9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Luces y sombras se combinan para representar un asunto mediante un espectro de valores que van desde la luz más brillante hasta la sombra más oscura. Los valores pueden crearse por la combinación de línea, sombreado y color.

Sobre luz y sombra.

Algunos términos que se aplican a luces y sombras:

  • Sombra proyectada: Sombra que forma un objeto sobre una superficie cercana al bloquear la fuente de luz.
  • Destello: Luz intensa o resplandor en el ojo.
  • Claroscuro: Técnica que emplea luces y sombras intensas para definir objetos 3D. Núcleo o joroba de la sombra: La parte más oscura de la sombra, alejada de la luz y no afectada por la luz reflejada.
  • Zona de luz: Área de un objeto expuesta a la luz.
  • Zona de sombra: Área de un objeto no expuesta a la luz directa.
  • Brillo: El tono más claro; rodeados de tonos más oscuros, los brillos saltan del papel.
  • Luz reflejada: Zonas más claras dentro del núcleo de la sombra, producida por las reflexiones de la luz y el color.
  • Contraluz: Luz que ilumina un objeto por detrás.
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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

  1. Dibujo de luz y sombra: Con el tiempo y la observación llegarás a saber cómo crear la impresión de luz y sombra. Empieza practicando con formas muy simples, por ejemplo, huevos, en un entorno neutral donde solo actúen las luces y las sombras.
  2. Evalúa la iluminación: Una buena iluminación ayuda a mostrar tanto el volumen como la forma, mientras que una iluminación mala puede confundir al observador. EL tipo de luz, sea ésta neutral o artificial, afecta al valor tonal y a la calidad de los contornos que vemos. La dirección e intensidad de la luz influye en el carácter de las sombras y en el modo en que detectamos las formas. El color de la luz afecta de manera natural a los colores visibles. Los nuevos tipos de luz artificial ofrecen distintas opciones en cuanto a la temperatura del color, desde el cálido (amarillo) hasta el azul (luz diurna) pasando por el neutral.
  3. Responde a la luz exterior: La luz y la sombra se mueven continuamente cuando dibujamos al aire libre, y la longitud de las sombras cambia a lo largo del día. Antes de empezar el dibujo, haz un boceto del patrón de valores para anotar el efecto de la luz ante tus ojos. Si realizas un dibujo compuesto con distintas fuentes asegúrate de que la relación de cada objeto corresponda a una fuente de luz determinada.
  4. Para mejorar el diseño de los dibujos: Los dibujos que no tienen un buen rango de valores tonales suelen tener un aspecto plano y sin vida, mientras que un buen patrón de valores tiende a captar la mirada. En un dibujo visto a distancia, lo único que distinguimos es el patrón abstracto de luces y sombras; todos los valores se subordinan al patrón de valores.
  5. Escala de grises: La escala de grises muestra los cambios de valores tonales de luz y sombra entre el blanco y el negro. Sirve para comprobar y comparar el valor tonal de los que vemos con el de lo que hemos dibujado.
  6. Entorna los ojos: Entornar los ojos es una manera simple y rápida de ver los valores tonales sin usar ningún utensilio. Usa esta técnica para desarrollar bocetos miniatura.
  7. Prueba distintos métodos de sombreado: Elabora un portfolio de distintas maneras de sombrear y de representar diversos valores tonales. Para producir cambios de tono, es mejor emplear lápices progresivamente más blandos en lugar de variar la presión.
  8. Evalúa valores tonales todos los días: La práctica continua y la evaluación instantánea ayudan a desarrollar la competencia.
  9. Hazte examinar la vista si tienes problemas de visión de los tonos. Afecciones oculares tales como las cataratas pueden reducir la capacidad de ver el color y el tono con precisión y provocar visión borrosa, por lo que es aconsejable hacerse una revisión si se presentan problemas.
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7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. El tipo de líneas que se emplean en los dibujos hablan tanto del artista como del tema. La línea se usa para describir un espacio o una forma, además de expresar movimiento y energía creando una sensación de dirección y perspectiva. Las líneas tienen muchas características: pueden ser gruesas o finas, rectas o curvas, asépticas o expresivas, controladas o sueltas. Estas características pueden reflejar la naturaleza del objeto representado.

«Un dibujo no es más que una línea que sale a pasear

Paul Klee (1879-1940)

deGranero líneas y contornos

Sobre líneas y contornos.

Los bordes nos comunican la naturaleza de un asunto y el modo en que la luz cae sobre él:

  • Perímetro: Borde exterior de una forma plana bidimensional.
  • Línea de contorno: Silueta de una masa o forma tridimensional.
  • Borde duro: Borde definido y preciso.
  • Borde suave: Borde vago y difuso que carece de definición.

Cuando empieces a dibujar del natural en lugar de usar fotos, pasarás de dibujar perímetros a dibujar líneas de contorno.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

  1. Crea líneas con distintas características: El acto de dibujar implica sentir el carácter de las líneas mientras el brazo y la mano aplican el medio al papel. Energía, presión y control afectan a la naturaleza de las líneas, a su grosor, peso y precisión. El tipo de material de dibujo y el soporte también son importantes. Por ejemplo, la estilográfica tiene una punta flexible que permite más variedad de grosor e intensidad. El estilógrafo y el portaminas ofrecen ambos una línea muy consistente y exacta.
  2. Desarrolla el control de las líneas rectas: Es más fácil decirlo que hacerlo. Intenta dibujar una línea despacio, y después con rapidez. Dibuja una línea vertical paralela al borde del papel y repite la operación otra vez.
  3. Trama, trama vertical y trama cruzada: Observa dibujos de bellas artes de artistas contemporáneos y de maestros antiguos para estudiar el empleo de las variaciones de las tramas para crear valores tonales y sugerir las características de las superficies. Los tramados de contorno se usan mucho en el dibujo clásico para descubrir las formas humanas.
  4. Usa líneas discontinuas: La línea no tiene por que ser continua; las líneas rotas también son importantes. Cuando dibujo con rapidez, mi pluma baila por la página mientras encuentro mi camino alrededor del asunto. Las líneas intermitentes sugieren contorno de las cosas de forma discreta, sin estridencias.
  5. Los contornos duros son duros para la vista: Un contorno duro indica un agudo contraste tonal entre formas adyacentes debido, por ejemplo, a un cambio de luz; el contorno duro ayuda a crear énfasis. No obstante hay que usarlos con prudencia, ya que demasiados contornos duros pueden resultar difíciles de ver y crean confusión en cuanto al centro de interés del dibujo.
  6. Los bordes suaves atenúan las transiciones: Los bordes suaves ayudan a atenuar la transición entre una forma o un valor tonal y los siguientes. Se producen allí donde la luz es baja o difusa o está detrás del asunto, y se usan cuando se necesita sutileza. No obstante,demasiados bordes claros pueden hacer confuso el dibujo y crear formas mal definidas.
  7. Imagina que el lápiz está tocando los contornos reales de los objetos: El dibujo asciende un escalón cuando sientes que, literalmente, formas parte del trazo que estás haciendo. Imagínate que el lápiz está tocando realmente el objeto mientras dibujas su contorno. Sigue el contorno con el ojo y dibuja lentamente la misma línea en el papel.
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6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Dentro de un dibujo, el espacio ayuda a definir los objetos que contiene y los que le rodean. Los dibujos describen las relaciones entre los objetos y el espacio mediante línea, valor tonal y color, que definen tales objetos y crean impresión de profundidad, escala y perspectiva.

Sobre el espacio.

Algunos términos relativos al espacio en el dibujo:

  • Ilusión: Representación visual de un espacio 3D en dos dimensiones.
  • Espacio pictórico: Ilusión de profundidad y espacio 3D creada en un soporte 2D.
  • Plano pictórico: Espacio 2D dentro de los bordes del marco establecido para el dibujo.
  • Espacio lleno o positivo: Área ocupada por un espacio.
  • Espacio vacío o negativo: Área entre los objetos y en torno a ellos.
  • Espacio abierto: Se incluye en los dibujos para permitir que el tema respire en el papel.
  • Espacio activo: Espacio dentro de la imagen en el cual pueden moverse los elementos activos.
  • Espacio plano: Espacio sin curvas ni atisbos de profundidad.
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Dibujo del espacio.

  1. Dibuja una silla y el espacio dentro y alrededor de ella para entender los espacios llenos y vacíos.
  2. Selecciona un tema de dibujo y ponlo boca abajo para que parezca menos familiar. Dibuja los que veas y utiliza un color claro para la forma llena y un color oscuro para la forma vacía.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

  1. Dibuja el espacio lleno, ocupado por el objeto. Las personas que aprenden a dibujar, a menudo dibujan solamente el llamado espacio lleno o positivo, es decir, el espacio que ocupa el objeto (por ejemplo, un jarrón de flores, un rostro, un gato), y tienden a dejar de lado o ignorar el contexto por lo que respecta al fondo.
  2. Dibuja el espacio vacío, que está entre los objetos y su alrededor. Si te concentras en dibujar las formas vacías o negativas que hay en el espacio entre los objetos y en torno a ellos es mucho más fácil evitar que nos distraigan nuestras ideas acerca del aspecto que deberían tener las formas y los objetos.
  3. Dibuja al revés. Es mucho más fácil dibujar un objeto si lo miramos boca abajo o desde un punto de vista insólito. Este ejercicio es útil para quienes tienen dificultad en ver formas llenas y vacías en el espacio y para aquellos a quienes les cuesta captar las dimensiones correctamente.
  4. Dibuja a escala. La escala es importante cuando se dibuja en proporción al tamaño real. Podemos decidir ampliar el asunto (por ejemplo, para dibujar una pequeña parte de una flor) o reducirlo (para dibujar un edificio). Captar la escala y la proporción correctas es importante en el dibujo realista. Por ejemplo, hay que asegurarse de que las puertas sean lo bastante grandes en relación con las personas de una habitación. La escala se distorsiona a propósito para cambiar la importancia relativa del objeto distorisonado.
  5. Usa una cuadrícula para ampliar o reducir. El método más sencillo para realizar una ampliación es una cuadrícula. Es muy fácil de aprender y de recordar, y el tamaño de la cuadrícula puede adaptarse a la tarea en cuestión (para dibujar zonas detalladas podemos usar una cuadrícula más pequeña).
  6. Evita los espacios uniformes. Los espacios uniformes dentro del dibujo o alrededor del asunto deben evitarse. La disposición irregular del espacio es más efectiva.
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5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer. La forma de los objetos del mundo real es tridimensional, pero en el dibujo sólo podemos usar dos dimensiones: altura y anchura.

Sobre las formas.

Algunos términos que describen la forma y el volumen de los objetos:

  • Forma: Área definida por una longitud y una altura. Las formas se representan con líneas, colores o sombreados.
  • Forma tridimensional: Espacio delimitado que se mide entres dimensiones: longitud, altura y anchura.
  • Volumen: Tamaño de una forma en tres dimensiones.
  • Densidad: Proporciona una sensación de resistencia de la forma.
  • Masa: Elemento sólido tridimensional con sensación de peso y resistencia. Combina volumen y densidad.
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5 puntos sobre forma, forma tridimensional y volumen que debes conocer.

  1. Practica el dibujo con formas muy básicas: Conoces el aspecto de las formas simples, pero, ¿sabes dibujarlas? Empieza por dibujar repetidamente formas simples bidimensionales y tridimensionales hasta que manejes su geometría con soltura; imagina que son transparentes e incluye las líneas y las esquinas que quedarían ocultas si fueran opacas. Los círculos, óvalos y formas elípticas curvadas exigen mucha práctica. Este ejercicio sirve además como calentamiento.
  2. Dibuja el tema en el aire: Puede sonar raro, pero funciona. Aprende a dibujar el tema elegido antes de poner el lápiz sobre el papel, Intenta trazar el contorno de la forma en el aire antes de empezar.
  3. Para empezar, define bloques: Márcate algunas pautas para iniciar un dibujo: la definición de bloques ayuda a simplificar el asunto y facilita s establecimiento de las dimensiones del papel. Primero, busca las formas dominantes (formas geométricas grandes y simples que componen el contorno del asunto. Haz un boceto muy ligero de esas formas. Comprueba el tamaño, las proporciones y la posición de las formas. Por último, cuando las formas grandes estén situadas, refina las líneas y añade detalles.
  4. Avanza de lo general a lo particular: Una vez establecidos los bloques de las formas básicas, podemos seguir observando y refinando. Empieza con una de las partes y busca las formas pequeñas que contiene la forma grande. Redefine las líneas y las formas sobre la marcha; no es necesario borrar las líneas previas.
  5. Identifica las masas contiguas de valor tonal semejante: Las formas no existen de manera aislada. Nuestro cerebro sabe que los objetos están separados y quiere dibujar lo que sabemos que tenemos delante; sin embargo, si la luz está baja o detrás del asunto, los bordes de las formas y la separación entre éstas y el entorno y las formas contiguas queda muy difuminada. Las formas conectadas, con más o menos el mismo valor tonal, pueden crear una forma mucho más grande.
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4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer. El soporte más estable es una superficie rígida, pero ésta puede resultar más pesada. El lienzo tensado es una superficie ligera, flexible y fácil de transportar, que se puede sacar del bastidor y enrollar para guardarla. Como materiales se usan mucho el lino y el algodón en diferentes pesos y tejidos. Se encuentran por metros (al natural o ya imprimados) listos para colocar en el bastidor.

La superficie que elijas depende de cómo quieras pintar. Un lienzo liso favorece la aplicación uniforme, mientras que un tejido áspero proporciona una superficie rugosa para dar volumen con un empaste. El lienzo o el lino más gruesos van bien para pinturas de gran formato, y la muselina, para montar en cartón. Es bueno tocar las superficies antes de comprar.

deGranero preparar un lienzo

2 herramientas para preparar un lienzo:

  1. Bastidores: Se encuentran con diferentes largos, listos para ensamblar. Los mejores tienen un borde biselado en la parte frontal para mantener el lienzo apartado del bastidor mientras se pinta. Esto es muy importante porque la pintura tendrá un aspecto diferente si se pinta contra la madera, ya que se puede formar una línea donde empieza el bastidor. También se pueden hacer en casa con listones de 5 x 2,5 cm. ensambladas en inglete, con borde biselado y bien escuadradas. Cuanto mayor sea el lienzo, más fuerte tendrá que ser el bastidor; los más grandes (de más de 1 metro) necesitan un travesaño sencillo o doble. Los triángulos de cartón duro clavados en las esquinas por la parte trasera fortalecen la estructura.
  2. Pinzas para lienzos: El lienzo con la imprimación es más difícil de extender pues no cede. Las pinzas para tensar lienzos aseguran que queden bien tensados. Aunque las pinzas se recomiendan para lienzos con imprimación, tensar un lienzo grande sin imprimar es un trabajo duro que puede dañarte las manos. Las pinzas facilitarán la tarea, aunque hay que tener cuidado de no tensar demasiado el lienzo, porque se puede romper al encolarlo.
deGranero como preparar un lienzo

4 puntos básicos para preparar un lienzo que debes conocer.

  • Montaje del bastidor: Asegúrate de que todas las piezas estén orientadas en la dirección correcta, con el borde biselado por delante. Presiona para unir cada junta en inglete. Golpea con un mazo de madera para encajarlos bien. Comprueba que el rectángulo encaja perfectamente con una escuadra o poniéndolo sobre la esquina de una mesa. Si el bastidor no tiene un borde biselado, corta cuadrantes con ángulos de 45 grados en cada extremo, para lograr una esquina limpia, y encólalos y clávalos en su sitio. En lienzos grandes clava un triángulo de cartón duro para hacer la estructura más estable.
  • Tensado: Hace falta práctica para saber cuánto hay que estirar el lienzo para tensarlo. Ante todo, es más fácil hacerlo por el centro que en las esquinas. El truco es no tensarlo demasiado al principio. Segundo, un lienzo que se vaya a pintar con acrílico requiere más tensión que uno que se vaya a sellar con cola de conejo, la cual contraerá el lienzo cuando se seque. Pon el bastidor biselado hacia abajo sobre el lienzo de forma que quede alineado con el hilo de la tela. Corta el tejido de forma que sobren aproximadamente 6 cm. por cada lado. Pon la primera grapa y avanza del centro hacia fiera en cada uno de los lados. Dobla las esquinas con cuidado.
  • Reparación de desgarros: Corta un trozo pequeño de lienzo al natural que cubra el desgarro. Tiene que ser exactamente del mismo tipo y grosor. Encola el parche y el jirón por detrás del lienzo. Coloca el parche sobre el desgarro por detrás del lienzo; asegúrate de que el sentido del hilo de ambos está en la misma dirección. Alisa para ajustar. Encola otra vez y deja que se seque. Pon imprimación sobre el desgarro por la parte delantera.
  • Eliminación de bultos: Humedece con agua la parte trasera del lienzo y deja que se seque.

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7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

En este artículo te mostramos 7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer. En su estado natural, la acuarela y el gouache son líquidos, pero hay técnicas para añadirles textura. Los medios comerciales pueden hacer la pintura más granulada, más gruesa, que se pegue menos al papel y que tarde más en secarse. No siempre se especifican bien los ingredientes, pero generalmente son las mismas sustancias usadas para elaborar la pintura; estos medios deben usarse con moderación.

2 texturas con acuarela.

  1. Textura transparente: Puedes usar tres técnicas para hacer esta textura, pincel seco sobre papel rugoso, medio texturado añadido a los lavados para hacerlos más granulares, y salpicaduras de pintura con un pincel rígido. El blanco del papel rugoso es importante, pues añade brillos al mostrarse a través de la pintura transparente.
  2. Textura opaca: Puedes realizar una textura general con pintura arrastrada sobre la superficie con un pincel seco. Sobre un lavado dispuesto encima puedes dejar caer un plástico, lo que proporciona un patrón irregular. Luego puedes pintar encima y tapar en algunos lugares con gouache opaco. Finalmente también puedes aplicar salpicaduras oscuras y claras a la vez punteando con un cepillo de pelo de cerdas duras.
deGranero texturas en acuarela

7 consejos para trabajar con texturas en acuarela que debes conocer.

  1. Un papel rugoso prensado en frío es ideal para hacer granulados y manchas.
  2. Aplicar pintura en un papel texturado con un pincel seco produce un efecto moteado. Asegúrate de que el pincel esté seco limpiándolo con un papel, mójalo en la pintura y arrástralo sobre la superficie. Pon los dedos sobre la base de las cerdas para abrirlas (así conseguirás una marca más ancha) o usa un pincel abanico. Si punteas la superficie con un pincel de cerdas rígidas lograrás zonas más controladas de puntos, en contraste con las pinceladas más suaves.
  3. Agrega un medio de textura a la pintura para conseguir un acabado granulado. Puedes obtener un efecto similar espolvoreando un poco de sal en la superficie, o añadiendo más goma arábiga o medio granulado a la pintura, añade aquapasto.
  4. Salpica pintura sobre la superficie con un cepillo de dientes viejo o un cepillo duro. Delimita con un estarcido la zona que quieras texturar, para proteger el resto de la pintura. Este método poco sofisticado es sorprendentemente efectivo con cualquier color en cualquier momento, pero quizá prefieras usar fluido de enmascarar, para preservar las motas blancas al principio del proceso, o bien usar gouache blanco al final, para añadir luz y brillos a un lavado deslucido.
  5. Pon una bolsa de plástico ligeramente arrugada sobre un lavado y deja secar. Al levantarla, revelará un jaspeado.
  6. Lija suavemente con un papel de lija grueso, raspar o cortar con una cucharilla la capa superior del papel son formas de recuperar el blanco. Es un último recurso, ya que la operación araña la superficie del papel y es más difícil pintar encima de éste.
  7. Pinta zonas del fondo con goma arábiga o preparación para retoques (lifting medium) si necesitas quitar la pintura después de los lavados. Pasa un pañuelo de papel o un algodón sobre la pintura para descubrir el blanco.

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5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer. El buen resultado del dibujo con pasteles o crayones depende en gran medida de la cantidad de colores de la que dispongamos. No es posible obtener colores exactos mezclando unos cuantos primarios como se hace con la pintura, por lo que es aconsejable, incluso para los principiantes, adquirir el juego más completo que pueda costearse, de entre cincuenta y cien barras.

deGranero pintar con pasteles

5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer.

  1. Gama de colores: Los crayones de tiza y cera se destinan el mercado infantil y tienen una gama limitada, aunque es posible encontrar variaciones de colores básicos, por ejemplo, diversas sombras de verde. En los pasteles blandos y al óleo, el fabricante indica los nombres de los pigmentos empleados y es posible adquirir una gama de colores primarios y secundarios, junto con una serie de tintes y de grises. Compara distintas versiones y pruébalas antes de comprar, y disponte a comprar los mejor calidad, cuyos colores y texturas serán probablemente mucho mejores. Después podrás ampliar el juego de colores con barras sueltas a medida que aprendas. Siempre es útil tener barras adicionales de color blanco, descubrirás que son las que más se usan.
  2. Lápices de cera: Los lápices de cera se hacen con pigmento en polvo mezclado con cera de parafina fundida que se vierte en moldes y se seca. Si adquieres tizas o lápices grasos destinados al mercado infantil, ten en cuenta que los pigmentos se desvanecen con el tiempo.
  3. Conté: Conté es una marca de crayones hechos con una mezcla de grafito, carboncillo o pigmento con cera o arcilla. Se presentan con distintas durezas y son semejantes a los lápices de cera, algo más robustos. Dado que se destinan al mercado del arte. Los crayones Conté se presentan en variedad de colores, incluyendo colores terrosos y blanco y negro.
  4. Tizas de colores: Son las barras compuestas por tiza y pigmento en polvo mezclados y calentados. La no toxicidad de los pigmentos está garantizada, ya que se destinan a las pizarras escolares, pero pueden desvanecerse si se los expone a la luz durante periodos prolongados.
  5. Pasteles blandos: Los pasteles blandos se hacen con pigmento en polvo y tiza mezclados con goma o resina. La mezcla resultante se elabora en barras y se seca con aire. Los hay blandos, medios o duros, según la proporción de pigmento y de goma y de la cantidad de tiza mezclada con el pigmento. Por ello, los lápices de pastel tienden a ser más duros que las barras, y las barras de calidad escolar son más duras que las de artistas. Los pasteles de artistas son los más cremosos y los que producen colores más vivos porque contienen los pigmentos más puros. Como el pastel es un material polvoriento, que pasa al aire y cubre la piel, es conveniente comprobar la composición exacta de sus pigmentos para evitar colores tóxicos.
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Hasta aquí estas 5 herramientas para pintar con pasteles que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer. Si careces de experiencia en el dibujo, quizá te sorprenda descubrir que el empleo de un medio tan familiar te produce temor. Lo primero que hay que saber es que cualquier material tiene que emplearse con firmeza y decisión. La posibilidad de borrar el lápiz tal vez nos lleve a emplear la goma demasiado pronto, mientras que la necesidad de producir una imagen perfecta puede hacernos vacilar. Distintos tipos de lápiz nos hacen sentir y dibujar de maneras diferentes. Intenta a provechar estas diferencias y usa un tipo de lápiz y una manera de trabajar que te den confianza.

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4 ejercicios para dibujar mejor a lápiz.

  • Dibujo de línea con un lápiz 6H afilado: El lápiz duro produce líneas finas y claras con pocas variaciones de tono. La necesidad de presionar para hacer el trazo, y las líneas marcadas que se crean de este modo, confieren cierta intensidad del dibujo. Podemos permitirnos ceder al deseo de detallen y precisión. Si cometemos errores, siempre es posible borrar todo el dibujo con un borrador y rehacerlo.
  • Dibujo de línea con una barra gruesa de grafito 7B: La barra de grafito no se usa como si fuera lápiz; el dibujo se elabora con todo el brazo, sin apoyar la mano en el papel. Además, la barra es mucho más roma y menos precisa que el lápiz, y nos induce a trabajar con ademanes más amplios, disfrutando de la exageración a la que se presta este material.
  • Dibujo tonal con tramas lápiz 6H: El tono se construye en bloques, de claro a oscuro, empleando líneas superpuestas y espaciadas con regularidad, primero en una dirección y después en la otra. El tono se oscurece aumentando la cantidad de capas y dibujando las líneas más juntas entre sí. Esto crea un efecto elegante,limpio y técnico que recuerda a un grabado a buril o al ácido.
  • Dibujo tonal con sombrado lápiz 6B: En este caso, el tono se elabora en bloques, de claro a oscuro. Hay poca o ninguna textura. El lápiz 6B proporciona una gama de tonos buena y fuerte, desde el gris claro al negro intenso y brillante.
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7 consejos para dibujar con lápiz que debes conocer.

  1. Procura construir el dibujo de claro a oscuro. Trabaja primero de manera ligera y rápida y después elabora el dibujo con más firmeza a medida que adquieras confianza.
  2. Proponte crear varios dibujos en lugar de uno solo.
  3. Intenta usar el borrador para dibujar y no sólo para borrar. Córtalo en piezas más pequeñas para conseguir líneas finas.
  4. Cuando trabajes con lápiz blando en papel, coloca otro papel debajo de tu mano para proteger el dibujo de borrones.
  5. Trata de sostener el lápiz longitudinalmente con respecto al brazo y entre el pulgar y el índice en lugar de apoyarlo con el dedo corazón como cuando escribes.
  6. Experimenta con los tamaños. Prueba a hacer dibujos más grandes en un caballete o en una pared.
  7. Si el dibujo se vuelve pesado y farragoso, bórralo dando pasadas fuertes en diagonal con la goma y empieza de nuevo el trabajo encima de lo borrado.

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9 consejos para pintar con máscaras y lavados con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 consejos para pintar con máscaras y lavados con acuarela que debes conocer. Conservar el blanco de el papel y extender un lavado plano, transparente, son dos de los retos de la pintura con acuarela. La pintura tiende de forma natural a acumularse y distribuirse de forma poco uniforme, por lo que puede ser difícil pintar un lavado alrededor de una complicada forma blanca o cubrir una zona amplia con un color plano, liso. Practica en obras pequeñas y está alerta para sacar provecho de los accidentes afortunados y cambiar de planes.

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A nuestros alumnos de clases de pintura en Madrid les enseñamos fundamentalmente estas dos técnicas para hacer reservas:

  • Fluido de enmascarar: Podemos cubrir de fluido de enmascarar las zonas que queramos dejar en blanco. Esto nos ahorra el trabajo de pintar por el contorno. El fluido de enmascarar amarillo es perfecto porque nos permite ver claramente dónde hemos pintado. Una vez levantado el fluido de enmascarar puedes aplicar más lavados detallados para modificar las zonas iluminadas e intensificar las sombras.
  • Lavado plano: Si aplicas la pintura con pinceladas uniformes, horizontales y con el pincel bien cargado, es difícil extender un color plano alrededor de una forma complicada, por lo que lo mejor es enmascararlo y aplicar el color por encima. Una vez seca la pintura puedes aplicar una segunda capa que fortalece, oscurece e intensifica el color. También sirve para igualar cualquier inconsistencia del lavado. Algunos colores proporcionan un lavado más granulado que otros.

9 consejos para pintar con máscaras y lavados.

  1. El primer consejos que te damos para trabajar con máscaras y lavados es que evites usar un pincel caro para aplicar la máscara. Lava el pincel regularmente con agua mientras trabajas, frotando las cerdas para quitar el fluido. El fluido de enmascarar se seca rápido y cuesta eliminarlo.
  2. Elimina el fluido de enmascarar con una goma de borrar. Asegúrate de que el papel está completamente seco antes de hacerlo o podrías estropear la superficie. Usa papel de acuarela, pues tiene una capa de cola. El fluido de enmascarar se pegaría y mancharía la superficie de un papel sin tratar.
  3. Puedes usar cinta de enmascarar con adhesivo ligero como alternativa.
  4. Mezcla una gran cantidad de pintura (más de la que necesites) para que el lavado siga fluido mientras pintas.
  5. Experimenta con el tipo de pincel. Un pincel plano proporciona un trazo más uniforme, pero un pincel redondo grande retiene más pintura.
  6. Evita la tentación de tocar la pintura cuando termines. Es mejor dejar que se fije y se seque. Si no te gusta un lavado, puedes ponerlo bajo el grifo y repintar.
  7. Mojar el papel ralentiza el tiempo de secado y hace que los lavados se extiendan más. Distribuye el agua de forma uniforme o moja sólo el dorso del papel.
  8. Añade un poco de goma arábiga o medio de acuarela. Esto cambia la consistencia y hace más fácil extender un lavado plano. Sin embargo, este lavado puede saltar al pintar encima, porque la goma arábiga hace más soluble la pintura.
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Hasta aquí estos 9 consejos para pintar con máscaras y lavados que debes conocer. Cómo siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

3 pasos para moler pigmentos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 pasos para moler pigmentos que debes conocer. Aunque en las tiendas se encuentran ya preparados prácticamente todos los productos que el artista pueda necesitar, hay algunas fórmulas sencillas para elaborar ciertos tipos de pintura que no pueden comprarse. Muchos artistas desean incorporar a sus obras materiales encontrados, y desde hace siglos se vienen empleando pegamentos animales, cera y huevo como adhesivos. Cada tipo de pintura tiene características muy distintas, y su uso también comunica significados.

Aprovechar las muy distintas cualidades de los adhesivos y trabajar directamente con ellos es un verdadero placer. Además de probar las fórmulas tradicionales con huevo, aceite, cera y pegamento animal, es posible elaborar pintura casera pegajosa (y también un poco grumosa) mezclando pigmento con un adhesivo PVA, gel acrílico, goma laca, aceite de linaza, medio dammar o resina alquídica.

Materiales encontrados como tierra de un jardín o ceniza de objetos quemados, pueden secarse en el horno, tamizarse y después molerse finamente en el mortero. Con materiales con base de agua como la pintura al temple, la tempera al huevo, el acetato de polivinílo o PVA y el gel acrílico, puede ser útil remojar previamente los pigmentos en un poco de agua destilada y mezclarlos para hacer una pasta que se añade después. Otra opción es comprar el pigmento en forma de pasta preparada. También pueden incorporarse fluidos de plantas, aunque no son indelebles.

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3 pasos para moler pigmentos que debes conocer.

Para obtener una versión más suave y estable del pigmento en pasta o de la pintura al óleo, invierte una moleta de vidrio con una placa del mismo material o de piedra y muele el pigmento en agua o en aceite.

  1. Pon el pigmento en la base. Distintos pigmentos requieren cantidades diferentes de solución: añade gotas de agua o aceite poco a poco con una cucharilla y mezcla con espátula para elaborar una pasta seca.
  2. Muele con movimiento circular con la moleta. Observarás que el pigmento se acumula a los lados de la moleta y en torno al borde de la zona de molienda. Rasca este material con una espátula y vuelve a ponerlo en el centro de la placa. Sigue moliendo hasta que la pintura quede suave al tacto. Si parece demasiado húmeda, añade más pigmento. Ciertos pigmentos absorben más agua o aceite, y algunos tardan más que otros en molerse.
  3. Guarda la sustancia en frascos herméticos. La pintura al óleo puede cubrirse con un poco de agua para mantenerla fresca.

Molido de ingredientes encontrados.

Tal vez desees emplear ingredientes encontrados, como tierra o piedras. En tal caso, tendrás que golpearlos un poco para eliminar terrones. Sécalos al horno antes de añadirlos a medios no solubles en agua (óleo o cera) para facilitar las mezclas.

  1. Pasa por un tamiz los materiales encontrados para eliminar terrones.
  2. Muele en el mortero la tierra secada al horno.
  3. Muele el pigmento con agua para hacer una pasta de pigmento.

Hasta aquí nuestros 3 pasos para moler pigmentos que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.