4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 procedimientos pictóricos que debes conocer. Pinturas con cera, esmalte, alquídicas y miscibles en agua.

Las pinturas alquídicas, de esmalte y miscibles en agua son usadas por los artistas en combinación con la pintura al óleo convencional o como alternativa a ésta. El medio de cera se emplea para cambiar la consistencia a la pintura al óleo. En conjunto, estas pinturas van de mate a brillante y de espesas y cerúleas a muy fluidas. Son diferentes al tacto y cada una tiene sus ventajas y sus inconvenientes.

4 procedimientos pictóricos que debes cnocer. deGranero

4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

  1. Pintura alquídica: Las pinturas alquídicas son las que conocemos como pinturas caseras con base de aceite. Los artistas las emplean aveces porque son más baratas que las pinturas al óleo. Esta pintura fluida y brillante se esparce cuando sale del tubo. Es pegajosa para trabajar y, aunque resbala, no es fácil esparcirla si no está disuelta con aguarrás mineral. La adición de medio alquídico produce un efecto más traslúcido, pero también requiere disolver con aguarrás mineral. Una vez obtenida una buena consistencia, es fácil de mezclar y admite bien el esgrafiado. Tiene muchas de las características de la pintura al óleo mezclada con medio de resina damar. Su imprecisión hace difícil usarla para pintar con espátula, pero mantiene bastante bien su forma en la superficie y puede retocarse con un pincel. Tarda un día en quedar seca al tacto y conserva su superficie brillante.
  2. Pintura al óleo miscible en agua: Las pinturas miscibles en agua nos trasladan a algo casi milagroso… Cuesta entender cómo el óleo puede modificarse químicamente para que acepte el agua. Sin embargo, estas pinturas funcionan perfectamente y permiten a los artistas que las emplean pintar al óleo sin usar disolventes minerales. Es una pintura mucho más sólida que la alquídica, con un carácter muy ceroso y opaco que no tiene nada que ver con esta última. Diluida en agua ofrece un lavado seco y mate parecido al que se obtiene con óleo y aguarrás mineral; es más cómodo trabajar con esta pintura cuando está más espesa. No se esparce demasiado ni se mezcla con facilidad, y conserva las marcas de las pinceladas incluso en lavados. Las pinceladas se rompen creando una serie de marcas interrumpidas que caracterizan este tipo de pintura. El frotado y el esgrafiado funcionan bien con ella, y es fácil pintar con espátula, puesto que la pintura es espesa.
  3. Pintura de esmalte: El tercero de estos 4 procedimientos pictóricos es el esmalte. El termino esmalte se aplica actualmente a cualquier pintura muy brillante y autonivelante con base de disolvente o de agua. Suele contener una resina como damar, epoxi o alquídica. Las ricas pintura de esmalte están hechas con esmalte de automoción. La pintura de esmalte es muy líquida, mucho más que la alquídica. Se mezcla con un pincel y se aplica suavemente sin necesidad de diluirla con aguarrás mineral. Se acumula con facilidad, los colores se combinan en espirales y las lineas de esgrafiado se rellenan. Seca deprisa  y deja una superficie muy lisa y brillante, sobre la que es posible pintar al cabo de 10 o 15 minutos, pero que se levanta si es tocada demasiado pronto. La superficie se estropea fácilmente con el polvo, por lo que es conveniente protegerla con una cobertura improvisada mientras se está secando.
  4. Medio de cera: La cera en sí misma es un medio de pintura, y la mezcla de cera para añadir a los pigmentos se llama “pintura encáustica”. En este caso, la cera se disuelve en trementina para hacer un medio que se añade a la pintura al óleo. Esta operación disuelve y cambia la consistencia de la pintura de brillante a mate. El medio de cera tiene una consistencia suelta y cuando se añade a la pintura tal como sale del tubo ésta se diluye y adquiere una textura ligeramente granulosa. La pintura se alisa en la superficie y se seca casi al instante, por lo que se limitan las posibilidades de esparcir la pintura. Puede pintarse por encima en unos minutos, aunque la pintura permanece blanda y vulnerable hasta que se seca por completo, un par de días después. Es fácil realizar esgrafiado. A pesar de que la pintura es mate, es posible realizar efectos de lavados transparentes, y el color es puro y brillante.

Hasta aquí estos 4 procedimientos pictóricos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer. Las personas desean dibujar y pintar a otras personas ya que los seres humanos son un tema cautivador. Pero un retrato no es lo mismo que una imagen que incluye a una persona. Una obra puede ser identificada como un retrato si se indica el nombre de la persona representada, pero esta definición tan amplia puede ser discutible. El artista estadounidense Kehinde Wiley toma los cuadros de los maestros de la pintura antigua, con sus títulos originales, como base de sus retratos de hombres y mujeres modernos. En Napoleon Leading the Army over the Alps (original de Jacques-Louise David, 1800), Wilwy recrea la pose a caballo, pero reemplaza a Napoleón por un joven negro con atuendo contemporáneo, y el cielo por un motivo ornamental. De este modo, juega con los símbolos de poder y los atribuye al hombre negro, históricamente desprovisto de derechos.

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Napoleon Leading the Army over the Alps. Óleo sobre lienzo. Kehinde Wiley.

Wendy Elia ha pintado una serie de cuadros titulada “The Visit”. El trabajo en serie le brinda a Elia la oportunidad de explorar aspectos más amplios que la vida de un individuo. En su emotivo retrato The Visit V (Mary), la anciana madre de Elia y su bisnieto posan en el centro, mirando confiadamente al espectador. La franqueza de la mirada de Mary contrasta con su fragilidad física. Las imágenes y objetos de la habitación cuentan la historia de una vida y hablan de la muerte, la próxima etapa.

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The Visit V (Mary). Óleo sobre lienzo. Wendy Elia.

9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer.

  1. Autorretrato: Practica dibujando y pintando tu cabeza. Intenta dibujar tus rasgos en primer plano, desde distintos ángulos y en varias condiciones de iluminación.
  2. Composición: Antes de pintar, haz pequeños bocetos pensando en las opciones, por ejemplo, el formato (vertical u horizontal), la escala (grande o pequeño), la colocación (alto o bajo, derecha o izquierda), las opciones de escenario y contexto, encuadre…
  3. Transcripción: Toma prestadas pinturas del pasado. Reutiliza contenidos, temas y elementos técnicos como el color y la composición.
  4. Tableu vivant: Recrea pinturas antiguas haciendo posar a amigos o modelos, fotografía la escena y úsala como base de una pintura.
  5. Monotipo de una cabeza a partir de una fotografía: Pinta un retrato al óleo (para que se mantenga húmedo) en un acetato transparente o un metacrilato pùesto encima de una foto que sirva de guía. Pon el acetato boca abajo sobre un papel preparado con imprimador de óleo o acrílico, y aprieta con firmeza para obtener una impresión.
  6. Pinta a partir de una autofoto o selfie tomada con un teléfono móvil.
  7. Haz un collage o pinta una cabeza a partir de fotografías. También puedes usar papel de embalar o papel pintado como fondo.
  8. Retrato en palabras: Habla con tu modelo y anota palabras clave. Recorta y monta las palabras con la forma de la cabeza y el cuerpo de la persona.
  9. Retrato biográfico: Haz un mapa del viaje vital en forma de cuerpo, con la crónica de acontecimientos o etapas emocionales.

Hasta aquí estos 9 ejercicios para dibujar cabezas y retratos que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

En este articulo te enseñamos 3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

El término perspectiva (en latín, perspicere “para ver a través de”) se utiliza en las artes gráficas para designar a una representación, generalmente sobre una superficie plana (como el papel o un lienzo), de un motivo tal como es percibido por la vista, de forma que se pueda intuir su configuración tridimensional.

Geométricamente, estas representaciones se obtienen a partir de la intersección de un plano (el plano del dibujo) con un conjunto de visuales (las líneas rectas o rayos que unen los puntos del objeto representado con el punto desde el que se observa (denominado el punto de vista).

Después de esta breve introducción, vamos con el tema que nos aborda.

3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas.

  • Perspectiva aérea: La perspectiva aérea o atmosférica utiliza contrastes de tono o de color para crear una sensación de espacio tridimensional, como en las obras de Christopher Le Brun y Joy Girvin que vemos más abajo. Los contrastes tonales fuertes parecen avanzar en el espacio, mientras que las áreas que contienen tonos parecidos parecen retroceder. El tono puede elaborarse mediante líneas y manchas. Las variaciones de tamaño e intensidad de estas marcas pueden emplearse también para crear la ilusión de espacio. Algunos dibujos de paisajes de Van Gogh son excelentes ejemplos de ello. La relación entre los colores también tienen efectos significativos en la creación de efectos espaciales: normalmente los azules, o los tonos más grisáceos, parecen retroceder, mientras que los rojos intensos y los matices claros avanzan.
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The Complete Journey. Acuarela. Christopher Le Brun PRESIDENTE DE LA ROYAL ACADEMY.

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A Walk trough the Orchard, Trelissick. Pasteles y crayones Conté cobre papel. Joy Girvin.

  • Gran angular/distorsión. Empleo de fotomontaje para combinar puntos de vista: La perspectiva lineal sólo funciona dentro de un campo de visión bastante estrecho. Cuando se combinan distintos puntos de vista para crear un punto de vista más amplio o móvil se produce cierto grado de distorsión. Cézanne y los Cubistas  y Futuristas esran conscientes de este hecho. Más recientemente, David Hockney ha popularizado el uso de fotos para registrar vistas múltiples de un tema. La cámara muestra como la perspectiva se comba en los extremos de la vista. Los calcos superpuestos y Photoshop son herramientas útiles para el fotomontaje.
  • Proyección paralela: La proyección paralela es una disciplina del dibujo técnico. No es lo mismo que la perspectiva, puesto que los bordes paralelos no convergen sino que van en tres direcciones distintas. El sistema principal de proyección  paralela es el axonométrico. En la proyección axonométrica, los bordes de los planos girados que muestran más de una cara de un objeto se dibujan a 45 grados en relación con la horizontal. En la proyección isométrica, que es un tipo de proyección axonométrica, estos bordes se dibujan a 30 grados. La proyección paralela suele emplearse para mostrar formas arquitectónicas en tres dimensiones y a escala, de modo que puedan tomarse medidas a partir de los dibujos. Como los bordes paralelos de los objetos permanecen paralelos en todas las direcciones, los objetos alejados no parecen más pequeños que otros cercanos y del mismo tamaño (a diferencia de la perspectiva) y los dibujos se ven distorsionados, algo que puede aprovecharse para crear espacios ambiguos como los de M. C. Eschner.
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M.C. Escher.

Hasta aquí estos 3 tipos de perspectiva que debes conocer para pintar arquitecturas. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer. La pintura diluida con trementina o aguarrás se emplea para dibujar diseños esquemáticos o para crear una pintura base más elaborada y que se deja secar. Estas marcas de pintura lavada se modifican después con capas añadidas encima (velados), o se cubren y contrastan con pintura más espesa pintada o aplicada con espátula.

Para hacer velados hay que añadir medio de aceite, para que la pintura se seque más despacio que la capa inferior y que las distintas capas se sequen con el tiempo sin separarse ni agrietarse. La adición de medios también aporta lustre y brillo. Este método puede emplearse para modificar los colores y texturas de la pintura espesa o diluida que está debajo. Pintar por encima con colores opacos y mezclados con blanco oscurece parcialmente las capas inferiores y unifica áreas de tono y color; los colores traslúcidos cambian o intensifican el color subyacente.

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4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

  1. Pintura afinada con trementina: La adición de trementina hace que el pincelado de la pintura sea más fácil. Puedes darla con un pincel pequeño y suave, aplica los colores como si de un puzle se tratara. La trementina es considerada en general como el mejor disolvente para pintar, por su carácter resinoso que ayuda a que la pintura se adhiera y que otros disolventes no poseen.
  2. Áreas contrastadas de pintura: El trabajo se desarrolla cubriendo y modificando en algunas zonas la pintura diluida con pintura más espesa, sin diluir, mezclada directamente tal como sale del tubo. Puedes frotar algunas zonas con un trapo hasta llegar a la imprimación.
  3. Pintura sobre pintura espesa: Puedes trabajar con un velado sobre una pintura elaborada por ejemplo con una espátula, esto te ayudará a unificar los tonos y modificar el color. Para esto puedes usar un medium de aceite de linaza.
  4. Pintura con velados: Puedes emplear más de un velado transparente sobre una pintura dejando secar entre uno y otro. Puedes utilizar aceite de linaza polimerizado, 6 partes de trementina con 1 parte de aceite.

La regla de “flexible sobre menos flexible”.

Después de estas4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer, debes saber que una vez que la pintura está seca al tacto, es posible pintar una o más capas por encima. Las capas pueden ser escasas o finas, pero si se emplea un medio de aceite cada capa debería contener más aceite que la inferior.

Las capas inferiores tardan años en secarse por completo y se encojen un poco durante el proceso. Por ello, lo más inteligente es asegurarnos de que la pintura que está encima se seque más despacio que la inferior, para que pueda moverse con ella. De lo contrario, la capa superior podría resquebrajarse. Empieza con 6 partes de trementina por 1 de aceite y termina con no menos de 2 partes de trementina por 1 de aceite.

Suele haber confusión sobre como aplicar esta regla a un medio de resina alquídica de aceite modificado como Liquin. A diferencia de los medios de aceite, la resina alquídica acelera el secado en lugar de ralentizarlo. También se dice que esta sustancia se vuelve más quebradiza que el aceite de linaza. Por ello, en lugar de añadir más Liquin u oleopasto a medida que avanza la pintura, lo mejor es asegurarse de que todas las capas (incluidas las de pintura espesa) contengan más o menos la misma cantidad de medio alquídico.

Del mismo modo, pintar por encima con pintura al óleo espesa con un medio de resina de damar o de cera puede producir agrietamiento, por lo que  si se usan estos medios, es mejor mantenerlos en todo el trabajo, preferiblemente en pinturas húmedo sobre húmedo de una capa, en la que la composición es más estable.

Hasta aquí estas 4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

 

5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 cosas que debes tener en cuenta para dibujar del natural. Dibujar del natural es dibujar copiando directamente el modelo, que puede ser una persona, un objeto o el paisaje.

Por ejemplo, el pintor académico o el realista observa modelos, y realiza por lo tanto dibujos del natural, los que son la guía para la pintura que aplica después; mientras que los artistas del arte naïf o el futurismo, no copian nada del exterior, pues se remiten a las imágenes que pueblan su mente, buscando más que la perfección, la expresión.

deGranero 5 cosas para dibujar del natural que debes conocer

 

5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

Dispón hasta tres objetos simples sobre una hoja de papel y prueba las siguientes tres formas de mirara y dibujar. A los más noveles, les resultará más fácil si eligen objetos redondos o amorfos y no cuadrados, botellas o piedras mejor que cajas, para no tener que pensar demasiado en la perspectiva lineal en este momento.

  1. Dibujo de línea continua: Realiza un dibujo lineal sin retirar el lápiz del papel. Observa cuidadosamente los objetos, no el papel, y hazlo a tu manera. Deja que los ojos guíen la mano y dibuja lentamente lo que veas. Artistas como Matisse solían trabajar de esta manera para abstraerse de lo que veían; como ellos, tu obtendrás un dibujo simplificado, que quizá también resulte tremendamente inexacto. Debes perseverar, ésta es una excelente forma de mejorar tu observación.
  2. Cuadrícula: Puedes dibujar líneas adicionales como guía para observar distancias, ángulos y tamaños relativos. Traza horizontales y verticales para comparar la parte superior, la base y los lados de los objetos y úsalas para ver la altura de uno de los objetos en relación con otros. Dibuja líneas entre los objetos para apreciar bien la distancia entre ellos.
  3. Espacios vacíos: Son las formas negativas o espacios en blanco entre y alrededor de los objetos. Entrecierra los ojos para reducir los detalles, es decir mira desenfocado, y busca y dibuja los espacios vacíos, tratando el modelo como una serie de motivos interconectados. Esto te ayudará a relacionar los objetos entre sí y a dibujar contornos difíciles con mayor facilidad. Ésta es una manera de trabajar muy intuitiva.
  4. Compara medidas: Después de abocetar los objetos, toma medidas aproximadas con el pulgar apoyado en el lápiz. Compara la anchura y la altura y los tamaños relativos de los objetos. Por ejemplo, la botella es más o menos tres veces más alta que ancha o el tronco del árbol, es un tercio de ancha que la ventana de la casa de detrás…
  5. Mide: Sostén el lápiz sobre el bodegón real para encontrar conexiones y ver la alineación de objetos. Esto te será útil para hacer la cuadrícula. Las comparaciones debes hacerlas con el brazo extendido para que todas las medidas las tomes desde la misma distancia y, por lo tanto, sean consistentes.

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2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

En este artículo te explicamos 2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer. Los artistas trabajan de diferentes maneras para generar ideas y, con la práctica, encuentran el sistema más adecuado para ellos. Prueba varios enfoques para encontrar lo que sea eficaz para ti. Para comenzar, puede ser útil hacer las siguientes distinciones:

  • Con la imagen primero, la idea después, empezamos por la imagen y buscamos la idea a través de ella.
  • Con la idea primero, la imagen después, empezamos con la idea y buscamos imágenes para mostrarla.

El artista David Shrigley describe el segundo enfoque: “Otro método es escribir una lista de cosas antes de empezar: un árbol, un elefante, un camión, una orgía, etc. De este modo cada dibujotiene un punto de partida. Creo que el punto de partida es importante para un artista. Una vez que has empezado, la batalla está medio ganada”.

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“Joseph´s Dream”. Acrílico en papel sobre lienzo. Paula Rego

 

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“Yoy Brother”. Lápiz en papel. David Shrigley.

2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

1.La imagen primero, la idea después.

  • Haz collages. Recicla dibujos, pinturas o fotos, recórtalos y móntalos formando nuevas figuras. Inventa escenarios usando imágenes en collage, dibuja o pinta los tuyos propios , o utiliza fondos planos.
  • Fotogramas de cine. Dibuja o pinta a partir de una imagen pausada en la pantalla, destacando o exagerando los aspectos que te parezcan importantes.
  • Dibuja, pinta, fotografía del natural. Mira a tu alredeor. La vida supera la ficción y siempre nos ofrece temas sobre los que trabajar.
  • Dibuja de memoria, de la imaginación, de los sueños. No te preocupes por la precisión ni por el realismo, simplemente pon tus ideas en el papel. Observa pinturas antiguas y figuras en museos de distintas culturas y épocas y úsalas como base para tus ideas.

2.La idea primero, la imagen después.

  • Brainstorming: juego de azar. Escribe siete títulos: nombres, adjetivos, adverbios, entorno, clima, gente y emociones. Escribe diez palabras debajo da cada título. Elije una palabra al azar de cada categoría, por ejemplo, mar, lluvia, tren, verde, rápido, anciano, feliz. Haz un dibujo o pintura a partir de esta lista.
  • Brainstorming: identificación de temas. Haz una lista de palabras y elije unas cuantas de entre ellas. Haz dibujos a partir de las palabras o busca imágenes relacionadas para hacer un collage. También puedes hacer versiones dibujadas o pintadas de tus collages.
  • Narraciones: Dibuja a partir de un momento de una historia. redibuja muchas veces con distintas composiciones y diversos tamaños de las figuras.
  • Sal y toma fotos sobre un tema predefinido, que puede ser visual, como “mujer pelirroja” o abstracto, como “soledad”.
  • Junta los títulos de poemas o pies de fotos de los periódicos con imágenes con las que éstos no tengan relación aparente y busca nuevas conexiones.
  • Mira películas o lee libros, y toma notas. Identifica temas e investígalos trabajando en todos los medios.

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3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer.

Alguien podría suponer que la abstracción consiste en copiar formas observadas y colocarlas en un nuevo contexto; esto podría ser un punto de partida, pero lo más habitual es que la relación de la abstracción con la observación sea menos directa.

deGranero  abstracción

Las piezas musicales no suelen sonar como una cosa concreta, sino que existen por sí mismas, y la abstracción visual aspira evocar una experiencia equivalente. Por ejemplo, una sensación de equilibrio o desequilibrio, movimiento, peso, espacio, excitación o repulsión, que se consigue por el contraste y las capas de colores o materiales, la colocación y tamaño de las formas, el grosor de la pintura o la dirección de las pinceladas.

Para comenzar, necesitamos una idea o sentimiento o, mejor dicho, un impulso, que puede proceder de cualquier lugar: algo visto u oído, leído, sentido o soñado. La observación es invocada y empleada sin referencias a su fuente original. Los artistas explican que se empieza por poner un lavado de color o hacer una marca y, después, se responde a este primer elemento. Es parecido a un impulso, ¿demasiado estático o demasiado pesado? El trabajo avanza a partir de lo que ha surgido antes, de las pinceladas recién hechas o quizá a partir de un trabajo previo escaneado, impreso, recortado, montado de nuevo y pintado.

A veces los artistas se imponen reglas como por ejemplo, realizar una serie de acciones repetidas. El proceso puede compararse a realizar movimientos en un juego, añadiendo, ocultando o deshaciendo las decisiones previas. Concédete permiso para jugar. Con la práctica, adquirirás una sensibilidad reforzada hacia los  movimientos correctos.

3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer.

  1. Escribe una lista de palabras abstractas que no describan objetos concretos (para evitar hacer ilustraciones) y elije tres o cuatro de ellas. En hojas de papel separadas, dibuja grupos de marcas o pinta colores en respuesta a cada palabra. Reúne las hojas, tal vez cortando formas de cada una de ellas y montándolas. Repite las marcas o colores en otras hojas. Cambia el tamaño de las marcas o formas.
  2. Dibuja una línea que atraviese una hoja de papel. Imponte una regla como por ejemplo, agitar un dado para decidir cuántas veces debe la línea cruzarse sobre sí misma en su recorrido de izquierda a derecha . Añade tono, textura o color en las áreas separadas creadas por línea. También puedes dejar que el dado decida sus decisiones en cuanto a colores o tonos y su ubicación. Busca equilibrio y contraste.
  3. Experimenta con materiales mixtos para descubrir posibilidades de abstracción determinadas por éstos.

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Hasta aquí nuestras 3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Nos encantará recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer. El trabajo imaginativo requiere que nos deshagamos de ideas preconcebidas y nos adentremos en lo desconocido. Para usar la imaginación y buscar una respuesta emocional es útil sentir que podemos asumir riesgos y que no tenemos por qué ser racionales. Mientras trabajas, mantén la conexión con tus sentimientos o ideas; si te distraes, es posible que tu trabajo pierda profundidad o resulte encorsetado por la técnica.

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“The New Baby”. Carboncillo sobre papel. Eileen Cooper, ROYAS ACADEMY.

Ciertos artistas usan la emoción como fuerza motriz de la obra de arte y abandonan el realismo en favor de la expresividad. En su imaginería onírica, Eileen Cooper crea escenarios imaginarios como telón de fondo para contar historias de momentos mágicos en las relaciones y en la vida familiar. En “The New Baby”, la cabeza de la madre es inmensa y aparece encuadrada en primer plano; en contraste, el bebé es diminuto y se sienta en la palma de la mano de la madre. De este modo, la artista logra expresar asombro y fragilidad. Al poner la idea o el sentimiento al frente de nuestra intención nos damos permiso para suspender la verdad física.

10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer:

  1. Dibuja a ciegas: dibuja o pinta un personaje del natural, de memoria o con la imaginación sin mirar al papel. Obtendrás distorsiones expresivas que después podrás desarrollar.
  2. Intenta sentir la emoción del tema en tu propio cuerpo, permite que las marcas, formas, colores y elección de materiales lo reflejen así: por ejemplo, marcas fuertes y decididas para indicar fuerza o toques ligeros y delicados para expresar timidez.
  3. Distorsiona la figura a tenor de lo que te parezca importante. Por ejemplo, una cabeza pequeña y un cuerpo grande denotan monumentalidad, mientras que una cabeza grande y un cuerpo pequeño indican vulnerabilidad.
  4. Dibuja, pinta, haz collages escuchando música para conectar con sentimientos e ideas.
  5. Use papel de colores o con motivos, o papel pintado, para tener un punto de partida ambiental.
  6. Experimenta con el ordenador. Escanea imágenes y manipúlalas  digitalmemte para crear efectos expresivos. Usa las nuevas imágenes como base de un trabajo.
  7. Dibújate o dibuja a otra persona en un papel. Relájate, cierra los ojos e identifica sensaciones y emociones como calidez o tensión y dales textura, forma y color. Después de entre 5 y 10 minutos, pinta lo que hayas experimentado.
  8. Autorretrato psicológico: pinta con lo que sientas, no lo que veas. A veces es más fácil dibujar o pintar nuestros sentimientos  hacia alguien cuando esa persona no está presente.
  9. Pinta lo que te sugiera un poema: responde a la emoción a las imágenes y a la atmósfera. Deja que surjan respuestas aparentemente ilógicas. Suspende el juicio crítico.
  10. Pinta un recuerdo de la infancia: Intenta recordar todos los detalles: atmósfera, luz, imágenes, sonidos y olores. Los detalles cuentan historias. Intenta pintar con la confianza de un  niño.

Hasta aquí estas 10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer.

El temple de huevo se acumula en capas finas y translúcidas. La pintura se seca rápidamente por lo que es posible añadir capas cada 15 minutos. A diferencia de la acuarela, cuantas más capas se añaden más oscuro y luminoso se vuelve el color. Las obras pintadas con temple de huevo deben protegerse tras un cristal  cuando están recién terminadas, ya que la superficie se raya fácilmente , peor con el tiempo (50 años aproximadamente) se va endureciendo poco a poco.

deGranero 3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer.

3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer:

1.Preparación del huevo para usarlo como aglutinante:

  1. Casca un huevo y vierta la clara en un recipiente.
  2. Pon la yema en la palma de la mano y lávalo con cuidado debajo del grifo. Pasa la yema de palma a palma hasta que esté lo bastante seco para cogerlo por la piel.
  3. Toma la yema por la piel con una mano y sostenla encima de un recipiente. Con la otra mano pellizca la yema para romper el saco.
  4. Vierte la yema en el contenedor, quedándote con la piel.
  5. Añade media cáscara de huevo de agua, preferiblemente destilada (el agua del grifo contiene productos químicos que pueden reaccionar con el pigmento).
  6. Mezcla con un pincel. La mezcla debe tener la consistencia de una crema ligera.

2.Pintura con temple de huevo:

  1. Con un pincel mezcla un poco de preparación de huevo y agua con el pigmento hasta formar la pintura.
  2. Pinta finamente con un pincel seco en cartulina, papel grueso o un tablero con una base de gesso o una buena imprimación.
  3. La pintura debe aplicarse en finas capas con un movimiento intermitente, como si se sombreara con un pincel. Esparce la pintura a medida que trabajas. Se seca rápidamente y puede apilarse en capas después de entre 5 y 20 minutos, según la absorbencia de la base. Si la pintura no está lo bastante seca, o si la mezcla de huevo es demasiado fuerte o demasiado débil, las capas se desprenderán.

3.Emulsión de yema de huevo y aceite de linaza:

Esta fórmula produce un temple de huevo que tiene algunas cualidades de la pintura al óleo y que una vez seca muestra un brillo satinado. Puede hacerse una mezcla menos grasa añadiendo menos aceite y agua.

  1. Pon la yema en un recipiente con tapa hermética. Añade una cucharadita rasante de aceite de linaza, gota a gota y remueve después de cada adición.
  2. También gota a gota y removiendo después da cada adición. agrega a la mezcla una cucharadita rasante de agua destilada.
  3. Agita los ingredientes como si prepararas el aliño de una ensalada. La mezcla emulsionará.

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Proyecto de creación plástica y visual: VERDE.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica en torno al color VERDE. Podemos pensar en cualquier cosa que tenga que ver con cualquier variante o tono de este color secundario, podemos pensar también en la ausencia de este color, e incluso en su caligrafía, es decir en como se escribe. Tendrá cabida cualquier obra que deje claro al espectador que este color es el protagonista…

deGranero VERDE

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas, fotos coloreadas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo. El soporte también podrá ser intervenido por el alumno a su antojo, podrá trabajar sobre él directamente, entelarlo, empapelarlo, pegar cualquier textura…

Para participar en este proyecto titulado VERDE, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia o nos traslade directamente a una imagen con gran cantidad de verde,  y que te parezca que no deberían faltar en una exposición sobre este color. Mide tus fuerzas y piensa en de qué manera puedes representarlo. No debes quedarte en “lo facilón”, se original, no tenemos intención alguna de que este proyecto se llene de bosques…

Se establecen los siguientes plazos:

  • Semana del 15 de Octubre, presenación del proyecto en los distintos grupos.
  • Semana del 5 de Noviembre, comienzo de la ejecución de la obra en si.
  • Semana del 28 de Enero de 2019, fin de la obra.

Con todas las obras participantes tendrá lugar la exposición “Verde que te quiero VERDE” durante la segunda quincena de febrero en una sala aún por determinar de Madrid (estamos en plena negociación).

Con la finalidad de que empieces a pensar… te dejamos aquí algunas imágenes en las que el verde es el protagonista…