7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. El color es mucho más que el círculo cromático.

Sobre el color.

Términos empleados para describir las propiedades del color:

  • Color local: Color natural visto a la luz del día, sin modificaciones de luces o sombras. Bajo una luz artificial el color puede tener un aspecto muy diferente.
  • Color (matiz): Color en un estado natural, sin añadidos de blanco ni negro.
  • Valor tonal: Posición de un color en el efecto de la luz (iluminación o tinte) y oscuridad (sombra).
  • Iluminación: Color mezclado con blanco.
  • Sombra: Color mezclado con negro (o con su color complementario).
  • Intensidad/saturación: Calidad de brillo y pureza, color pleno.
  • Espectro de color: Gama de colores visibles para el ojo.
  • Círculo cromático: Modelo teórico de las relaciones entre los colores, centrado en tres aspectos, colores primarios, colores secundarios y colores terciarios.
  • Clave alta: Predominio de colores claros y brillantes.
  • Clave baja: Predominio de colores oscuros y apagados.
  • Colores análogos: Tres o más colores adyacentes en el circulo cromático, uno de ellos suele ser el color dominante.
  • Colores complementarios: Dos colores opuestos en el círculo cromático.
deGranero dibujo en color

7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

  1. Lee sobre el color: Si te gusta dibujar en color, procura aprender todo lo posible sobre él. La teoría del color es un tema muy amplio que puedes encontrar un montón de libros de referencia.
  2. Sistemas de color: El sistema de impresión de color (CMYK) es distinto al de reproducción en pantalla (RGB). Los colores impresos y los digitales son también distintos de los que usan los artistas, que se elaboran mezclando pigmentos y tintes.
  3. El color cambia: El color varía según el tipo de luz (natural o artificial), la hora del día , la estación del año y la parte del planeta donde estamos. Los cambios de estación modifican la paleta de color del mundo que nos rodea.
  4. Color a partir de la observación: Para conseguir los mejores efectos de color hay que practicar la observación de la infinita variedad de colores que nos rodea y que están en los asuntos que dibujamos. Es muy fácil dibujar un asunto partiendo de los colores que creemos que tienen en lugar de fijarnos en los colores reales que veremos en él si los miramos con atención. Disponte a descubrir colores distintos a los que esperabas. Confía en tus ojos y no en los recuerdos de tu mente.
  5. Dibuja con buena iluminación: Busca una iluminación que te permita ver los colores auténticos y sin cambios. te recomendamos: trabajar lejos de la luz solar brillante o intensa, sentarte juntos a una ventana que dé al norte, ya que la luz en más constante en esta dirección, usar persianas para controlar la luz que entra por la ventana y emplear bombillas de luz del día en lugar de las bombillas domésticas normales de interior.
  6. Aísla el color: La manera en que vemos un color está influida por otros colores que lo rodean, lo cual puede confundirnos. Es más fácil apreciar un color cuando lo aislamos. Cierra un ojo y mira el color a través de un pequeño orificio practicando en un trozo de cartón, o por un papel enrollado, o por un cilindro formado con el puño.
  7. Dibuja con las tijeras: Recorta papeles de colores con distintas formas y dispónlos para crear la imagen de un objeto. Esta actividad nos obliga a pensar en fondo en las formas, los valores y los colores, así como a simplificar , puesto que no podemos usar nada más complejo que usar formas grandes y uno o dos colores.

“El recorte de papel me permite dibujar en color”

Henri Matisse (1869-1954, acerca del dibujo con tijeras y papel de colores).

deGranero cursos dibujo color madrid

Hasta aquí estos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Luces y sombras se combinan para representar un asunto mediante un espectro de valores que van desde la luz más brillante hasta la sombra más oscura. Los valores pueden crearse por la combinación de línea, sombreado y color.

Sobre luz y sombra.

Algunos términos que se aplican a luces y sombras:

  • Sombra proyectada: Sombra que forma un objeto sobre una superficie cercana al bloquear la fuente de luz.
  • Destello: Luz intensa o resplandor en el ojo.
  • Claroscuro: Técnica que emplea luces y sombras intensas para definir objetos 3D. Núcleo o joroba de la sombra: La parte más oscura de la sombra, alejada de la luz y no afectada por la luz reflejada.
  • Zona de luz: Área de un objeto expuesta a la luz.
  • Zona de sombra: Área de un objeto no expuesta a la luz directa.
  • Brillo: El tono más claro; rodeados de tonos más oscuros, los brillos saltan del papel.
  • Luz reflejada: Zonas más claras dentro del núcleo de la sombra, producida por las reflexiones de la luz y el color.
  • Contraluz: Luz que ilumina un objeto por detrás.
deGranero luz, sombra y valor tonal

9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

  1. Dibujo de luz y sombra: Con el tiempo y la observación llegarás a saber cómo crear la impresión de luz y sombra. Empieza practicando con formas muy simples, por ejemplo, huevos, en un entorno neutral donde solo actúen las luces y las sombras.
  2. Evalúa la iluminación: Una buena iluminación ayuda a mostrar tanto el volumen como la forma, mientras que una iluminación mala puede confundir al observador. EL tipo de luz, sea ésta neutral o artificial, afecta al valor tonal y a la calidad de los contornos que vemos. La dirección e intensidad de la luz influye en el carácter de las sombras y en el modo en que detectamos las formas. El color de la luz afecta de manera natural a los colores visibles. Los nuevos tipos de luz artificial ofrecen distintas opciones en cuanto a la temperatura del color, desde el cálido (amarillo) hasta el azul (luz diurna) pasando por el neutral.
  3. Responde a la luz exterior: La luz y la sombra se mueven continuamente cuando dibujamos al aire libre, y la longitud de las sombras cambia a lo largo del día. Antes de empezar el dibujo, haz un boceto del patrón de valores para anotar el efecto de la luz ante tus ojos. Si realizas un dibujo compuesto con distintas fuentes asegúrate de que la relación de cada objeto corresponda a una fuente de luz determinada.
  4. Para mejorar el diseño de los dibujos: Los dibujos que no tienen un buen rango de valores tonales suelen tener un aspecto plano y sin vida, mientras que un buen patrón de valores tiende a captar la mirada. En un dibujo visto a distancia, lo único que distinguimos es el patrón abstracto de luces y sombras; todos los valores se subordinan al patrón de valores.
  5. Escala de grises: La escala de grises muestra los cambios de valores tonales de luz y sombra entre el blanco y el negro. Sirve para comprobar y comparar el valor tonal de los que vemos con el de lo que hemos dibujado.
  6. Entorna los ojos: Entornar los ojos es una manera simple y rápida de ver los valores tonales sin usar ningún utensilio. Usa esta técnica para desarrollar bocetos miniatura.
  7. Prueba distintos métodos de sombreado: Elabora un portfolio de distintas maneras de sombrear y de representar diversos valores tonales. Para producir cambios de tono, es mejor emplear lápices progresivamente más blandos en lugar de variar la presión.
  8. Evalúa valores tonales todos los días: La práctica continua y la evaluación instantánea ayudan a desarrollar la competencia.
  9. Hazte examinar la vista si tienes problemas de visión de los tonos. Afecciones oculares tales como las cataratas pueden reducir la capacidad de ver el color y el tono con precisión y provocar visión borrosa, por lo que es aconsejable hacerse una revisión si se presentan problemas.
deGranero clases dibujo Madrid

Hasta aquí nuestros 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. El tipo de líneas que se emplean en los dibujos hablan tanto del artista como del tema. La línea se usa para describir un espacio o una forma, además de expresar movimiento y energía creando una sensación de dirección y perspectiva. Las líneas tienen muchas características: pueden ser gruesas o finas, rectas o curvas, asépticas o expresivas, controladas o sueltas. Estas características pueden reflejar la naturaleza del objeto representado.

“Un dibujo no es más que una línea que sale a pasear.”

Paul Klee (1879-1940)

deGranero líneas y contornos

Sobre líneas y contornos.

Los bordes nos comunican la naturaleza de un asunto y el modo en que la luz cae sobre él:

  • Perímetro: Borde exterior de una forma plana bidimensional.
  • Línea de contorno: Silueta de una masa o forma tridimensional.
  • Borde duro: Borde definido y preciso.
  • Borde suave: Borde vago y difuso que carece de definición.

Cuando empieces a dibujar del natural en lugar de usar fotos, pasarás de dibujar perímetros a dibujar líneas de contorno.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

  1. Crea líneas con distintas características: El acto de dibujar implica sentir el carácter de las líneas mientras el brazo y la mano aplican el medio al papel. Energía, presión y control afectan a la naturaleza de las líneas, a su grosor, peso y precisión. El tipo de material de dibujo y el soporte también son importantes. Por ejemplo, la estilográfica tiene una punta flexible que permite más variedad de grosor e intensidad. El estilógrafo y el portaminas ofrecen ambos una línea muy consistente y exacta.
  2. Desarrolla el control de las líneas rectas: Es más fácil decirlo que hacerlo. Intenta dibujar una línea despacio, y después con rapidez. Dibuja una línea vertical paralela al borde del papel y repite la operación otra vez.
  3. Trama, trama vertical y trama cruzada: Observa dibujos de bellas artes de artistas contemporáneos y de maestros antiguos para estudiar el empleo de las variaciones de las tramas para crear valores tonales y sugerir las características de las superficies. Los tramados de contorno se usan mucho en el dibujo clásico para descubrir las formas humanas.
  4. Usa líneas discontinuas: La línea no tiene por que ser continua; las líneas rotas también son importantes. Cuando dibujo con rapidez, mi pluma baila por la página mientras encuentro mi camino alrededor del asunto. Las líneas intermitentes sugieren contorno de las cosas de forma discreta, sin estridencias.
  5. Los contornos duros son duros para la vista: Un contorno duro indica un agudo contraste tonal entre formas adyacentes debido, por ejemplo, a un cambio de luz; el contorno duro ayuda a crear énfasis. No obstante hay que usarlos con prudencia, ya que demasiados contornos duros pueden resultar difíciles de ver y crean confusión en cuanto al centro de interés del dibujo.
  6. Los bordes suaves atenúan las transiciones: Los bordes suaves ayudan a atenuar la transición entre una forma o un valor tonal y los siguientes. Se producen allí donde la luz es baja o difusa o está detrás del asunto, y se usan cuando se necesita sutileza. No obstante,demasiados bordes claros pueden hacer confuso el dibujo y crear formas mal definidas.
  7. Imagina que el lápiz está tocando los contornos reales de los objetos: El dibujo asciende un escalón cuando sientes que, literalmente, formas parte del trazo que estás haciendo. Imagínate que el lápiz está tocando realmente el objeto mientras dibujas su contorno. Sigue el contorno con el ojo y dibuja lentamente la misma línea en el papel.
deGranero cursos dibujo Madrid

Hasta aquí nuestros 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Dentro de un dibujo, el espacio ayuda a definir los objetos que contiene y los que le rodean. Los dibujos describen las relaciones entre los objetos y el espacio mediante línea, valor tonal y color, que definen tales objetos y crean impresión de profundidad, escala y perspectiva.

Sobre el espacio.

Algunos términos relativos al espacio en el dibujo:

  • Ilusión: Representación visual de un espacio 3D en dos dimensiones.
  • Espacio pictórico: Ilusión de profundidad y espacio 3D creada en un soporte 2D.
  • Plano pictórico: Espacio 2D dentro de los bordes del marco establecido para el dibujo.
  • Espacio lleno o positivo: Área ocupada por un espacio.
  • Espacio vacío o negativo: Área entre los objetos y en torno a ellos.
  • Espacio abierto: Se incluye en los dibujos para permitir que el tema respire en el papel.
  • Espacio activo: Espacio dentro de la imagen en el cual pueden moverse los elementos activos.
  • Espacio plano: Espacio sin curvas ni atisbos de profundidad.
deGranero eespacio y proporción

Dibujo del espacio.

  1. Dibuja una silla y el espacio dentro y alrededor de ella para entender los espacios llenos y vacíos.
  2. Selecciona un tema de dibujo y ponlo boca abajo para que parezca menos familiar. Dibuja los que veas y utiliza un color claro para la forma llena y un color oscuro para la forma vacía.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

  1. Dibuja el espacio lleno, ocupado por el objeto. Las personas que aprenden a dibujar, a menudo dibujan solamente el llamado espacio lleno o positivo, es decir, el espacio que ocupa el objeto (por ejemplo, un jarrón de flores, un rostro, un gato), y tienden a dejar de lado o ignorar el contexto por lo que respecta al fondo.
  2. Dibuja el espacio vacío, que está entre los objetos y su alrededor. Si te concentras en dibujar las formas vacías o negativas que hay en el espacio entre los objetos y en torno a ellos es mucho más fácil evitar que nos distraigan nuestras ideas acerca del aspecto que deberían tener las formas y los objetos.
  3. Dibuja al revés. Es mucho más fácil dibujar un objeto si lo miramos boca abajo o desde un punto de vista insólito. Este ejercicio es útil para quienes tienen dificultad en ver formas llenas y vacías en el espacio y para aquellos a quienes les cuesta captar las dimensiones correctamente.
  4. Dibuja a escala. La escala es importante cuando se dibuja en proporción al tamaño real. Podemos decidir ampliar el asunto (por ejemplo, para dibujar una pequeña parte de una flor) o reducirlo (para dibujar un edificio). Captar la escala y la proporción correctas es importante en el dibujo realista. Por ejemplo, hay que asegurarse de que las puertas sean lo bastante grandes en relación con las personas de una habitación. La escala se distorsiona a propósito para cambiar la importancia relativa del objeto distorisonado.
  5. Usa una cuadrícula para ampliar o reducir. El método más sencillo para realizar una ampliación es una cuadrícula. Es muy fácil de aprender y de recordar, y el tamaño de la cuadrícula puede adaptarse a la tarea en cuestión (para dibujar zonas detalladas podemos usar una cuadrícula más pequeña).
  6. Evita los espacios uniformes. Los espacios uniformes dentro del dibujo o alrededor del asunto deben evitarse. La disposición irregular del espacio es más efectiva.
deGranero espacio y proporción en el dibujo

Hasta aquí nuestros 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer. La forma de los objetos del mundo real es tridimensional, pero en el dibujo sólo podemos usar dos dimensiones: altura y anchura.

Sobre las formas.

Algunos términos que describen la forma y el volumen de los objetos:

  • Forma: Área definida por una longitud y una altura. Las formas se representan con líneas, colores o sombreados.
  • Forma tridimensional: Espacio delimitado que se mide entres dimensiones: longitud, altura y anchura.
  • Volumen: Tamaño de una forma en tres dimensiones.
  • Densidad: Proporciona una sensación de resistencia de la forma.
  • Masa: Elemento sólido tridimensional con sensación de peso y resistencia. Combina volumen y densidad.
deGranero forma tridimensional

5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

  1. Practica el dibujo con formas muy básicas: Conoces el aspecto de las formas simples, pero, ¿sabes dibujarlas? Empieza por dibujar repetidamente formas simples bidimensionales y tridimensionales hasta que manejes su geometría con soltura; imagina que son transparentes e incluye las líneas y las esquinas que quedarían ocultas si fueran opacas. Los círculos, óvalos y formas elípticas curvadas exigen mucha práctica. Este ejercicio sirve además como calentamiento.
  2. Dibuja el tema en el aire: Puede sonar raro, pero funciona. Aprende a dibujar el tema elegido antes de poner el lápiz sobre el papel, Intenta trazar el contorno de la forma en el aire antes de empezar.
  3. Para empezar, define bloques: Márcate algunas pautas para iniciar un dibujo: la definición de bloques ayuda a simplificar el asunto y facilita s establecimiento de las dimensiones del papel. Primero, busca las formas dominantes (formas geométricas grandes y simples que componen el contorno del asunto. Haz un boceto muy ligero de esas formas. Comprueba el tamaño, las proporciones y la posición de las formas. Por último, cuando las formas grandes estén situadas, refina las líneas y añade detalles.
  4. Avanza de lo general a lo particular: Una vez establecidos los bloques de las formas básicas, podemos seguir observando y refinando. Empieza con una de las partes y busca las formas pequeñas que contiene la forma grande. Redefine las líneas y las formas sobre la marcha; no es necesario borrar las líneas previas.
  5. Identifica las masas contiguas de valor tonal semejante: Las formas no existen de manera aislada. Nuestro cerebro sabe que los objetos están separados y quiere dibujar lo que sabemos que tenemos delante; sin embargo, si la luz está baja o detrás del asunto, los bordes de las formas y la separación entre éstas y el entorno y las formas contiguas queda muy difuminada. Las formas conectadas, con más o menos el mismo valor tonal, pueden crear una forma mucho más grande.
deGranero forma y forma tridimensional

Hasta aquí nuestros 5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer. El soporte más estable es una superficie rígida, pero ésta puede resultar más pesada. El lienzo tensado es una superficie ligera, flexible y fácil de transportar, que se puede sacar del bastidor y enrollar para guardarla. Como materiales se usan mucho el lino y el algodón en diferentes pesos y tejidos. Se encuentran por metros (al natural o ya imprimados) listos para colocar en el bastidor.

La superficie que elijas depende de cómo quieras pintar. Un lienzo liso favorece la aplicación uniforme, mientras que un tejido áspero proporciona una superficie rugosa para dar volumen con un empaste. El lienzo o el lino más gruesos van bien para pinturas de gran formato, y la muselina, para montar en cartón. Es bueno tocar las superficies antes de comprar.

deGranero preparar un lienzo

2 herramientas para preparar un lienzo:

  1. Bastidores: Se encuentran con diferentes largos, listos para ensamblar. Los mejores tienen un borde biselado en la parte frontal para mantener el lienzo apartado del bastidor mientras se pinta. Esto es muy importante porque la pintura tendrá un aspecto diferente si se pinta contra la madera, ya que se puede formar una línea donde empieza el bastidor. También se pueden hacer en casa con listones de 5 x 2,5 cm. ensambladas en inglete, con borde biselado y bien escuadradas. Cuanto mayor sea el lienzo, más fuerte tendrá que ser el bastidor; los más grandes (de más de 1 metro) necesitan un travesaño sencillo o doble. Los triángulos de cartón duro clavados en las esquinas por la parte trasera fortalecen la estructura.
  2. Pinzas para lienzos: El lienzo con la imprimación es más difícil de extender pues no cede. Las pinzas para tensar lienzos aseguran que queden bien tensados. Aunque las pinzas se recomiendan para lienzos con imprimación, tensar un lienzo grande sin imprimar es un trabajo duro que puede dañarte las manos. Las pinzas facilitarán la tarea, aunque hay que tener cuidado de no tensar demasiado el lienzo, porque se puede romper al encolarlo.
deGranero como preparar un lienzo

4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

  • Montaje del bastidor: Asegúrate de que todas las piezas estén orientadas en la dirección correcta, con el borde biselado por delante. Presiona para unir cada junta en inglete. Golpea con un mazo de madera para encajarlos bien. Comprueba que el rectángulo encaja perfectamente con una escuadra o poniéndolo sobre la esquina de una mesa. Si el bastidor no tiene un borde biselado, corta cuadrantes con ángulos de 45 grados en cada extremo, para lograr una esquina limpia, y encólalos y clávalos en su sitio. En lienzos grandes clava un triángulo de cartón duro para hacer la estructura más estable.
  • Tensado: Hace falta práctica para saber cuánto hay que estirar el lienzo para tensarlo. Ante todo, es más fácil hacerlo por el centro que en las esquinas. El truco es no tensarlo demasiado al principio. Segundo, un lienzo que se vaya a pintar con acrílico requiere más tensión que uno que se vaya a sellar con cola de conejo, la cual contraerá el lienzo cuando se seque. Pon el bastidor biselado hacia abajo sobre el lienzo de forma que quede alineado con el hilo de la tela. Corta el tejido de forma que sobren aproximadamente 6 cm. por cada lado. Pon la primera grapa y avanza del centro hacia fiera en cada uno de los lados. Dobla las esquinas con cuidado.
  • Reparación de desgarros: Corta un trozo pequeño de lienzo al natural que cubra el desgarro. Tiene que ser exactamente del mismo tipo y grosor. Encola el parche y el jirón por detrás del lienzo. Coloca el parche sobre el desgarro por detrás del lienzo; asegúrate de que el sentido del hilo de ambos está en la misma dirección. Alisa para ajustar. Encola otra vez y deja que se seque. Pon imprimación sobre el desgarro por la parte delantera.
  • Eliminación de bultos: Humedece con agua la parte trasera del lienzo y deja que se seque.

Hasta aquí nuestros 4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer. En su estado natural, la acuarela y el gouache son líquidos, pero hay técnicas para añadirles textura. Los medios comerciales pueden hacer la pintura más granulada, más gruesa, que se pegue menos al papel y que tarde más en secarse. No siempre se especifican bien los ingredientes, pero generalmente son las mismas sustancias usadas para elaborar la pintura; estos medios deben usarse con moderación.

2 texturas con acuarela.

  1. Textura transparente: Puedes usar tres técnicas para hacer esta textura, pincel seco sobre papel rugoso, medio texturado añadido a los lavados para hacerlos más granulares, y salpicaduras de pintura con un pincel rígido. El blanco del papel rugoso es importante, pues añade brillos al mostrarse a través de la pintura transparente.
  2. Textura opaca: Puedes realizar una textura general con pintura arrastrada sobre la superficie con un pincel seco. Sobre un lavado dispuesto encima puedes dejar caer un plástico, lo que proporciona un patrón irregular. Luego puedes pintar encima y tapar en algunos lugares con gouache opaco. Finalmente también puedes aplicar salpicaduras oscuras y claras a la vez punteando con un cepillo de pelo de cerdas duras.
deGranero texturas en acuarela

7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

  1. Un papel rugoso prensado en frío es ideal para hacer granulados y manchas.
  2. Aplicar pintura en un papel texturado con un pincel seco produce un efecto moteado. Asegúrate de que el pincel esté seco limpiándolo con un papel, mójalo en la pintura y arrástralo sobre la superficie. Pon los dedos sobre la base de las cerdas para abrirlas (así conseguirás una marca más ancha) o usa un pincel abanico. Si punteas la superficie con un pincel de cerdas rígidas lograrás zonas más controladas de puntos, en contraste con las pinceladas más suaves.
  3. Agrega un medio de textura a la pintura para conseguir un acabado granulado. Puedes obtener un efecto similar espolvoreando un poco de sal en la superficie, o añadiendo más goma arábiga o medio granulado a la pintura, añade aquapasto.
  4. Salpica pintura sobre la superficie con un cepillo de dientes viejo o un cepillo duro. Delimita con un estarcido la zona que quieras texturar, para proteger el resto de la pintura. Este método poco sofisticado es sorprendentemente efectivo con cualquier color en cualquier momento, pero quizá prefieras usar fluido de enmascarar, para preservar las motas blancas al principio del proceso, o bien usar gouache blanco al final, para añadir luz y brillos a un lavado deslucido.
  5. Pon una bolsa de plástico ligeramente arrugada sobre un lavado y deja secar. Al levantarla, revelará un jaspeado.
  6. Lija suavemente con un papel de lija grueso, raspar o cortar con una cucharilla la capa superior del papel son formas de recuperar el blanco. Es un último recurso, ya que la operación araña la superficie del papel y es más difícil pintar encima de éste.
  7. Pinta zonas del fondo con goma arábiga o preparación para retoques (lifting medium) si necesitas quitar la pintura después de los lavados. Pasa un pañuelo de papel o un algodón sobre la pintura para descubrir el blanco.

Hasta aquí nuestros 7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer. El buen resultado del dibujo con pasteles o crayones depende en gran medida de la cantidad de colores de la que dispongamos. No es posible obtener colores exactos mezclando unos cuantos primarios como se hace con la pintura, por lo que es aconsejable, incluso para los principiantes, adquirir el juego más completo que pueda costearse, de entre cincuenta y cien barras.

deGranero pintar con pasteles

5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

  1. Gama de colores: Los crayones de tiza y cera se destinan el mercado infantil y tienen una gama limitada, aunque es posible encontrar variaciones de colores básicos, por ejemplo, diversas sombras de verde. En los pasteles blandos y al óleo, el fabricante indica los nombres de los pigmentos empleados y es posible adquirir una gama de colores primarios y secundarios, junto con una serie de tintes y de grises. Compara distintas versiones y pruébalas antes de comprar, y disponte a comprar los mejor calidad, cuyos colores y texturas serán probablemente mucho mejores. Después podrás ampliar el juego de colores con barras sueltas a medida que aprendas. Siempre es útil tener barras adicionales de color blanco, descubrirás que son las que más se usan.
  2. Lápices de cera: Los lápices de cera se hacen con pigmento en polvo mezclado con cera de parafina fundida que se vierte en moldes y se seca. Si adquieres tizas o lápices grasos destinados al mercado infantil, ten en cuenta que los pigmentos se desvanecen con el tiempo.
  3. Conté: Conté es una marca de crayones hechos con una mezcla de grafito, carboncillo o pigmento con cera o arcilla. Se presentan con distintas durezas y son semejantes a los lápices de cera, algo más robustos. Dado que se destinan al mercado del arte. Los crayones Conté se presentan en variedad de colores, incluyendo colores terrosos y blanco y negro.
  4. Tizas de colores: Son las barras compuestas por tiza y pigmento en polvo mezclados y calentados. La no toxicidad de los pigmentos está garantizada, ya que se destinan a las pizarras escolares, pero pueden desvanecerse si se los expone a la luz durante periodos prolongados.
  5. Pasteles blandos: Los pasteles blandos se hacen con pigmento en polvo y tiza mezclados con goma o resina. La mezcla resultante se elabora en barras y se seca con aire. Los hay blandos, medios o duros, según la proporción de pigmento y de goma y de la cantidad de tiza mezclada con el pigmento. Por ello, los lápices de pastel tienden a ser más duros que las barras, y las barras de calidad escolar son más duras que las de artistas. Los pasteles de artistas son los más cremosos y los que producen colores más vivos porque contienen los pigmentos más puros. Como el pastel es un material polvoriento, que pasa al aire y cubre la piel, es conveniente comprobar la composición exacta de sus pigmentos para evitar colores tóxicos.
deGranero aporender a pintar Madrid

Hasta aquí estas 5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer. Si careces de experiencia en el dibujo, quizá te sorprenda descubrir que el empleo de un medio tan familiar te produce temor. Lo primero que hay que saber es que cualquier material tiene que emplearse con firmeza y decisión. La posibilidad de borrar el lápiz tal vez nos lleve a emplear la goma demasiado pronto, mientras que la necesidad de producir una imagen perfecta puede hacernos vacilar. Distintos tipos de lápiz nos hacen sentir y dibujar de maneras diferentes. Intenta a provechar estas diferencias y usa un tipo de lápiz y una manera de trabajar que te den confianza.

deGranero dibujar con lápiz madrid

4 ejercicios para dibujar mejor a lápiz.

  • Dibujo de línea con un lápiz 6H afilado: El lápiz duro produce líneas finas y claras con pocas variaciones de tono. La necesidad de presionar para hacer el trazo, y las líneas marcadas que se crean de este modo, confieren cierta intensidad del dibujo. Podemos permitirnos ceder al deseo de detallen y precisión. Si cometemos errores, siempre es posible borrar todo el dibujo con un borrador y rehacerlo.
  • Dibujo de línea con una barra gruesa de grafito 7B: La barra de grafito no se usa como si fuera lápiz; el dibujo se elabora con todo el brazo, sin apoyar la mano en el papel. Además, la barra es mucho más roma y menos precisa que el lápiz, y nos induce a trabajar con ademanes más amplios, disfrutando de la exageración a la que se presta este material.
  • Dibujo tonal con tramas lápiz 6H: El tono se construye en bloques, de claro a oscuro, empleando líneas superpuestas y espaciadas con regularidad, primero en una dirección y después en la otra. El tono se oscurece aumentando la cantidad de capas y dibujando las líneas más juntas entre sí. Esto crea un efecto elegante,limpio y técnico que recuerda a un grabado a buril o al ácido.
  • Dibujo tonal con sombrado lápiz 6B: En este caso, el tono se elabora en bloques, de claro a oscuro. Hay poca o ninguna textura. El lápiz 6B proporciona una gama de tonos buena y fuerte, desde el gris claro al negro intenso y brillante.
deGranero aprender a dibujar Madrid

7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

  1. Procura construir el dibujo de claro a oscuro. Trabaja primero de manera ligera y rápida y después elabora el dibujo con más firmeza a medida que adquieras confianza.
  2. Proponte crear varios dibujos en lugar de uno solo.
  3. Intenta usar el borrador para dibujar y no sólo para borrar. Córtalo en piezas más pequeñas para conseguir líneas finas.
  4. Cuando trabajes con lápiz blando en papel, coloca otro papel debajo de tu mano para proteger el dibujo de borrones.
  5. Trata de sostener el lápiz longitudinalmente con respecto al brazo y entre el pulgar y el índice en lugar de apoyarlo con el dedo corazón como cuando escribes.
  6. Experimenta con los tamaños. Prueba a hacer dibujos más grandes en un caballete o en una pared.
  7. Si el dibujo se vuelve pesado y farragoso, bórralo dando pasadas fuertes en diagonal con la goma y empieza de nuevo el trabajo encima de lo borrado.

Hasta aquí nuestros 7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

9 consejos para pintar con máscaras y lavados con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 consejos para pintar con máscaras y lavados con acuarela que debes conocer. Conservar el blanco de el papel y extender un lavado plano, transparente, son dos de los retos de la pintura con acuarela. La pintura tiende de forma natural a acumularse y distribuirse de forma poco uniforme, por lo que puede ser difícil pintar un lavado alrededor de una complicada forma blanca o cubrir una zona amplia con un color plano, liso. Practica en obras pequeñas y está alerta para sacar provecho de los accidentes afortunados y cambiar de planes.

deGranero máscaras y lavados

A nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid les enseñamos fundamentalmente estas dos técnicas para hacer reservas:

  • Fluido de enmascarar: Podemos cubrir de fluido de enmascarar las zonas que queramos dejar en blanco. Esto nos ahorra el trabajo de pintar por el contorno. El fluido de enmascarar amarillo es perfecto porque nos permite ver claramente dónde hemos pintado. Una vez levantado el fluido de enmascarar puedes aplicar más lavados detallados para modificar las zonas iluminadas e intensificar las sombras.
  • Lavado plano: Si aplicas la pintura con pinceladas uniformes, horizontales y con el pincel bien cargado, es difícil extender un color plano alrededor de una forma complicada, por lo que lo mejor es enmascararlo y aplicar el color por encima. Una vez seca la pintura puedes aplicar una segunda capa que fortalece, oscurece e intensifica el color. También sirve para igualar cualquier inconsistencia del lavado. Algunos colores proporcionan un lavado más granulado que otros.

9 consejos para pintar con máscaras y lavados.

  1. El primer consejos que te damos para trabajar con máscaras y lavados es que evites usar un pincel caro para aplicar la máscara. Lava el pincel regularmente con agua mientras trabajas, frotando las cerdas para quitar el fluido. El fluido de enmascarar se seca rápido y cuesta eliminarlo.
  2. Elimina el fluido de enmascarar con una goma de borrar. Asegúrate de que el papel está completamente seco antes de hacerlo o podrías estropear la superficie. Usa papel de acuarela, pues tiene una capa de cola. El fluido de enmascarar se pegaría y mancharía la superficie de un papel sin tratar.
  3. Puedes usar cinta de enmascarar con adhesivo ligero como alternativa.
  4. Mezcla una gran cantidad de pintura (más de la que necesites) para que el lavado siga fluido mientras pintas.
  5. Experimenta con el tipo de pincel. Un pincel plano proporciona un trazo más uniforme, pero un pincel redondo grande retiene más pintura.
  6. Evita la tentación de tocar la pintura cuando termines. Es mejor dejar que se fije y se seque. Si no te gusta un lavado, puedes ponerlo bajo el grifo y repintar.
  7. Mojar el papel ralentiza el tiempo de secado y hace que los lavados se extiendan más. Distribuye el agua de forma uniforme o moja sólo el dorso del papel.
  8. Añade un poco de goma arábiga o medio de acuarela. Esto cambia la consistencia y hace más fácil extender un lavado plano. Sin embargo, este lavado puede saltar al pintar encima, porque la goma arábiga hace más soluble la pintura.
deGranero clases pintura Madrid

Hasta aquí estos 9 consejos para pintar con máscaras y lavados que debes conocer. Cómo siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

3 pasos para moler pigmentos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 pasos para moler pigmentos que debes conocer. Aunque en las tiendas se encuentran ya preparados prácticamente todos los productos que el artista pueda necesitar, hay algunas fórmulas sencillas para elaborar ciertos tipos de pintura que no pueden comprarse. Muchos artistas desean incorporar a sus obras materiales encontrados, y desde hace siglos se vienen empleando pegamentos animales, cera y huevo como adhesivos. Cada tipo de pintura tiene características muy distintas, y su uso también comunica significados.

Aprovechar las muy distintas cualidades de los adhesivos y trabajar directamente con ellos es un verdadero placer. Además de probar las fórmulas tradicionales con huevo, aceite, cera y pegamento animal, es posible elaborar pintura casera pegajosa (y también un poco grumosa) mezclando pigmento con un adhesivo PVA, gel acrílico, goma laca, aceite de linaza, medio dammar o resina alquídica.

Materiales encontrados como tierra de un jardín o ceniza de objetos quemados, pueden secarse en el horno, tamizarse y después molerse finamente en el mortero. Con materiales con base de agua como la pintura al temple, la tempera al huevo, el acetato de polivinílo o PVA y el gel acrílico, puede ser útil remojar previamente los pigmentos en un poco de agua destilada y mezclarlos para hacer una pasta que se añade después. Otra opción es comprar el pigmento en forma de pasta preparada. También pueden incorporarse fluidos de plantas, aunque no son indelebles.

deGranero pigmentos

3 pasos para moler pigmentos que debes conocer.

Para obtener una versión más suave y estable del pigmento en pasta o de la pintura al óleo, invierte una moleta de vidrio con una placa del mismo material o de piedra y muele el pigmento en agua o en aceite.

  1. Pon el pigmento en la base. Distintos pigmentos requieren cantidades diferentes de solución: añade gotas de agua o aceite poco a poco con una cucharilla y mezcla con espátula para elaborar una pasta seca.
  2. Muele con movimiento circular con la moleta. Observarás que el pigmento se acumula a los lados de la moleta y en torno al borde de la zona de molienda. Rasca este material con una espátula y vuelve a ponerlo en el centro de la placa. Sigue moliendo hasta que la pintura quede suave al tacto. Si parece demasiado húmeda, añade más pigmento. Ciertos pigmentos absorben más agua o aceite, y algunos tardan más que otros en molerse.
  3. Guarda la sustancia en frascos herméticos. La pintura al óleo puede cubrirse con un poco de agua para mantenerla fresca.

Molido de ingredientes encontrados.

Tal vez desees emplear ingredientes encontrados, como tierra o piedras. En tal caso, tendrás que golpearlos un poco para eliminar terrones. Sécalos al horno antes de añadirlos a medios no solubles en agua (óleo o cera) para facilitar las mezclas.

  1. Pasa por un tamiz los materiales encontrados para eliminar terrones.
  2. Muele en el mortero la tierra secada al horno.
  3. Muele el pigmento con agua para hacer una pasta de pigmento.

Hasta aquí nuestros 3 pasos para moler pigmentos que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer. Para sacra partido de la fluidez de la tinta china hay que usarla con decisión. Si deseas aumentar tu confianza, experimenta las maneras de sujetar y de mantener la pluma o el pincel y trabaja en series de varios dibujos. Disponte a reaccionar según evolucione el trabajo. Algunas opciones posibles son trabajar la superficie con más tinta, cortar y pegar encima, blanquear la superficie, pintar por encima con otro material, y escanear la imagen para alterarla en el ordenador, imprimirla y rehacer el trabajo.

deGranero tinta china

4 experiencias con tinta.

  • Caña de bambú sobre papel seco: La caña de bambú se corta en una punta simple y se moja en tinta. al pasarla por la superficie, esta pluma casera produce una línea negra y regular que se va secando a medida que se usa la tinta china. Con la práctica es posible sacar partido de las variaciones naturales del trazo y del estilo caligráfico que producen, algo que no se logra con plumas de cartuchos o con depósito. La velocidad y la presión también afectan a las líneas realizadas.
  • Caña de bambú sobre papel húmedo: El papel humedecido favorece que la tinta se esparza y produce líneas más suaves, anchas y difusas, lo cual añade un elemento lúdico y azaroso al dibujo, puesto que es difícil predecir las reacciones de la tinta. La humedad del papel puede controlarse secando el agua de la superficie o dejando que ésta se seque un poco mientras avanza el dibujo.
  • Pincel con tinta china: Puedes trabajar con un pincel japonés puntiagudo y de pelo áspero. El tipo de pincel, la forma de sujetarlo con la mano, la cantidad de tinta recogida en las cerdas, la presión aplicada al pincel y la rapidez del trazo en el papel afectan a las líneas realizadas. Las texturas húmedas y secas se hacen visibles allí donde los bordes exteriores del pincel empiezan a quedarse sin tinta.
  • Pintura a pincel; espacio negativo: El blanco del papel crea la forma en positivo del dibujo. El fondo lo puedes pintar con tinta húmeda aplicada en abundancia: ele flujo de la tinta húmeda y las burbujas que se forman se apreciarán claramente en la textura de la superficie ya seca.

6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer.

  1. La tinta no perdona los errores, realiza muchos dibujos sucesivos para ganar soltura. Descubre que es posible analizarlos y relacionarlos entre sí para aprender sobre la mancha: a medida que trabajes,los dibujos se volverán más automáticos y más sueltos. Después podrás elegir los mejores dibujos del conjunto.
  2. Sujeta el pincel sin presionarlo y prueba a dibujar de pie., con el fin de poder usar el brazo además de la mano. De este modo, el movimiento será más gestual y la tinta se aplicará con más sensibilidad.
  3. Trabaja en plano o bien inclina ligeramente el tablero. Un ángulo demasiado pronunciado hará que la tinta se corra hacia abajo.
  4. Experimenta con distintos elementos mojados en tinta, como plumas, pinceles, cañas e incluso verduras para obtener distintas marcas y probar la sensación que te producen en la mano.
  5. Prueba a sujetar la caña, pincel o pluma en vertical, como hacen los japoneses y los chinos. Esto te proporcionará un control distinto y una forma de trabajar alternativa.
  6. Si trabajas con líneas, mira directamente el objeto y deja que el ojo guíe la mano sin miar al papel. Con un poco de práctica conseguirás una línea continua y dibujos abstractos, fluidos y automáticos, seguros y no dubitativos.

Hasta aquí estos 6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 


 

3 puntos sobre teoría del color que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 puntos sobre teoría del color que debes conocer. Mientras que algunas personas tienen una intuición natural para el color y saben cómo escoger los colores de forma personal, otras se sienten abrumadas al empezar a trabajar con pintura porque no están seguras de qué pigmentos comprar ni, cuando los tienen, cómo mezclarlos. Si tienes problemas, la teoría del color te puede ayudar.

3 puntos sobre teoría del color que debes conocer.

1.Pintura y color.

Aprenderás muchísimo mezclando y experimentando con la pintura. Los pigmentos reaccionan de diferentes formas dependiendo de lo finos que estén molidos y de si se mezclan fácilmente con el aglutinante. Los aglutinantes afectan a la forma en la que se presenta el color: transparente, opaco, cubierto con textura. Jugar con diversos tipos de pintura y con colores de diferentes consistencias te ayudará a entender y aprovechar estas cualidades.

2.Teoría del color sustractiva.

Se basa en la mezcla de pigmentos. Dos colores primarios forman un color secundario, pero éste siempre es menos intenso que los dos primarios. Cuantos más colores se añadan , más apagada será la mezcla. Cuando se mezclan pigmentos de todos los colores se obtiene un marrón-gris fangoso. Esto significa que los grises y los marrones vayan a restar viveza a su pintura. Se trata de considerarlos como colores concretos y usarlos para compensar  los colores más brillantes.

3.Teoría del color aditiva.

Describe la mezcla de la luz, y es el tipo de color que vemos en la pantalla del ordenador. Dos colores primarios superpuestos crean un secundario intenso, y los colores son más puros cuantos más se añaden. Todos los colores juntos producen el blanco.

deGranero teoría del color

Opciones digitales: COLOR.

Ventajas:

  • Los colores en la pantalla están compuestos de luz (color aditivo) y son muy puros y brillantes.
  • No hay que esperar a que la pintura seque y no hay contaminación de un color a otro. Las pinceladas se pueden cubrir libremente.
  • Algunos programas tienen capas que permiten superponer colores sobre dibujos y fotografías. Es posible crear capas múltiples que se pueden activar o desactivar, ocultar o borrar, para probar diferentes combinaciones de colores. La transparencia u opacidad de los colores superpuestos también se puede manipular.
  • Es posible escanear imágenes con alteraciones del equilibrio de color, matiz, saturación y tono para obtener alternativas inmediatas.

Desventajas:

  • Es probable que los colores parezcan menos vívidos al imprimirlos (color sustractivo). Para evitarlo, ciertos artistas exponen sus obras digitales en un monitor en la pared.
  • Como es más parecido a dibujar en cristal, puede perderse la sensación física de trabajar con los materiales de pintura.

deGranero, clases pintura Madrid
Biggs y Collings exploraron la aplicación sistemática de la teoría del color al mezclar y pintar. Los cambios sutiles de tono y de intensidad del color son característicos de su trabajo. Observa como los grises compensan los tonos más vívidos.

Hasta aquí estos 3 puntos sobre teoría del color que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

Proyecto de creación artística: “Lo divino”.

El proyecto de creación plástica “Lo divino”, tiene como finalidad que el alumno desarrolle su creatividad generando una obra (da igual la técnica o estilo) con la que transmita al espectador este concepto.

Partiendo de su definición, “divino” es un adjetivo que significa perteneciente a Dios o a los dioses, pero también hace referencia a algo que es excelente o maravilloso. Por tanto… ¿Debemos llenar la sala donde se exponga este proyecto en una pequeña capilla? Tal vez si o tal vez no, pero de lo que estamos seguros es de que será un pequeño templo en el que es muy probable que haya más de una deidad a la que rodeemos de cosas divinas como si de un faraón se tratará…

Todas las obras participantes ya sean dibujos, pinturas, fotografías o técnicas mixtas, se ejecutarán sobre un soporte rígido de 60 x 60 cm. de contrachapado que será el mismo para todos y que se os proporcionará en el taller (os diremos el precio lo antes posible). Este soporte se podrá preparar de diferentes formas dependiendo de lo que cada uno quiera ejecutar sobre él.

No se trata de apropiarse de una fotografía de un autor y reinterpretarla sino de buscar, componer o idear algo que transmita “lo divino” a todo espectador que se sitúe frente a nuestra obra, ya sea lo perteneciente a Dios o lo excelente y maravilloso.

“Túneles del Sol” de Nancy Holt, arriba, en TROUBLEMAKERS.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 22 de abril: Esta semana se presentará en cada clase mediante una charla teórica el proyecto en sí. Se os dará información suficiente para que tengáis bien claro que es lo que se espera para esta exposición y por tanto por donde podéis tirar, o mejor dicho, que tipo de ideas son más afortunadas y cuales menos. A partir de aquí contaréis con 7 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada. Es importante asistir a esta sesión para entender bien lo que hay que hacer.
  • Semana del 6 de mayo: Puesta en común de ideas. Cada alumno presentará en su clase su idea públicamente. Con este fin, el alumno debe asistir a clase con aquello que considere necesario para que entendamos su idea, un pendrive con imágenes, vídeos, un texto… Se establecerá un diálogo y de esta sesión saldrá la obra de cada alumno lista para su ejecución.
  • Del lunes 13 de mayo al lunes 8 de julio: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.

Detalle de la Piedad Invertida o la madre muerta. 2013.
Foto: Salvador Cuevas.

La exposición “Lo divino” tendrá lugar del 15 al 30 de julio en la sala de exposiciones de Euskal Etxea Madrid.

Por supuesto aunque es muy recomendable la participación en este proyecto, es totalmente voluntario. Quedo a vuestra entera disposición para resolver cualquier duda al respecto.

 

2 procedimientos pictóricos (temple y encáustica) que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 2 procedimientos (temple y encáustica) que debes conocer.

La encáustica, que deriva del griego enkaustikos (‘grabar a fuego’), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos, la mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa, la pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama encaustización y está perfectamente descrita por Vitruvio, arquitecto e ingeniero romano (c. 70–25 a. C.) que dice así:

“Hay que tomar una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.”

La pintura al temple, también conocida como témpera,​ es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseína, otras materias orgánicas o  goma. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

deGranero temple y encaustica

2 procedimientos pictóricos (temple y encáustica) que debes conocer.

1.Pintura al temple.

La pintura al temple produce una bonita superficie mate y translúcida. Se elabora añadiendo pigmento o un adhesivo de origen animal. El espesor y opacidad de la pintura se controla por la cantidad de pigmento añadido al adhesivo.

Preparación de la cola de conejo.

Esta sola se usa como un sellante de lienzo, papel o cartón, como pegamento para collages y como aglutinante de pigmentos.

  1. Pon una medida de cristales de cola en cuenco, añade entre 16 y 20 medidas de agua y deja en remojo media hora.
  2. Disuelve los cristales con calor suave (al baño maría por ejemplo). No debes dejar que la cola hierva o perderá su adherencia.
  3. Si usas esta cola como sellante debes aplicarla en caliente.
  4. Guárdala en el frigorífico y recuerda calentarla antes de usarla.

Pintura al temple.

  1. Esparce el pigmento o mezcla pasta de pigmento en cola caliente. Añade más o menos según la saturación de color que desees obtener.
  2. Para pintar, el temple debe estar tibio.
  3. Cuando trabajes en capas no dejes que éstas se sequen del todo, sólo hasta que adquieran un aspecto mate. De este modo se adherirán bien.
  4. Si la superficie se seca. cúbrela con cola y déjala secar antes de pintar.

Los cuadros terminados deben enmarcarse con cristal, ya que son solubles en agua, y por ello, sensibles al polvo.

2.Cera encáustica.

Este medio pictórico, muy estable, no se encoge ni amarillea con el tiempo, pero las pinturas son vulnerables al polvo y las rayas y hay que protegerlas detrás de un cristal. La pintura se aplica en caliente, se seca rápidamente, es translúcida y permite acumular capas de manera rápida y con espesor.

Ingredientes.

  • 1 cucharada sopera colmada de bolitas de cera de abeja.
  • Media cuacharadita de pigmento seco.

Preparación.

  1. Mezcla las bolitas en un recipiente puesto en agua.
  2. Otra opción es poner las bolitas en una bandeja de metal para magdalenas y calentarlas en un hornillo hasta que se derritan. Este método nos permite disponer  de una paleta de distintos colores.
  3. Vierte el pigmento en la cera, removiendo. Si usas material encontrado, éste deberá estar completamente seco, ya que la cera y el agua no se mezclan.
  4. Prueba a añadir más o menos pigmentos según lo saturado que quieras el color.
  5. Para pintar, moja un pincel en la mezcla caliente y da pinceladas cortas.
  6. La cera se solidificará casi al instante. si la pintura se endurece, puedes ablandarla mojando de nuevo el pincel en el contenedor caliente.

Hasta aquí estos 2 procedimientos pictóricos (temple y encáustica) que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

 

2 imprimadores para soportes que debes conocer.

En este artículo te enseñamos la receta de 2 imprimadores para soportes que debes conocer. La imprimación o imprimatura es el proceso por el cual se prepara una superficie para un posterior pintado. A la superficie ya imprimada se le llama soporte pictórico. Los soportes más usuales en la historia han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas, lienzos, papeles, cartones…

deGranero 2 imprimadores para soportes que debes conocer.

2 imprimadores para soportes que debes conocer.

Imprimador de gesso tradicional.

Una base entre absorbente y semi absorbente para óleo o témpera, temple o encaústica. Similar a la escayola, sólo debe emplearse sobre un soporte rígido. Puede aplicarse con un espesor para crear una superficie con textura, o lijarse muy finamente.

Ingredientes:

  • Una medida de cola de conejo.
  • Dos medidas de blanco de España, o bien una medida de blanco de España y una de blanco de titanio en polvo tamizados juntos.

Receta:

  1. Calienta la cola de conejo hasta que esté tibia.
  2. Retira del calor y espolvorea todo el blanco de España.
  3. Deja que el blanco de España se hunda. Remueve con un pincel hasta obtener un líquido fino y cremoso.
  4. Si el gesso se enfría y se espesa, puedes recalentarlo un poco. Se pondrá líquido enseguida y puedes retirarlo inmediatamente del calor.

Aplicación de gesso en plano al tablero:

  1. Prepara el tablero encolándolo y cubriéndolo con gasa de muselina.
  2. Pinta una capa de gesso frotando sobre la superficie con un pincel plano áspero. Si se forman burbujas, frota el gesso contra la superficie con los dedos.
  3. Deja que el material se ponga opaco.
  4. Aplica hasta cuatro capas en direcciones alternas; espera que cada una de ellas se ponga opaca antes de aplicar la siguiente. La muselina ya debería estar cubierta.
  5. Aplica al menos una capa en el dorso del tablero para evitar que se combe.
  6. Puedes añadir textura a la capa final punteándola con un pincel.
  7. La superficie se pondrá blanca al secarse. Lija con lija de agua para suavizarla.
  8. Aplica una capa final de cola y deja secar.

Imprimador de emulsión de huevo y aceite.

De los dos imprimadores, este imprimador es adecuado para óleo, témpera, temple o encaústica. Con dos capas se obtiene una base absorbente; con cuatro capas finas, una base no absorbente. Lija entre capas para obtener una superficie suave.

Ingredientes:

  • Un huevo mediano (50 g).
  • Aceite de linaza refinado.
  • 450 g de blanco de titanio en polvo.
  • Cola.

Receta:

  1. Casca el huevo en un frasco con tapa.
  2. Añade cuatro medias cáscaras de huevo de agua fría. Usa las dos medidas de las cáscaras, dos veces cada una, para que la medida sea consistente si las partes son desiguales.
  3. Añade dos medias cáscaras de aceite de linaza (usa una media cáscara cada vez).
  4. Pon la tapa en el frasco y agita bien durante 5 minutos para emulsionar.
  5. Pon el polvo en un cuenco o sartén grande, haz un hoyo en el centro y vierte la emulsión dentro, muy despacio. Revuelve y mezcla, deshaciendo los grumos, hasta que la sustancia parezca queso para untar.
  6. Añade cola tibia a pequeñas cantidades sucesivas, removiendo y mezclando hasta que el imprimador sea como una crema fina.
  7. Usa un pincel o una cuchara de madera para mezclar. Añade más cola si deseas una base más plástica.
  8. Espera una hora entre capas. El imprimador se solidificará y necesita calentarse. Si queda demasiado espeso, añade un poco de agua.

Hasta aquí estos 2 imprimadores para soportes que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer. Los restregados y empastes al óleo (pintura con espátula) son dos buenas maneras de empezar a trabajar con esta tradicional técnica. En estas técnicas se emplea la pintura tal como sale del tubo, por lo que son ideales para los alérgicos a los aceites y para los que desean evitar los disolventes. Ambas nos permiten sentir y aprovechar las cualidades de la pintura al óleo pura.

En el restregado, la pintura se extiende esparciéndola y frotándola sobre la superficie. la pintura al óleo muestra su carácter maleable, su capacidad de afinarse sin disolvente y de proporcionar una gama de tonos sin la adición de blanco ni negro. En el impasto, se aplica pintura al óleo espesa a la superficie, disfrutando de su condición pegajosa y opaca. Esta forma de trabajar, directa y con textura, construye un espeso lecho de pintura que , a diferencia del acrílico, permanece abierto: puede rascarse y manipularse durante uno o más días.

7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

  1. El encajado puede dibujarse con carboncillo o con pintura diluida en trementina. Recuerda que este dibujo de base se mezclará con la pintura y podría ensuciarla, por lo que es conveniente cepillar con el pincel los dibujos oscuros al carboncillo antes de pintar, y hacer la pintura de base con un color claro, como un ocre. Si la base es incorrecta, lo mejor es borrarla con un trapo por ejemplo.
  2. El restregado puede hacerse con cualquier tipo de pincel, pero la acción de frotado no es buena para las cerdas. Usa pinceles económicos y robustos de pelo de buey y no los suaves de marta, que son muy caros.
  3. Frota el pincel en un trapo al cambiar de color, en lugar de lavarlo con disolvente. Esto seca el pincel lo suficiente para arrastrar la pintura y produce interesantes mezclase de color en el restregado.
  4. Se puede usar el canto de una espátula para pintar y superponer bordes. Si es posible, usa una espátula con mango angular, que evitará  que tu mano toque la superficie húmeda.
  5. A veces puede ser difícil situar la espátula en la mejor posición. Podemos girar el tablero o lienzo para tener mejor acceso; si la pintura es pequeña, será posible sostenerla en la mano e inclinarla.
  6. La pintura se puede acumular con espesor, pero si es demasiado espesa se encoge al secarse. La adición de un medio de resina alquídica, como el oleopasto, ayuda a  solidificarla, acelera el tiempo de secado y preserva las marcas de la espátula.
  7. La pintura húmeda espesa puede rascarse fácilmente con una espátula y reemplazarse.

Hasta aquí nuestros 7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

En este artículo te damos 8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer. Hay muchas maneras de empezar a trabajar con nuestro entorno. Sin embargo, recuerda que en estos casos es posible que tengas que trabajar  con rapidez o ser capaz de actuar sin interrupciones durante un periodo de tiempo, y estos factores afectarán a tu respuesta.

Un lugar familiar al que puedas acudir a menudo será una fuente de estudio permanente. Puede ser el jardín de tu casa, o de una amplia zona de bosque o un parque urbano, o una calle de tu barrio…

El equipo necesario para pintar paisaje sobre el terreno puede ir desde un simple cuaderno de bocetos y un lápiz hasta lienzo y caballete, pinturas, pinceles y demás. Martin Beek, por ejemplo usa una modesta silla plegable como paleta.

Visor.

Un visor o una cámara te servirán para enmarcar el sujeto en horizontal (paisaje) o en vertical (retrato), de lejos o de cerca.

El visor puede ser una abertura de tamaño fijo recortada en un cartón, o dos piezas de cartón con forma de L unidas con cinta adhesiva para hacer aberturas de proporciones variadas. La abertura debe tener la misma orientación y proporciones que el papel a emplear.

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

  1. La observación desde un punto elevado puede revelar varios aspectos de un paisaje, las marcas y características de la presencia humana, así como los cambios originados por fenómenos naturales como lluvias o sequías. El paisaje también puede contemplarse a lo largo del año para ver los cambios estacionales.
  2. Haz un boceto de todo un paisaje hasta descubrir áreas más pequeñas que te interesen y que después podrás explorar en más detalle.
  3. Concéntrate en áreas de distintos tamaños y escalas.
  4. Fíjate en algo que esté a tus pies, como la hierba o una tapa de alcantarilla.
  5. Añade algo que hayas visto, como vallas o cables eléctricos, y atraviesa con ellos la composición usando un material o color de contraste, para añadir otra dimensión espacial.
  6. Dibuja o pinta con rapidez; imponte un tiempo límite o trabaja con algo móvil, como el agua o las nubes.
  7. Dibuja durante periodos más largos y regresa otras veces a la escena para incorporar una respuesta distinta o para recoger novedades que te interesen. Registra los cambios de los sitios, como las mareas en un estuario, las áreas de agricultura intensiva, o los edificios en construcción. Dibuja lugares en distintas condiciones climáticas y lumínicas.
  8. Registra los cambios con fotos, como hizo Liam O´Connor en su dibujo evolutivo de una construcción en el British Museum.

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.
Liam O´Connor, “View from the Model Room Window”. 2010-13.

Hasta aquí estos 8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

En este artículo te explicamos 3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer. El color siempre es visto dentro de un contexto. Su apariencia cambia según su relación con los colores vecinos y con el espacio que ocupa. Su significado también cambia en función de asociaciones culturales aprendidas.

Los artistas usan  el color con muchos fines distintos:

  • Por su presencia física inmediata.
  • Para expresar significado, ya sea emocional, personal o simbólico universal.
  • De forma sistemática: por ejemplo, limitándose a los primarios tricromáticos exactos o a determinados colores complementarios para controlar el efecto de las capas o las sensaciones ópticas. De forma arbitraria, simplemente para identificar capas separadas, como en la obra de Manfred Mohr.

deGranero el color y la música
Manfred Mohr. P-1414_148, pigment-ink on canvas, 2010, 80 cm x 80 cm.

Los artistas también enfocan sus usos del color de muchas y muy diversas maneras:

  • Improvisación: Cada decisión se toma en respuesta a lo hecho previamente, como producto del repertorio subconsciente individual de trazos y manchas o de referencias externas visuales, o de ambas cosas.
  • Control: Por ejemplo, con una estructura de cuadrícula y con un conjunto predeterminado de colores.

Muchos artistas se sitúan en algún punto entre estos extremos y combinan aspectos de la improvisación con otros del control.

Gina Burdass habla de la siguiente forma de su obra, “En mis cuadros intento resaltar las diferencias de los colores a través de sus interacciones y, aun permitiendo que cada color conserve su carácter distintivo, no dejo que ninguno de ellos domine y rompa la unidad”.

deGranero Gina Burdass
Gina Burdass – AF-6
acrylic on wood panel – 15 x 21 cm.

Música visual y sinestesia.

A menudo, los artistas relacionan su suso del color con la música, ya sea el free jazz, las estructuras matemáticas de Bach, o los compositores contemporáneos de música serial. La correspondencia entre las estructuras musicales y las armonías de color vienen siendo investigadas desde Platón. La música visual ha sido definida por Roger Fry como la traducción de la música a la pintura en su descripción sobre Kamdinsky, quien creía que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias semejantes a los acordes musicales. Esto se confunde fácilmente con la sinestesia: la música incita a algunos artistas a ver determinados colores y a intentar capturar en la pintura sus sensaciones de música-color. También se usan órganos de color, vídeos y ordenadores para generar respuestas de color a la música.

3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

  1. Selecciona un color o un grupo de colores armónicos. Rompe esta selección con un color de contraste para crear una reacción o para oscurecer la capa anterior. Busca un equilibrio empleando colores complementarios del mismo valor tonal.
  2. Considera las claves tonales de color: pigmentos puros para la clave alta, colores mezclados con blanco o con negro para la clave baja. Es probable que los colores resuenen más si hay un cambio de clave, por ejemplo, si el color de clave más alta se introduce en una imagen con predominio de clave baja.
  3. Ten en cuenta la ubicación y la forma de los espacios ocupados por los diferentes colores en relación con el formato de la obra. ¿tienen las formas un significado particular, o son menos contenedores neutros del color?¿Qué tensiones o efectos ópticos o espaciales se producen cuando ciertos colores se colocan en el borde o cerca de él, o en el centro de la composición?

Mali Morris. “Wilbury”. Acrílico sobre lienzo.

Has aquí nuestros 3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

 

 

 

 

 

10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

En este artículo te explicamos 10 consejos para pintar el entorno que debes conocer. A muchos artistas les gusta realizar obras completas en el sitio, delante del tema, pero otros consideran que esto no es práctico, o no les interesa. Cuando el artista trabaja en el estudio, está separado de su fuente de inspiración y , en consecuencia, necesita estrategias para desarrollar obras basadas en el entorno.

deGranero pintar el entorno

La artista Emma Stibbon comenta sobre este tema: “De regreso al estudio, a menudo manipulo o adapto una imagen. Suelo fotocopiar mis fotos, hacer collage con algunas partes y redibujar por encima. Me interesa empujar al espectador dentro del espacio pictórico, y a menudo es esto lo que guía la perspectiva o la disposición de la composición. Me interesa el modo en que la cámara recorta y enmarca la vista y también los recursos cinematográficos”.

Ute Kreyman dice: “Inicialmente hice una serie de estudios sobre el terreno en mi cuaderno de bocetos. Después empecé el dibujo a gran tamaño en la iglesia, recogiendo la arquitectura de los muros, antes de completar el dibujo en el estudio. Finalmente, alteré ventanas y suelos según mi imaginación”.

10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

  1. Amplia los bocetos en fotocopias y dibújalos o cálcalos.
  2. Trabaja con fotos, dibujando directamente. También puedes dibujar o pintar sobre fotos impresas.
  3. Elije detalles de tu cuaderno de bocetos para ampliarlos y rehacerlos con otros materiales.
  4. Usa sistemas de perspectiva para construir un espacio convincente.
  5. Trabaja con materiales recogidos en el entorno, como piedras o plantas.
  6. Superpón en el mismo papel dos o más dibujos desde distintos puntos de vista. Unifica la imagen decidiendo partes a conservar o a borrar. Este ejercicio proporciona un sentido más amplio del espacio del lugar.
  7. Haz modelos o disposiciones que puedan reemplazar temas de paisajes.
  8. Para estudiar el movimiento del agua, busca equivalencias que traduzcan en imágenes las formas de su flujo.
  9. Humedece, dobla o arruga el papel y trabaja con tinta o pintura en la superficie irregular, dejando que los materiales encuentren su propio nivel. En respuesta al resultado, corta o rasga el papel en formas adecuadas y dispón las piezas en un collage, o dibuja en la superficie para establecer o reestablecer una imagen.
  10. Mezcla materiales del entorno, como arena o sal con la pintura. la sal hace que la tinta o la acuarela se dispersen de modo diferente.

Hasta aquí estos 10 consejos para pintar el entorno que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.