6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Los lápices de acuarela (o acuarelables) son como lápices de colores normales pero, al diluirlos con agua, permiten realizar un gran número de efectos pictóricos. En una obra pintada con acuarela, son perfectos para tratar los detalles: destellos y reflejos del agua, juegos de luces y sombras, follajes, etc. También se pueden utilizar solos para el trabajo al aire libre: croquis en vivo o ilustración de un cuaderno de viaje.

6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer.

deGranero lápices acuarelables
  1. Técnica del lápiz acuarelable: Este lápiz puede ser utilizado tanto en seco como en húmedo. Es decir, una vez realizada la ilustración con el lápiz de color, es posible dejar el lápiz en esta fase previa al humedecido, quedando un dibujo realizado en técnica seca o es posible realizar posteriormente el humedecido para acuarelar la obra.
  2. Cómo utilizar los lápices acuarelables: Lo habitual, cuando un artista desea pintar un dibujo, es que use lápices de color permanente. Esta es quizá la técnica más utilizada y habitual para realizar este trabajo, pero no es la única. De hecho una de las tantas alternativas es la que ofrece el lápiz acuarelable.
  3. La técnica del efecto acuarelable: Realizamos un dibujo, pintamos como se de un lápiz normal se tratara y después deslizamos el pincel mojado con agua logrando así un efecto acuarelable.
  4. La técnica del efecto directo: Si se desliza el pincel mojado con agua sobre la punta del lápiz de color acuarelable, se logra cargar el pelo del pincel con color, por lo que después es posible pintar directamente con el pincel sobre la superficie.
  5. La técnica del lijado: Tomar una lija de grano fino y frotarla sobre la punta del lápiz acuarelable. Este polvo, puede ser utilizado para ser espolvoreado en las zonas de la obra a las que desees dar color. Después con el pincel húmedo, se debe disolver este polvo.
  6. La técnica del lijado mixto: Se trata de repetir el procedimiento anterior, pero utilizando varios colores para conseguir una gama de mezclas amplia.

Hasta aquí estos 6 puntos para trabajar con lápices acuarelables que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. La etimología de acuarela nos lleva a acquarella, un vocablo de la lengua italiana. Una acuarela es una pintura que se plasma sobre un cartón o un papel, cuyos colores se diluyen en agua. El concepto también permite referirse a los colores usados en este tipo de pinturas y a esta clase de técnica artística en general. Los historiadores creen que la acuarela surgió un siglo antes de Cristo en China, cuando comenzó a desarrollarse el papel. Los árabes, durante el siglo XII, llevaron la producción de papel de Asia a Europa y así, con el tiempo, la acuarela es instaló en el Viejo Continente. De este modo, entre los artistas europeos, la técnica de la acuarela sucedió al fresco. El alemán Alberto Durero y el italiano Raffaello Sanzio fueron algunos de los pioneros de la acuarela en dicha región.

deGranero  herramientas para pintar con acuarela

11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer.

  1. Medium para acuarela: Se trata de una mezcla de goma arábiga, ácido acético y agua. Se utiliza disuelto en el agua para pintar, unas gotas por medio litro es suficiente para eliminar restos de grasa, dar mayor intensidad, brillo y transparencia al color aumentando también la adherencia. En líneas generales se pude utilizar este accesorio para espesar la pintura. Para ello se debe mezclar directamente con ella.
  2. Hiel de buey: Esta sustancia es depurada y es capaz de variar la tensión superficial del agua consiguiendo, por ello, que la pintura se seque en un tiempo medio. Por esto, si se utiliza en invierno, la pintura tardará menos en secarse y en verano se prolongará el tiempo de secado. Se puede añadir al agua de uso o mezclar directamente con la pintura. También favorece la fluidez y la adherencia de la misma.
  3. Goma líquida: Se trata de una solución cremosa de látex natural y amoniaco. Se extiende sobre el papel y forma una película impermeable que lo protege de la pintura. De esta forma el artista puede reservar zonas del papel en blanco para sugerir brillos y destellos o bien los objetos que son de este color.La goma de reserva se desprende fácilmente del papel frotando suavemente con el dedo o con una goma de borrar. A pesar de esto se recomienda no dejar la goma líquida sobre el papel largos periodos de tiempo ya que puede adherirse demasiado y estropear el papel después al intentar despegarla. para aplicar esta sustancia se aconseja utilizar un pincel viejo dado que la goma puede dañar el pelo del pincel, también se puede usar pluma si la parte a reservar es una fina línea o un pequeño detalle.
  4. Barnices: Se utilizan para proteger los colores y darles un ligero brillo. Se pueden encontrar en estado líquido para ser aplicados con pincel o en aerosol. En el caso de aplicarse con pincel es imprescindible asegurarse de hacerlo cuando la acuarela esté totalmente seca para evitar el arrastre de la pintura lo cual puede ensuciar algún otro color en la obra. Si se abusa del uso de barnices puede generarse un empobrecimiento y enmascaramiento de los tonos. Esto último sucede sobre todo en los tonos suaves o pálidos en los que se puede llegar a generar una distorsión en el efecto principal.
  5. Sal: Este elemento se utiliza para conseguir efectos y texturas originales. Para lograrlo se debe añadir la sal por encima de las aguadas.
  6. Glicerina: Se utiliza vertiendo una pequeña cantidad en el recipiente del agua y sirve para retardar el secado. Se emplea sobre todo en los días de mucho viento o de mucho calor en verano. Es un elemento a tener en cuenta cuando se pinta con la técnica de la acuarela húmeda.
  7. Alcohol: Al contrario de la glicerina el alcohol se utiliza para acelerar el secado. Se usa con frecuencia en los días de mucho fío o humedad o ante cualquier otra circunstancia por la que se quiera acelerar el secado. Es vital utilizar siempre alcohol puro, de 96º.
  8. Botes de agua: Son utilizados para tener a mano el líquido que ayudará a disolver la pintura a la acuarela. Además se utiliza para limpiar los pinceles cada vez que se cambia de color. Es importante que la capacidad de los botes sean de al menos medio litro. Esto se debe a que en frascos menores se hace más denso el contenido de pintura y se ensucia más el agua.
  9. Pocillos: Se trata de pequeños recipientes donde se disuelve la pintura en agua para obtener un tono concreto que no debe variar durante su aplicación.
  10. Mezcladores: Son bandejas que contienen celdillas donde se deposita la pintura para su uso y preparación. Se los puede encontrar de muchos tipos y tamaños. Algunos le dan más protagonismo a la paleta y otras a las celdillas. El más frecuente es el que combina celdas redondas y rectangulares, ya que resulta muy útil para jugar con las densidades de la pintura. En las redondas es posible tener la pintura más aguada, mientras que en las rectangulares la pintura permanece más pastosa.
  11. Paletas: Es el instrumento que utiliza el artista para mezclar colores. Están hechas o recubiertas de materiales que repelen el agua. Además en ellas la pintura debe resbalar con facilidad. Pueden estar dotadas de un agujero donde se introduce el dedo pulgar para sostenerlas. Básicamente son de metal esmaltado, de cerámica o de plástico y de color blanco para evitar distorsionar los colores.
deGranero  herramientas para pintar con acuarela

Hasta aquí estas 11 herramientas para pintar con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer. El color en la acuarela es algo de gran importancia. Aprovechando bien los colores es posible pintar todo lo que queramos siendo la propia imaginación del artista lo que marque el único límite. Hoy en día en el mercado existen unos ciento veinte pigmentos distintos para la acuarela. Está claro que no tenemos por que adquirirlos todos. Mezclando unos tonos podremos obtener otros sin problema.

deGranero el color y la acuarela

19 puntos sobre el color y la acuarela que debes conocer.

  1. El color: El color en realidad no existe. Existe la luz, y el color es un resultado de ella. Sin embargo, nuestra vida está rodeada de colores siendo dichos más que usuales expresiones como cielo azul, nieve blanca o tomate rojo, aunque en realidad las percepciones de azul, blanco y rojo no son más que la captación y el procesamiento por parte del ojo humano de un determinado haz de luz. Por todo esto se sabe que los colores no existen, sino que en realidad se trata del fenómeno de reflexión de la luz.
  2. Variables del color: Existen cuatro variables básicas que tiene la capacidad de intervenir y modificar los colores. Ellas son el matiz, la luminosidad, el tono y la saturación.
  3. Matiz: Se refiere a cada una de las gradaciones que puede recibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás.
  4. Valor o luminosidad: Es una de las cualidades intrínsecas del color. Ella es la que indica el grado de claridad u oscuridad que posee. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor. Los colores se pueden alterar a través de la adición de colores más claros. Si se quiere oscurecer un color, será necesario agregar porciones del color complementario de manera que éste pueda quitarle luminosidad.
  5. Tono: Se trata de la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro. Esta variable tiene referencia de valor y matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece.
  6. Saturación: Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa.
  7. Simbología del color rojo: Es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo.
  8. Simbología del color naranja: Representa la alegría, la juventud, el calor, el verano.
  9. Simbología del color amarillo:En muchas culturas, es el símbolo de la deidad y es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo.
  10. Simbología del color verde: Simboliza la esperanza, la fecundidad, los vienes que han de venir, el deseo de vida eterna. Representa la naturaleza.
  11. Simbología del color blanco: Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  12. Simbología del color púrpura: Representa el misterio.
  13. Simbología del color azul: Es el símbolo de la profundidad.
  14. Simbología del color negro: Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, el dolor, la desesperación, la formalidad y solemnidad, la tristeza, la melancolía, la infelicidad y desventura, el enfado y la irritabilidad. Asimismo puede representar lo que está escondido y velado. Su significado es asociado con la pureza, la fe y la paz. Representa el misterio.
  15. Simbología del color gris: Iguala todas las cosas y no influye en otros colores.
  16. Paletas de color: No hay que confundir los términos paleta de pintor con paleta de color. El primero se refiere a un instrumento, es decir a la herramienta donde se depositan los colores para hacer la mezcla. Por su parte, se llama paleta de color al conjunto personalizado de colores que cada pintor utiliza con más frecuencia.
  17. Colores fríos: Los colores fríos son los de la gama azul-verde. Son una parte vital de la paleta. El azul marino francés es un sólido y básico azul. El azul cobalto es un pigmento más intenso. También es un poco más ligero. Un verde básico es el verde hierba o pasto. El verde hoja es un poco más suave. Una buena alternativa es intentar con el azul de Prusia o Ftalo, que tiene un tinte metálico o turquesa de colbalto para los que busquen un tono diferente. Agregar un violeta, como el malva, también es una excelente opción.
  18. Blanco y negro: El blanco en acuarela no existe ya que se trata de aprovechar la luminosidad y los blancos del propio papel. El negro directo de pastilla resulta un tanto industrial. Un buen negro puedes conseguirlo de la mezcla de tierra siena tostada con azul ultramar oscuro.
  19. Tonos tierra: Los colores tierra son útiles para desarrollar una gran cantidad de temas, no sólo los relacionados con los paisajes. Son ideales para mezclar y combinar. Pueden ser usados para las áreas menos brillantes de la pintura y ayudan a crear contrastes. El tono sombra tostada es un marrón oscuro. El tierra siena tiene un ligero tono chocolate. El ocre es más ligero y amarillento. El tierra natural es un marrón que se puede utilizar para oscurecer los tonos más claros.
deGranero el color y la acuarela

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Proyecto de creación artística: URBAN concept.

Este proyecto (URBAN concept) tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica y visual de conceptos relacionados con la urbe y más concretamente con el paisaje urbano.

El espacio urbano es el centro poblacional y el paisaje propio de las ciudades. La noción suele utilizarse como sinónimo de medio urbano o área urbana.

“Atardecer en Nueva York”, Ricardo Galán Urréjola, 90 x 100 cm. Óleo sobre lienzo.

De cara a su posible representación, no podemos pasar por alto otros rasgos diferenciadores de los llamados espacios urbanos o ciudades:
• Existe una masificación.
• Los habitantes de ellos están sometidos a un importante nivel de estrés pues se pasan el día de aquí para allá con prisas.
• Existe un marcado anonimato de los ciudadanos, precisamente por esa numerosa población que hay.
• Es igualmente importante el hecho de que en cualquier espacio urbano hay una gran multiculturalidad y diversidad que, entre otras cosas, permite la convivencia de variadas tribus urbanas y de personas procedentes de países de todo el mundo.
• Sus habitantes disfrutan de una gran inmensidad de propuestas de diversión y de ocio.
• En el aspecto más negativo, hay que resaltar el hecho de que existe un alto nivel de contaminación así como un elevado porcentaje de personas en situación de exclusión social. Todo ello sin olvidarse tampoco de los numerosos atascos que tienen lugar a diario o de la necesidad de hacer colas para disfrutar de servicios de diversa tipología.

“Rooftops in the snow”, Jeremmy Mann, 61 x 76 cm. Óleo sobre lienzo.

Después de estas breves pinceladas en torno al paisaje urbano, veamos qué debemos hacer

Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y tendrá el precio habitual. Hará un máximo de seis obras que podrán tener un formato superior porque así la idea lo requiera, también se ejecutarán sobre tablero contrachapado con bastidor.

Para participar en este proyecto titulado URBAN concept, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

“City Scape”, 18 x 30 cm, acuarela y caseína sobre papel Arches.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia al paisaje urbano y que te parezca que no deberían faltar en esta exposición. Mide tus fuerzas y piensa de qué manera puedes representarlo.

¿Puedo pintar una farola? Por qué no… Puedes trabajar con elementos del mobiliario urbano, con rincones de la ciudad que te parezcan sugerentes, con elementos decorativos de la urbe como los grafitis, con la planta de la ciudad, con paisajes urbanos que te atraigan, incluso con suburbios o zonas deprimidas, cualquier cosa que lleve al espectador a pensar en un concepto urbano será bienvenida.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 14 de octubre: Esta semana se lanzará el proyecto a través del blog del taller. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada.
  • Semana del 21 y semana del 28 de octubre: Cada alumno expondrá al profesor de manera individual su propuesta y entre ambos le darán forma para que la ejecución sea lo mejor posible y la idea no se desvirtúe.
  • Del lunes 4 de noviembre al sábado 1 de febrero: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.
deGranero URBAN CONCEPT
“Estación de ferrocarril”, Ernest Descals, 25 x 25 cm., óleo sobre lienzo.

Con las obras resultantes de este proyecto de creación plástica se llevará a cabo una exposición titulada “URBAN concept” del 15 al 28 de Febrero de 2020 en el Centro Cultural Carril del Conde de Madrid. La participación en esta actividad es totalmente voluntaria. Estamos seguros de que juntos lograremos una magnífica muestra de nuestro Colectivo AZUL de deGranero como en ocasiones anteriores.

deGranero URBAN CONCEPT
URBAN LANDSCAPE , Valerie Hoffmann 34″X 44″ ACRYLIC/MIXED MEDIA/COLLAGE 2009

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Si te gusta pintar paisaje del natural, te recomendamos que leas nuestros 10 consejos para pintar paisaje del natural, ahí encontrarás una pautas muy útiles para desarrollar bien una obra basada en el paisaje.

deGranero pintar paisajes con acuarela

20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer.

  1. El inicio del paisaje: Antes de comenzar a pintar el paisaje se recomienda probar colores en un soporte que no sea el cuadro. De esta manera se podrá tener una idea más acabada respecto a la forma final de los mismos.
  2. El paisaje tema recomendado: Los paisajes representan uno de los motivos más recomendados para quienes se inician en el mundo de la acuarela . Resultan muy aconsejables por su sencillez. Esto se debe, en gran medida, a que suelen contener formas poco específicas, que no requieren demasiada precisión.
  3. Inicio del boceto en los paisajes: Se aconseja partir desde la línea del horizonte, luego se deben bosquejar los elementos más grandes como las montañas, las rocas, los árboles y la vegetación. El siguiente paso es pintar el cielo. para ello se pude pintar de color azul oscuro la parte superior del plano del cuadro e ir degradando el color hasta llegar al azul más claro que debe ir acercándose al horizonte.
  4. El color en los paisajes: Si el paisaje tendrá una superposición de colores, siempre habrá que aplicar primero el más cálido. Y continuar con esta premisa de forma sucesiva.
  5. Las sombras en el paisaje: Si se desea oscurecer una parte del paisaje, no se debe aplicar negro. Lo que se debe hacer es añadir una tonalidad sombría dentro del círculo cromático de color a oscurecer. De este modo, se podrá equilibrar la luminosidad sin mayores inconvenientes.
  6. Los reflejos en el paisaje: Muchas veces los paisajes deben plasmar reflejos o transparencias. Esto ocurre por ejemplo cuando hay que pintar vidrios o algún espejo de agua. Para lograr un buen efecto de reflejo, nada mejor que recurrir a una gama de grises o blancos, sobre todo para indicar que allí se halla un elemento transparente.
  7. El agua en el paisaje: Si el paisaje tendrá un lago o espejo de agua que reflejará, habrá que tener en cuenta que el tono azulado deberá ejercer un efecto sobre las figuras que se hallan detrás. Así, por ejemplo, si hay algún elemento en el fondo de color amarillo, se deberá pasar a un tono verde suave.
  8. Las figuras en el paisaje: Al momento de realizar un paisaje, la percepción visual es uno de los puntos donde más cuidado se debe tener. Las figuras del fondo no tienen que mostrar matices fuertes o colores muy llamativos. Por mucho que se quieran resaltar elementos como las montañas, lo mejor será difuminarlas o degradarlas según corresponda.
  9. El punto focal en el paisaje:Todo paisaje debe contar con un centro de interés o punto focal. Si todos los objetos que componen un paisaje tienen la misma importancia, se crearán paisajes recargados y confusos. Para evitar que esto suceda hay que elegir un área determinada o elemento de la pintura que dominará el resto capturando la atención del espectador, y podrán encontrarse por ejemplo otros dos elementos secundarios que apoyen al primero.
  10. La composición del paisaje: Las reglas de composición ayudan a crear un paisaje armonioso. Esto se debe a que todo en la naturaleza obedece a ciertos patrones geométricos/matemáticos, de esta premisa han surgido las diferentes reglas de composición.
  11. Cómo aplicar la composición en el paisaje: Existen varias reglas de composición que han sido utilizadas desde la antigüedad: sección áurea (divina proporción o proporción áurea), espiral dorada, regla de los tercios, etc. Y se usan no sólo para la pintura sino también en la arquitectura y otras artes, pero para aplicarlas se requieren de algunas operaciones matemáticas, algunas muy sencillas, otras más complejas.
  12. La regla de los tercios en el paisaje: La regla de los tercios consiste en dividir las imagen por medio de dos guías horizontales y dos verticales que generan una división en nueve partes iguales. Al realizar esta división se podrán ubicar los puntos de interés justo en la intersección de alguna de estas guías horizontales o verticales, Así se conseguirá una composición más armónica.
  13. Visualizar la regla de los tercios en el paisaje: Actualmente algunas cámaras fotográficas ofrecen la posibilidad de visualizar la cuadrícula de la regla de los tercios. Esto ayuda a tomar interesantes imágenes para pintar paisajes y lograr una mejor composición de la obra. De igual forma, algunos programas gráficos como Photoshop también permiten recortar una imagen aplicando la regla de los tercios entre otras.
  14. La proporción áurea en el paisaje: Es la fórmula que distintas civilizaciones utilizaron como inspiración para las artes. Ella rige ciertos patrones de la naturaleza. Se trata de un patrón basado en un rectángulo, el cual, circunscripto en si mismo se repite con unas proporciones determinadas hasta el infinito.
  15. El verde en los paisajes: El verde es uno de los predominantes en los paisajes. Si se precisa que sea menos intenso, habrá que agregar un poco de rojo. Con sólo una pequeña parte se controla el color sin afectar mucho su calidad, pero se debe tener cuidado ya que a medida que se agrega más rojo los colores se vuelven más terrosos.
  16. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes: Si se necesita aclarar el verde para hacer por ejemplo las luces en el follaje de un árbol o en el pasto, quizá no sólo alcance con agregar blanco, sino que habrá que agregar también amarillo, si es que se desea conservar el carácter cálido del color.
  17. Preparación de los distintos tonos verdes en los paisajes II: Para oscurecer un verde se puede agregar siena tostada o sombra tostada conservando el carácter cálido, también se pueden usar rojos complementarios, que suelen ser rojos oscuros.
  18. El verde más oscuro en los paisajes: Si se busca un verde más oscuro pero frío, muy apropiado para algunas sombras, es buena idea oscurecer con un azul oscuro, y en las zonas más oscuras agregar también sombra tostada o negro.
  19. Buscar armonía en los paisajes: Utilizar el azul cielo para crear los verdes puede ayudar a lograr que el cuadro quede con mayor armonía.
  20. Visualizar los colores en los paisajes: Buscar diferentes fotografías de paisajes. Esto ayudará a ver cómo son los verdes (además de amarillos y azules) de un día soleado, como son de un día nublado, en la mañana, al mediodía, a la tarde, en las diferentes estaciones, etc. El color del cielo debe guardar correlación con el pasto, vegetación y otros elementos del paisaje.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar paisajes con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de atenderte en nuestras clases de pintura en Madrid.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

deGranero pintar animales con acuarela
Pez, David Lobenberg.

Todo hace suponer que la pintura a la acuarela siguió a la invención del papel en China (atribuida al eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han Oriental), en el s.II d.C. Ya en el siglo XIII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco (pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo). Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van DyckThomas GainsboroughJohn ConstablePaul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada GuilabertCeferino OlivéFrancisco Bonnín GuerínJosé Comas Quesada o Alberto Manrique. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

Pues vamos al grano con nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

  1. Pintar animales: Pintar animales con acuarela se considera un trabajo de cierta dificultad. Al tratarse de una figura realista no se recomienda para principiantes sino para pintores con algo de experiencia.
  2. El pelo de los animales: El pelo del animal es una de las cuestiones más difíciles de pintar. Aquí juega un papel muy importante la textura. De hecho, el pelo de los animales es una de las texturas de mayor dificultad, pues debe mostrar el sentido del pelo, marcar el cuerpo y la musculatura del animal, así como las distintas tonalidades que adopta el pelambre frente a la luz.
  3. El proceso para el pelo de los animales: El proceso de pintado del pelo de los animales se realiza por capas, para representar las sucesivas hileras de pelo que el animal posee. Debe utilizarse un pincel especial para este trabajo.
  4. El primer color para los animales: El primer paso es dar color de fondo a la piel. Este puede variar de acuerdo a cada parte del animal.
  5. A tener en cuenta para el pelo: Es importante tener en cuenta el sentido de crecimiento del pelo, desde la raíz hacia las puntas y su largo. Todo esto determinará el largo de la pincelada.
  6. Pintar la musculatura de los animales: La musculatura es otro factor de vital importancia a tener en cuenta. Esto se debe a que produce movimientos en el pelo y efectos de luces y sombras sobre el mismo.
  7. Los tonos para el pelo de los animales: Es aconsejable utilizar varios tonos de cada color para crear un pelaje más realista. Al momento de dar vida a las sombras, se irán agregando detalles en tonos más oscuros.
  8. El inicio del pelo de los animales: Se aconseja comenzar a pintar el pelaje desde las patas y la cola, hacia arriba, capa por capa, de modo que se superpongan y la capa final, la del lomo, será la que esté más afuera.
  9. Naturaleza muerta de los animales: Los animales son considerados parte del universo de la naturaleza muerta. Sin embargo, resulta ser mucho mayor el grado de dificultad de otras naturalezas muertas.
  10. Las zonas para el pelo de los animales: En las zonas donde se marca la musculatura, se comenzará la hilera de pelo en el nacimiento del músculo para dejarlo en evidencia.
  11. Las pinceladas para el pelo de los animales: Las pinceladas siempre deben ser en la dirección del crecimiento para que se afinen hacia la punta del pelo.
  12. La composición de los animales: A la hora de pintar animales con acuarela la composición es vital. Por ejemplo si se tratará de un pájaro será necesario saber si está volando o si estará sobre una rama. En el caso de un animal doméstico habrá que ver si se encontrará en alguna parte del hogar o en el exterior. De esta manera se podrán crear interesantes juegos de colores, contrastes etc.
  13. Empezar por el fondo de los animales: Lo más recomendable es comenzar por el fondo. Así, por ejemplo si se tratará de un pájaro en vuelo, primero habrá que pintar el cielo. Humedecer el pincel, aplicar pintura azul, comenzar a limpiarlo a través del papel y dejar que el agua natural se disperse por el papel. Así se obtendrá un cielo lavado al que se podrá añadir más azul y luego nubes.
  14. Pintar pájaros: A la hora de pintar pájaros se recomienda comenzar por la cabeza. Luego habrá que establecer la forma del cuerpo.
  15. Tonos para pintar pájaros: Utilizar diferentes tonos de color ayudará a resaltar las texturas de las plumas del ave. Esto puede lograrse a través del uso de diferentes tonos de color o mediante la aplicación de trazos de pintura color negro con un pincel muy pequeño para llevar a cabo el aspecto de capas de las plumas.
  16. Mejorar las partes del pájaro: Una buena forma de mejorar la calidad de las plumas es mojando un pincel y difuminando la acuarela en cada pluma para crear una graduación de color en las plumas que se destacan sobre las capas creadas por las líneas finas de negro.
  17. Pintar partes del pez: Si se quieren pintar escamas de peces se recomienda elegir un tono claro para los espacios de mayor tamaño y otro más oscuro para los detalles. De esta forma se podrá otorgar una mejor textura a la obra.
  18. Pintar el fondo del pez. Se sugiere que en la pintura de peces el fondo sea más claro que la figura. De esta forma se creará un buen contraste en el que se destacará el animal y sus detalles.
  19. Perspectiva para el pez: Si la pintura del pez será vista desde una perspectiva superior, tomarán gran importancia algunos aspectos como los reflejos en el lomo del pez o sus ojos.
  20. El agua para el pez: El agua es el segundo elemento en la escala de importancia en la pintura de un pez. Es relevante jugar con sus diferentes matices. Luces, sombras, movimientos y colores juegan un papel primordial al momento de crear una obra capaz de transmitir sensaciones.

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20 consejos para pintar retratos con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 20 consejos para pintar con retratos con acuarela que debes conocer.

"Niña", David Lobenberg. pintar retratos con acuarela
  1. El inicio para pintar retratos: La composición del retrato es esencial. Cuando el retrato es el centro de importancia básico que ningún otro punto de la obra rivalice, y para ello se pueden seguir los conceptos básicos de la regla de los tercios o la de sección áurea.
  2. Las proporciones para pintar retratos con acuarela: Respetar las proporciones es esencial. Es normal que el pintor principiante amplíe ciertos elementos como por ejemplo los ojos o la boca y reduzca otros como las orejas, cuello, frente o cabello.
  3. Los modelos para pintar retratos: Si se trabaja con modelos, se aconseja representarlo hasta los hombros. De esta manera se podrá apreciar mejor la personalidad y actitud del retratado.
  4. Un punto importante para los retratos: La mirada es un punto importante en cualquier retrato. En un retrato de perfil, o de tres cuartos, es preciso dejar la mayor parte del “aire” en el lado hacia donde mira la persona, cuidando así mismo de dejar suficiente espacio por encima de la cabeza, de este modo, la composición de torna equilibrada.
  5. Más realismo para los retratos: Un buen retrato suaviza el contorno de las sombras para darles más realismo. Con sólo aplicar el color y pasar el pincel limpio pero aún húmedo sobre los bordes de la zona en cuestión se consigue el efecto.
  6. La boca en los retratos: Para pintar la boca se deben aplicar pinceladas más o menos diluidas en función de la reflexión de la luz. Para dar una impresión de brillo, dejar una zona sin pintar en el centro del labio inferior.
  7. Los ojos en los retratos: Si se quiere otorgar redondez a los ojos hay que resaltar el párpado superior y colocar una sombra sutil en el párpado inferior.
  8. Partes de los ojos en los retratos: Definir el párpado inferior es de vital importancia. Esto ayudará a que el ojo se vea bien ubicado y no “flote”.
  9. Ojos expresivos en los retratos: Para crear ojos expresivos hay que definir muy bien la línea en la que el párpado superior se pliega cuando el ojo está abierto.
  10. Luces y sombras en los retratos: Observar y plasmar con detalle y dedicación las figuras, luces y sombras dentro del ojo. Este truco le brindará mucha más profundidad en la mirada.
  11. La piel en los retratos: Las mezclas de colores para la piel en el retrato pueden y deben variar de artista en artista y de obra en obra.
  12. Tonos en la frente de los retratos: Hay algunos detalles que suelen permanecer invariables en los distintos retratos como por ejemplo que en la frente predominan los tonos más ocres o que en las zonas oculares suelen aparecer tonos fríos ligados a los violetas.
  13. Las mejillas en los retratos: Otras constantes en los retratos se pueden ver en las zonas de las mejillas (en general asociadas a los rosados), en la nariz (donde suelen incrementarse los rojos o naranjas) o en la mandíbula en la que suelen aparecer tonos grises para las mujeres y verdes para los hombres.
  14. La carne en los retratos: El color carne se consigue a base de ir intercambiando tonos cálidos y fríos. Un buen método para no olvidar esto es trabajar todo el rostro con sólo colores cálidos y tras ello trabajar sólo con fríos en sólo las zonas donde se supone que deberían estar.
  15. El blanco en los retratos: No dejar nunca el blanco del papel solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Se deben añadir otros tonos como el ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color (normalmente el color de la luz que ilumina el rostro) sin importar que sea cálido o frío.
  16. Tonos en la piel de los retratos: Los tonos de la piel no varían en función de que el retrato lo hagas más realista o más impresionista, son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trato de la pincelada más o menos difuminada.
  17. Claros/oscuros en los retratos: Dominar la técnica del claro-oscuro ayudará a conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de un rostro y no tanto el color.
  18. Primero los claros al pintar retratos con acuarela: Iniciar los retratos con los tonos claros y proceder a oscurecer de forma progresiva.
  19. El fondo en los retratos: Hay que tener en cuenta que las tonalidades o colores del fondo suelen reflejarse en los extremos de las mejillas.
  20. La ropa en los retratos: El color de la ropa tiene su reflejo en el mentón y en la zona inferior de la mandíbula.
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Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar retratos con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Los materiales son una parte muy importante al momento de pintar a la acuarela. En este artículo vamos a darte algunas claves sobre los pigmentos de las acuarelas. Vamos allá.

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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas.

  1. Acuarelas, una aproximación química. El principal atractivo de la pintura a la acuarela se basa en la transparencia de sus colores, hecho que la convierte en una pintura fresca, luminosa y espontánea. Esa forma de pintar ha sido ideada para ser trabajada con agua y aplicada sobre un soporte de papel. De todos modos, hoy la acuarela se aplica a otros soportes como cartón o arcilla entre otros.
  2. Composición de la acuarela: La pintura a la acuarela se encuentra compuesta de pigmentos naturales molidos, sustancias aglutinantes como la goma arábiga, que la convierten en una masa.
  3. Pigmentos: Los pigmentos son pequeñas partículas que dan color. Cada uno de ellos tiene un origen específico por lo cual es lógico que reaccionen de manera diferente. Los hay con mayor o menos poder de tinción, algunos son de por sí transparentes y otros son ligeramente opacos. Es justamente por eso que es necesario prestar mucha atención a la hora de recomendar combinaciones de colores con una composición.
  4. Pigmentos inorgánicos: Se trata de pigmentos derivados de compuestos que nunca fueron parte de la materia viva y que no contienen carbón. Este grupo incluye los cadmios, el cobalto, el ultramar, los tierra y una amplia gama de otros colores tradicionales.
  5. Pigmentos orgánicos: Son pigmentos derivados de sustancias vivas o de sustancias que en algún momento fueron parte de algo vivo. Dentro de este grupo se incluyen numerosos pigmentos modernos conocidos por su claridad y transparencia. Algunos de ellos ftalocianina, quinacridona, perileno y bencimidazolona. Estos pigmentos contienen carbón.
  6. Pigmentos únicos. Todos los pigmentos difieren en forma, tamaño, color y “personalidad”. Los pigmentos de las acuarelas especialmente, son la caja de herramientas o los elementos a través de los que “dicen” los artistas, los elementos que los ayudan a manipular la obra y alterar su expresión. Es por esto que muchas marcas tratan de crear formulaciones con pigmentos únicos. Las formulaciones con pigmentos únicos tienen tonos más puros y colores más limpios que las mezclas de pigmentos, lo que facilita la realización de un mayor número de mezclas cromáticas y retrasa la aparición de los efectos de emborronado.
  7. Pigmentos de las acuarelas mixtos. Aunque los pigmentos mixtos pierden inevitablemente algo de intensidad cromática o viveza, existen numerosas razones por las que marcas como Windsor & Newton todavía los utilizan en las formulaciones. En algunos casos, es posible lograr un nivel de permanencia superior con un pigmento mixto.
  8. Pigmentos tierra naturales. Los pigmentos tierra son los materiales colorantes más antiguos del mundo. En las cuevas de Altamira y Las-caux aún se encuentran obras de arte de hace al menos 15.000 que los han utilizado. Las tierras naturales son esenciales debido a su escaso poder colorante y sus tonos naturales. Además son esenciales porque no se pueden obtener a partir de mezclas de tonos negros o blancos. Los tierras son depósitos de color que suelen haber adquirido su tono por haber estado en contacto con hierro durante millones de años. Son algunos de los pigmentos más inertes y permanentes que se pueden encontrar. Los pigmentos tierra se extraen del suelo y se limpian y lavan posteriormente.
  9. Pigmentos tierra sintéticos. Los pigmentos tierra sintéticos representan al grupo de pigmentos que han sustituido a los pigmentos tierra naturales dada su falta. Se trata de óxidos de hierro sintéticos. Estos últimos son atractivos por sí mismos dado que su carácter tiende a ser bastante resistente y opaco. Los primeros datan de mediados del siglo XIX. Aunque los óxidos de hierro sintéticos poseen buenas características propias, no reemplazan totalmente a los pigmentos tierra. Por lo tanto, es recomendable que el artista cuente con pigmentos tierra naturales y tierra sintéticos.
  10. Pigmentos cadmio. Los colores que contienen pigmentos de cadmio constituyen una importante gama cromática en la paleta del artista. Sus singulares tonos, son buena cobertura y su escaso poder colorante son cualidades que ningún otro pigmento disponible iguala. Además cuentan con una excelente solidez a la luz y son muy opacos. Se trata de los rojos y amarillos más populares de la paleta de los artistas.
  11. Pigmentos alternativos. Ha habido preocupación por los compuestos de cadmio utilizados en otras industrias y por su impacto en el medio ambiente. Tomando esto en consideración, algunos artistas que no dependen da las singulares características de los cadmios pueden optar por usar alternativas. No hay sustitutos directos de estos tonos, pero existen alternativas que poseen algunos de sus atributos.
  12. Quinocridonas. Son un grupo de pigmentos muy importante originado en la década de 1.950. Las primeras fueron introducidas por Windsor & Newton, como el Rosa permanente y el Magenta permanente. Con la gran transparencia y solidez a la luz de sus tonos, estos colores transformaron la sección del rosa y del malva de la paleta, una zona que siempre había estado signada por su escasa solidez a la luz. Con el tiempo fue posible disponer de muchos otros tonos de esta gama.

Hasta aquí estos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

  1. ¿Qué es la acuarela?: El término “acuarela”, etimológicamente, deriva del latín “aqua”. El diccionario define este vocablo como “pintura realizada con colores diluidos en agua”. Esta definición no resulta para nada casual ni azarosa si se considera que el agua es el medio a través del cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos y aglutinados con otras sustancias como por ejemplo la goma de Senegal o goma arábiga, por mencionar algunas. Las personas muy puristas de la técnica suelen añadir otros componentes a las acuarelas como glicerina, miel, hiel de vaca o algún agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio. A estas disoluciones se las conoce como tintas y los baños con los que se baña el papel usando el pincel u otro medio, se llaman aguadas.
  2. La importancia del color en la acuarela: Los colores de las acuarelas se forman a través de un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábiga y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel. La característica principal s elos trabajos en acuarela es la transparencia que generan estos pigmentos diluidos. Desde finales del siglo XIX, la pintura a la acuarela ha gozado de una gran popularidad. Y fue justamente esta enorme popularidad la causante de cierto desprestigio de la técnica ya que, el termino “pintar a la acuarela” se asociaba primeramente a los más altos estratos de la sociedad que transformaban su afición por la pintura en un pasatiempo ameno haciendo uso de las acuarelas como medio de expresión, ejecutando de forma repetitiva paisajes delicados donde se utilizaban mayormente los tonos pastel.
  3. ¿Por qué el agua es protagonista de esta técnica? El agua es la protagonista de la pintura a la acuarela y la causante de su típica transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En la pintura a la acuarela interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa diáfana Esto es justamente lo que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
  4. ¿Por qué es la técnica más admirada? Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, cuando están húmedas, a una presentación atenuada, clara una vez que la obra está seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con la que se haya cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Es justamente por eso que se debe tener en cuenta este proceso durante la realización del trabajo para poder conseguir el aspecto deseado. A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, es decir un modo que “respeta” las normas establecidas en tiempos de antaño, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan diversas técnicas en la misma obra.
  5. ¿Por qué nos gusta pintar con acuarelas? La técnica de la acuarela es la más seguida por los que tienen la intención de empezar a introducirse en el bello arte de la pintura. Aunque para la mayoría de expertos es la técnica más compleja, es precisamente este y otros aspectos la que la hace más interesante. Con acuarelas el artista puede pintar obras de colores muy vivos. Desarrollar paisajes y marinas con esta técnica, es la mejor manera para la representación del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con las otras técnicas. Su luz, cuando el manejo es ya avanzado termina siendo radiante y potente en cualquier práctica. El soporte donde se pinta con la acuarela también le proporciona al artista una ventaja sin igual. Normalmente se trabaja sobre papeles con grano semigrueso o grueso, lo que le aporta a la obra una gran plasticidad.
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12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

En este artículo te damos 12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer. En primer lugar dos trucos rápidos para aprender a dibujar árboles es aceptar que no hay trucos rápidos para eso y aprender a dibujarlos uno por uno.

Registro de colores.

Siempre que dibujes un árbol que no conozcas, estudia todos los colores que veas y cuéntalos. En tu cuaderno de bocetos, crea un diagrama de color del árbol y especifica el lugar y la época del año.

deGranero dibujar árboles y vegetación

12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

  1. El lugar, el clima y la estación afectan al color: Hay muchas cosas que influyen en la paleta de color de los árboles, entre ellas el clima y la estación. La ubicación también es fundamental para la percepción del color de los árboles: las cualidades y el carácter de la luz del lugar donde trabajamos alteran la paleta de color de manera fundamental.
  2. Estudia los árboles: Para dibujar los árboles con eficacia hay que observarlos y conocerlos. Si te gustan mucho los árboles y quieres aprender a dibujarlos, te recomiendo que dediques algo de tiempo a mirarlos y a aprender acerca de ellos. Fíjate en su constitución y su estructura; por ejemplo estudia el modo en que se articulan las ramas a partir del tronco y averigua como crecen y cambian a lo largo de las estaciones. Estudia su apariencia desde una serie de perspectivas distintas.
  3. Dibuja árboles y repítelos en todas las estaciones. La forma de los árboles se reconoce mejor en invierno, cuando han perdido las hojas y su estructura subyacente es visible. Dibuja el patrón de las ramas y la forma en que éstas irradian desde el tronco del árbol.
  4. Dibuja árboles a distancia: Para capturar la forma de un árbol no conocido prueba a dibujarlo a distancia. Los parques y el campo son buenos lugares para ello.
  5. Deja huecos: Todos los árboles tienen vacíos entre el follaje a través de los cuales se puede ver el cielo. Para no olvidarte de incluirlos en tus dibujos, imagínatelos como agujeros para que los pájaros pasen a través de ellos.
  6. Dibujo de troncos: Los troncos y las ramas son formas cilíndricas y alargadas. El truco para que el tronco parezca cilíndrico es emplear tramas de volumen laterales, lo mismo que se hace para destacar la forma de una pierna. Las palmeras ofrecen troncos fáciles de dibujar.
  7. Dibuja el jardín desde la ventana: SI tienes jardín, dibújalo al menos una vez al mes; es un modo excelente de mejorar tu técnica.
  8. Dibuja el jardín: El jardín es un lugar tranquilo para enfrentarte al dibujo al aire libre. Lo primero que notarás es que la luz cambia constantemente y las sombras se mueven al pasar el tiempo. Siéntate en un punto y dibuja los cambios de luz durante el día. Observa también lo oscuras que son las sombras en los días soleados.
  9. Dibuja jardines durante las estaciones: Es bueno sentarse en el mismo sitio y hacer el mismo boceto para registrar los cambios. Los macizos de flores parecen difíciles, hasta que empiezas a ver las flores como formas, masas y distintos tipos de marcas.
  10. Cualquier verde entona todos los verdes: Un hecho interesante es que los verdes nunca desentonan. Mezclar los verdes siempre los hace más atractivos. Dicho esto, se requiere práctica para llegar a mezclar y dibujar todos los verdes visibles. Los verdes oscuros son especialmente complicados.
  11. Utiliza oscuros intensos y coloridos: A menudo encontramos zonas de intensa oscuridad en los jardines. Usa colores complementarios, como carmesí y verde, para crear colores oscuros profundos, y evita los agujeros negros en tus dibujos.
  12. Dibuja esculturas de tejo: Las esculturas de los jardines pueden ser naturales o artificiales, y las esculturas de tejo pueden ser ambas cosas. Estas esculturas son una práctica excelente para dibujar formas tridimensionales dentro de paisajes.
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12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 13 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer. Los artistas botánicos suelen dibujar del natural y no de fotografías. Normalmente empiezan la observación en el terreno y después continúan dibujando en el estudio a partir de especímenes vivos. También dibujan las plantas a lo largo de las estaciones en cada etapa de crecimiento y decadencia.

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12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

  1. Cuaderno de bocetos de naturaleza: Un cuaderno de bocetos de campo es un elemento muy valioso para las personas interesadas en dibujar plantas y flores. Resulta especialmente útil si la planta tiene que permanecer en su hábitat y hay que dibujarla in situ. Utiliza el cuaderno de bocetos para anotar medidas o el registro de las pautas de crecimiento con el tiempo. Puedes también tomar notas sobre el hábitat, registrar los detalles de estructuras no contenidas en las fotos de referencia o realizar estudios de color y anotaciones sobre los colores observados.
  2. Referencias mixtas de color: Antes de empezar a dibujar, identifica los colores y mezclas de colores relevantes de cada planta, flor y hoja. Un conjunto de mezclas de colores y tarjetas de sombreado nos proporcionará el color correcto y podemos usarlo sobre el terreno.
  3. Primavera: dibuja la vida nueva. Concéntrate en las estructuras de nuevo crecimiento, los brotes y capullos de flores y los verdes peculiares y frescos de las hojas nuevas.
  4. Verano: dibuja la floración. El desafío del verano es la abundancia de temas, tanto de flores como de frutos. Haz series temáticas de dibujos sobre colores, familias de plantas o hábitats.
  5. Invierno: la vida en una estación dormida. En invierno, los jardines tienen menos que ofrecer en cuanto a flores, pero presentan otros asuntos interesantes como, por ejemplo, piñas, líquenes, verduras de invierno y las estructuras de los árboles sin hojas.
  6. Otoño: frutos, hojas y semillas: Con el otoño llegan los colores cambiantes de las hojas y la producción de nueces, semillas frutos y tubérculos.
  7. Planifica y establece prioridades: Puede parecer obvio, pero para dibujar del natural es esencial establecer prioridades. Toma fotos de referencia del lugar y prepara estudios de color. Empieza por las partes de la planta que probablemente vayan a marchitarse o morir primero.
  8. Mantén frescas las plantas y las flores a dibujar: Conserva el material fresco para detener el desarrollo y disponer de más tiempo para dibujar el asunto. Puedes colocarlas en el frigorífico por la noche. Utiliza espuma floral o envuelve los tallos en un paño o en un papel húmedo para mantener la humedad del material. Usa bolsas de plástico con cierre para guardar especímenes encontrados en el campo.
  9. Dispón bien las plantas para prolongar su vida.
  10. Reglas estrictas de sombreado: La ilustración botánica prescinde de los detalles de contexto y de las sombras fuera de la forma llena de la flor o planta.
  11. Usa papel vegetal para desarrollar la composición: Decide que componentes de la planta quieres incluir; después, dibuja cada uno de ellos en hojas de papel vegetal separadas. Superpón y reposiciona los calcos en una superficie plana hasta que encuentres la composición que prefieras. Finalmente, pégalos con cinta de baja adherencia y haz un calco modelo para realizar la pieza final.
  12. Mantén limpio el papel: Protege las partes de l dibujo ya terminadas. Por ejemplo puedes usar papel vegetal o papel glassine sujetos con cinta adhesiva.
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Cómo disponer las plantas y prolongar su vida.

Algunos consejos:

  • Usa un soporte de laboratorio para mantener el espécimen en su lugar.
  • Pon los especímenes bajo una luz adecuada para ver sus detalles. La luz natural es la mejor.
  • Si usas luz artificial, procura no calentar la planta.
  • Mantén fresco el estudio para limitar el desarrollo de las flores.
  • Usa un color de fondo neutro para evitar reflejos.
  • Si deseas estudiar las plantas en plano, pega hojas y pétalos a un tablero con cinta de doble cara.

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7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. El color es mucho más que el círculo cromático.

Sobre el color.

Términos empleados para describir las propiedades del color:

  • Color local: Color natural visto a la luz del día, sin modificaciones de luces o sombras. Bajo una luz artificial el color puede tener un aspecto muy diferente.
  • Color (matiz): Color en un estado natural, sin añadidos de blanco ni negro.
  • Valor tonal: Posición de un color en el efecto de la luz (iluminación o tinte) y oscuridad (sombra).
  • Iluminación: Color mezclado con blanco.
  • Sombra: Color mezclado con negro (o con su color complementario).
  • Intensidad/saturación: Calidad de brillo y pureza, color pleno.
  • Espectro de color: Gama de colores visibles para el ojo.
  • Círculo cromático: Modelo teórico de las relaciones entre los colores, centrado en tres aspectos, colores primarios, colores secundarios y colores terciarios.
  • Clave alta: Predominio de colores claros y brillantes.
  • Clave baja: Predominio de colores oscuros y apagados.
  • Colores análogos: Tres o más colores adyacentes en el circulo cromático, uno de ellos suele ser el color dominante.
  • Colores complementarios: Dos colores opuestos en el círculo cromático.
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7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

  1. Lee sobre el color: Si te gusta dibujar en color, procura aprender todo lo posible sobre él. La teoría del color es un tema muy amplio que puedes encontrar un montón de libros de referencia.
  2. Sistemas de color: El sistema de impresión de color (CMYK) es distinto al de reproducción en pantalla (RGB). Los colores impresos y los digitales son también distintos de los que usan los artistas, que se elaboran mezclando pigmentos y tintes.
  3. El color cambia: El color varía según el tipo de luz (natural o artificial), la hora del día , la estación del año y la parte del planeta donde estamos. Los cambios de estación modifican la paleta de color del mundo que nos rodea.
  4. Color a partir de la observación: Para conseguir los mejores efectos de color hay que practicar la observación de la infinita variedad de colores que nos rodea y que están en los asuntos que dibujamos. Es muy fácil dibujar un asunto partiendo de los colores que creemos que tienen en lugar de fijarnos en los colores reales que veremos en él si los miramos con atención. Disponte a descubrir colores distintos a los que esperabas. Confía en tus ojos y no en los recuerdos de tu mente.
  5. Dibuja con buena iluminación: Busca una iluminación que te permita ver los colores auténticos y sin cambios. te recomendamos: trabajar lejos de la luz solar brillante o intensa, sentarte juntos a una ventana que dé al norte, ya que la luz en más constante en esta dirección, usar persianas para controlar la luz que entra por la ventana y emplear bombillas de luz del día en lugar de las bombillas domésticas normales de interior.
  6. Aísla el color: La manera en que vemos un color está influida por otros colores que lo rodean, lo cual puede confundirnos. Es más fácil apreciar un color cuando lo aislamos. Cierra un ojo y mira el color a través de un pequeño orificio practicando en un trozo de cartón, o por un papel enrollado, o por un cilindro formado con el puño.
  7. Dibuja con las tijeras: Recorta papeles de colores con distintas formas y dispónlos para crear la imagen de un objeto. Esta actividad nos obliga a pensar en fondo en las formas, los valores y los colores, así como a simplificar , puesto que no podemos usar nada más complejo que usar formas grandes y uno o dos colores.

“El recorte de papel me permite dibujar en color”

Henri Matisse (1869-1954, acerca del dibujo con tijeras y papel de colores).

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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Luces y sombras se combinan para representar un asunto mediante un espectro de valores que van desde la luz más brillante hasta la sombra más oscura. Los valores pueden crearse por la combinación de línea, sombreado y color.

Sobre luz y sombra.

Algunos términos que se aplican a luces y sombras:

  • Sombra proyectada: Sombra que forma un objeto sobre una superficie cercana al bloquear la fuente de luz.
  • Destello: Luz intensa o resplandor en el ojo.
  • Claroscuro: Técnica que emplea luces y sombras intensas para definir objetos 3D. Núcleo o joroba de la sombra: La parte más oscura de la sombra, alejada de la luz y no afectada por la luz reflejada.
  • Zona de luz: Área de un objeto expuesta a la luz.
  • Zona de sombra: Área de un objeto no expuesta a la luz directa.
  • Brillo: El tono más claro; rodeados de tonos más oscuros, los brillos saltan del papel.
  • Luz reflejada: Zonas más claras dentro del núcleo de la sombra, producida por las reflexiones de la luz y el color.
  • Contraluz: Luz que ilumina un objeto por detrás.
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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

  1. Dibujo de luz y sombra: Con el tiempo y la observación llegarás a saber cómo crear la impresión de luz y sombra. Empieza practicando con formas muy simples, por ejemplo, huevos, en un entorno neutral donde solo actúen las luces y las sombras.
  2. Evalúa la iluminación: Una buena iluminación ayuda a mostrar tanto el volumen como la forma, mientras que una iluminación mala puede confundir al observador. EL tipo de luz, sea ésta neutral o artificial, afecta al valor tonal y a la calidad de los contornos que vemos. La dirección e intensidad de la luz influye en el carácter de las sombras y en el modo en que detectamos las formas. El color de la luz afecta de manera natural a los colores visibles. Los nuevos tipos de luz artificial ofrecen distintas opciones en cuanto a la temperatura del color, desde el cálido (amarillo) hasta el azul (luz diurna) pasando por el neutral.
  3. Responde a la luz exterior: La luz y la sombra se mueven continuamente cuando dibujamos al aire libre, y la longitud de las sombras cambia a lo largo del día. Antes de empezar el dibujo, haz un boceto del patrón de valores para anotar el efecto de la luz ante tus ojos. Si realizas un dibujo compuesto con distintas fuentes asegúrate de que la relación de cada objeto corresponda a una fuente de luz determinada.
  4. Para mejorar el diseño de los dibujos: Los dibujos que no tienen un buen rango de valores tonales suelen tener un aspecto plano y sin vida, mientras que un buen patrón de valores tiende a captar la mirada. En un dibujo visto a distancia, lo único que distinguimos es el patrón abstracto de luces y sombras; todos los valores se subordinan al patrón de valores.
  5. Escala de grises: La escala de grises muestra los cambios de valores tonales de luz y sombra entre el blanco y el negro. Sirve para comprobar y comparar el valor tonal de los que vemos con el de lo que hemos dibujado.
  6. Entorna los ojos: Entornar los ojos es una manera simple y rápida de ver los valores tonales sin usar ningún utensilio. Usa esta técnica para desarrollar bocetos miniatura.
  7. Prueba distintos métodos de sombreado: Elabora un portfolio de distintas maneras de sombrear y de representar diversos valores tonales. Para producir cambios de tono, es mejor emplear lápices progresivamente más blandos en lugar de variar la presión.
  8. Evalúa valores tonales todos los días: La práctica continua y la evaluación instantánea ayudan a desarrollar la competencia.
  9. Hazte examinar la vista si tienes problemas de visión de los tonos. Afecciones oculares tales como las cataratas pueden reducir la capacidad de ver el color y el tono con precisión y provocar visión borrosa, por lo que es aconsejable hacerse una revisión si se presentan problemas.
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7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. El tipo de líneas que se emplean en los dibujos hablan tanto del artista como del tema. La línea se usa para describir un espacio o una forma, además de expresar movimiento y energía creando una sensación de dirección y perspectiva. Las líneas tienen muchas características: pueden ser gruesas o finas, rectas o curvas, asépticas o expresivas, controladas o sueltas. Estas características pueden reflejar la naturaleza del objeto representado.

“Un dibujo no es más que una línea que sale a pasear.”

Paul Klee (1879-1940)

deGranero líneas y contornos

Sobre líneas y contornos.

Los bordes nos comunican la naturaleza de un asunto y el modo en que la luz cae sobre él:

  • Perímetro: Borde exterior de una forma plana bidimensional.
  • Línea de contorno: Silueta de una masa o forma tridimensional.
  • Borde duro: Borde definido y preciso.
  • Borde suave: Borde vago y difuso que carece de definición.

Cuando empieces a dibujar del natural en lugar de usar fotos, pasarás de dibujar perímetros a dibujar líneas de contorno.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

  1. Crea líneas con distintas características: El acto de dibujar implica sentir el carácter de las líneas mientras el brazo y la mano aplican el medio al papel. Energía, presión y control afectan a la naturaleza de las líneas, a su grosor, peso y precisión. El tipo de material de dibujo y el soporte también son importantes. Por ejemplo, la estilográfica tiene una punta flexible que permite más variedad de grosor e intensidad. El estilógrafo y el portaminas ofrecen ambos una línea muy consistente y exacta.
  2. Desarrolla el control de las líneas rectas: Es más fácil decirlo que hacerlo. Intenta dibujar una línea despacio, y después con rapidez. Dibuja una línea vertical paralela al borde del papel y repite la operación otra vez.
  3. Trama, trama vertical y trama cruzada: Observa dibujos de bellas artes de artistas contemporáneos y de maestros antiguos para estudiar el empleo de las variaciones de las tramas para crear valores tonales y sugerir las características de las superficies. Los tramados de contorno se usan mucho en el dibujo clásico para descubrir las formas humanas.
  4. Usa líneas discontinuas: La línea no tiene por que ser continua; las líneas rotas también son importantes. Cuando dibujo con rapidez, mi pluma baila por la página mientras encuentro mi camino alrededor del asunto. Las líneas intermitentes sugieren contorno de las cosas de forma discreta, sin estridencias.
  5. Los contornos duros son duros para la vista: Un contorno duro indica un agudo contraste tonal entre formas adyacentes debido, por ejemplo, a un cambio de luz; el contorno duro ayuda a crear énfasis. No obstante hay que usarlos con prudencia, ya que demasiados contornos duros pueden resultar difíciles de ver y crean confusión en cuanto al centro de interés del dibujo.
  6. Los bordes suaves atenúan las transiciones: Los bordes suaves ayudan a atenuar la transición entre una forma o un valor tonal y los siguientes. Se producen allí donde la luz es baja o difusa o está detrás del asunto, y se usan cuando se necesita sutileza. No obstante,demasiados bordes claros pueden hacer confuso el dibujo y crear formas mal definidas.
  7. Imagina que el lápiz está tocando los contornos reales de los objetos: El dibujo asciende un escalón cuando sientes que, literalmente, formas parte del trazo que estás haciendo. Imagínate que el lápiz está tocando realmente el objeto mientras dibujas su contorno. Sigue el contorno con el ojo y dibuja lentamente la misma línea en el papel.
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6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Dentro de un dibujo, el espacio ayuda a definir los objetos que contiene y los que le rodean. Los dibujos describen las relaciones entre los objetos y el espacio mediante línea, valor tonal y color, que definen tales objetos y crean impresión de profundidad, escala y perspectiva.

Sobre el espacio.

Algunos términos relativos al espacio en el dibujo:

  • Ilusión: Representación visual de un espacio 3D en dos dimensiones.
  • Espacio pictórico: Ilusión de profundidad y espacio 3D creada en un soporte 2D.
  • Plano pictórico: Espacio 2D dentro de los bordes del marco establecido para el dibujo.
  • Espacio lleno o positivo: Área ocupada por un espacio.
  • Espacio vacío o negativo: Área entre los objetos y en torno a ellos.
  • Espacio abierto: Se incluye en los dibujos para permitir que el tema respire en el papel.
  • Espacio activo: Espacio dentro de la imagen en el cual pueden moverse los elementos activos.
  • Espacio plano: Espacio sin curvas ni atisbos de profundidad.
deGranero eespacio y proporción

Dibujo del espacio.

  1. Dibuja una silla y el espacio dentro y alrededor de ella para entender los espacios llenos y vacíos.
  2. Selecciona un tema de dibujo y ponlo boca abajo para que parezca menos familiar. Dibuja los que veas y utiliza un color claro para la forma llena y un color oscuro para la forma vacía.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

  1. Dibuja el espacio lleno, ocupado por el objeto. Las personas que aprenden a dibujar, a menudo dibujan solamente el llamado espacio lleno o positivo, es decir, el espacio que ocupa el objeto (por ejemplo, un jarrón de flores, un rostro, un gato), y tienden a dejar de lado o ignorar el contexto por lo que respecta al fondo.
  2. Dibuja el espacio vacío, que está entre los objetos y su alrededor. Si te concentras en dibujar las formas vacías o negativas que hay en el espacio entre los objetos y en torno a ellos es mucho más fácil evitar que nos distraigan nuestras ideas acerca del aspecto que deberían tener las formas y los objetos.
  3. Dibuja al revés. Es mucho más fácil dibujar un objeto si lo miramos boca abajo o desde un punto de vista insólito. Este ejercicio es útil para quienes tienen dificultad en ver formas llenas y vacías en el espacio y para aquellos a quienes les cuesta captar las dimensiones correctamente.
  4. Dibuja a escala. La escala es importante cuando se dibuja en proporción al tamaño real. Podemos decidir ampliar el asunto (por ejemplo, para dibujar una pequeña parte de una flor) o reducirlo (para dibujar un edificio). Captar la escala y la proporción correctas es importante en el dibujo realista. Por ejemplo, hay que asegurarse de que las puertas sean lo bastante grandes en relación con las personas de una habitación. La escala se distorsiona a propósito para cambiar la importancia relativa del objeto distorisonado.
  5. Usa una cuadrícula para ampliar o reducir. El método más sencillo para realizar una ampliación es una cuadrícula. Es muy fácil de aprender y de recordar, y el tamaño de la cuadrícula puede adaptarse a la tarea en cuestión (para dibujar zonas detalladas podemos usar una cuadrícula más pequeña).
  6. Evita los espacios uniformes. Los espacios uniformes dentro del dibujo o alrededor del asunto deben evitarse. La disposición irregular del espacio es más efectiva.
deGranero espacio y proporción en el dibujo

Hasta aquí nuestros 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer. La forma de los objetos del mundo real es tridimensional, pero en el dibujo sólo podemos usar dos dimensiones: altura y anchura.

Sobre las formas.

Algunos términos que describen la forma y el volumen de los objetos:

  • Forma: Área definida por una longitud y una altura. Las formas se representan con líneas, colores o sombreados.
  • Forma tridimensional: Espacio delimitado que se mide entres dimensiones: longitud, altura y anchura.
  • Volumen: Tamaño de una forma en tres dimensiones.
  • Densidad: Proporciona una sensación de resistencia de la forma.
  • Masa: Elemento sólido tridimensional con sensación de peso y resistencia. Combina volumen y densidad.
deGranero forma tridimensional

5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

  1. Practica el dibujo con formas muy básicas: Conoces el aspecto de las formas simples, pero, ¿sabes dibujarlas? Empieza por dibujar repetidamente formas simples bidimensionales y tridimensionales hasta que manejes su geometría con soltura; imagina que son transparentes e incluye las líneas y las esquinas que quedarían ocultas si fueran opacas. Los círculos, óvalos y formas elípticas curvadas exigen mucha práctica. Este ejercicio sirve además como calentamiento.
  2. Dibuja el tema en el aire: Puede sonar raro, pero funciona. Aprende a dibujar el tema elegido antes de poner el lápiz sobre el papel, Intenta trazar el contorno de la forma en el aire antes de empezar.
  3. Para empezar, define bloques: Márcate algunas pautas para iniciar un dibujo: la definición de bloques ayuda a simplificar el asunto y facilita s establecimiento de las dimensiones del papel. Primero, busca las formas dominantes (formas geométricas grandes y simples que componen el contorno del asunto. Haz un boceto muy ligero de esas formas. Comprueba el tamaño, las proporciones y la posición de las formas. Por último, cuando las formas grandes estén situadas, refina las líneas y añade detalles.
  4. Avanza de lo general a lo particular: Una vez establecidos los bloques de las formas básicas, podemos seguir observando y refinando. Empieza con una de las partes y busca las formas pequeñas que contiene la forma grande. Redefine las líneas y las formas sobre la marcha; no es necesario borrar las líneas previas.
  5. Identifica las masas contiguas de valor tonal semejante: Las formas no existen de manera aislada. Nuestro cerebro sabe que los objetos están separados y quiere dibujar lo que sabemos que tenemos delante; sin embargo, si la luz está baja o detrás del asunto, los bordes de las formas y la separación entre éstas y el entorno y las formas contiguas queda muy difuminada. Las formas conectadas, con más o menos el mismo valor tonal, pueden crear una forma mucho más grande.
deGranero forma y forma tridimensional

Hasta aquí nuestros 5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer. El soporte más estable es una superficie rígida, pero ésta puede resultar más pesada. El lienzo tensado es una superficie ligera, flexible y fácil de transportar, que se puede sacar del bastidor y enrollar para guardarla. Como materiales se usan mucho el lino y el algodón en diferentes pesos y tejidos. Se encuentran por metros (al natural o ya imprimados) listos para colocar en el bastidor.

La superficie que elijas depende de cómo quieras pintar. Un lienzo liso favorece la aplicación uniforme, mientras que un tejido áspero proporciona una superficie rugosa para dar volumen con un empaste. El lienzo o el lino más gruesos van bien para pinturas de gran formato, y la muselina, para montar en cartón. Es bueno tocar las superficies antes de comprar.

deGranero preparar un lienzo

2 herramientas para preparar un lienzo:

  1. Bastidores: Se encuentran con diferentes largos, listos para ensamblar. Los mejores tienen un borde biselado en la parte frontal para mantener el lienzo apartado del bastidor mientras se pinta. Esto es muy importante porque la pintura tendrá un aspecto diferente si se pinta contra la madera, ya que se puede formar una línea donde empieza el bastidor. También se pueden hacer en casa con listones de 5 x 2,5 cm. ensambladas en inglete, con borde biselado y bien escuadradas. Cuanto mayor sea el lienzo, más fuerte tendrá que ser el bastidor; los más grandes (de más de 1 metro) necesitan un travesaño sencillo o doble. Los triángulos de cartón duro clavados en las esquinas por la parte trasera fortalecen la estructura.
  2. Pinzas para lienzos: El lienzo con la imprimación es más difícil de extender pues no cede. Las pinzas para tensar lienzos aseguran que queden bien tensados. Aunque las pinzas se recomiendan para lienzos con imprimación, tensar un lienzo grande sin imprimar es un trabajo duro que puede dañarte las manos. Las pinzas facilitarán la tarea, aunque hay que tener cuidado de no tensar demasiado el lienzo, porque se puede romper al encolarlo.
deGranero como preparar un lienzo

4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

  • Montaje del bastidor: Asegúrate de que todas las piezas estén orientadas en la dirección correcta, con el borde biselado por delante. Presiona para unir cada junta en inglete. Golpea con un mazo de madera para encajarlos bien. Comprueba que el rectángulo encaja perfectamente con una escuadra o poniéndolo sobre la esquina de una mesa. Si el bastidor no tiene un borde biselado, corta cuadrantes con ángulos de 45 grados en cada extremo, para lograr una esquina limpia, y encólalos y clávalos en su sitio. En lienzos grandes clava un triángulo de cartón duro para hacer la estructura más estable.
  • Tensado: Hace falta práctica para saber cuánto hay que estirar el lienzo para tensarlo. Ante todo, es más fácil hacerlo por el centro que en las esquinas. El truco es no tensarlo demasiado al principio. Segundo, un lienzo que se vaya a pintar con acrílico requiere más tensión que uno que se vaya a sellar con cola de conejo, la cual contraerá el lienzo cuando se seque. Pon el bastidor biselado hacia abajo sobre el lienzo de forma que quede alineado con el hilo de la tela. Corta el tejido de forma que sobren aproximadamente 6 cm. por cada lado. Pon la primera grapa y avanza del centro hacia fiera en cada uno de los lados. Dobla las esquinas con cuidado.
  • Reparación de desgarros: Corta un trozo pequeño de lienzo al natural que cubra el desgarro. Tiene que ser exactamente del mismo tipo y grosor. Encola el parche y el jirón por detrás del lienzo. Coloca el parche sobre el desgarro por detrás del lienzo; asegúrate de que el sentido del hilo de ambos está en la misma dirección. Alisa para ajustar. Encola otra vez y deja que se seque. Pon imprimación sobre el desgarro por la parte delantera.
  • Eliminación de bultos: Humedece con agua la parte trasera del lienzo y deja que se seque.

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7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer. En su estado natural, la acuarela y el gouache son líquidos, pero hay técnicas para añadirles textura. Los medios comerciales pueden hacer la pintura más granulada, más gruesa, que se pegue menos al papel y que tarde más en secarse. No siempre se especifican bien los ingredientes, pero generalmente son las mismas sustancias usadas para elaborar la pintura; estos medios deben usarse con moderación.

2 texturas con acuarela.

  1. Textura transparente: Puedes usar tres técnicas para hacer esta textura, pincel seco sobre papel rugoso, medio texturado añadido a los lavados para hacerlos más granulares, y salpicaduras de pintura con un pincel rígido. El blanco del papel rugoso es importante, pues añade brillos al mostrarse a través de la pintura transparente.
  2. Textura opaca: Puedes realizar una textura general con pintura arrastrada sobre la superficie con un pincel seco. Sobre un lavado dispuesto encima puedes dejar caer un plástico, lo que proporciona un patrón irregular. Luego puedes pintar encima y tapar en algunos lugares con gouache opaco. Finalmente también puedes aplicar salpicaduras oscuras y claras a la vez punteando con un cepillo de pelo de cerdas duras.
deGranero texturas en acuarela

7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

  1. Un papel rugoso prensado en frío es ideal para hacer granulados y manchas.
  2. Aplicar pintura en un papel texturado con un pincel seco produce un efecto moteado. Asegúrate de que el pincel esté seco limpiándolo con un papel, mójalo en la pintura y arrástralo sobre la superficie. Pon los dedos sobre la base de las cerdas para abrirlas (así conseguirás una marca más ancha) o usa un pincel abanico. Si punteas la superficie con un pincel de cerdas rígidas lograrás zonas más controladas de puntos, en contraste con las pinceladas más suaves.
  3. Agrega un medio de textura a la pintura para conseguir un acabado granulado. Puedes obtener un efecto similar espolvoreando un poco de sal en la superficie, o añadiendo más goma arábiga o medio granulado a la pintura, añade aquapasto.
  4. Salpica pintura sobre la superficie con un cepillo de dientes viejo o un cepillo duro. Delimita con un estarcido la zona que quieras texturar, para proteger el resto de la pintura. Este método poco sofisticado es sorprendentemente efectivo con cualquier color en cualquier momento, pero quizá prefieras usar fluido de enmascarar, para preservar las motas blancas al principio del proceso, o bien usar gouache blanco al final, para añadir luz y brillos a un lavado deslucido.
  5. Pon una bolsa de plástico ligeramente arrugada sobre un lavado y deja secar. Al levantarla, revelará un jaspeado.
  6. Lija suavemente con un papel de lija grueso, raspar o cortar con una cucharilla la capa superior del papel son formas de recuperar el blanco. Es un último recurso, ya que la operación araña la superficie del papel y es más difícil pintar encima de éste.
  7. Pinta zonas del fondo con goma arábiga o preparación para retoques (lifting medium) si necesitas quitar la pintura después de los lavados. Pasa un pañuelo de papel o un algodón sobre la pintura para descubrir el blanco.

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5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer. El buen resultado del dibujo con pasteles o crayones depende en gran medida de la cantidad de colores de la que dispongamos. No es posible obtener colores exactos mezclando unos cuantos primarios como se hace con la pintura, por lo que es aconsejable, incluso para los principiantes, adquirir el juego más completo que pueda costearse, de entre cincuenta y cien barras.

deGranero pintar con pasteles

5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

  1. Gama de colores: Los crayones de tiza y cera se destinan el mercado infantil y tienen una gama limitada, aunque es posible encontrar variaciones de colores básicos, por ejemplo, diversas sombras de verde. En los pasteles blandos y al óleo, el fabricante indica los nombres de los pigmentos empleados y es posible adquirir una gama de colores primarios y secundarios, junto con una serie de tintes y de grises. Compara distintas versiones y pruébalas antes de comprar, y disponte a comprar los mejor calidad, cuyos colores y texturas serán probablemente mucho mejores. Después podrás ampliar el juego de colores con barras sueltas a medida que aprendas. Siempre es útil tener barras adicionales de color blanco, descubrirás que son las que más se usan.
  2. Lápices de cera: Los lápices de cera se hacen con pigmento en polvo mezclado con cera de parafina fundida que se vierte en moldes y se seca. Si adquieres tizas o lápices grasos destinados al mercado infantil, ten en cuenta que los pigmentos se desvanecen con el tiempo.
  3. Conté: Conté es una marca de crayones hechos con una mezcla de grafito, carboncillo o pigmento con cera o arcilla. Se presentan con distintas durezas y son semejantes a los lápices de cera, algo más robustos. Dado que se destinan al mercado del arte. Los crayones Conté se presentan en variedad de colores, incluyendo colores terrosos y blanco y negro.
  4. Tizas de colores: Son las barras compuestas por tiza y pigmento en polvo mezclados y calentados. La no toxicidad de los pigmentos está garantizada, ya que se destinan a las pizarras escolares, pero pueden desvanecerse si se los expone a la luz durante periodos prolongados.
  5. Pasteles blandos: Los pasteles blandos se hacen con pigmento en polvo y tiza mezclados con goma o resina. La mezcla resultante se elabora en barras y se seca con aire. Los hay blandos, medios o duros, según la proporción de pigmento y de goma y de la cantidad de tiza mezclada con el pigmento. Por ello, los lápices de pastel tienden a ser más duros que las barras, y las barras de calidad escolar son más duras que las de artistas. Los pasteles de artistas son los más cremosos y los que producen colores más vivos porque contienen los pigmentos más puros. Como el pastel es un material polvoriento, que pasa al aire y cubre la piel, es conveniente comprobar la composición exacta de sus pigmentos para evitar colores tóxicos.
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7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer. Si careces de experiencia en el dibujo, quizá te sorprenda descubrir que el empleo de un medio tan familiar te produce temor. Lo primero que hay que saber es que cualquier material tiene que emplearse con firmeza y decisión. La posibilidad de borrar el lápiz tal vez nos lleve a emplear la goma demasiado pronto, mientras que la necesidad de producir una imagen perfecta puede hacernos vacilar. Distintos tipos de lápiz nos hacen sentir y dibujar de maneras diferentes. Intenta a provechar estas diferencias y usa un tipo de lápiz y una manera de trabajar que te den confianza.

deGranero dibujar con lápiz madrid

4 ejercicios para dibujar mejor a lápiz.

  • Dibujo de línea con un lápiz 6H afilado: El lápiz duro produce líneas finas y claras con pocas variaciones de tono. La necesidad de presionar para hacer el trazo, y las líneas marcadas que se crean de este modo, confieren cierta intensidad del dibujo. Podemos permitirnos ceder al deseo de detallen y precisión. Si cometemos errores, siempre es posible borrar todo el dibujo con un borrador y rehacerlo.
  • Dibujo de línea con una barra gruesa de grafito 7B: La barra de grafito no se usa como si fuera lápiz; el dibujo se elabora con todo el brazo, sin apoyar la mano en el papel. Además, la barra es mucho más roma y menos precisa que el lápiz, y nos induce a trabajar con ademanes más amplios, disfrutando de la exageración a la que se presta este material.
  • Dibujo tonal con tramas lápiz 6H: El tono se construye en bloques, de claro a oscuro, empleando líneas superpuestas y espaciadas con regularidad, primero en una dirección y después en la otra. El tono se oscurece aumentando la cantidad de capas y dibujando las líneas más juntas entre sí. Esto crea un efecto elegante,limpio y técnico que recuerda a un grabado a buril o al ácido.
  • Dibujo tonal con sombrado lápiz 6B: En este caso, el tono se elabora en bloques, de claro a oscuro. Hay poca o ninguna textura. El lápiz 6B proporciona una gama de tonos buena y fuerte, desde el gris claro al negro intenso y brillante.
deGranero aprender a dibujar Madrid

7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

  1. Procura construir el dibujo de claro a oscuro. Trabaja primero de manera ligera y rápida y después elabora el dibujo con más firmeza a medida que adquieras confianza.
  2. Proponte crear varios dibujos en lugar de uno solo.
  3. Intenta usar el borrador para dibujar y no sólo para borrar. Córtalo en piezas más pequeñas para conseguir líneas finas.
  4. Cuando trabajes con lápiz blando en papel, coloca otro papel debajo de tu mano para proteger el dibujo de borrones.
  5. Trata de sostener el lápiz longitudinalmente con respecto al brazo y entre el pulgar y el índice en lugar de apoyarlo con el dedo corazón como cuando escribes.
  6. Experimenta con los tamaños. Prueba a hacer dibujos más grandes en un caballete o en una pared.
  7. Si el dibujo se vuelve pesado y farragoso, bórralo dando pasadas fuertes en diagonal con la goma y empieza de nuevo el trabajo encima de lo borrado.

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