya que si éstos son suficientemente densos, son muy opacos y cubrientes. Su textura, en cambio, no permite crear relieves, como ocurre con el óleo.

Aplicar color

Una vez aclarado todo esto, vamos con los 4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer:

  1. Colores claros y oscuros: La capacidad de cubrimiento del acrílico permite trabajar claro sobre oscuro, algo que por ejemplo, no es posible con la acuarela. Éste es un punto a favor de las pinturas acrílicas ya que, gracias a ello, los trabajos pueden ir progresando mediante la superposición de capas nuevas al aplicar color hasta lograr el tono deseado. El aspecto del acrílico cambia un poco al secar, se oscurece, lo cual obliga a esperar al secado de una capa para aplicar una nueva y ver cómo actúan los tonos al solaparse.
  2. Definición de las formas: Los colores acrílicos son muy maleables y con un pincel adecuado pueden resolverse con ellos hasta los más mínimos detalles. Los pinceles para acuarela son demasiado blandos para aplicar color con acrílicos, a mi me gustan más los de cerda, aunque los de pelo sintético, también son válidos y ofrecen una fluidez total para extender la pintura. Con este tipo de pinceles y un grosor muy fino se pueden definir todo tipo de formas, incluso las más lineales.
  3. Rehacer y corregir: La capacidad cubriente del acrílico supone una ventaja a la hora de corregir errores, si no se consigue el color adecuado o la silueta correcta. Es lo mismo que sucede con el óleo. En acrílico es frecuente manchar las formas buscando el tono apropiado y el volumen sin tener en cuenta el contorno. Los límites pueden establecerse en fases posteriores al proceso, tapando los trazos que sobresalen con colores nuevos.
  4. El acabado con acrílicos: El secado de las pinturas acrílicas es relativamente rápido, lo cual posibilita una pintura fresca y espontánea, definida por el trazo suelto y las pinceladas solapadas. Otros medios más grasos como el óleo, requieren una elaboración más lenta y minuciosa a la hora de aplicar color por ejemplo, el acrílico, en cambio, ofrece mucha riqueza en su tratamiento, que se caracteriza por la combinación de trazos aguados con solapamientos y zonas empastadas.

Hasta aquí este breve articulo sobre los 4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

4 recursos sobre el collage que debes conocer.

El collage es una variedad relativamente moderna dentro de las artes plásticas. Hay que remontarse al vanguardismo para encontrar los primeros indicios de una técnica basada en la superposición de imágenes y materiales distintos para lograr texturas y efectos de relieve. La finalidad de esta técnica es variable según se utilicen materiales distintos y con finalidad estética o bien imágenes concretas con una intención conceptual y buscando un determinado significado.

Collage de la artista Eugenia Conde (antigua alumna de nuestras clases).

Una vez aclarado esto pasamos a mostrarte estos 4 recursos sobre el collage que debes conocer:

  1. Texturas: Cuando se trabaja el collage como medio de expresión artística, el pintor debe pensar en un determinado tipo de papeles para que, utilizando las texturas de cada uno, se pueda lograr el efecto deseado. La rugosidad y la transparencia de cada papel es muy variable, y a ello se suma el efecto del color. Para el collage, siempre es conveniente tener a mano revistas con imágenes fotográficas. Una vez se ha elegido la composición que se va a realizar, se deben trabajar las siluetas de los elementos , recortándolas en el papel elegido por sus características de textura y color. Se debe tener la imagen previa bien clara, puesto que así los contrastes entre tonos quedarán evidentes y podrá elegirse acertadamente cada papel de acuerdo con el lugar que ocupe en el cuadro. Para fijar el papel en el soporte lo mejor es el fijador en spray, es limpio y crea una capa muy fina sin alterar la ondulación del papel que se pega. Los pegamentos en barra o en tubo son muy agresivos o espesos y pueden alterar el efecto. Otra buena alternativa es la goma de caucho que se aplica con una pequeña brocha: adhiere el papel sin dañarlo y permite despegarlo y modificar su posición.
  2. Papeles pintados: Además de una combinación de texturas, los collages son una sinfonía de tonos. Para ello se puede trabajar con pintura sobre la composición de papeles elegidos tratada como una técnica mixta. Aunque los trabajos con técnicas mixtas persiguen finalidades estéticas basadas en el contraste de medios, se rigen por las mismas leyes de luz, sombra y composición que las obras con técnicas convencionales.
  3. Las formas y los retoques: Los medios y recursos del collage son prácticamente inagotables,pues las características propias de los papeles crean efectos propios de la pintura. Así, un papel vegetal sobre otro cualquiera da lugar a un efecto de transparencia de claro sobre oscuro, propio de la pintura por veladuras. Los acabados a pincel suelen reservarse para los últimos retoques para trabajar los detalles sobre las bases ya establecidas. La elección del papel es fundamental para crear efectos.
  4. La pintura: La pintura es un elemento importante del collage, ya que con ella se realzan y se definen formas. En el collage, la pintura puede trabajarse como elemento adicional y superfluo o como una base para establecer superposiciones. Hay, pues, dos maneras distintas de combinar el papel y la pintura: en algunas destaca la textura creada por el papel, en otras domina el efecto de ésta como base de color y de composición para añadir detalles.

Recuerda, los materiales que te harán falta para elaborar un buen collage son: papeles variados y de varios colores, tijeras, fijador en spray, pintura acrílicas o guache y pinceles. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo con este artículo sobre la técnica del collage. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar texturas que debes conocer.

Hablar de texturas es referirse a todo un mundo de formas y de color. Sea cual sea, cada elemento tiene unas características propias e inconfundibles. Para el pintor realista, el hecho de plasmar las propiedades de las superficies de los objetos es el objetivo primordial de su pintura.

Pues aclarado a lo que nos referimos con texturas vamos a ver esos 4 pasos para pintar texturas que debes conocer:

  1. La luz: La luz es la responsable de cualquier textura puesto que sin ella no son posibles ni formas ni colores. Siempre se tiene que determinar el punto de luz máxima, que no siempre corresponderá al blanco. En referencia a él deberá establecerse el resto de luces. En la pintura al óleo, el color blanco es intenso, tiene densidad y matiza decisivamente el resto de tonos. Al mezclar un color con blanco, se tornará claro y luminoso, formando parte de las zonas resaltadas del volumen.
  2. El sentido de la pincelada: El pincel es la herramienta más valiosa que utiliza el pintor para realizar sus obras. Con él se consigue tanto modelar como cubrir superficies. La pincelada da volumen a las formas atendiendo siempre a la dirección del pincel y al color que se quiera dar a esas. El tipo de pincelada dependerá del medio utilizado. La pincelada seca deja rastro sobre la superficie, mientras que la húmeda hace deslizar la pintura sobre el soporte pudiendo así obtener algunos efectos como fundidos.
  3. Los metales: El color de los metales se logra siempre mediante el contraste entre tonos claros y oscuros. Estos tonos dan lugar a una formas que normalmente mantienen una armonía con su contorno y su volumen. Los metales presentan una serie de contrastes, no sólo de claroscuro, también se producen contactos de tonos complementarios, por lo que en los dorados siempre se encuentran incidencias de azules, o en los cromados, de amarillos, etc.
  4. El cristal: Por su transparencia, los objetos de cristal constituyen un ejemplo excelente para entender las sutilezas del color y los brillos. La transparencia del cristal hace que éste no tenga un color propio. Sus formas se definen por los cambios de matices producidos por el color del fondo o los objetos que le rodean. EN cuanto a los brillos, son definitorios de la forma y la luz, por cuanto se trata de superficies muy lisas que la reflejan en todo momento.

Después de este breve artículo sobre pintar texturas, esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo sobre este maravilloso campo que es la pintura. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar un desnudo que debes conocer.

No hay tema como el desnudo tan bello y tan adecuado como instrumento de aprendizaje. En el transcurso de la historia siempre ha estado presente, pero en el Renacimiento se produjo un verdadero cambio a la hora de pintar un desnudo: el arte se centró en un mejor conocimiento del cuerpo humano, y los artistas, apoyados por una técnica nueva y de grandes posibilidades como el óleo, situaron el desnudo en un lugar preferente.

En este artículo te facilitamos 4 pasos para pintar un desnudo que te van a ayudar mucho esta tarea:

  1. Encaje con carboncillo y manchado: El primero de los pasos para pintar un desnudo es el del dibujo… En cualquier escenario se establecen una serie de relaciones de luz y sombra que determinan decisivamente una representación.  Se establece una primera comprensión de la imagen basada en la línea y el contorno, una aproximación al cálculo de proporciones y al establecimiento de la composición y el equilibrio formal. El trabajo se centra después en la mancha y la valoración, en la cual se establecen los tonos que aportarán, profundidad, volumen y carácter. Con carboncillo se construye la estructura de la figura. La primera intención es encontrar un ritmo lineal que determine el gesto de la figura; mediante líneas sinuosas se definen los contornos, los elementos internos y la inclinación de la figura. Con el mismo carboncillo se realiza una valoración de los oscuros que determinan el volumen. Se añade esencia de trementina la carboncillo para crear una imagen difuminada del volumen y poder aplicar después la pintura al óleo de forma fundida. Las manchas que se habían realizado antes quedan ahora fijadas al aplicar la esencia, y, por tanto, se convierten en definitivas.
  2. Las formas no se definen al principio: En el segundo de los pasos para pintar un desnudo te aclaramos que el hecho de realizar mezclas con el óleo depende en gran medida de la fase de mancha en que se encuentra la obra. Las primeras fases del cuadro requieren una ejecución rápida y decidida; muchas mezclas y valores se realizan sobre la misma tela para dar una primera sensación cromática y para tapar el blanco de dicha tela, pues podría confundir. Los matices y mezclas posteriores deberán realizarse con mucha más atención formal. Se añaden unas pinceladas para establecer el tono general de la carnación, unos tonos más cálidos para las luces y otros más intensos para las sombras, así definiremos el volumen.
  3. Graso sobre magro: En óleo el proceso de secado es más rápido cuanto más diluido se aplica, es decir, cuanta más carga  de trementina contenga. En esta técnica, el proceso de pintura se basa en el principio graso sobre magro, es decir, las capas tienen que ser más oleosas conforme se vaya avanzando para garantizar la perfecta fijación de la pintura. Lo lógico es empezar aplicándolo con diluyentes como la esencia de trementina e ir añadiendo en las nuevas capas disolventes más grasos. Con carboncillo se esboza la figura del modelo buscando la síntesis. En el fondo se aplica una tonalidad neutra y en el modelo se utilizan diferentes colores que describan la carnación. Finalmente la figura se empasta y se contrasta.
  4. No empastar en exceso: El último de los pasos o recomendaciones que te demos para pintar un desnudo es no empastar en exceso. El proceso de la pintura consiste en construir un cuadro superponiendo sucesivas capas de pintura. Para ello es fundamental aplicar los primeros colores con el óleo rebajado con esencia de trementina e ir intensificando la densidad de la pintura con cada nueva capa. Cada tema requiere un trabajo más o menos texturado de la pintura. Por sus características, contrariamente a lo que suele ocurrir en el paisaje, el desnudo se plasma mejor con un trabajo menos texturado.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para pintar un desnudo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte aportado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

3 gamas de colores que debes conocer.

A la hora de comenzar a planificar una pintura, debemos pensar en que gama de colores queremos trabajar. Para esto es importante que conozcas tres que son fundamentales, la gama de colores cálidos, la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados.

  1. Gama de colores cálidos: Desde un punto de vista teórico, la gama de colores cálidos está constituida por los colores verde amarillento, amarillo, naranja, rojo, púrpura y violeta. Sin embargo, en la práctica, los colores cálidos serían el amarillo, el ocre, el rojo, el tierra sombra tostada, el carmín de garanza, el verde permanente, el verde esmeralda y el azul ultramar. Pero ¡cuidado!, el haber excluido de esta relación el azul cobalto y el azul de Prusia, no significa que estos colores (y todos los colores) no puedan intervenir en una gama de colores cálidos. Gama de colores cálidos quiere decir tendencia cromática hacia el rojo, el amarillo, el anaranjado, el ocre, el siena… pero pudiendo mezclar estos  y otros colores calientes con azules, verdes, violetas  con el fin de agrisar (o ensuciar como decía Tiziano), pintar sombras y penumbras…
  2. Gama de colores fríos: La gama de colores fríos, teóricamente está construida por los colores verde amarillento, verde, verde esmeralda, azul cyan, azul, azul ultramar y violeta. En la práctica, los colores de esta gama vienen condicionados por los que el artista usa corrientemente… Podríamos hablar de el azul de prusia, el azul ultramar oscuro, el azul cobalto oscuro, el verde esmeralda, el verde permanente, el carmín de garanza oscuro, el tierra sombra natural y el ocre amarillo. Una gama de colores llamada fría, no ha de ser necesariamente azul… aún cuando en su conjunto es azul.
  3. Gama de colores quebrados: La gama de colores quebrados o grises coloreados, está compuesta por la mezcla de colores complementarios en partes desiguales, mezclados con el blanco. Si tomamos dos colores complementarios entre sí; por ejemplo verde y rojo intenso; mezclamos una parte de color verde con una cuarta parte de color rojo intenso y añadimos blanco a voluntad, obtendremos un color marrón, caqui, ocre, verde… que en cualquier caso resultará agrisado. Más oscuro cuanto más semejante sea la cantidad de un color respecto a otro; más grisáceo, cuanto mayor sea la cantidad de blanco que añada. La gama de colores quebrados no excluye ningún color de la paleta, y además puede tener tendencia fría o cálida.

Hasta aquí esta breve explicación de estas tres gamas de colores que debes conocer. Esperamos, como siempre, haberte enseñado algo nuevo de este maravilloso mundo de la pintura.

4 aspectos sobre la técnica del pastel que debes conocer.

La técnica del pastel es una de las más agradecidas en la representación pictórica por tres razones básicas: trabajar en barra proporciona un gran dominio de la gestualidad y el trazo, característica típica del dibujo; los pasteles se componen de pigmentos compactos de gran calidad, lo cual asegura un impactante colorido, propio de las mejores obras pictóricas, y la variedad de tonos existente en este procedimiento garantiza una obra muy rica en colores y matices.

Una vez aclarado esto sobre la técnica del pastel, vamos con esos cuatro aspectos básicos que debes conocer:

  1. La fuerza de los contrastes: Los contrastes pueden obtenerse con la luz y la sombra o por la complementareidad del color. Una vez que se ha hablado de la fuerza de los colores claros sobre los oscuros, es momento de referirse a los efectos que crea la propia naturaleza de los pigmentos. los colores cálidos y los fríos forman un combinado muy variado, ya que son opuestos, y al colocarlos juntos se produce un choque cromático. Los contrastes más radicales son los que se forman entre tonos complementarios.
  2. Sutilezas y grandes empastes: El color en la técnica del pastel, cuando se trabaja directamente de la barra, puede aplicarse de manera plana, lo cual proporciona una mancha amplia que forma la mejor base para después poder realizar un degradado uniforme. Si en vez de fundir el color se deja la mancha, la barra plana desprenderá mucho más pigmento y el trabajo de relleno será más rápido. Si se presiona suficientemente, se crea un efecto de empaste y el color aparece muy intenso.
  3. Contrastes cromáticos: Los contrastes cromáticos son la base de las obras coloridas. Si los máximos contrastes de color se producen entre tonos complementarios, éstos se enfatizan. Hay colores muy luminosos, como los amarillos y sus tonos cercanos, es decir, los verdes claros y los naranjas; si los tonos complementarios de estos colores se trabajan sobre un fondo oscuro, el contraste se intensificará. Eso ocurre al situar, por ejemplo, un carmín junto a un verde claro, un azul ultramar junto a un naranja pálido, o un violeta intenso junto a un amarillo.
  4. Luz y atmósfera con la técnica del pastel: En pastel, los colores claros son fáciles de conseguir, ya que se funden bien con el blanco; una caja normal contiene muchos tonos claros. El problema está en saber aplicarlos sobre el papel, de manera que desempeñen la función adecuada. Los pasteles se trabajan de oscuro a claro, por lo que se debe empezar el trabajo manchando las zonas sombrías sin miedo, ya que los claros cubrirán perfectamente otro color. Cuando se pintan zonas amplias, los colores claros pueden formar un degradado con los oscuros en orden  a crear el volumen adecuado.

Hasta aquí los 4 aspectos sobre la técnica del pastel que debes conocer. Esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras cursos de dibujo y pintura en Madrid.