6 aspectos sobre tus pinceles para pintar que debes conocer.

En este artículo te contamos 6 aspectos sobre tus pinceles para pintar que debes conocer. Hay dos tipos de pinceles para pintar que debes conocer: blandos y duros. Los pinceles de pelo suave están hechos de pelo de marta roja, ardilla, buey o material sintético (las variedades japonesas son de pelo de ciervo, cabra, conejo o lobo). Los pinceles duros y rígidos son de cerda natural o sintética.

deGranero pinceles para pintar

Una vez aclarado esto, vamos con estos 6 aspectos sobre tus pinceles para pintar que debes conocer:

1.Pinceles blandos.

Alojan una gran cantidad de pintura líquida y, con sus finos pelos, crean trazos lisos. Se usan para lavados diluidos de acuarela o gouache, para pintar con tinta y para veladuras de óleo o de acrílico. A diferencia de los pinceles duros, los pinceles blandos redondos tienen una punta fina que conservan al aplicar la pintura. Se usan para trabajos detallados con todos los medios pictóricos. Cuanto más largos son los pelos, más pintura retienen.

2.Pinceles duros.

Son más robustos que los pinceles de pelo suave y sirven para extender pintura espesa en empasto, para restregar pintura en la superficie y para extender bien la pintura. Son ideales para pintar con óleo y acrílico. Con pinturas diluidas, proporcionan un trazo más tosco y por eso se usan rara vez con acuarelas, aunque pueden utilizarse para efectos de textura.

3.Formas de los pinceles.

Los pinceles para pintar blandos y duros se encuentran en dos formas: redondos o planos. Se fabrican en diversos tamaños, desde muy pequeños a muy grandes.

4.Pinceles blandos redondos.

  • De punta redonda o japoneses. Son excelentes para los detalles finos y los hay con diferentes largos de pelos. Cuanto más largas son las cerdas, más pintura retiene el pincel.
  • Pinceles de filetear. Tienen pelos extra largos que facilitan pintar largas líneas de grosor uniforme.
  • Abombado. Se usan para extender lavados de amplias zonas, para absorber pintura y para manipular las veladuras.

5.Pinceles blandos planos.

  • Plano de pelo largo. Carga suficiente pintura como para hacer un trazo único de bordes limpios. El borde delgado también puede usarse para hacer finas líneas.
  • Plano puntiagudo. Termina en punta y cuando se carga de color presenta un borde afilado. Sirve para suavizar bordes.

6.Pinceles duros planos.

  • Cuadrado. Pincel plano de cerdas cortas que se usa para aplicar toques de color.
  • Duro de pelo lago. Crea un trazo más liso y largo que el anterior. Almacena más pintura.
  • Lengua de gato. Plano de punta redonda. Combina las mejores características de ambos y es excelente para pintar bordes irregulares.
  • Abanico. Para suavizar, mezclar y manipular pintura fresca y para efectos texturales con pintura seca.
  • Pincel de barnizar. Plano, ancho y de cerdas largas, para aplicar barniz con largas pinceladas.

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Algunos consejos sobre tus pinceles para pintar.

  • Los pinceles de pelo suave pueden ser de mango corto, para usarlos con acuarela, y de mango largo, para utilizarlos con óleos y acrílicos. Para ahorrar, puedes comprar pinceles de mango corto y usarlos para ambas técnicas.
  • Los pinceles baratos no duran mucho, pero tampoco lo hacen los caros si no los cuidamos bien. Vale la pena tener pocos pinceles caros y no muchos pinceles baratos. Cuídalos y límpialos bien siempre.
  • Las paletinas o brochas planas son muy útiles tanto para imprimar como para pintar o barnizar.

Hasta aquí estos 6 aspectos sobre tus pinceles para pintar que debes conocer. Esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

12 aceites y medios pictóricos que debes conocer.

En éste artículo te mostramos 12 aceites y medios pictóricos que debes conocer. Son aceites que se usan para hacer pintura al óleo. También son ingredientes de medios pictóricos, usados para diluirlos y cambiar su consistencia. Son aceites con características y ventajas y desventajas propias; por ejemplo, el aceite de linaza es el que más amarillea, pero también es el más flexible. Todos tienen diferentes tiempos de secado, por lo que es mejor usar un solo tipo de aceite (o una sola mezcla) como medio en cada pintura. Los aceites secantes quedan secos al tacto en unos días, pero tardan muchos años en curarse por completo; reaccionan químicamente con el oxígeno para formar una película fuerte y transparente. Esta reacción es irreversible: una vez secos ya no son solubles en trementina. Todos amarillean en mayor o menor medida, y todos se vuelven quebradizos con el tiempo.

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Una vez aclarado esto, vamos con esos 12 aceites y medios pictóricos que debes conocer:

Aceites.

  • Aceite de linaza: El aceite de linaza se hace de semillas e lino y es el aglutinante más común para pintura al óleo, hay tres tipos fundamentales para uso en pintura, aceite de linaza refinado, aceite de linaza espesado al sol y aceite de linaza polimerizado.
  • Aceite de linaza refinado: Blanqueado y refinado, este aceite fino de color claro es el más usado para mezclar con la pintura.
  • Aceite de linaza espesado al sol: Es aceite de linaza expuesto al sol para oxidarlo y blanquearlo. Este tratamiento lo hace más fluido, de secado más rápido, y más transparente.
  • Aceite de linaza polimerizado: El aceite de linaza (o satnd oil) es un aceite calentado para alterar su estructura molecular. Es más espeso, oscuro y viscoso que los aceites refinados o espesados al sol. Al secar deja una superficie esmaltada y sin pinceladas, por lo que es adecuado para veladuras. Se seca despacio, pero se dice que con el tiempo amarillea menos que otros aceites de linaza.
  • Aceite de amapola: A menudo se usa como aglutinante o medio con colores claros. Se seca lentamente y por ello es útil para pintar en húmedo sobre húmedo. Sin embargo, su tiempo de secado lento lo hace susceptible de agrietarse.
  • Aceite de amapola con secante: Al aceite de amapolas se le añaden sustancias secantes para hacer que se seque al mismo ritmo que el aceite de linaza. Esto ayuda a evitar el agrietamiento cuando se pinta sobre la pintura o se hacen capas.
  • Aceite de cártamo: Suele emplearse como aglutinante con pigmentos blancos.
  • Aceite de nuez: Es fino y no amarillea tanto como el aceite de linaza con el tiempo. Tiene tendencia ponerse rancio, por lo que se aconseja guardarlo en el frigorífico. También se usa para limpiar pinceles.

Medios pictóricos.

Estos medios pueden mezclarse con pintura al óleo y alquídica para aplicarlos como velados, para que sequen más deprisa o más despacio, o para cambiar su consistencia y hacerla más fina, más espesa, más brillante, más pegajosa, más fluida o más mate.

  • Medio damar: Es una resina natural que puede añadirse a medios de pintura al óleo para que la pintura quede más brillante y para acelerar el tiempo de secado. Se presenta en forma de cristales y se disuelve para formar un líquido compuesto de 1 parte de damar y 7 de trementina. (También se usa como barniz, con una proporción 1:3). También puede comprarse listo para usar. Ten en cuneta que el damar es propenso a amarillear y que su uso como medio hará que la pintura seca vuelva a ser soluble en trementina.
  • Medio cera: Se compone de 1 parte de cera por 3 de trementina. Puede mezclarse con pintura para obtener una calidad mate y pastosa. En proporciones diferentes se usa como segunda capa de barniz mate.
  • Medio de aceite: Mezcla de aceite y trementina, es el medio más simple. Se puede comprar preparado, o hacerlo en casa con cualquiera de los aceites secantes de este artículo (usa uno solo por pintura, ya que los tiempos de secado son distintos). Empieza con una mezcla de 6 partes de trementina y 1 de aceite y usa el compuesto para diluir la pintura. Reduce la proporción de trementina si deseas un medio más denso y viscoso, o auméntala si vas a pintar en capas sobre pintura seca.
  • Medio de resina alquídica: Se dice que las resinas alquídicas amarillean menos que los medios de aceite tradicionales, aunque también están expuestas a amarillear y agrietarse con el tiempo. Los medios alquídicos modificados de aceite tienen distintas consitencias, que van desde finos y fluidos, que hacen la pintura fluida y pegajosa, hasta voluminosos empastes que afinan y espesan la pintura al mismo tiempo. Su gran ventaja es que hacen que la pintura se seque rápidamente. Los elaborados para efectos de empaste reducen el encogimiento y retienen la pincelada.

Hasta aquí estos 12 aceites secantes y medios pictóricos que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Como siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 

4 técnicas con pintura diluida que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 técnicas con pintura diluida que debes conocer. La pintura acrílica es un medio muy flexible, adecuado para muchas técnicas y estilos. Cuando se aclara con agua es similar a la acuarela y puede pintarse en lavados suaves y transparentes, o salpicarse sobre la superficie. Cuando se diluye en más medios, se comporta como una pintura al óleo de secado rápido y puede aplicarse en dinas veladuras sobre capas de pintura finas o delgadas.

deGranero 4 técnicas con pintura diluida que debes conocer.

Una vez aclarado esto, vamos con estas 4 técnicas con pintura diluida que debes conocer:

1.Diluida con agua.

Cuando el pigmento se diluye con agua, de forma que la pintura queda fluida y transparente, el acrílico se usa casi como una acuarela. Se extiende fácilmente sobre la superficie y es perfecto para los fondos. Una pintura acrílica poco densa es ideal porque se mezcla fácilmente con agua y cuesta menos aplastarla con el pincel.

2.Lavados sobre dibujo.

La pintura acrílica diluida o transparente se puede aplicar sobre un dibujo. Esta acción es más efectiva si las líneas del dibujo son gruesas y su composición repele el agua, como ocurre con un buen lápiz de grafito HB. Asegúrate de que la pintura sea muy translúcida, puesto que sólo se trata de dar un tinte al dibujo.

3.Aerosol y goteo.

La pintura en aerosol es ideal para pintar superficies uniformemente; también es excelente para trabajar con plantillas. Para un enfoque más dramático y abstracto, estruja un contenedor blando de plástico de boquilla estrecha que contenga pintura un poco espesa, o aplica la pintura con esponja, déjala gotear, salpícala o arrójala sobre la superficie.

4.Veladura.

Es la técnica de aplicar una película fina de pintura diluida a una superficie ya pintada. Permite homogeneizar los colores para crear un aspecto unificado, y también se usa para retrasar algunos elementos de la pintura para crear profundidad. Para diluir la pintura es mejor emplear un medio de veladura, que la mantiene fluida y se seca uniformemente. Te recomendamos un artículo que escribimos hace tiempo sobre esta técnica: Veladura.

A continuación te damos unos consejos para trabajar con estas técnicas con pintura diluida que debes conocer:

  • La pintura diluida con agua puede guardarse en botes con cierre hermético.
  • Para aplicarla con atomizador, debes mezclar la pintura con mucha agua, puesto que el pigmento tiene que ser muy fino para que sea propulsado por la boquilla.
  • Para gotear y salpicar, la pintura tiene que tener la consistencia adecuada (fluida como un yogur cremoso).
  • Cuando lances pintura o la dejes gotear, pon un tablero o cartón sobre el suelo para poderte mover con facilidad a tu alrededor.
  • Las veladuras debes hacerlas con rapidez, porque se vuelven pegajosas en poco tiempo. Mezcla el color primero y después agrega el medium.
  • Las veladuras deben ser suficientemente transparentes como para que se vea el color de debajo. Aplícalas sobre superficies completamente secas.

Hasta aquí estas 4 técnicas con pintura diluida que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

8 herramientas para dibujar con plumilla que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 8 herramientas para dibujar con plumilla que debes conocer. En primer lugar y antes de nada debes saber que la plumilla no es nada más que una punta pequeña de metal con una incisión o corte en el centro, que está fija en el extremo de una pluma estilográfica o se coloca en el extremo de un mango y se utiliza para escribir o dibujar con tinta.

Ahora si, vamos con estas 8 herramientas y soportes para dibujar con plumilla:

1.Tintas insolubles.

Las tintas insolubles en agua se hacen con un tinte o pigmento soluble diluido en goma laca o en resina sintética, por ejemplo, tinta china o acrílica. Al secarse, esas tintas forman una película dura y brillante, sobre la que se puede pintar o dibujar sin que la tinta se corra. Los colores pueden superponerse en lavados.

2.Tintas insolubles en agua.

Son similares a una acuarela diluida y pueden emplearse a voluntad para volver a  disolver un color con agua, con otros colores o con blanqueador. Al secarse tienen un acabado mate y, a diferencia de la tinta a prueba de agua, penetran el papel en lugar de asentarse en la superficie.

3.Rotuladores y bolígrafos.

Bolígrafos y rotuladores de punta de fibra son fáciles de usar y estimulan una forma de dibujar relajada. Experimenta con distintos tipos y puntas: las sensaciones al usarlos y el color de la tinta en la página son variados, incluso en color negro.

4.Plumas con depósito o de cartuchos.

Son plumas que contienen cartuchos de tinta o disponen de un depósito que se llena de tinta. Las de depósito permiten mezclar previamente el color de tinta deseado. Estas plumas pueden tener dos  tipos de plumilla: una clásica, de estilográfica, y otra tubular. Las de plumilla tubular, o estilógrafos, surgieron antes de la intervención de los ordenadores, destinadas a los artistas gráficos, y todavía son útiles cuando se requiere una línea uniforme. No obstante, hay que empuñarlas casi verticalmente para obtener el flujo constante de la tinta, tienden a atascarse y es necesario limpiarlas con regularidad.

5.Pinceles.

Cualquier tipo de pincel sirve para trabajar con tinta, desde los rígidos de cerdas duras hasta los suaves de marta. Los pinceles japoneses son particularmente sensibles, ya que retienen bien la tinta. Todos producen diversos trazos.

6.Tinta china en barras.

Se hacen con una mezcla de pigmento negro de queroseno (hollín) ligado con cola de pescado y cola de pergamino y secado en un molde. Para obtener la tinta, la barra se muele con un poco de agua sobre una piedra especial, operación que requiere cierta práctica, ya que si la sustancia queda demasiado espesa la tinta no correrá bien, y si es demasiado húmeda se emborronará y expandirá.

7.Plumillas.

Las plumillas se mojan en tinta para dibujar.

8.Papeles.

En general para el dibujo de tinta se emplea un papel grueso (de 300 – 600 g/m2) y suave prensado en caliente, que soporta cierta humedad y sobre cuya superficie la tinta se desliza con facilidad. SI se desea trabajar en húmedo , el papel debe tensarse. Para crear trazos más secos y con textura se emplean papeles más ásperos. Los papeles japoneses son finos y absorbentes, perfectos para la pintura de trazos únicos como los de las obras de Zheng Chonbing.

 

Hasta aquí estas 8 herramientas para dibujar con plumilla que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo y pintura en Madrid.

7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta.

En este artículo te enseñamos 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta. Seguramente ya sabes que para obtener un color secundario sólo tienes que mezclar dos primarios (magenta, amarillo y cian) en distinta proporción y si lo quieres aclarar le añades blanco, pero si por el contrario lo quieres oscurecer le agregas negro. Pero todo esto no es estrictamente cierto. Ni siquiera los modernos pigmento CMYK usados en la impresión comercial pueden proporcionarnos cualquier color que necesitamos.

Calido y frío.

La palabra cálido se usa para describir colore que contienen rojo y amarillo en gran proporción, y frío describe a los que tienen más azul. En la práctica, se aplica cuando se hacen comparaciones entre dos colores similares. Por ejemplo alizarina crimson es más morado que el rojo cadmio y por tanto se describe como “frío”.

Una vez aclarado todo esto vamos con esas 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta:

1.Colores primarios.

  • Amarillo fríos: Amarillo cromo (tono)/ amarillo primario/ amarillo CMYK/ amarillo azo/ amarillo limón.
  • Amarillos cálidos: Amarillo cadmio (tono)/ amarillo permanente oscuro.
  • Azules fríos: Cerúleo/ azul primario/cian (azul CMYK)/ azul ftalocianina.
  • Azules cálidos: Ultramar francés/ ultramar.
  • Rojos fríos: Cramín alizarina/ Alizarina permanente/ rojo primario/ rojo quinacridona.
  • Rojos cálidos: Rojo cadmio (tono)/ rojo espectro.

2.Blancos.

  • Blanco titanio: Un pigmento moderno que proporciona un buen blanco opaco.
  • Blanco zinc: Un blanco transparente frío que es excelente para veladuras semitransparentes.
  • Blanco plono/ Blanco nieve: Más transparente, seca más rápido y de un color más cálido que el de titanio. Muy tóxico.

3.Colores terrosos.

  • Ocre amarillo, siena crudo, siena tostado, ocre crudo, ocre tostado: Son un buen atajo para crear un marrón y más baratos que los primarios.

4.Negros.

  • Negro humo, negro ébano: Aunque es posible crear el negro con tierra sombra tostada y azul ultramar oscuro, con el negro de tubo es más fácil conseguir tonos más profundos y enfríar los colores. Fíjate en que al mezclarlos, los negros tienen un matiz azul.

5.Verdes.

Si mezclamos nuestros propios verdes, es más probable que armonicen  con los otros colores de la pintura.

6.Violetas. 

Un buen violeta brillante puede ser difícil de conseguir; puede ser una buena adquisición para tu paleta si deseas trabajar con un color saturado.

7. Magenta CMYK.

Como el violeta, el magenta produce buenos y vívidos morados. Mezclado con amarillo da como resultado el rojo, pero mucho más apagado que el rojo de tubo.

Algunas cosas a tener en cuenta al comprar pinturas.

  • Algunos colores se aclaran con la luz mientras que otros se oscurecen. Los fabricantes puntúan la estabilidad del color con un número que varía según los países. Por ejemplo en el American Test Measure (ASTM), I es excelente, II es muy bueno, III es pálido o no permanente. Los pigmentos IV y V son muy pobres y se usan raramente en las pinturas de calidad.
  • Los fabricantes han mejorado la estabilidad con equivalentes sintéticos. A veces le dan el nombre antiguo, pero se añade permanente. como en “alizarina permanente”. Los pigmentos sintéticos se etiquetan como colores primarios, espectro CMYK.
  • Algunos pigmentos son tóxicos, no deben ingerirse y pueden absorberse a través de la piel. En España están prohibidos.
  • Los colores varían según el fabricante, así como el tacto y la consistencia.

Hasta aquí estas 7 cosas que debes saber para elegir los colores de tu paleta. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien.

En este artículo te contamos 5 aspectos básicos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien.

Sobre la repetición.

  • Motivo: Detalle o elemento recurrente.
  • Patrón: Organización de elementos repetidos en un diseño.
  • Repetición: Uso múltiple de un detalle o elemento.
  • Ritmo: Un compás visual.

deGranero ritmo, repetición y motivo

Una vez aclarado esto, vamos con esos 5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo:

1.Crea un motivo por repetición.

Cuando un patrón de un dibujo se repite y es significativo se le llama motivo. El dibujo ofrece la posibilidad de repetir formas empleando únicamente líneas en lugar de formas sólidas. El motivo de un artista puede ser un patrón creado a lo largo de un número significativo de dibujos.

2.Busca y utiliza la repetición.

La repetición tiene importancia en el dibujo y en el arte; consiste en repetir formas, líneas, tonos o colores y tiene diversas funciones. Sirve para promover equilibrio, armonía y unidad dentro de un dibujo, y para crear ritmos y patrones. El ojo tiende a viajar por el patrón en busca de pequeñas diferencias. Debes inducir a recorrer la imagen con la vista.

3.Observa los patrones a tu alrededor.

Un patrón puede ser un diseño natural o un dibujo intencionado. Cuando aprendas a ver y a observar los patrones, descubrirás que el mundo a tu alrededor está lleno de ellos. probablemente te fijaras más en los patrones que te resulten más atractivos, aunque tal vez no te des cuenta de ello.

4.Cómo conducir la mirada del espectador.

En cuanto a este tema que tratamos en este artículo (ritmo, repetición y motivo), te comentamos que el espectador necesita un modo de entrar y salir del dibujo para que éste no resulte confuso. EL movimiento muestra el camino: por ejemplo, la inclusión de zigzags y diagonales es una forma habitual de conducir el ojo por un dibujo.

5.Dibuja y fluye.

Hay artistas que que son envidiables, dibujan con un fluir que crea una línea poética. Por otra parte, cuanto más dibuja uno, más nota que el fluir en su trabajo se hace más instintivo.

El movimiento conduce al ojo.

El arte, el movimiento del ojo es la manera en que el ojo ve una obra de arte.

La repetición regular de cualquier elemento del diseño crea movimiento.

El diseño de formas y líneas sugiere movimiento. Por ejemplo:

  • Las líneas pueden ser direccionales, ondulantes, fluidas y erráticas.
  • Las formas rotatorias crean movimiento circular.
  • Las verticales y las horizontales tienden a limitar el movimiento.

La resolución atrae la mirada. Las áreas de mucha resolución son centros de atención, mientras que las áreas con poca resolución reciben menos interés.

 

Hasta quí estos 5 aspectos sobre ritmo, repetición y motivo que debes conocer para dibujar bien. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer. Vamos con ellos…

deGranero dibujar con fotos de referencia

1.Nuestras fotografías siempre son las mejores.

El autor de una foto recuerda mucho más de lo que muestra la imagen, además es probable que nuestras fotos capten asuntos que nos interesan personalmente.

2.Mira las fotos en una pantalla retroiluminada.

A la hora de dibujar con fotos de referencia, las pantallas LED retroiluminadas son óptimas para visionar imágenes fotográficas. El brillo y la gama de colores hacen que la imagen en pantalla sea mucho mejor que cualquier impresión.

3.Ajusta las distorsiones de las fotografías.

Ciertos programas de edición digital de imágenes como Adobe Photoshop permiten ajustar estas distorsiones

Distorsiones comunes de las fotografías.

Hay dos tipos comunes de distorsión fotográfica: la óptica (relacionada con la lente) y las cusadas por la perspectiva.

Distorsiones ópticas:

  • Valores tonales alterados: Las sombras pueden aparecer mucho más oscuras de lo que son en realidad. Procura hacer bocetos que muestren el verdadero rango tonal.
  • Color distorsionado: Las cámaras captan la luz de diferentes maneras, y a menudo los colores no son reales. La aberración cromática produce cercos de color.
  • Distorsión de barril (lente gran angular): Las líneas se curvan a partir del centro.
  • Distorsión de cojín (teleobjetivo): Las líneas parecen curvarse hacia dentro y hacia el centro.
  • Bordes oscuros (viñeta de lente): La imagen es brillante en el centro y oscura en los bordes.

Perspectiva:

  • Distorsión de la perspectiva: Las líneas rectas paralelas convergen. Suele ocurrir cuando se enfoca hacia arriba o hacia abajo.

Fotografía y rango tonal.

Las fotografías son muy poco fieles a los valores tonales. Por ello, es preferible emplearlas solamente como material de referencia (por ejemplo, para mostrar los detalles de una asunto) junto con bocetos que muestren los valores tonales reales.

4. Cinco maneras de evitar las distorsiones.

Cuando vas a dibujar con fotos de referencia, es probable este hecho se reconozca fácilmente a no ser que corrijas las distorsiones fotográficas comunes. EL mejor modo de evitar distorsiones la tomar fotos es saber como se producen y dedicar tiempo a evitarlas. Algunas medidas simples:

  • Evita las instantáneas: Dedica tiempo a tomar fotos de referencia compuestas correctamente.
  • Ajusta la cámara al tipo de luz: La calidad de las fotos de referencia mejora si se emplea una cámara con ajuste manual o automático de los niveles de luz.
  • Usa trípode: Toma una foto estable y con el ángulo y la altura correctos. Es conveniente disponer la lente en paralelo al asunto, y no en ángulo.
  • Muévete tanto como el zoom: Busca el modo de situar la cámara  a la altura del asunto para reducir la distorsión de la perspectiva.
  • Estudia la imagen en la pantalla de la cámara antes de tomar la foto: Comprueba las verticales y las horizontales y tómate el tiempo que necesites.

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Hasta aquí nuestros 4 consejos para dibujar con fotos de referencia que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

13 aspectos sobre los lápices que debes conocer.

En este artículo te contamos 13 aspectos sobre los lápices que debes conocer. El grafito para dibujo está disponible en lápices, en forma de barras, y en polvo. SU nombre procede de la palabra griega grapho, que significa “dibujar” o “escribir”. También se llama plomo negro y plumbagina.

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1.Los lápices de calidad dan mejor resultado.

El utensilio de dibujo más usado es el lápiz de grafito, una delgada mina d e polvo de grafito mezclado con arcilla e inserto en la madera. El grafito de los lápices de dibujo de alta calidad es suave y, al mismo tiempo, muy denso para evitar que se rompa; su rendimiento es mucho mayor que el de los lápices corrientes.

2.Marcas y grados de grafito.

Los grafitos tienen distintos grados, que corresponden a trazos y valores tonales diferentes.

Los grados varían según la cantidad de arcilla con la que esté mezclado el grafito. La dureza en relación con los distintos grados no está estandarizada. Los grados de los lápices y barras de grafito va de 9B (el más blando y negro) a 9H (el más duro y claro). Es conveniente probar diversas marcas e invertir en un conjunto de lápices de distintos grados para averiguar con cuál de ellos trabajamos mejor.

3.Acabados de calidad.

No sobrecargues el grafito, ya que el dibujo puede quedar demasiado lustroso. Hay que aplicar fijador después de acabar el dibujo para evitar que este se emborrone.

4.Prueba los lápices de grafito sin madera.

Son lápices con una mina de grafito sólido, por lo que se gastan menos y tienen más usos que los normales, ya que permiten cubrir zonas grandes. Para ello, basta con retirar la capa protectora y usarlos de lado como los pasteles.

5.Prolonga la vida del lápiz con un portalápices.

El portalápices es un recurso muy sencillo para prolongar la vida del lápiz y ahorrar dinero.

6.Sostenibilidad.

Algunos fabricantes están adaptando un enfoque más sostenible de la gestión del as materias primas, la fabricación  y el control de los desechos. Busca las marcas comprometidas con los recursos renovables y la fabricación sin disolventes.

7.Grafito en polvo.

El grafito en polvo da buenos resultados en superficies con agarre. Funciona como el carboncillo en polvo y los pasteles blandos, y puede aplicarse con los dedos, pinceles y paños suaves. Para borrar las marcas se usa una goma de borrar maleable. Hay que usarlo con precaución, ya que la inhalación del polvo puede irritar los pulmones a corto plazo.

8.Portaminas.

También conocido como lápiz mecánico, este tipo de lápiz es muy útil para dibujar líneas de grosor uniforme. Tiene cuatro características propias:

  • Buen equilibrio: Nos e desgasta y por ello está bien equilibrado.
  • Mina continua: La carcasa contiene una zona para almacenar trozos de grafito extra que son empujados automáticamente hacia la punta del portaminas.
  • No hay que afilarlo: La fina mina de grafito no necesita afilado.
  • Resistencia a rupturas: Las minas modernas son resistentes y suelen estar recubiertas de polímero que impide que se rompan.

Hay minas de distintos grosores, normalmente definidos en milímetros y con diversos grados de dureza.

9.Portaminas gruesos.

Una variante del portaminas en la que la mina se sujeta con unas garras. Las minas son más gruesas, se insertan de una pieza y hay que afilarlas.

10.Lápices de carboncillo.

Estos lápices producen los tonos muy oscuros propios del carboncillo, pero son menos sucios y el trabajo con ellos es más suave y agradable.

11.Cómo sujetar el lápiz.

Dibujar es algo muy distinto de escribir. las personas que no han recibido enseñanza del dibujo suelen dibujar sujetando el lápiz como lo hacen para escribir, con los dedos muy cerca de la punta. Sin embargo, la manera de empuñar el lápiz para dibujar puede mejorar drásticamente la variedad y las cualidades del trazo.

  • Dibuja con todo el brazo; esto incrementa el tamaño y el flujo de los trazos y manchas y permite trabajar más fácilmente en hojas grandes.
  • Modifica tu manera de empuñar el lápiz para que tus dibujos no queden demasiado agarrados. Esto también facilita la ampliación de la gama de trazos.

12.Lápices de carboncillo.

Poseen una mina de carboncillo inserta en la madera y son de cualidades muy variables. Vale la pena probarlos en una tienda de suministros de arte, porque algunos son rasposos. El lápiz de carboncillo se usa para rehacer y resaltar líneas en dibujos al carboncillo o al pastel.

13.Lápices litográficos.

Estos lápices se usan para crear líneas sobre los soportes empleados en litografía. Su dureza suele oscilar entre 00(muy blando) y 5(duro).

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Hasta aquí estos 13 aspectos sobre los lápices que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

Proyecto de creación plástica “Historias de Mercado”

El proyecto de creación plástica “Historias de Mercado”, tiene como finalidad que el alumno desarrolle su creatividad generando una obra (da igual la técnica o estilo) en la que el espectador pueda percibir cualquier concepto asociado a un mercado de abastos.

deGranero Historias de Mercado

Todas las obras participantes ya sean dibujos, pinturas, fotografías o técnicas mixtas, se ejecutarán sobre un soporte rígido de 60 x 60 cm. de contrachapado que será el mismo para todos y que se os proporcionará en el taller (os diremos el precio lo antes posible). Este soporte se podrá preparar de diferentes formas dependiendo de lo que cada uno quiera ejecutar sobre él.

No se trata de apropiarse de una fotografía de un autor y reinterpretarla sino de buscar más un concepto y ver como que podemos representarlo.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 19 de marzo: Esta semana se presentará en cada clase mediante una charla teórica el proyecto en sí. Se os dará información suficiente para que tengáis bien claro que es lo que se espera para esta exposición y por tanto por donde podéis tirar, o mejor dicho, que tipo de ideas son más afortunadas y cuales menos. A partir de aquí contaréis con 15 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada. Es importante asistir a esta sesión para entender bien lo que hay que hacer.
  • Semana del 2 de abril: Puesta en común de ideas. Cada alumno presentará en su clase su idea públicamente. Con este fin, el alumno debe asistir a clase con aquello que considere necesario para que entendamos su idea, un pendrive con imágenes, vídeos, un texto… Se establecerá un diálogo y de esta sesión saldrá la obra de cada alumno lista para su ejecución.
  • Del lunes 9 de abril al viernes 8 de junio: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.

La exposición “Historias de Mercado” tendrá lugar del 15 de junio al 15 de julio en el Mercado de La Paz de Madrid. La inauguración será el viernes día 15 de junio.

Por supuesto aunque es muy recomendable la participación en este proyecto, es totalmente voluntario. Quedo a vuestra entera disposición para resolver cualquier duda al respecto.

5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer.

En este artículo te mostramos 5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer. Los cielos y las nubes son temas fascinantes e inagotables. Además aparte de dibujarlos en exteriores puedes hacerlos también desde tu ventana si tienes una buena vista.

1.Mezclas ópticas.

Mira y dibuja continuamente el cielo que ves desde tu ventana: a distintas horas del día y en distintas estaciones y condiciones meteorológicas. Observa cómo cambian las nubes y los colores y lo rápidos que son los cambios.

2.No sirve cualquier azul.

Los cielos azules no son fáciles. El tono azul cambia según la estación, las condiciones climáticas y la hora del día, y el valor tonal del cielo también varía. Comprueba la intensidad de los tonos con tu tarjeta de escala de grises, sobre todo en torno al horizonte.

3.Dibuja la luz más que el color.

El cielo siempre es más claro que el paisaje. El factor dominante en el aspecto del cielo es la luz y no el color; compruébalo comparando el color y tono del cielo cerca del col con cualquier otra parte de la vista.

4.Mezclas ópticas.

A la hora de dibujar cielos y nubes, los cambios sutiles observados en los colores de las nubes son especialmente adecuados para las mezclas ópticas creadas con técnicas como las tramas y el restregado.

5.Estudios de nubes.

Usa una franja tonal y un medio blando para sombrear y mezclar nubes de distintos tipos. Te recomiendo que repitas esta práctica con nubes diversas.

IDENTIFICACIÓN DE LOS COLORES DEL CIELO.

Podemos estudiar el cielo siempre que salgamos fuera, aunque no hagamos bocetos en este momento.

  • Evalúa los cambios tonales; es fácil confundir los tonos cuando cambian los colores.
  • Crea muestras de color y un diagrama de los colores del cielo según la hora del día, la estación y el clima.

OBSERVACIÓN DE LAS NUBES.

Observa que clases de nubes se presentan en distintas situaciones meteorológicas y a diversas horas del día.

  • Haz bocetos de estudio, sobre los cambios y el desarrollo de las nubes.
  • Crea un esquema de color de nubes de distintos colores.
  • Observa y registra los cambios de diversos tipos de nubes a través de las estaciones.

Hasta aquí nuestros 5 consejos para dibujar cielos y nubes que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.