12 puntos sobre técnicas secas y húmedas de acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 12 puntos sobre técnicas secas y húmedas con acuarela que debes conocer. Nunca viene mal refrescar conceptos para así mejorar nuestra práctica con esta técnica que requiere paciencia y muchas pruebas para llegar a un correcto aprendizaje.

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Goteado.

12 puntos sobre técnicas secas y húmedas de acuarela que debes conocer.

  1. Fabrica tu propia máscara líquida: El líquido de enmascarar es un adhesivo flexible de látex aplicado a un lienzo o papel antes de la pintura de acuarela. Una vez que la pintura esté seca, el líquido de enmascarar se puede quitar con ayuda de una goma de borrar blanda o simplemente con los dedos, saliendo así el blanco que ha quedado debajo del propio papel. Aunque este líquido lo comercializan diferentes marcas, es posible que el propio artista prepare su fórmula a base de cualquier adhesivo de látex. El cemento de caucho también funciona bien como líquido de enmascarar sobre todo en un lienzo.
  2. Medio enmascarador transparente: Se utiliza para cubrir determinadas áreas del papel haciéndolas resistentes al agua. Este medio puede mezclarse también con acuarelas y es perfecto para aislar áreas de mucho detalle. Las zonas que se hayan tratado con el enmascarador deben dejarse secar antes de pintar encima. Podemos utilizar un secador de pelo para acelerar el secado de ser necesario. Una vez secas estas zonas quedan protegidas y las capas subsiguientes no podrán penetrar en el papel.
  3. Cómo utilizar el enmascarador permanente: Puede aplicarse de forma directa sobre papel blanco, sobre capas secas en el papel o mezclando primero con acuarelas. Todas las capas de acuarelas mezcladas con el medio enmascarador permanente persisten inacabadas y manejables mientras la capa esté aún mojada. Una vez seca, el área se convertirá en un área aislada.
  4. Pintar con la técnica sobre húmedo: En este caso se parte de un papel mojado. La técnica consiste en humedecer el papel sobre el que se va a pintar y, a continuación, pintar con el pincel bien cargado de color. Si se requiere conseguir por ejemplo un efecto en degradé, se deben dar pinceladas, horizontales, suaves, inclinando el papel para que corra el color y se pueda obtener así el degradado. También es posible conseguir un color totalmente plano, sin ningún degradado, simplemente dejando el papel totalmente plano y cargando el pincel en cada pasada con la misma cantidad de tinta o color. A estas capas de pintura se les denomina aguadas, baños o capas de lavado. Después y una vez seca la primera capa, se pueden superponer distintos baños. Hay que tener especial cuidado con el secado de las acuarelas ya que si los baños anteriores no se han secado correctamente es muy usual que se mezclan los colores, produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados.
  5. Pintar con la técnica húmedo sobre húmedo: Por lo general de las técnicas secas y húmedas de acuarela a esta se le suela llamar la técnica del “papel mojado”.Esto se debe a que para lograr los efectos deseados es preciso humedecer mucho el papel con el pincel y diluir bastante los colores en el agua, La técnica en sí misma consiste en aplicar un color sobre otro cuando el primero aún se encuentra húmedo. Ene este caso los colores se fundirán y se dispersarán en la dirección del trazo que se haya efectuado con la ayuda del agua. Con este recurso es posible dejar fluir la soltura del gesto o conducirlo y guiarlo. Se puede llevar a cabo esta técnica con el pincel, con un gotero, a través de salpicaduras, etc. Esta técnica es perfecta para suavizar la transición de colores diferente.
  6. Pintar con la técnica del goteado: Consiste en aprovechar el momento en el que la tinta está aún húmeda para depositar sobre ella una o varias gotas de un pincel bien cargado. Puede estar cargado con agua pura, con la misma tinta sólo que aplicada en intensidad diferente o con otro color de manera tal que la gota se funda casualmente aunque siempre guiándola inclinando el papel hacia uno u otro lado teniendo en cuenta el grado de humedad que en ese momento tenga.
  7. Buen manejo de la técnica del goteado: No se conseguirán los mismos resultados si el papel está muy cargado de humedad y el pincel con el que se “gotea” deposita poca cantidad de pigmento que, si por el contrario, el papel tiene poca humedad y el pincel lleva una carga considerable, Mientras que en el primer caso se diluirá con el color de fondo, en el segundo se mezclará con él pero conservando unos bordes radiantes bien definidos.
  8. Mezcla de colores en la técnica del goteado: Un color mezclado con otro por medio de la técnica del goteado y siempre que no se les toque después determina una composición desintegrad y desigual. Es un buen recurso para cielos, follajes, carnes o la resolución de nubes.
  9. El resultado de la técnica del goteado: El color goteado puede modificar cualquier baño y dar calidades más ricas y excelentes efectos de textura. Si se quiere aplicar el goteado sobre un baño ya seco, es necesario humedecer con agua limpia que sea capaz de ablandar el color aplicado previamente. Cuando el color esté lo suficientemente blando, sin que el papel se halle excesivamente saturado de humedad, es el momento de aplicar las gotas de color.
  10. Transición entre colores: Si lo que se busca es pasar de un color a otro de forma gradual, sin que exista una divisoria clara entre los mismos se debe recurrir a esta técnica. Así, después de haber depositado el primer color en el papel con una cantidad de humedad suficiente, se deberá extender el segundo color inclinando unos quince grados el tablero. De esta manera se irán mezclando los colores. Una vez obtenida la mezcla en la zona escogida se debe volver a situar el tablero de forma horizontal y continuar depositando el segundo color. Por este método se obtienen una bellas fusiones que resultan muy útiles y de gran efecto.
  11. Pintar con la técnica seco sobre húmedo: En este caso se trata de una base húmeda a la cual se le agrega un color en seco. El tono seco se fundirá pero no completamente.
  12. Pintar con la técnica húmedo sobre seco: La acuarela húmeda se aplica sobre una superficie seca. Una vez aplicada, la pintura se mantiene en su sitio sin correrse y los contornos secos resultan ser bien nítidos. De hecho sólo se fundirá si se insiste con agua sobre sus límites. Se puede mantener control sobre la pintura. En la acuarela húmeda sobre seco se trata de aplicar al papel diferentes baños tenues superponiendo un color sobre otro siempre y cuando esté seca la capa inferior. De esta manera se pueden agregar colores mucho más intensos con el pincel seco.
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Húmedo sobre húmedo.

Hasta aquí estos 12 puntos sobre técnicas secas y húmedas de acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

13 puntos sobre el contraste que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 13 puntos sobre el contraste que debes conocer. La luz puede ser representada en pintura en sus muy diversos grados de intensidad. Cuando la luz tiene un grado intenso y brillante, cercano al color blanco, es una luminosidad fuerte. Entonces es cuando existe contraste en la pintura debido a la diferencia de luminosidad entre los elementos.

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Círculo cromático.

13 puntos sobre el contraste que debes conocer.

  1. Círculo cromático: Se denomina círculo cromático a la representación gráfica sobre un círculo con los seis colores reflejados en la descomposición de la luz visible del espectro solar, según el siguiente orden: magenta, rojo, amarillo, verde, azul cian y violeta. Por lo tanto, en principio se encontrarán tres colores primarios: magenta, amarillo y azul cian y tres secundarios: rojo, verde y violeta.Estos colores se complementan con otros seis resultantes de las mezclas de los primarios con los secundarios más próximos, con lo que el círculo cromático quedaría compuesto por doce colores, tres primarios, tres secundarios y seis terciarios.
  2. Colores primarios: Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Son el amarillo, el azul cian y el magenta. A la hora de pintar podríamos emplear como primarios un amarillo cadmio medio, el azul celeste y el magenta o el carmín de garanza.
  3. Colores secundarios: Se trata de los colores que se obtienen mezclando dos colores primarios al 50%. De esta manera obtendremos verde, violeta y naranja.
  4. Colores terciarios: Se denominan colores terciarios o intermedios a los que se obtienen de la mezcla de un primario y un secundario. Realmente no son más que matices de un color. Los colores terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario y de un secundario. Amarillo verdoso, azul verdoso, azul violáceo, rojo violáceo, rojo anaranjado y amarillo anaranjado. Los colores terciarios son muy abundantes en la naturaleza y por tanto muy usados en pintura, ya que por ellos brillan los colores más exaltados y cobran vida los colores de intensidad media.
  5. Colores cuaternarios: Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario más amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario más azul terciario da un verde muy neutro y rojo y azul terciario da un violeta neutro.
  6. Interacciones del color: Armonía. La armonía significa coordinar los diferentes valores que l color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores poseen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero en su mezcla mantienen parte de los mismo pigmentos de los restantes.
  7. Contraste de tono: Cuando se emplean diversos tonos cromáticos.
  8. Contraste de claro/oscuro: El punto extremo e este tipo de contraste está representado por blanco y negro.
  9. Contraste de saturación: Se genera por la modulación de un tono puro saturado con blanco, con negro o con gris, o con un color complementario.
  10. Contraste de cantidad: Contraposición de lo grande y lo pequeño, de tal modo que ningún color tenga preponderancia sobre otro.
  11. Contraste simultáneo: Se produce por la influencia que cada tono ejerce sobre los demás al yuxtaponerse a ellos en una composición gráfica.
  12. Contraste entre complementarios: Si se quiere lograr algo más armónico conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o con negro. EL tono puro debe ocupar una superficie muy limitada, pues la extensión de un color en una composición debe ser inversamente proporcional a su intensidad.
  13. Contraste entre tonos cálidos y fríos: Se trata de un contraste donde unos tonos pertenezcan al grupo de los cálidos y otros al de los fríos.

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16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer. La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semitransparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

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16 puntos básicos sobre la acuarela que debes conocer.

  1. Acuarela cremosa: Se presentan en pomos. A diferencia de las pastillas, este estado pastoso se obtiene debido a que posee una cantidad mayor de humectantes, lo cual hace que la pintura se seque con menos rapidez. Los pomos se pueden comprar sueltos o en cajas surtidas. La principal ventaja que ofrece esta clase de presentación es que permite mezclar colores sin ensuciar una con otro.
  2. Acuarela seca: Este tipo de acuarela se presenta en el mercado en pastillas, también llamadas godets. Es una masa sólida que precisa ser humedecida para deprender color. Se puede conseguir, por lo general, dispuestas en caja-paleta con colores surtidos o en pastillas individuales por color.
  3. Acuarela líquida: Se presentan en frasco. Este tipo de acuarela está indicada sobre todo para técnicas de pintura con colores planos. De hecho este tipo de presentación de la acuarela se utilizan más para trabajos de grafismo e ilustración que en la pintura artística. Ofrecen colores transparentes y de un brillo y luminosidad excepcional. Además no tienen pigmentos, y se mezclan inmediatamente entre sí. Se diluyen con agua y no se depositan. Entre otras cosas, la acuarela líquida es el producto perfecto para el aerógrafo, ya que es completamente soluble al agua, y no contiene aditivos que puedan obstruir la válvula del instrumento.
  4. El papel: La historia de la acuarela se encuentra íntimamente vinculada a la historia del papel convirtiéndose en un importante elemento que acompañó y documentó el desarrollo de gran cantidad de sociedades y culturas del mundo.
  5. Distintos tipos de papel de acuarela: El mercado actual ofrece una gran variedad de marcas y calidades para pintar con acuarela. Se clasifica de acuerdo con su peso o espesor.
  6. Diferenciar los gramajes del papel: Existen diferentes gramajes que van desde los 185 gr/m2 hasta los 850 gr/m2 y algún otro de características especiales como por ejemplo el denominado “torchón” que no presenta un grano definido sino unas ondulaciones más amplias y menos profundas.
  7. Utilidad del papel de acuarela: La mayor parte de los papeles de acuarela se pueden emplear por las dos caras, teniendo en cuenta que una será más granulada que la otra. Existen papeles prensados en caliente y en frío.
  8. Papeles prensados en caliente: Los papeles prensados en caliente tienen como resultado superficies satinadas y suaves que al usar las acuarelas no absorben bien las agudas, dejando una impresión opaca y sucia.
  9. Papeles prensados en frío: Los papeles prensados en frío dan una superficie con una buena textura para la absorción y el flujo del agua, dando como resultado unos bordes y contornos muy bien definidos.
  10. Texturas del papel de acuarela: El grano o textura del papel es un factor determinante en la técnica y el efecto pictórico. Las irregularidades del grano dotan de profundidad al tono y color de la acuarela. Los granos más usados son el medio y el fino. Algunos acuarelista más experimentados, prefieren el papel de grano grueso, sobre todo a la hora de pintar temas florales.
  11. Preparación del papel: Habitualmente el papel tiene un gramaje inferior a 300 gramos, comienza a ondularse al momento de tomar contacto con el agua. Por eso debemos colocar el papel humedecido previamente sobre un tablero y adherirlo a éste mediante cinta engomada para que las fibras tensen.
  12. El bloc: Otra opción es utilizar un bloc encolado por los cuatro lados. En este tipo de bloc, se pinta directamente sobre el papel y una vez seca la hoja, se separa del resto introduciendo una espátula plana en la pequeña abertura de uno de los lados.
  13. Pincel: La pincelería es el número 13 de estos puntos básicos sobre la acuarela que te presentamos en este artículo. El pincel es la herramienta más utilizada por la mayoría de los pintores que se dedican a esta técnica. Existe una enorme variedad de pinceles. Es importante mencionar que para los trabajos en acuarela es posible resolver las pinturas con dos o tres pinceles. Los puristas dicen que con un solo pincel es suficiente. Eso es cierto cuando uno tienen un buen nivel en la práctica, sólo en ese momento será posible utilizar un único pincel tanto para hacer retoques precisos como para rellenar y dar capas de fondo.
  14. Pinceles de pelo natural: Se trata de los pinceles más suaves que ofrece el mercado. Están hechos de pelo natural de diferentes animales siendo la marta, el de mejor calidad. El pelo de marta se utiliza mayormente para hacer pinceles para acuarela debido a que su fibra es suave y tiene la propiedad de almacenar mayor cantidad de agua y de color que un pincel sintético.
  15. Pinceles sintéticos: Están hechos de filamentos de nylon o poliéster. Una buena característica es que se los puede modificar de muchas maneras para conseguir pinceles más suaves, porosos o duros. Estos pinceles son alternativas económicas a los de pelaje natural, tienen una absorbencia media sin llegar a la de Marta Kolinsky o de ardilla. Asimismo liberan el pigmento de manera menos gradual, su sensación es firme y pueden puntear bien. Son una alternativa aceptable, aunque aún no se produce un filamento sintético que pueda igualar todas las propiedades de los mejores pelos naturales.
  16. Qué pinceles elegir: Para comenzar necesitarás dos o tres tipos de pincel. Lo mejor es contar con un pincel para dar lavados de pigmento a largas áreas de papel, con otro para áreas medias y por último con uno más para detalles. Deben ser blando. Un truco para saber si un pincel es absorbente o no es humedecerlo y pasarlo por la uña del pulgar En ese proceso el haz de pelo no debe gotear sino deslizarse y volver a su forma original.
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10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer. Como sabes las técnicas que empleamos para trabajar con acuarela pueden ser sobre húmedo pero también sobre seco. Aquí te desvelamos 10 recursos para trabajar con acuarela que estamos seguros de que te van a ayudar.

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10 recursos para trabajar con acuarela que debes conocer.

  1. El recurso de la mezcla en superficie: Habitualmente los colores se mezclan en la paleta, pero se pueden conseguir efectos más sutiles si los tonos se mezclan o se continua la mezcla de colores en la superficie del papel.
  2. El recurso de las pinceladas dirigidas: Se trata de utilizar las pinceladas como evocadoras de algo real. El follaje agitado por el viento se pude lograr con pinceladas largas que sigan una dirección determinada, aportando la noción de movimiento y dinamismo necesaria.
  3. El recurso de la reserva del papel en blanco: Se utiliza para conseguir efectos muy luminosos. Para hacerlo, lo mejor es utilizar el propio papel en blanco. Esto implica planificar la obra con anterioridad para saber que sitios han de estar secos, antes de realizar aplicaciones alrededor.
  4. El recurso del enmascarador: Se aplica sobre el papel seco y se deja secar por completo antes de aplicar la pintura por encima. Se utiliza para mantener el blanco del papel, de modo que se pueda pintar libremente sin destruir el blanco. El color del enmascarador ayuda a identificarlo para ser retirado con facilidad al finalizar. Las aplicaciones más comunes son: la elaboración de un cuadro por partes, la inclusión de toque de luz y el pintado en negativo. Como la máscara líquida es permanente al secarse, se recomienda utilizar un pincel viejo para la aplicación o recubrirlo de vaselina antes de mojarlo en la máscara.
  5. El recurso de la extracción de reflejos: Cuando hay que obtener pequeños reflejos suaves es más recomendable la extracción de pintura que dejar el papel en blanco o utilizar la máscara líquida. Para llevara a cabo este recurso se utiliza un pincel ligeramente humedecido al final del proceso.
  6. El recurso de la extracción de pintura: Su primera función fue corregir errores. Sin embargo hoy en día se utiliza para producir toques de luz, difuminar contornos, producir movimiento cuando se utiliza junto a un lavado. La clave para controlar esta técnica está en el papel y el color a extraer. Se puede utilizar una esponja, un pincel, un bastoncillo de algodón y la goma de enmascarar. Para realizar líneas rectas se puede utilizar un papel absorbente doblado en el grosor deseado.
  7. El recurso del pincel seco: Esta es una técnica de sumo detalle, se trata de utilizar muy poca agua en el pincel, aplicando el color con el pincel casi seco. Este método ofrece un nivel de control mayor por lo que se aconseja su utilización para texturas y detalles. Por otro lado se desaconseja para estructuras grandes como por ejemplo un cielo o un fondo.
  8. El recurso de las salpicaduras con un cepillo de dientes: Sumergir el cepillo dental en pintura. Raspar el dedo pulgar sobre las cerdas para obtener salpicaduras de color.
  9. El recurso de las salpicaduras con un rociador: Puede llevarse a cabo con pintura o con agua. En este caso se puede extraer color o poner color en el agua arrojada. La pintura seguirá la forma e la gota por la hoja.
  10. El recurso del estarcido: A través de este recurso será posible dar vida a texturas de gran efecto. Para plasmarlo hay que utilizar un cepillo de dientes o un pincel corto de pelo duro. El paso siguiente es cargar el cepillo o pincel de color bastante diluido y darle unos golpecitos bruscos consiguiendo así unas manchas aleatorias. Seguidamente se deberá cargar el pincel o cepillo con otro color y con menos agua se deberán rascar las cerdas de tal manera que se pueda manchar por encima da las primeras manchas, siendo las manchas nuevas más pequeñas. Se podrá utilizar este recurso tantas veces como convenga hasta obtener el resultado perseguido.

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22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 22 puntos sobre la aguada que debes conocer. Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. A continuación te damos todas las pautas necesarias para un buen manejo de esta técnica tan similar a la acuarela.

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22 puntos sobre la aguada que debes conocer.

  1. La aguada como definición: Tanto la acuarela como la aguada utilizan el color disuelto en agua, al que se añade un aglutinante (formado en su mayor parte por goma arábiga). Una de las mayores diferencias que se encuentran entre la aguada y la acuarela es que el color utilizado en la aguada es más pastoso y viscoso.
  2. El color blanco en la aguada: Otra diferencia es que el color blanco y la luz en la aguada no se obtienen por la transparencia del papel, sino a través del empleo de color blanco. Esta técnica permite la utilización de una amplia gama cromática a partir de un único color de base, el cual se trabaja a partir de fundidos.
  3. Aplicación de la aguada: Se aplica en general con pincel. La dificultad y tal vez la belleza de esta técnica consiste en saber diluir correctamente la tinta y plasmar sobre el dibujo las distintas franjas entre la luz directa y la sombra tonal.
  4. La práctica de la aguada: Tradicionalmente para realizar aguadas se utilizan colores de acuarela o, como variante, tinta china, aunque este producto puede resultar poco dúctil y producir saltos o manchas en el trabajo final. Se sugiere comenzar pintando desde lo más brillante hacia lo más oscuro, ya que las capas se acumulan unas encima de otras. Por otro lado, las aguadas suelen emplearse en el mismo papel que se usa para acuarela. Esto quiere decir que se tiene que usar un papel de grosor suficiente para no combarse.
  5. El encaje de las formas: Con esta técnica se parte de un fondo completamente transparente en el cual el trabajo de valoración se realiza siempre de menos a más, es decir siempre permitiendo que los tonos más claros vayan hacia los más oscuros. Esto se debe a que son los tonos claros los que admiten adiciones tonales y no al contrario. Por este motivo resulta vital dejar establecido desde el primer momento cuales van a ser las principales zonas de trabajo en el dibujo. Esta será la única forma de determinar con exactitud que tonalidades responden a cada zona.
  6. El modelo: El modelo que se utilizará en la obra se debe analizar desde un punto de vista completamente sintético, sin recaer en ningún tipo de valoración de los tonos. Para lograr esto, se sugiere utilizar un lápiz del mismo tono de la aguada que se va a plantear, encajando cada una de las formas de manera exacta.
  7. Cómo modificar el fondo en la aguada: La aguada parte siempre de tonalidades más claras, que se pueden ir oscureciendo a medida que se avanza el dibujo, pero no se puede realizar la tarea contraria, es decir, trabajar un tono claro sobre una base de color oscuro.
  8. La plumilla en esta técnica: El trabajo de la plumilla sobre la aguada se debe realizar cuando ésta se encuentra completamente seca. De otro modo la carga de la plumilla se expandiría por toda la zona humedecida.
  9. ¿Cómo hacer una aguada?: Al tener una amplia gama de tonos, el éxito dependerá de una evaluación y de una comparación meticulosa de los matices observados en el tema como así también en todo el dibujo. Por lo tanto, siempre conviene actuar prudentemente. Se aconseja aumentar la intensidad tonal de tal o cual parte sólo después de una detenida reflexión.
  10. ¿Cuales con os colores más apropiados para una aguada?: Todos los matices de pardo, nogal, bistre, índigo, caolín verde, tinta neutra, sanguina, negro de carbono, son apropiados para una aguada, así como la acuarela parda, los diferentes colores de gouache y la tierra de Siena. Se puede aplicar sin problemas en los dibujos a lápiz y a plumilla y con precaución sobre el pastel, la tiza y el carboncillo.
  11. La técnica: La aguada es una técnica acumulativa, se comienza por aplicar capas cálidas y transparentes, añadiendo capa sobre capa hasta obtener los tonos más oscuros, Es difícil rebajar la intensidad de un tono ya aplicado sobre el dibujo, por lo que el exceso de tinta habrá siempre que evitarlo. La aplicación de capas sucesivas, gradualmente más oscuras, pero siempre transparentes, produce ese efecto de sombras aterciopeladas. El procedimiento requiere mucha paciencia, ya que hay que esperar que una capa se seque antes de aplicar la siguiente.
  12. Cómo preparar el papel para una aguada: En el mercado se ofrecen centenares de papeles excelentes para trabajar esta técnica. Los más recomendables son los de acuarela. Sin embargo es aconsejable experimentar con todo tipo de papeles. Sólo así se podrán descubrir las opciones más adecuadas para cada caso.
  13. Aguada uniforme sobre papel húmedo: El primer paso es humedecer el papel de acuarela. Después iremos añadiendo pinceladas de color diluido en agua. Como el papel está mojado se repartirá el agua de forma sencilla.
  14. Aguada mojado sobre mojado: Para crear aguadas se debe antes de comenzar a hacer las franjas de color, humedecer el papel un poco con la brocha.
  15. Aguada mojado sobre seco: Se realizan cuando la pintura ya está seca y se vuelve a humedecer con el pincel o se aplica más pintura. Esta técnica es útil para suavizar un perfil ya seco. Así se puede mojar el pincel en agua limpia y pintar sobre la zona. Se escurre el pincel y a continuación se recoge el agua, que se lleva el color antes seco.
  16. Cómo perfilar una aguada: Cuando hablamos de un perfilado, nos referimos a una marco natural formado por el propio papel alrededor de la aguada, es decir de la pintura en sí. Para lograrlo hay que pegar la cinta adhesiva sobre el área que se desea cubrir. Frotar con fuerza para que se pegue bien y evitar que la pintura se deslice por debajo.
  17. Aguada lisa: Para crear una aguada lisa hay que colocar agua limpia en un pocillo. Añadir el color hasta la intensidad deseada. Tener presente que la acuarela, cuando seca, pierde intensidad y se ve más desvaída que cuando está húmeda. Es recomendable preparar una buena cantidad de mezcla, para no quedarse sin color a ,mitad del trabajo. Aplicar con pinceladas a un lado y otro.
  18. Aguada degradada: Comenzamos con el color más saturado y vamos cargando el pincel cada vez con agua más limpia.
  19. Aguada variada: Mezclamos varios colores pasando con sutileza de uno a otro.
  20. Aguada con efecto esponja: Aplicamos la aguada cargando una esponja y la aplicamos sobre el papel.
  21. Aguada con efecto salpicadura: Podemos crear salpicaduras usando un cepillo de dientes o un pincel viejo y despuntado. Levantamos el exceso de color con un trapo limpio.
  22. Aguada con efecto sal: Aplicar sal sobre la aguada húmeda. Este elemento absorberá el agua, quedando un efecto jaspeado. Es imprescindible retirar la sal sólo cuando se encuentre bien seca.
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6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Los lápices de acuarela (o acuarelables) son como lápices de colores normales pero, al diluirlos con agua, permiten realizar un gran número de efectos pictóricos. En una obra pintada con acuarela, son perfectos para tratar los detalles: destellos y reflejos del agua, juegos de luces y sombras, follajes, etc. También se pueden utilizar solos para el trabajo al aire libre: croquis en vivo o ilustración de un cuaderno de viaje.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

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  1. Técnica del lápiz acuarelable: Este lápiz puede ser utilizado tanto en seco como en húmedo. Es decir, una vez realizada la ilustración con el lápiz de color, es posible dejar el lápiz en esta fase previa al humedecido, quedando un dibujo realizado en técnica seca o es posible realizar posteriormente el humedecido para acuarelar la obra.
  2. Cómo utilizar los lápices acuarelables: Lo habitual, cuando un artista desea pintar un dibujo, es que use lápices de color permanente. Esta es quizá la técnica más utilizada y habitual para realizar este trabajo, pero no es la única. De hecho una de las tantas alternativas es la que ofrece el lápiz acuarelable.
  3. La técnica del efecto acuarelable: Realizamos un dibujo, pintamos como se de un lápiz normal se tratara y después deslizamos el pincel mojado con agua logrando así un efecto acuarelable.
  4. La técnica del efecto directo: Si se desliza el pincel mojado con agua sobre la punta del lápiz de color acuarelable, se logra cargar el pelo del pincel con color, por lo que después es posible pintar directamente con el pincel sobre la superficie.
  5. La técnica del lijado: Tomar una lija de grano fino y frotarla sobre la punta del lápiz acuarelable. Este polvo, puede ser utilizado para ser espolvoreado en las zonas de la obra a las que desees dar color. Después con el pincel húmedo, se debe disolver este polvo.
  6. La técnica del lijado mixto: Se trata de repetir el procedimiento anterior, pero utilizando varios colores para conseguir una gama de mezclas amplia.

Hasta aquí estos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. La etimología de acuarela nos lleva a acquarella, un vocablo de la lengua italiana. Una acuarela es una pintura que se plasma sobre un cartón o un papel, cuyos colores se diluyen en agua. El concepto también permite referirse a los colores usados en este tipo de pinturas y a esta clase de técnica artística en general. Los historiadores creen que la acuarela surgió un siglo antes de Cristo en China, cuando comenzó a desarrollarse el papel. Los árabes, durante el siglo XII, llevaron la producción de papel de Asia a Europa y así, con el tiempo, la acuarela es instaló en el Viejo Continente. De este modo, entre los artistas europeos, la técnica de la acuarela sucedió al fresco. El alemán Alberto Durero y el italiano Raffaello Sanzio fueron algunos de los pioneros de la acuarela en dicha región.

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11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

  1. Medium para acuarela: Se trata de una mezcla de goma arábiga, ácido acético y agua. Se utiliza disuelto en el agua para pintar, unas gotas por medio litro es suficiente para eliminar restos de grasa, dar mayor intensidad, brillo y transparencia al color aumentando también la adherencia. En líneas generales se pude utilizar este accesorio para espesar la pintura. Para ello se debe mezclar directamente con ella.
  2. Hiel de buey: Esta sustancia es depurada y es capaz de variar la tensión superficial del agua consiguiendo, por ello, que la pintura se seque en un tiempo medio. Por esto, si se utiliza en invierno, la pintura tardará menos en secarse y en verano se prolongará el tiempo de secado. Se puede añadir al agua de uso o mezclar directamente con la pintura. También favorece la fluidez y la adherencia de la misma.
  3. Goma líquida: Se trata de una solución cremosa de látex natural y amoniaco. Se extiende sobre el papel y forma una película impermeable que lo protege de la pintura. De esta forma el artista puede reservar zonas del papel en blanco para sugerir brillos y destellos o bien los objetos que son de este color.La goma de reserva se desprende fácilmente del papel frotando suavemente con el dedo o con una goma de borrar. A pesar de esto se recomienda no dejar la goma líquida sobre el papel largos periodos de tiempo ya que puede adherirse demasiado y estropear el papel después al intentar despegarla. para aplicar esta sustancia se aconseja utilizar un pincel viejo dado que la goma puede dañar el pelo del pincel, también se puede usar pluma si la parte a reservar es una fina línea o un pequeño detalle.
  4. Barnices: Se utilizan para proteger los colores y darles un ligero brillo. Se pueden encontrar en estado líquido para ser aplicados con pincel o en aerosol. En el caso de aplicarse con pincel es imprescindible asegurarse de hacerlo cuando la acuarela esté totalmente seca para evitar el arrastre de la pintura lo cual puede ensuciar algún otro color en la obra. Si se abusa del uso de barnices puede generarse un empobrecimiento y enmascaramiento de los tonos. Esto último sucede sobre todo en los tonos suaves o pálidos en los que se puede llegar a generar una distorsión en el efecto principal.
  5. Sal: Este elemento se utiliza para conseguir efectos y texturas originales. Para lograrlo se debe añadir la sal por encima de las aguadas.
  6. Glicerina: Se utiliza vertiendo una pequeña cantidad en el recipiente del agua y sirve para retardar el secado. Se emplea sobre todo en los días de mucho viento o de mucho calor en verano. Es un elemento a tener en cuenta cuando se pinta con la técnica de la acuarela húmeda.
  7. Alcohol: Al contrario de la glicerina el alcohol se utiliza para acelerar el secado. Se usa con frecuencia en los días de mucho fío o humedad o ante cualquier otra circunstancia por la que se quiera acelerar el secado. Es vital utilizar siempre alcohol puro, de 96º.
  8. Botes de agua: Son utilizados para tener a mano el líquido que ayudará a disolver la pintura a la acuarela. Además se utiliza para limpiar los pinceles cada vez que se cambia de color. Es importante que la capacidad de los botes sean de al menos medio litro. Esto se debe a que en frascos menores se hace más denso el contenido de pintura y se ensucia más el agua.
  9. Pocillos: Se trata de pequeños recipientes donde se disuelve la pintura en agua para obtener un tono concreto que no debe variar durante su aplicación.
  10. Mezcladores: Son bandejas que contienen celdillas donde se deposita la pintura para su uso y preparación. Se los puede encontrar de muchos tipos y tamaños. Algunos le dan más protagonismo a la paleta y otras a las celdillas. El más frecuente es el que combina celdas redondas y rectangulares, ya que resulta muy útil para jugar con las densidades de la pintura. En las redondas es posible tener la pintura más aguada, mientras que en las rectangulares la pintura permanece más pastosa.
  11. Paletas: Es el instrumento que utiliza el artista para mezclar colores. Están hechas o recubiertas de materiales que repelen el agua. Además en ellas la pintura debe resbalar con facilidad. Pueden estar dotadas de un agujero donde se introduce el dedo pulgar para sostenerlas. Básicamente son de metal esmaltado, de cerámica o de plástico y de color blanco para evitar distorsionar los colores.
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Hasta aquí estas 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. El color en la acuarela es algo de gran importancia. Aprovechando bien los colores es posible pintar todo lo que queramos siendo la propia imaginación del artista lo que marque el único límite. Hoy en día en el mercado existen unos ciento veinte pigmentos distintos para la acuarela. Está claro que no tenemos por que adquirirlos todos. Mezclando unos tonos podremos obtener otros sin problema.

deGranero el color y la acuarela

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

  1. El color: El color en realidad no existe. Existe la luz, y el color es un resultado de ella. Sin embargo, nuestra vida está rodeada de colores siendo dichos más que usuales expresiones como cielo azul, nieve blanca o tomate rojo, aunque en realidad las percepciones de azul, blanco y rojo no son más que la captación y el procesamiento por parte del ojo humano de un determinado haz de luz. Por todo esto se sabe que los colores no existen, sino que en realidad se trata del fenómeno de reflexión de la luz.
  2. Variables del color: Existen cuatro variables básicas que tiene la capacidad de intervenir y modificar los colores. Ellas son el matiz, la luminosidad, el tono y la saturación.
  3. Matiz: Se refiere a cada una de las gradaciones que puede recibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás.
  4. Valor o luminosidad: Es una de las cualidades intrínsecas del color. Ella es la que indica el grado de claridad u oscuridad que posee. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor. Los colores se pueden alterar a través de la adición de colores más claros. Si se quiere oscurecer un color, será necesario agregar porciones del color complementario de manera que éste pueda quitarle luminosidad.
  5. Tono: Se trata de la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro. Esta variable tiene referencia de valor y matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece.
  6. Saturación: Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa.
  7. Simbología del color rojo: Es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.
  8. Simbología del color naranja: Representa la alegría, la juventud, el calor, el verano.
  9. Simbología del color amarillo:En muchas culturas, es el símbolo de la deidad y es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.
  10. Simbología del color verde: Simboliza la esperanza, la fecundidad, los vienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Representa la naturaleza.
  11. Simbología del color blanco: Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  12. Simbología del color púrpura: Representa el misterio.
  13. Simbología del color azul: Es el símbolo de la profundidad.
  14. Simbología del color negro: Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, el dolor, la desesperación, la formalidad y solemnidad, la tristeza, la melancolía, la infelicidad y desventura, el enfado y la irritabilidad. Asimismo puede representar lo que está escondido y velado. Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  15. Simbología del color gris: Iguala todas las cosas y no influye en otros colores.
  16. Paletas de color: No hay que confundir los términos paleta de pintor con paleta de color. El primero se refiere a un instrumento, es decir a la herramienta donde se depositan los colores para hacer la mezcla. Por su parte, se llama paleta de color al conjunto personalizado de colores que cada pintor utiliza con más frecuencia.
  17. Colores fríos: Los colores fríos son los de la gama azul-verde. Son una parte vital de la paleta. El azul marino francés es un sólido y básico azul. El azul cobalto es un pigmento más intenso. También es un poco más ligero. Un verde básico es el verde hierba o pasto. El verde hoja es un poco más suave. Una buena alternativa es intentar con el azul de Prusia o Ftalo, que tiene un tinte metálico o turquesa de colbalto para los que busquen un tono diferente. Agregar un violeta, como el malva, también es una excelente opción.
  18. Blanco y negro: El blanco en acuarela no existe ya que se trata de aprovechar la luminosidad y los blancos del propio papel. El negro directo de pastilla resulta un tanto industrial. Un buen negro puedes conseguirlo de la mezcla de tierra siena tostada con azul ultramar oscuro.
  19. Tonos tierra: Los colores tierra son útiles para desarrollar una gran cantidad de temas, no sólo los relacionados con los paisajes. Son ideales para mezclar y combinar. Pueden ser usados para las áreas menos brillantes de la pintura y ayudan a crear contrastes. El tono sombra tostada es un marrón oscuro. El tierra siena tiene un ligero tono chocolate. El ocre es más ligero y amarillento. El tierra natural es un marrón que se puede utilizar para oscurecer los tonos más claros.
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Hasta aquí estos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

Proyecto de creación artística: URBAN concept.

Este proyecto (URBAN concept) tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica y visual de conceptos relacionados con la urbe y más concretamente con el paisaje urbano.

El espacio urbano es el centro poblacional y el paisaje propio de las ciudades. La noción suele utilizarse como sinónimo de medio urbano o área urbana.

“Atardecer en Nueva York”, Ricardo Galán Urréjola, 90 x 100 cm. Óleo sobre lienzo.

De cara a su posible representación, no podemos pasar por alto otros rasgos diferenciadores de los llamados espacios urbanos o ciudades:
• Existe una masificación.
• Los habitantes de ellos están sometidos a un importante nivel de estrés pues se pasan el día de aquí para allá con prisas.
• Existe un marcado anonimato de los ciudadanos, precisamente por esa numerosa población que hay.
• Es igualmente importante el hecho de que en cualquier espacio urbano hay una gran multiculturalidad y diversidad que, entre otras cosas, permite la convivencia de variadas tribus urbanas y de personas procedentes de países de todo el mundo.
• Sus habitantes disfrutan de una gran inmensidad de propuestas de diversión y de ocio.
• En el aspecto más negativo, hay que resaltar el hecho de que existe un alto nivel de contaminación así como un elevado porcentaje de personas en situación de exclusión social. Todo ello sin olvidarse tampoco de los numerosos atascos que tienen lugar a diario o de la necesidad de hacer colas para disfrutar de servicios de diversa tipología.

“Rooftops in the snow”, Jeremmy Mann, 61 x 76 cm. Óleo sobre lienzo.

Después de estas breves pinceladas en torno al paisaje urbano, veamos qué debemos hacer

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y tendrá el precio habitual. Hará un máximo de seis obras que podrán tener un formato superior porque así la idea lo requiera, también se ejecutarán sobre tablero contrachapado con bastidor.

Para participar en este proyecto titulado URBAN concept, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

“City Scape”, 18 x 30 cm, acuarela y caseína sobre papel Arches.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia al paisaje urbano y que te parezca que no deberían faltar en esta exposición. Mide tus fuerzas y piensa de qué manera puedes representarlo.

¿Puedo pintar una farola? Por qué no… Puedes trabajar con elementos del mobiliario urbano, con rincones de la ciudad que te parezcan sugerentes, con elementos decorativos de la urbe como los grafitis, con la planta de la ciudad, con paisajes urbanos que te atraigan, incluso con suburbios o zonas deprimidas, cualquier cosa que lleve al espectador a pensar en un concepto urbano será bienvenida.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 14 de octubre: Esta semana se lanzará el proyecto a través del blog del taller. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada.
  • Semana del 21 y semana del 28 de octubre: Cada alumno expondrá al profesor de manera individual su propuesta y entre ambos le darán forma para que la ejecución sea lo mejor posible y la idea no se desvirtúe.
  • Del lunes 4 de noviembre al sábado 1 de febrero: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.
deGranero URBAN CONCEPT
“Estación de ferrocarril”, Ernest Descals, 25 x 25 cm., óleo sobre lienzo.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica se llevará a cabo una exposición titulada “URBAN concept” del 15 al 28 de Febrero de 2020 en el Centro Cultural Carril del Conde de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria. Estamos seguros de que juntos lograremos una magnífica muestra de nuestro Colectivo AZUL de deGranero como en ocasiones anteriores.

deGranero URBAN CONCEPT
URBAN LANDSCAPE , Valerie Hoffmann 34″X 44″ ACRYLIC/MIXED MEDIA/COLLAGE 2009

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Si te gusta pintar paisaje del natural, te recomendamos que leas nuestros 10 consejos para pintar paisaje del natural, ahí encontrarás una pautas muy útiles para desarrollar bien una obra basada en el paisaje.

deGranero pintar paisajes con acuarela

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

  1. El inicio del paisaje: Antes de comenzar a pintar el paisaje se recomienda probar colores en un soporte que no sea el cuadro. De esta manera se podrá tener una idea más acabada respecto a la forma final de los mismos.
  2. El paisaje tema recomendado: Los paisajes representan uno de los motivos más recomendados para quienes se inician en el mundo de la acuarela . Resultan muy aconsejables por su sencillez. Esto se debe, en gran medida, a que suelen contener formas poco específicas, que no requieren demasiada precisión.
  3. Inicio del boceto en los paisajes: Se aconseja partir desde la línea del horizonte, luego se deben bosquejar los elementos más grandes como las montañas, las rocas, los árboles y la vegetación. El siguiente paso es pintar el cielo. para ello se pude pintar de color azul oscuro la parte superior del plano del cuadro e ir degradando el color hasta llegar al azul más claro que debe ir acercándose al horizonte.
  4. El color en los paisajes: Si el paisaje tendrá una superposición de colores, siempre habrá que aplicar primero el más cálido. Y continuar con esta premisa de forma sucesiva.
  5. Las sombras en el paisaje: Si se desea oscurecer una parte del paisaje, no se debe aplicar negro. Lo que se debe hacer es añadir una tonalidad sombría dentro del círculo cromático de color a oscurecer. De este modo, se podrá equilibrar la luminosidad sin mayores inconvenientes.
  6. Los reflejos en el paisaje: Muchas veces los paisajes deben plasmar reflejos o transparencias. Esto ocurre por ejemplo cuando hay que pintar vidrios o algún espejo de agua. Para lograr un buen efecto de reflejo, nada mejor que recurrir a una gama de grises o blancos, sobre todo para indicar que allí se halla un elemento transparente.
  7. El agua en el paisaje: Si el paisaje tendrá un lago o espejo de agua que reflejará, habrá que tener en cuenta que el tono azulado deberá ejercer un efecto sobre las figuras que se hallan detrás. Así, por ejemplo, si hay algún elemento en el fondo de color amarillo, se deberá pasar a un tono verde suave.
  8. Las figuras en el paisaje: Al momento de realizar un paisaje, la percepción visual es uno de los puntos donde más cuidado se debe tener. Las figuras del fondo no tienen que mostrar matices fuertes o colores muy llamativos. Por mucho que se quieran resaltar elementos como las montañas, lo mejor será difuminarlas o degradarlas según corresponda.
  9. El punto focal en el paisaje:Todo paisaje debe contar con un centro de interés o punto focal. Si todos los objetos que componen un paisaje tienen la misma importancia, se crearán paisajes recargados y confusos. Para evitar que esto suceda hay que elegir un área determinada o elemento de la pintura que dominará el resto capturando la atención del espectador, y podrán encontrarse por ejemplo otros dos elementos secundarios que apoyen al primero.
  10. La composición del paisaje: Las reglas de composición ayudan a crear un paisaje armonioso. Esto se debe a que todo en la naturaleza obedece a ciertos patrones geométricos/matemáticos, de esta premisa han surgido las diferentes reglas de composición.
  11. Cómo aplicar la composición en el paisaje: Existen varias reglas de composición que han sido utilizadas desde la antigüedad: sección áurea (divina proporción o proporción áurea), espiral dorada, regla de los tercios, etc. Y se usan no sólo para la pintura sino también en la arquitectura y otras artes, pero para aplicarlas se requieren de algunas operaciones matemáticas, algunas muy sencillas, otras más complejas.
  12. La regla de los tercios en el paisaje: La regla de los tercios consiste en dividir las imagen por medio de dos guías horizontales y dos verticales que generan una división en nueve partes iguales. Al realizar esta división se podrán ubicar los puntos de interés justo en la intersección de alguna de estas guías horizontales o verticales, Así se conseguirá una composición más armónica.
  13. Visualizar la regla de los tercios en el paisaje: Actualmente algunas cámaras fotográficas ofrecen la posibilidad de visualizar la cuadrícula de la regla de los tercios. Esto ayuda a tomar interesantes imágenes para pintar paisajes y lograr una mejor composición de la obra. De igual forma, algunos programas gráficos como Photoshop también permiten recortar una imagen aplicando la regla de los tercios entre otras.
  14. La proporción áurea en el paisaje: Es la fórmula que distintas civilizaciones utilizaron como inspiración para las artes. Ella rige ciertos patrones de la naturaleza. Se trata de un patrón basado en un rectángulo, el cual, circunscripto en si mismo se repite con unas proporciones determinadas hasta el infinito.
  15. El verde en los paisajes: El verde es uno de los predominantes en los paisajes. Si se precisa que sea menos intenso, habrá que agregar un poco de rojo. Con sólo una pequeña parte se controla el color sin afectar mucho su calidad, pero se debe tener cuidado ya que a medida que se agrega más rojo los colores se vuelven más terrosos.
  16. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes: Si se necesita aclarar el verde para hacer por ejemplo las luces en el follaje de un árbol o en el pasto, quizá no sólo alcance con agregar blanco, sino que habrá que agregar también amarillo, si es que se desea conservar el carácter cálido del color.
  17. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes II: Para oscurecer un verde se puede agregar siena tostada o sombra tostada conservando el carácter cálido, también se pueden usar rojos complementarios, que suelen ser rojos oscuros.
  18. El verde más oscuro en los paisajes: Si se busca un verde más oscuro pero frío, muy apropiado para algunas sombras, es buena idea oscurecer con un azul oscuro, y en las zonas más oscuras agregar también sombra tostada o negro.
  19. Buscar armonía en los paisajes: Utilizar el azul cielo para crear los verdes puede ayudar a lograr que el cuadro quede con mayor armonía.
  20. Visualizar los colores en los paisajes: Buscar diferentes fotografías de paisajes. Esto ayudará a ver cómo son los verdes (además de amarillos y azules) de un día soleado, como son de un día nublado, en la mañana, al mediodía, a la tarde, en las diferentes estaciones, etc. El color del cielo debe guardar correlación con el pasto, vegetación y otros elementos del paisaje.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

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Pez, David Lobenberg.

Todo hace suponer que la pintura a la acuarela siguió a la invención del papel en China (atribuida al eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han Oriental), en el s.II d.C. Ya en el siglo XIII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco (pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo). Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van DyckThomas GainsboroughJohn ConstablePaul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada GuilabertCeferino OlivéFrancisco Bonnín GuerínJosé Comas Quesada o Alberto Manrique. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

Pues vamos al grano con nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

  1. Pintar animales: Pintar animales con acuarela se considera un trabajo de cierta dificultad. Al tratarse de una figura realista no se recomienda para principiantes sino para pintores con algo de experiencia.
  2. El pelo de los animales: El pelo del animal es una de las cuestiones más difíciles de pintar. Aquí juega un papel muy importante la textura. De hecho, el pelo de los animales es una de las texturas de mayor dificultad, pues debe mostrar el sentido del pelo, marcar el cuerpo y la musculatura del animal, así como las distintas tonalidades que adopta el pelambre frente a la luz.
  3. El proceso para el pelo de los animales: El proceso de pintado del pelo de los animales se realiza por capas, para representar las sucesivas hileras de pelo que el animal posee. Debe utilizarse un pincel especial para este trabajo.
  4. El primer color para los animales: El primer paso es dar color de fondo a la piel. Este puede variar de acuerdo a cada parte del animal.
  5. A tener en cuenta para el pelo: Es importante tener en cuenta el sentido de crecimiento del pelo, desde la raíz hacia las puntas y su largo. Todo esto determinará el largo de la pincelada.
  6. Pintar la musculatura de los animales: La musculatura es otro factor de vital importancia a tener en cuenta. Esto se debe a que produce movimientos en el pelo y efectos de luces y sombras sobre el mismo.
  7. Los tonos para el pelo de los animales: Es aconsejable utilizar varios tonos de cada color para crear un pelaje más realista. Al momento de dar vida a las sombras, se irán agregando detalles en tonos más oscuros.
  8. El inicio del pelo de los animales: Se aconseja comenzar a pintar el pelaje desde las patas y la cola, hacia arriba, capa por capa, de modo que se superpongan y la capa final, la del lomo, será la que esté más afuera.
  9. Naturaleza muerta de los animales: Los animales son considerados parte del universo de la naturaleza muerta. Sin embargo, resulta ser mucho mayor el grado de dificultad de otras naturalezas muertas.
  10. Las zonas para el pelo de los animales: En las zonas donde se marca la musculatura, se comenzará la hilera de pelo en el nacimiento del músculo para dejarlo en evidencia.
  11. Las pinceladas para el pelo de los animales: Las pinceladas siempre deben ser en la dirección del crecimiento para que se afinen hacia la punta del pelo.
  12. La composición de los animales: A la hora de pintar animales con acuarela la composición es vital. Por ejemplo si se tratará de un pájaro será necesario saber si está volando o si estará sobre una rama. En el caso de un animal doméstico habrá que ver si se encontrará en alguna parte del hogar o en el exterior. De esta manera se podrán crear interesantes juegos de colores, contrastes etc.
  13. Empezar por el fondo de los animales: Lo más recomendable es comenzar por el fondo. Así, por ejemplo si se tratará de un pájaro en vuelo, primero habrá que pintar el cielo. Humedecer el pincel, aplicar pintura azul, comenzar a limpiarlo a través del papel y dejar que el agua natural se disperse por el papel. Así se obtendrá un cielo lavado al que se podrá añadir más azul y luego nubes.
  14. Pintar pájaros: A la hora de pintar pájaros se recomienda comenzar por la cabeza. Luego habrá que establecer la forma del cuerpo.
  15. Tonos para pintar pájaros: Utilizar diferentes tonos de color ayudará a resaltar las texturas de las plumas del ave. Esto puede lograrse a través del uso de diferentes tonos de color o mediante la aplicación de trazos de pintura color negro con un pincel muy pequeño para llevar a cabo el aspecto de capas de las plumas.
  16. Mejorar las partes del pájaro: Una buena forma de mejorar la calidad de las plumas es mojando un pincel y difuminando la acuarela en cada pluma para crear una graduación de color en las plumas que se destacan sobre las capas creadas por las líneas finas de negro.
  17. Pintar partes del pez: Si se quieren pintar escamas de peces se recomienda elegir un tono claro para los espacios de mayor tamaño y otro más oscuro para los detalles. De esta forma se podrá otorgar una mejor textura a la obra.
  18. Pintar el fondo del pez. Se sugiere que en la pintura de peces el fondo sea más claro que la figura. De esta forma se creará un buen contraste en el que se destacará el animal y sus detalles.
  19. Perspectiva para el pez: Si la pintura del pez será vista desde una perspectiva superior, tomarán gran importancia algunos aspectos como los reflejos en el lomo del pez o sus ojos.
  20. El agua para el pez: El agua es el segundo elemento en la escala de importancia en la pintura de un pez. Es relevante jugar con sus diferentes matices. Luces, sombras, movimientos y colores juegan un papel primordial al momento de crear una obra capaz de transmitir sensaciones.

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20 consejos para pintar retratos con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 20 consejos para pintar con retratos con acuarela que debes conocer.

"Niña", David Lobenberg. pintar retratos con acuarela
  1. El inicio para pintar retratos: La composición del retrato es esencial. Cuando el retrato es el centro de importancia básico que ningún otro punto de la obra rivalice, y para ello se pueden seguir los conceptos básicos de la regla de los tercios o la de sección áurea.
  2. Las proporciones para pintar retratos con acuarela: Respetar las proporciones es esencial. Es normal que el pintor principiante amplíe ciertos elementos como por ejemplo los ojos o la boca y reduzca otros como las orejas, cuello, frente o cabello.
  3. Los modelos para pintar retratos: Si se trabaja con modelos, se aconseja representarlo hasta los hombros. De esta manera se podrá apreciar mejor la personalidad y actitud del retratado.
  4. Un punto importante para los retratos: La mirada es un punto importante en cualquier retrato. En un retrato de perfil, o de tres cuartos, es preciso dejar la mayor parte del “aire” en el lado hacia donde mira la persona, cuidando así mismo de dejar suficiente espacio por encima de la cabeza, de este modo, la composición de torna equilibrada.
  5. Más realismo para los retratos: Un buen retrato suaviza el contorno de las sombras para darles más realismo. Con sólo aplicar el color y pasar el pincel limpio pero aún húmedo sobre los bordes de la zona en cuestión se consigue el efecto.
  6. La boca en los retratos: Para pintar la boca se deben aplicar pinceladas más o menos diluidas en función de la reflexión de la luz. Para dar una impresión de brillo, dejar una zona sin pintar en el centro del labio inferior.
  7. Los ojos en los retratos: Si se quiere otorgar redondez a los ojos hay que resaltar el párpado superior y colocar una sombra sutil en el párpado inferior.
  8. Partes de los ojos en los retratos: Definir el párpado inferior es de vital importancia. Esto ayudará a que el ojo se vea bien ubicado y no “flote”.
  9. Ojos expresivos en los retratos: Para crear ojos expresivos hay que definir muy bien la línea en la que el párpado superior se pliega cuando el ojo está abierto.
  10. Luces y sombras en los retratos: Observar y plasmar con detalle y dedicación las figuras, luces y sombras dentro del ojo. Este truco le brindará mucha más profundidad en la mirada.
  11. La piel en los retratos: Las mezclas de colores para la piel en el retrato pueden y deben variar de artista en artista y de obra en obra.
  12. Tonos en la frente de los retratos: Hay algunos detalles que suelen permanecer invariables en los distintos retratos como por ejemplo que en la frente predominan los tonos más ocres o que en las zonas oculares suelen aparecer tonos fríos ligados a los violetas.
  13. Las mejillas en los retratos: Otras constantes en los retratos se pueden ver en las zonas de las mejillas (en general asociadas a los rosados), en la nariz (donde suelen incrementarse los rojos o naranjas) o en la mandíbula en la que suelen aparecer tonos grises para las mujeres y verdes para los hombres.
  14. La carne en los retratos: El color carne se consigue a base de ir intercambiando tonos cálidos y fríos. Un buen método para no olvidar esto es trabajar todo el rostro con sólo colores cálidos y tras ello trabajar sólo con fríos en sólo las zonas donde se supone que deberían estar.
  15. El blanco en los retratos: No dejar nunca el blanco del papel solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Se deben añadir otros tonos como el ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color (normalmente el color de la luz que ilumina el rostro) sin importar que sea cálido o frío.
  16. Tonos en la piel de los retratos: Los tonos de la piel no varían en función de que el retrato lo hagas más realista o más impresionista, son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trato de la pincelada más o menos difuminada.
  17. Claros/oscuros en los retratos: Dominar la técnica del claro-oscuro ayudará a conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de un rostro y no tanto el color.
  18. Primero los claros al pintar retratos con acuarela: Iniciar los retratos con los tonos claros y proceder a oscurecer de forma progresiva.
  19. El fondo en los retratos: Hay que tener en cuenta que las tonalidades o colores del fondo suelen reflejarse en los extremos de las mejillas.
  20. La ropa en los retratos: El color de la ropa tiene su reflejo en el mentón y en la zona inferior de la mandíbula.
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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Los materiales son una parte muy importante al momento de pintar a la acuarela. En este artículo vamos a darte algunas claves sobre los pigmentos de las acuarelas. Vamos allá.

deGranero pigmentos de las acuarelas

12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas.

  1. Acuarelas, una aproximación química. El principal atractivo de la pintura a la acuarela se basa en la transparencia de sus colores, hecho que la convierte en una pintura fresca, luminosa y espontánea. Esa forma de pintar ha sido ideada para ser trabajada con agua y aplicada sobre un soporte de papel. De todos modos, hoy la acuarela se aplica a otros soportes como cartón o arcilla entre otros.
  2. Composición de la acuarela: La pintura a la acuarela se encuentra compuesta de pigmentos naturales molidos, sustancias aglutinantes como la goma arábiga, que la convierten en una masa.
  3. Pigmentos: Los pigmentos son pequeñas partículas que dan color. Cada uno de ellos tiene un origen específico por lo cual es lógico que reaccionen de manera diferente. Los hay con mayor o menos poder de tinción, algunos son de por sí transparentes y otros son ligeramente opacos. Es justamente por eso que es necesario prestar mucha atención a la hora de recomendar combinaciones de colores con una composición.
  4. Pigmentos inorgánicos: Se trata de pigmentos derivados de compuestos que nunca fueron parte de la materia viva y que no contienen carbón. Este grupo incluye los cadmios, el cobalto, el ultramar, los tierra y una amplia gama de otros colores tradicionales.
  5. Pigmentos orgánicos: Son pigmentos derivados de sustancias vivas o de sustancias que en algún momento fueron parte de algo vivo. Dentro de este grupo se incluyen numerosos pigmentos modernos conocidos por su claridad y transparencia. Algunos de ellos ftalocianina, quinacridona, perileno y bencimidazolona. Estos pigmentos contienen carbón.
  6. Pigmentos únicos. Todos los pigmentos difieren en forma, tamaño, color y “personalidad”. Los pigmentos de las acuarelas especialmente, son la caja de herramientas o los elementos a través de los que “dicen” los artistas, los elementos que los ayudan a manipular la obra y alterar su expresión. Es por esto que muchas marcas tratan de crear formulaciones con pigmentos únicos. Las formulaciones con pigmentos únicos tienen tonos más puros y colores más limpios que las mezclas de pigmentos, lo que facilita la realización de un mayor número de mezclas cromáticas y retrasa la aparición de los efectos de emborronado.
  7. Pigmentos de las acuarelas mixtos. Aunque los pigmentos mixtos pierden inevitablemente algo de intensidad cromática o viveza, existen numerosas razones por las que marcas como Windsor & Newton todavía los utilizan en las formulaciones. En algunos casos, es posible lograr un nivel de permanencia superior con un pigmento mixto.
  8. Pigmentos tierra naturales. Los pigmentos tierra son los materiales colorantes más antiguos del mundo. En las cuevas de Altamira y Las-caux aún se encuentran obras de arte de hace al menos 15.000 que los han utilizado. Las tierras naturales son esenciales debido a su escaso poder colorante y sus tonos naturales. Además son esenciales porque no se pueden obtener a partir de mezclas de tonos negros o blancos. Los tierras son depósitos de color que suelen haber adquirido su tono por haber estado en contacto con hierro durante millones de años. Son algunos de los pigmentos más inertes y permanentes que se pueden encontrar. Los pigmentos tierra se extraen del suelo y se limpian y lavan posteriormente.
  9. Pigmentos tierra sintéticos. Los pigmentos tierra sintéticos representan al grupo de pigmentos que han sustituido a los pigmentos tierra naturales dada su falta. Se trata de óxidos de hierro sintéticos. Estos últimos son atractivos por sí mismos dado que su carácter tiende a ser bastante resistente y opaco. Los primeros datan de mediados del siglo XIX. Aunque los óxidos de hierro sintéticos poseen buenas características propias, no reemplazan totalmente a los pigmentos tierra. Por lo tanto, es recomendable que el artista cuente con pigmentos tierra naturales y tierra sintéticos.
  10. Pigmentos cadmio. Los colores que contienen pigmentos de cadmio constituyen una importante gama cromática en la paleta del artista. Sus singulares tonos, son buena cobertura y su escaso poder colorante son cualidades que ningún otro pigmento disponible iguala. Además cuentan con una excelente solidez a la luz y son muy opacos. Se trata de los rojos y amarillos más populares de la paleta de los artistas.
  11. Pigmentos alternativos. Ha habido preocupación por los compuestos de cadmio utilizados en otras industrias y por su impacto en el medio ambiente. Tomando esto en consideración, algunos artistas que no dependen da las singulares características de los cadmios pueden optar por usar alternativas. No hay sustitutos directos de estos tonos, pero existen alternativas que poseen algunos de sus atributos.
  12. Quinocridonas. Son un grupo de pigmentos muy importante originado en la década de 1.950. Las primeras fueron introducidas por Windsor & Newton, como el Rosa permanente y el Magenta permanente. Con la gran transparencia y solidez a la luz de sus tonos, estos colores transformaron la sección del rosa y del malva de la paleta, una zona que siempre había estado signada por su escasa solidez a la luz. Con el tiempo fue posible disponer de muchos otros tonos de esta gama.

Hasta aquí estos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

  1. ¿Qué es la acuarela?: El término “acuarela”, etimológicamente, deriva del latín “aqua”. El diccionario define este vocablo como “pintura realizada con colores diluidos en agua”. Esta definición no resulta para nada casual ni azarosa si se considera que el agua es el medio a través del cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos y aglutinados con otras sustancias como por ejemplo la goma de Senegal o goma arábiga, por mencionar algunas. Las personas muy puristas de la técnica suelen añadir otros componentes a las acuarelas como glicerina, miel, hiel de vaca o algún agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio. A estas disoluciones se las conoce como tintas y los baños con los que se baña el papel usando el pincel u otro medio, se llaman aguadas.
  2. La importancia del color en la acuarela: Los colores de las acuarelas se forman a través de un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábiga y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel. La característica principal s elos trabajos en acuarela es la transparencia que generan estos pigmentos diluidos. Desde finales del siglo XIX, la pintura a la acuarela ha gozado de una gran popularidad. Y fue justamente esta enorme popularidad la causante de cierto desprestigio de la técnica ya que, el termino “pintar a la acuarela” se asociaba primeramente a los más altos estratos de la sociedad que transformaban su afición por la pintura en un pasatiempo ameno haciendo uso de las acuarelas como medio de expresión, ejecutando de forma repetitiva paisajes delicados donde se utilizaban mayormente los tonos pastel.
  3. ¿Por qué el agua es protagonista de esta técnica? El agua es la protagonista de la pintura a la acuarela y la causante de su típica transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En la pintura a la acuarela interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa diáfana Esto es justamente lo que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
  4. ¿Por qué es la técnica más admirada? Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, cuando están húmedas, a una presentación atenuada, clara una vez que la obra está seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con la que se haya cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Es justamente por eso que se debe tener en cuenta este proceso durante la realización del trabajo para poder conseguir el aspecto deseado. A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, es decir un modo que “respeta” las normas establecidas en tiempos de antaño, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan diversas técnicas en la misma obra.
  5. ¿Por qué nos gusta pintar con acuarelas? La técnica de la acuarela es la más seguida por los que tienen la intención de empezar a introducirse en el bello arte de la pintura. Aunque para la mayoría de expertos es la técnica más compleja, es precisamente este y otros aspectos la que la hace más interesante. Con acuarelas el artista puede pintar obras de colores muy vivos. Desarrollar paisajes y marinas con esta técnica, es la mejor manera para la representación del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con las otras técnicas. Su luz, cuando el manejo es ya avanzado termina siendo radiante y potente en cualquier práctica. El soporte donde se pinta con la acuarela también le proporciona al artista una ventaja sin igual. Normalmente se trabaja sobre papeles con grano semigrueso o grueso, lo que le aporta a la obra una gran plasticidad.
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Hasta aquí estos 5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

En este artículo te damos 12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer. En primer lugar dos trucos rápidos para aprender a dibujar árboles es aceptar que no hay trucos rápidos para eso y aprender a dibujarlos uno por uno.

Registro de colores.

Siempre que dibujes un árbol que no conozcas, estudia todos los colores que veas y cuéntalos. En tu cuaderno de bocetos, crea un diagrama de color del árbol y especifica el lugar y la época del año.

deGranero dibujar árboles y vegetación

12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

  1. El lugar, el clima y la estación afectan al color: Hay muchas cosas que influyen en la paleta de color de los árboles, entre ellas el clima y la estación. La ubicación también es fundamental para la percepción del color de los árboles: las cualidades y el carácter de la luz del lugar donde trabajamos alteran la paleta de color de manera fundamental.
  2. Estudia los árboles: Para dibujar los árboles con eficacia hay que observarlos y conocerlos. Si te gustan mucho los árboles y quieres aprender a dibujarlos, te recomiendo que dediques algo de tiempo a mirarlos y a aprender acerca de ellos. Fíjate en su constitución y su estructura; por ejemplo estudia el modo en que se articulan las ramas a partir del tronco y averigua como crecen y cambian a lo largo de las estaciones. Estudia su apariencia desde una serie de perspectivas distintas.
  3. Dibuja árboles y repítelos en todas las estaciones. La forma de los árboles se reconoce mejor en invierno, cuando han perdido las hojas y su estructura subyacente es visible. Dibuja el patrón de las ramas y la forma en que éstas irradian desde el tronco del árbol.
  4. Dibuja árboles a distancia: Para capturar la forma de un árbol no conocido prueba a dibujarlo a distancia. Los parques y el campo son buenos lugares para ello.
  5. Deja huecos: Todos los árboles tienen vacíos entre el follaje a través de los cuales se puede ver el cielo. Para no olvidarte de incluirlos en tus dibujos, imagínatelos como agujeros para que los pájaros pasen a través de ellos.
  6. Dibujo de troncos: Los troncos y las ramas son formas cilíndricas y alargadas. El truco para que el tronco parezca cilíndrico es emplear tramas de volumen laterales, lo mismo que se hace para destacar la forma de una pierna. Las palmeras ofrecen troncos fáciles de dibujar.
  7. Dibuja el jardín desde la ventana: SI tienes jardín, dibújalo al menos una vez al mes; es un modo excelente de mejorar tu técnica.
  8. Dibuja el jardín: El jardín es un lugar tranquilo para enfrentarte al dibujo al aire libre. Lo primero que notarás es que la luz cambia constantemente y las sombras se mueven al pasar el tiempo. Siéntate en un punto y dibuja los cambios de luz durante el día. Observa también lo oscuras que son las sombras en los días soleados.
  9. Dibuja jardines durante las estaciones: Es bueno sentarse en el mismo sitio y hacer el mismo boceto para registrar los cambios. Los macizos de flores parecen difíciles, hasta que empiezas a ver las flores como formas, masas y distintos tipos de marcas.
  10. Cualquier verde entona todos los verdes: Un hecho interesante es que los verdes nunca desentonan. Mezclar los verdes siempre los hace más atractivos. Dicho esto, se requiere práctica para llegar a mezclar y dibujar todos los verdes visibles. Los verdes oscuros son especialmente complicados.
  11. Utiliza oscuros intensos y coloridos: A menudo encontramos zonas de intensa oscuridad en los jardines. Usa colores complementarios, como carmesí y verde, para crear colores oscuros profundos, y evita los agujeros negros en tus dibujos.
  12. Dibuja esculturas de tejo: Las esculturas de los jardines pueden ser naturales o artificiales, y las esculturas de tejo pueden ser ambas cosas. Estas esculturas son una práctica excelente para dibujar formas tridimensionales dentro de paisajes.
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Hasta aquí nuestros 12 consejos para dibujar árboles y vegetación que que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 13 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer. Los artistas botánicos suelen dibujar del natural y no de fotografías. Normalmente empiezan la observación en el terreno y después continúan dibujando en el estudio a partir de especímenes vivos. También dibujan las plantas a lo largo de las estaciones en cada etapa de crecimiento y decadencia.

deGranero dibujar plantas y flores

12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

  1. Cuaderno de bocetos de naturaleza: Un cuaderno de bocetos de campo es un elemento muy valioso para las personas interesadas en dibujar plantas y flores. Resulta especialmente útil si la planta tiene que permanecer en su hábitat y hay que dibujarla in situ. Utiliza el cuaderno de bocetos para anotar medidas o el registro de las pautas de crecimiento con el tiempo. Puedes también tomar notas sobre el hábitat, registrar los detalles de estructuras no contenidas en las fotos de referencia o realizar estudios de color y anotaciones sobre los colores observados.
  2. Referencias mixtas de color: Antes de empezar a dibujar, identifica los colores y mezclas de colores relevantes de cada planta, flor y hoja. Un conjunto de mezclas de colores y tarjetas de sombreado nos proporcionará el color correcto y podemos usarlo sobre el terreno.
  3. Primavera: dibuja la vida nueva. Concéntrate en las estructuras de nuevo crecimiento, los brotes y capullos de flores y los verdes peculiares y frescos de las hojas nuevas.
  4. Verano: dibuja la floración. El desafío del verano es la abundancia de temas, tanto de flores como de frutos. Haz series temáticas de dibujos sobre colores, familias de plantas o hábitats.
  5. Invierno: la vida en una estación dormida. En invierno, los jardines tienen menos que ofrecer en cuanto a flores, pero presentan otros asuntos interesantes como, por ejemplo, piñas, líquenes, verduras de invierno y las estructuras de los árboles sin hojas.
  6. Otoño: frutos, hojas y semillas: Con el otoño llegan los colores cambiantes de las hojas y la producción de nueces, semillas frutos y tubérculos.
  7. Planifica y establece prioridades: Puede parecer obvio, pero para dibujar del natural es esencial establecer prioridades. Toma fotos de referencia del lugar y prepara estudios de color. Empieza por las partes de la planta que probablemente vayan a marchitarse o morir primero.
  8. Mantén frescas las plantas y las flores a dibujar: Conserva el material fresco para detener el desarrollo y disponer de más tiempo para dibujar el asunto. Puedes colocarlas en el frigorífico por la noche. Utiliza espuma floral o envuelve los tallos en un paño o en un papel húmedo para mantener la humedad del material. Usa bolsas de plástico con cierre para guardar especímenes encontrados en el campo.
  9. Dispón bien las plantas para prolongar su vida.
  10. Reglas estrictas de sombreado: La ilustración botánica prescinde de los detalles de contexto y de las sombras fuera de la forma llena de la flor o planta.
  11. Usa papel vegetal para desarrollar la composición: Decide que componentes de la planta quieres incluir; después, dibuja cada uno de ellos en hojas de papel vegetal separadas. Superpón y reposiciona los calcos en una superficie plana hasta que encuentres la composición que prefieras. Finalmente, pégalos con cinta de baja adherencia y haz un calco modelo para realizar la pieza final.
  12. Mantén limpio el papel: Protege las partes de l dibujo ya terminadas. Por ejemplo puedes usar papel vegetal o papel glassine sujetos con cinta adhesiva.
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Cómo disponer las plantas y prolongar su vida.

Algunos consejos:

  • Usa un soporte de laboratorio para mantener el espécimen en su lugar.
  • Pon los especímenes bajo una luz adecuada para ver sus detalles. La luz natural es la mejor.
  • Si usas luz artificial, procura no calentar la planta.
  • Mantén fresco el estudio para limitar el desarrollo de las flores.
  • Usa un color de fondo neutro para evitar reflejos.
  • Si deseas estudiar las plantas en plano, pega hojas y pétalos a un tablero con cinta de doble cara.

Hasta aquí estos 12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. El color es mucho más que el círculo cromático.

Sobre el color.

Términos empleados para describir las propiedades del color:

  • Color local: Color natural visto a la luz del día, sin modificaciones de luces o sombras. Bajo una luz artificial el color puede tener un aspecto muy diferente.
  • Color (matiz): Color en un estado natural, sin añadidos de blanco ni negro.
  • Valor tonal: Posición de un color en el efecto de la luz (iluminación o tinte) y oscuridad (sombra).
  • Iluminación: Color mezclado con blanco.
  • Sombra: Color mezclado con negro (o con su color complementario).
  • Intensidad/saturación: Calidad de brillo y pureza, color pleno.
  • Espectro de color: Gama de colores visibles para el ojo.
  • Círculo cromático: Modelo teórico de las relaciones entre los colores, centrado en tres aspectos, colores primarios, colores secundarios y colores terciarios.
  • Clave alta: Predominio de colores claros y brillantes.
  • Clave baja: Predominio de colores oscuros y apagados.
  • Colores análogos: Tres o más colores adyacentes en el circulo cromático, uno de ellos suele ser el color dominante.
  • Colores complementarios: Dos colores opuestos en el círculo cromático.
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7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

  1. Lee sobre el color: Si te gusta dibujar en color, procura aprender todo lo posible sobre él. La teoría del color es un tema muy amplio que puedes encontrar un montón de libros de referencia.
  2. Sistemas de color: El sistema de impresión de color (CMYK) es distinto al de reproducción en pantalla (RGB). Los colores impresos y los digitales son también distintos de los que usan los artistas, que se elaboran mezclando pigmentos y tintes.
  3. El color cambia: El color varía según el tipo de luz (natural o artificial), la hora del día , la estación del año y la parte del planeta donde estamos. Los cambios de estación modifican la paleta de color del mundo que nos rodea.
  4. Color a partir de la observación: Para conseguir los mejores efectos de color hay que practicar la observación de la infinita variedad de colores que nos rodea y que están en los asuntos que dibujamos. Es muy fácil dibujar un asunto partiendo de los colores que creemos que tienen en lugar de fijarnos en los colores reales que veremos en él si los miramos con atención. Disponte a descubrir colores distintos a los que esperabas. Confía en tus ojos y no en los recuerdos de tu mente.
  5. Dibuja con buena iluminación: Busca una iluminación que te permita ver los colores auténticos y sin cambios. te recomendamos: trabajar lejos de la luz solar brillante o intensa, sentarte juntos a una ventana que dé al norte, ya que la luz en más constante en esta dirección, usar persianas para controlar la luz que entra por la ventana y emplear bombillas de luz del día en lugar de las bombillas domésticas normales de interior.
  6. Aísla el color: La manera en que vemos un color está influida por otros colores que lo rodean, lo cual puede confundirnos. Es más fácil apreciar un color cuando lo aislamos. Cierra un ojo y mira el color a través de un pequeño orificio practicando en un trozo de cartón, o por un papel enrollado, o por un cilindro formado con el puño.
  7. Dibuja con las tijeras: Recorta papeles de colores con distintas formas y dispónlos para crear la imagen de un objeto. Esta actividad nos obliga a pensar en fondo en las formas, los valores y los colores, así como a simplificar , puesto que no podemos usar nada más complejo que usar formas grandes y uno o dos colores.

“El recorte de papel me permite dibujar en color”

Henri Matisse (1869-1954, acerca del dibujo con tijeras y papel de colores).

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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Luces y sombras se combinan para representar un asunto mediante un espectro de valores que van desde la luz más brillante hasta la sombra más oscura. Los valores pueden crearse por la combinación de línea, sombreado y color.

Sobre luz y sombra.

Algunos términos que se aplican a luces y sombras:

  • Sombra proyectada: Sombra que forma un objeto sobre una superficie cercana al bloquear la fuente de luz.
  • Destello: Luz intensa o resplandor en el ojo.
  • Claroscuro: Técnica que emplea luces y sombras intensas para definir objetos 3D. Núcleo o joroba de la sombra: La parte más oscura de la sombra, alejada de la luz y no afectada por la luz reflejada.
  • Zona de luz: Área de un objeto expuesta a la luz.
  • Zona de sombra: Área de un objeto no expuesta a la luz directa.
  • Brillo: El tono más claro; rodeados de tonos más oscuros, los brillos saltan del papel.
  • Luz reflejada: Zonas más claras dentro del núcleo de la sombra, producida por las reflexiones de la luz y el color.
  • Contraluz: Luz que ilumina un objeto por detrás.
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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

  1. Dibujo de luz y sombra: Con el tiempo y la observación llegarás a saber cómo crear la impresión de luz y sombra. Empieza practicando con formas muy simples, por ejemplo, huevos, en un entorno neutral donde solo actúen las luces y las sombras.
  2. Evalúa la iluminación: Una buena iluminación ayuda a mostrar tanto el volumen como la forma, mientras que una iluminación mala puede confundir al observador. EL tipo de luz, sea ésta neutral o artificial, afecta al valor tonal y a la calidad de los contornos que vemos. La dirección e intensidad de la luz influye en el carácter de las sombras y en el modo en que detectamos las formas. El color de la luz afecta de manera natural a los colores visibles. Los nuevos tipos de luz artificial ofrecen distintas opciones en cuanto a la temperatura del color, desde el cálido (amarillo) hasta el azul (luz diurna) pasando por el neutral.
  3. Responde a la luz exterior: La luz y la sombra se mueven continuamente cuando dibujamos al aire libre, y la longitud de las sombras cambia a lo largo del día. Antes de empezar el dibujo, haz un boceto del patrón de valores para anotar el efecto de la luz ante tus ojos. Si realizas un dibujo compuesto con distintas fuentes asegúrate de que la relación de cada objeto corresponda a una fuente de luz determinada.
  4. Para mejorar el diseño de los dibujos: Los dibujos que no tienen un buen rango de valores tonales suelen tener un aspecto plano y sin vida, mientras que un buen patrón de valores tiende a captar la mirada. En un dibujo visto a distancia, lo único que distinguimos es el patrón abstracto de luces y sombras; todos los valores se subordinan al patrón de valores.
  5. Escala de grises: La escala de grises muestra los cambios de valores tonales de luz y sombra entre el blanco y el negro. Sirve para comprobar y comparar el valor tonal de los que vemos con el de lo que hemos dibujado.
  6. Entorna los ojos: Entornar los ojos es una manera simple y rápida de ver los valores tonales sin usar ningún utensilio. Usa esta técnica para desarrollar bocetos miniatura.
  7. Prueba distintos métodos de sombreado: Elabora un portfolio de distintas maneras de sombrear y de representar diversos valores tonales. Para producir cambios de tono, es mejor emplear lápices progresivamente más blandos en lugar de variar la presión.
  8. Evalúa valores tonales todos los días: La práctica continua y la evaluación instantánea ayudan a desarrollar la competencia.
  9. Hazte examinar la vista si tienes problemas de visión de los tonos. Afecciones oculares tales como las cataratas pueden reducir la capacidad de ver el color y el tono con precisión y provocar visión borrosa, por lo que es aconsejable hacerse una revisión si se presentan problemas.
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7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. El tipo de líneas que se emplean en los dibujos hablan tanto del artista como del tema. La línea se usa para describir un espacio o una forma, además de expresar movimiento y energía creando una sensación de dirección y perspectiva. Las líneas tienen muchas características: pueden ser gruesas o finas, rectas o curvas, asépticas o expresivas, controladas o sueltas. Estas características pueden reflejar la naturaleza del objeto representado.

“Un dibujo no es más que una línea que sale a pasear.”

Paul Klee (1879-1940)

deGranero líneas y contornos

Sobre líneas y contornos.

Los bordes nos comunican la naturaleza de un asunto y el modo en que la luz cae sobre él:

  • Perímetro: Borde exterior de una forma plana bidimensional.
  • Línea de contorno: Silueta de una masa o forma tridimensional.
  • Borde duro: Borde definido y preciso.
  • Borde suave: Borde vago y difuso que carece de definición.

Cuando empieces a dibujar del natural en lugar de usar fotos, pasarás de dibujar perímetros a dibujar líneas de contorno.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

  1. Crea líneas con distintas características: El acto de dibujar implica sentir el carácter de las líneas mientras el brazo y la mano aplican el medio al papel. Energía, presión y control afectan a la naturaleza de las líneas, a su grosor, peso y precisión. El tipo de material de dibujo y el soporte también son importantes. Por ejemplo, la estilográfica tiene una punta flexible que permite más variedad de grosor e intensidad. El estilógrafo y el portaminas ofrecen ambos una línea muy consistente y exacta.
  2. Desarrolla el control de las líneas rectas: Es más fácil decirlo que hacerlo. Intenta dibujar una línea despacio, y después con rapidez. Dibuja una línea vertical paralela al borde del papel y repite la operación otra vez.
  3. Trama, trama vertical y trama cruzada: Observa dibujos de bellas artes de artistas contemporáneos y de maestros antiguos para estudiar el empleo de las variaciones de las tramas para crear valores tonales y sugerir las características de las superficies. Los tramados de contorno se usan mucho en el dibujo clásico para descubrir las formas humanas.
  4. Usa líneas discontinuas: La línea no tiene por que ser continua; las líneas rotas también son importantes. Cuando dibujo con rapidez, mi pluma baila por la página mientras encuentro mi camino alrededor del asunto. Las líneas intermitentes sugieren contorno de las cosas de forma discreta, sin estridencias.
  5. Los contornos duros son duros para la vista: Un contorno duro indica un agudo contraste tonal entre formas adyacentes debido, por ejemplo, a un cambio de luz; el contorno duro ayuda a crear énfasis. No obstante hay que usarlos con prudencia, ya que demasiados contornos duros pueden resultar difíciles de ver y crean confusión en cuanto al centro de interés del dibujo.
  6. Los bordes suaves atenúan las transiciones: Los bordes suaves ayudan a atenuar la transición entre una forma o un valor tonal y los siguientes. Se producen allí donde la luz es baja o difusa o está detrás del asunto, y se usan cuando se necesita sutileza. No obstante,demasiados bordes claros pueden hacer confuso el dibujo y crear formas mal definidas.
  7. Imagina que el lápiz está tocando los contornos reales de los objetos: El dibujo asciende un escalón cuando sientes que, literalmente, formas parte del trazo que estás haciendo. Imagínate que el lápiz está tocando realmente el objeto mientras dibujas su contorno. Sigue el contorno con el ojo y dibuja lentamente la misma línea en el papel.
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6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Dentro de un dibujo, el espacio ayuda a definir los objetos que contiene y los que le rodean. Los dibujos describen las relaciones entre los objetos y el espacio mediante línea, valor tonal y color, que definen tales objetos y crean impresión de profundidad, escala y perspectiva.

Sobre el espacio.

Algunos términos relativos al espacio en el dibujo:

  • Ilusión: Representación visual de un espacio 3D en dos dimensiones.
  • Espacio pictórico: Ilusión de profundidad y espacio 3D creada en un soporte 2D.
  • Plano pictórico: Espacio 2D dentro de los bordes del marco establecido para el dibujo.
  • Espacio lleno o positivo: Área ocupada por un espacio.
  • Espacio vacío o negativo: Área entre los objetos y en torno a ellos.
  • Espacio abierto: Se incluye en los dibujos para permitir que el tema respire en el papel.
  • Espacio activo: Espacio dentro de la imagen en el cual pueden moverse los elementos activos.
  • Espacio plano: Espacio sin curvas ni atisbos de profundidad.
deGranero eespacio y proporción

Dibujo del espacio.

  1. Dibuja una silla y el espacio dentro y alrededor de ella para entender los espacios llenos y vacíos.
  2. Selecciona un tema de dibujo y ponlo boca abajo para que parezca menos familiar. Dibuja los que veas y utiliza un color claro para la forma llena y un color oscuro para la forma vacía.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

  1. Dibuja el espacio lleno, ocupado por el objeto. Las personas que aprenden a dibujar, a menudo dibujan solamente el llamado espacio lleno o positivo, es decir, el espacio que ocupa el objeto (por ejemplo, un jarrón de flores, un rostro, un gato), y tienden a dejar de lado o ignorar el contexto por lo que respecta al fondo.
  2. Dibuja el espacio vacío, que está entre los objetos y su alrededor. Si te concentras en dibujar las formas vacías o negativas que hay en el espacio entre los objetos y en torno a ellos es mucho más fácil evitar que nos distraigan nuestras ideas acerca del aspecto que deberían tener las formas y los objetos.
  3. Dibuja al revés. Es mucho más fácil dibujar un objeto si lo miramos boca abajo o desde un punto de vista insólito. Este ejercicio es útil para quienes tienen dificultad en ver formas llenas y vacías en el espacio y para aquellos a quienes les cuesta captar las dimensiones correctamente.
  4. Dibuja a escala. La escala es importante cuando se dibuja en proporción al tamaño real. Podemos decidir ampliar el asunto (por ejemplo, para dibujar una pequeña parte de una flor) o reducirlo (para dibujar un edificio). Captar la escala y la proporción correctas es importante en el dibujo realista. Por ejemplo, hay que asegurarse de que las puertas sean lo bastante grandes en relación con las personas de una habitación. La escala se distorsiona a propósito para cambiar la importancia relativa del objeto distorisonado.
  5. Usa una cuadrícula para ampliar o reducir. El método más sencillo para realizar una ampliación es una cuadrícula. Es muy fácil de aprender y de recordar, y el tamaño de la cuadrícula puede adaptarse a la tarea en cuestión (para dibujar zonas detalladas podemos usar una cuadrícula más pequeña).
  6. Evita los espacios uniformes. Los espacios uniformes dentro del dibujo o alrededor del asunto deben evitarse. La disposición irregular del espacio es más efectiva.
deGranero espacio y proporción en el dibujo

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