6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer. Para sacra partido de la fluidez de la tinta china hay que usarla con decisión. Si deseas aumentar tu confianza, experimenta las maneras de sujetar y de mantener la pluma o el pincel y trabaja en series de varios dibujos. Disponte a reaccionar según evolucione el trabajo. Algunas opciones posibles son trabajar la superficie con más tinta, cortar y pegar encima, blanquear la superficie, pintar por encima con otro material, y escanear la imagen para alterarla en el ordenador, imprimirla y rehacer el trabajo.

deGranero tinta china

4 experiencias con tinta.

  • Caña de bambú sobre papel seco: La caña de bambú se corta en una punta simple y se moja en tinta. al pasarla por la superficie, esta pluma casera produce una línea negra y regular que se va secando a medida que se usa la tinta china. Con la práctica es posible sacar partido de las variaciones naturales del trazo y del estilo caligráfico que producen, algo que no se logra con plumas de cartuchos o con depósito. La velocidad y la presión también afectan a las líneas realizadas.
  • Caña de bambú sobre papel húmedo: El papel humedecido favorece que la tinta se esparza y produce líneas más suaves, anchas y difusas, lo cual añade un elemento lúdico y azaroso al dibujo, puesto que es difícil predecir las reacciones de la tinta. La humedad del papel puede controlarse secando el agua de la superficie o dejando que ésta se seque un poco mientras avanza el dibujo.
  • Pincel con tinta china: Puedes trabajar con un pincel japonés puntiagudo y de pelo áspero. El tipo de pincel, la forma de sujetarlo con la mano, la cantidad de tinta recogida en las cerdas, la presión aplicada al pincel y la rapidez del trazo en el papel afectan a las líneas realizadas. Las texturas húmedas y secas se hacen visibles allí donde los bordes exteriores del pincel empiezan a quedarse sin tinta.
  • Pintura a pincel; espacio negativo: El blanco del papel crea la forma en positivo del dibujo. El fondo lo puedes pintar con tinta húmeda aplicada en abundancia: ele flujo de la tinta húmeda y las burbujas que se forman se apreciarán claramente en la textura de la superficie ya seca.

6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer.

  1. La tinta no perdona los errores, realiza muchos dibujos sucesivos para ganar soltura. Descubre que es posible analizarlos y relacionarlos entre sí para aprender sobre la mancha: a medida que trabajes,los dibujos se volverán más automáticos y más sueltos. Después podrás elegir los mejores dibujos del conjunto.
  2. Sujeta el pincel sin presionarlo y prueba a dibujar de pie., con el fin de poder usar el brazo además de la mano. De este modo, el movimiento será más gestual y la tinta se aplicará con más sensibilidad.
  3. Trabaja en plano o bien inclina ligeramente el tablero. Un ángulo demasiado pronunciado hará que la tinta se corra hacia abajo.
  4. Experimenta con distintos elementos mojados en tinta, como plumas, pinceles, cañas e incluso verduras para obtener distintas marcas y probar la sensación que te producen en la mano.
  5. Prueba a sujetar la caña, pincel o pluma en vertical, como hacen los japoneses y los chinos. Esto te proporcionará un control distinto y una forma de trabajar alternativa.
  6. Si trabajas con líneas, mira directamente el objeto y deja que el ojo guíe la mano sin miar al papel. Con un poco de práctica conseguirás una línea continua y dibujos abstractos, fluidos y automáticos, seguros y no dubitativos.

Hasta aquí estos 6 consejos para trabajar con tinta china que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid. 


 

3 puntos sobre teoría del color que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 3 puntos sobre teoría del color que debes conocer. Mientras que algunas personas tienen una intuición natural para el color y saben cómo escoger los colores de forma personal, otras se sienten abrumadas al empezar a trabajar con pintura porque no están seguras de qué pigmentos comprar ni, cuando los tienen, cómo mezclarlos. Si tienes problemas, la teoría del color te puede ayudar.

3 puntos sobre teoría del color que debes conocer.

1.Pintura y color.

Aprenderás muchísimo mezclando y experimentando con la pintura. Los pigmentos reaccionan de diferentes formas dependiendo de lo finos que estén molidos y de si se mezclan fácilmente con el aglutinante. Los aglutinantes afectan a la forma en la que se presenta el color: transparente, opaco, cubierto con textura. Jugar con diversos tipos de pintura y con colores de diferentes consistencias te ayudará a entender y aprovechar estas cualidades.

2.Teoría del color sustractiva.

Se basa en la mezcla de pigmentos. Dos colores primarios forman un color secundario, pero éste siempre es menos intenso que los dos primarios. Cuantos más colores se añadan , más apagada será la mezcla. Cuando se mezclan pigmentos de todos los colores se obtiene un marrón-gris fangoso. Esto significa que los grises y los marrones vayan a restar viveza a su pintura. Se trata de considerarlos como colores concretos y usarlos para compensar  los colores más brillantes.

3.Teoría del color aditiva.

Describe la mezcla de la luz, y es el tipo de color que vemos en la pantalla del ordenador. Dos colores primarios superpuestos crean un secundario intenso, y los colores son más puros cuantos más se añaden. Todos los colores juntos producen el blanco.

deGranero teoría del color

Opciones digitales: COLOR.

Ventajas:

  • Los colores en la pantalla están compuestos de luz (color aditivo) y son muy puros y brillantes.
  • No hay que esperar a que la pintura seque y no hay contaminación de un color a otro. Las pinceladas se pueden cubrir libremente.
  • Algunos programas tienen capas que permiten superponer colores sobre dibujos y fotografías. Es posible crear capas múltiples que se pueden activar o desactivar, ocultar o borrar, para probar diferentes combinaciones de colores. La transparencia u opacidad de los colores superpuestos también se puede manipular.
  • Es posible escanear imágenes con alteraciones del equilibrio de color, matiz, saturación y tono para obtener alternativas inmediatas.

Desventajas:

  • Es probable que los colores parezcan menos vívidos al imprimirlos (color sustractivo). Para evitarlo, ciertos artistas exponen sus obras digitales en un monitor en la pared.
  • Como es más parecido a dibujar en cristal, puede perderse la sensación física de trabajar con los materiales de pintura.
deGranero, clases pintura Madrid
Biggs y Collings exploraron la aplicación sistemática de la teoría del color al mezclar y pintar. Los cambios sutiles de tono y de intensidad del color son característicos de su trabajo. Observa como los grises compensan los tonos más vívidos.

Hasta aquí estos 3 puntos sobre teoría del color que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

Proyecto de creación artística: «Lo divino».

El proyecto de creación plástica “Lo divino”, tiene como finalidad que el alumno desarrolle su creatividad generando una obra (da igual la técnica o estilo) con la que transmita al espectador este concepto.

Partiendo de su definición, «divino» es un adjetivo que significa perteneciente a Dios o a los dioses, pero también hace referencia a algo que es excelente o maravilloso. Por tanto… ¿Debemos llenar la sala donde se exponga este proyecto en una pequeña capilla? Tal vez si o tal vez no, pero de lo que estamos seguros es de que será un pequeño templo en el que es muy probable que haya más de una deidad a la que rodeemos de cosas divinas como si de un faraón se tratará…

Todas las obras participantes ya sean dibujos, pinturas, fotografías o técnicas mixtas, se ejecutarán sobre un soporte rígido de 60 x 60 cm. de contrachapado que será el mismo para todos y que se os proporcionará en el taller (os diremos el precio lo antes posible). Este soporte se podrá preparar de diferentes formas dependiendo de lo que cada uno quiera ejecutar sobre él.

No se trata de apropiarse de una fotografía de un autor y reinterpretarla sino de buscar, componer o idear algo que transmita «lo divino» a todo espectador que se sitúe frente a nuestra obra, ya sea lo perteneciente a Dios o lo excelente y maravilloso.

«Túneles del Sol» de Nancy Holt, arriba, en TROUBLEMAKERS.

Se establecen las siguientes fechas de ejecución:

  • Semana del 22 de abril: Esta semana se presentará en cada clase mediante una charla teórica el proyecto en sí. Se os dará información suficiente para que tengáis bien claro que es lo que se espera para esta exposición y por tanto por donde podéis tirar, o mejor dicho, que tipo de ideas son más afortunadas y cuales menos. A partir de aquí contaréis con 7 días para pensar una idea para vuestra obra. Esta semana nos hará falta saber quien participa y quien no, aunque os animamos a todos a hacerlo, da igual el nivel, es un buen ejercicio que conozcáis el proceso completo desde que comienzan las ideas, hasta que la obra llega a la exposición terminada. Es importante asistir a esta sesión para entender bien lo que hay que hacer.
  • Semana del 6 de mayo: Puesta en común de ideas. Cada alumno presentará en su clase su idea públicamente. Con este fin, el alumno debe asistir a clase con aquello que considere necesario para que entendamos su idea, un pendrive con imágenes, vídeos, un texto… Se establecerá un diálogo y de esta sesión saldrá la obra de cada alumno lista para su ejecución.
  • Del lunes 13 de mayo al lunes 8 de julio: Ejecución de la obra por parte de cada alumno en clase.
Detalle de la Piedad Invertida o la madre muerta. 2013.
Foto: Salvador Cuevas.

La exposición “Lo divino” tendrá lugar del 15 al 30 de julio en la sala de exposiciones de Euskal Etxea Madrid.

Por supuesto aunque es muy recomendable la participación en este proyecto, es totalmente voluntario. Quedo a vuestra entera disposición para resolver cualquier duda al respecto.

 

2 procedimientos pictóricos (temple y encáustica) que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 2 procedimientos (temple y encáustica) que debes conocer.

La encáustica, que deriva del griego enkaustikos (‘grabar a fuego’), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos, la mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa, la pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama encaustización y está perfectamente descrita por Vitruvio, arquitecto e ingeniero romano (c. 70–25 a. C.) que dice así:

«Hay que tomar una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.»

La pintura al temple, también conocida como témpera,​ es una técnica de pintura en la que el disolvente del pigmento es el agua y el aglutinante (también denominado temple o engrosador) algún tipo de grasa animal, glicerina, huevo, caseína, otras materias orgánicas o  goma. Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos románico y gótico en el occidente europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

deGranero temple y encaustica

2 procedimientos pictóricos (temple y encáustica) que debes conocer.

1.Pintura al temple.

La pintura al temple produce una bonita superficie mate y translúcida. Se elabora añadiendo pigmento o un adhesivo de origen animal. El espesor y opacidad de la pintura se controla por la cantidad de pigmento añadido al adhesivo.

Preparación de la cola de conejo.

Esta sola se usa como un sellante de lienzo, papel o cartón, como pegamento para collages y como aglutinante de pigmentos.

  1. Pon una medida de cristales de cola en cuenco, añade entre 16 y 20 medidas de agua y deja en remojo media hora.
  2. Disuelve los cristales con calor suave (al baño maría por ejemplo). No debes dejar que la cola hierva o perderá su adherencia.
  3. Si usas esta cola como sellante debes aplicarla en caliente.
  4. Guárdala en el frigorífico y recuerda calentarla antes de usarla.

Pintura al temple.

  1. Esparce el pigmento o mezcla pasta de pigmento en cola caliente. Añade más o menos según la saturación de color que desees obtener.
  2. Para pintar, el temple debe estar tibio.
  3. Cuando trabajes en capas no dejes que éstas se sequen del todo, sólo hasta que adquieran un aspecto mate. De este modo se adherirán bien.
  4. Si la superficie se seca. cúbrela con cola y déjala secar antes de pintar.

Los cuadros terminados deben enmarcarse con cristal, ya que son solubles en agua, y por ello, sensibles al polvo.

2.Cera encáustica.

Este medio pictórico, muy estable, no se encoge ni amarillea con el tiempo, pero las pinturas son vulnerables al polvo y las rayas y hay que protegerlas detrás de un cristal. La pintura se aplica en caliente, se seca rápidamente, es translúcida y permite acumular capas de manera rápida y con espesor.

Ingredientes.

  • 1 cucharada sopera colmada de bolitas de cera de abeja.
  • Media cuacharadita de pigmento seco.

Preparación.

  1. Mezcla las bolitas en un recipiente puesto en agua.
  2. Otra opción es poner las bolitas en una bandeja de metal para magdalenas y calentarlas en un hornillo hasta que se derritan. Este método nos permite disponer  de una paleta de distintos colores.
  3. Vierte el pigmento en la cera, removiendo. Si usas material encontrado, éste deberá estar completamente seco, ya que la cera y el agua no se mezclan.
  4. Prueba a añadir más o menos pigmentos según lo saturado que quieras el color.
  5. Para pintar, moja un pincel en la mezcla caliente y da pinceladas cortas.
  6. La cera se solidificará casi al instante. si la pintura se endurece, puedes ablandarla mojando de nuevo el pincel en el contenedor caliente.

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2 imprimadores para soportes que debes conocer.

En este artículo te enseñamos la receta de 2 imprimadores para soportes que debes conocer. La imprimación o imprimatura es el proceso por el cual se prepara una superficie para un posterior pintado. A la superficie ya imprimada se le llama soporte pictórico. Los soportes más usuales en la historia han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas, lienzos, papeles, cartones…

deGranero 2 imprimadores para soportes que debes conocer.

2 imprimadores para soportes que debes conocer.

Imprimador de gesso tradicional.

Una base entre absorbente y semi absorbente para óleo o témpera, temple o encaústica. Similar a la escayola, sólo debe emplearse sobre un soporte rígido. Puede aplicarse con un espesor para crear una superficie con textura, o lijarse muy finamente.

Ingredientes:

  • Una medida de cola de conejo.
  • Dos medidas de blanco de España, o bien una medida de blanco de España y una de blanco de titanio en polvo tamizados juntos.

Receta:

  1. Calienta la cola de conejo hasta que esté tibia.
  2. Retira del calor y espolvorea todo el blanco de España.
  3. Deja que el blanco de España se hunda. Remueve con un pincel hasta obtener un líquido fino y cremoso.
  4. Si el gesso se enfría y se espesa, puedes recalentarlo un poco. Se pondrá líquido enseguida y puedes retirarlo inmediatamente del calor.

Aplicación de gesso en plano al tablero:

  1. Prepara el tablero encolándolo y cubriéndolo con gasa de muselina.
  2. Pinta una capa de gesso frotando sobre la superficie con un pincel plano áspero. Si se forman burbujas, frota el gesso contra la superficie con los dedos.
  3. Deja que el material se ponga opaco.
  4. Aplica hasta cuatro capas en direcciones alternas; espera que cada una de ellas se ponga opaca antes de aplicar la siguiente. La muselina ya debería estar cubierta.
  5. Aplica al menos una capa en el dorso del tablero para evitar que se combe.
  6. Puedes añadir textura a la capa final punteándola con un pincel.
  7. La superficie se pondrá blanca al secarse. Lija con lija de agua para suavizarla.
  8. Aplica una capa final de cola y deja secar.

Imprimador de emulsión de huevo y aceite.

De los dos imprimadores, este imprimador es adecuado para óleo, témpera, temple o encaústica. Con dos capas se obtiene una base absorbente; con cuatro capas finas, una base no absorbente. Lija entre capas para obtener una superficie suave.

Ingredientes:

  • Un huevo mediano (50 g).
  • Aceite de linaza refinado.
  • 450 g de blanco de titanio en polvo.
  • Cola.

Receta:

  1. Casca el huevo en un frasco con tapa.
  2. Añade cuatro medias cáscaras de huevo de agua fría. Usa las dos medidas de las cáscaras, dos veces cada una, para que la medida sea consistente si las partes son desiguales.
  3. Añade dos medias cáscaras de aceite de linaza (usa una media cáscara cada vez).
  4. Pon la tapa en el frasco y agita bien durante 5 minutos para emulsionar.
  5. Pon el polvo en un cuenco o sartén grande, haz un hoyo en el centro y vierte la emulsión dentro, muy despacio. Revuelve y mezcla, deshaciendo los grumos, hasta que la sustancia parezca queso para untar.
  6. Añade cola tibia a pequeñas cantidades sucesivas, removiendo y mezclando hasta que el imprimador sea como una crema fina.
  7. Usa un pincel o una cuchara de madera para mezclar. Añade más cola si deseas una base más plástica.
  8. Espera una hora entre capas. El imprimador se solidificará y necesita calentarse. Si queda demasiado espeso, añade un poco de agua.

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7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer. Los restregados y empastes al óleo (pintura con espátula) son dos buenas maneras de empezar a trabajar con esta tradicional técnica. En estas técnicas se emplea la pintura tal como sale del tubo, por lo que son ideales para los alérgicos a los aceites y para los que desean evitar los disolventes. Ambas nos permiten sentir y aprovechar las cualidades de la pintura al óleo pura.

En el restregado, la pintura se extiende esparciéndola y frotándola sobre la superficie. la pintura al óleo muestra su carácter maleable, su capacidad de afinarse sin disolvente y de proporcionar una gama de tonos sin la adición de blanco ni negro. En el impasto, se aplica pintura al óleo espesa a la superficie, disfrutando de su condición pegajosa y opaca. Esta forma de trabajar, directa y con textura, construye un espeso lecho de pintura que , a diferencia del acrílico, permanece abierto: puede rascarse y manipularse durante uno o más días.

7 consejos para pintar con restregados y empastes al óleo que debes conocer.

  1. El encajado puede dibujarse con carboncillo o con pintura diluida en trementina. Recuerda que este dibujo de base se mezclará con la pintura y podría ensuciarla, por lo que es conveniente cepillar con el pincel los dibujos oscuros al carboncillo antes de pintar, y hacer la pintura de base con un color claro, como un ocre. Si la base es incorrecta, lo mejor es borrarla con un trapo por ejemplo.
  2. El restregado puede hacerse con cualquier tipo de pincel, pero la acción de frotado no es buena para las cerdas. Usa pinceles económicos y robustos de pelo de buey y no los suaves de marta, que son muy caros.
  3. Frota el pincel en un trapo al cambiar de color, en lugar de lavarlo con disolvente. Esto seca el pincel lo suficiente para arrastrar la pintura y produce interesantes mezclase de color en el restregado.
  4. Se puede usar el canto de una espátula para pintar y superponer bordes. Si es posible, usa una espátula con mango angular, que evitará  que tu mano toque la superficie húmeda.
  5. A veces puede ser difícil situar la espátula en la mejor posición. Podemos girar el tablero o lienzo para tener mejor acceso; si la pintura es pequeña, será posible sostenerla en la mano e inclinarla.
  6. La pintura se puede acumular con espesor, pero si es demasiado espesa se encoge al secarse. La adición de un medio de resina alquídica, como el oleopasto, ayuda a  solidificarla, acelera el tiempo de secado y preserva las marcas de la espátula.
  7. La pintura húmeda espesa puede rascarse fácilmente con una espátula y reemplazarse.

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8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

En este artículo te damos 8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer. Hay muchas maneras de empezar a trabajar con nuestro entorno. Sin embargo, recuerda que en estos casos es posible que tengas que trabajar  con rapidez o ser capaz de actuar sin interrupciones durante un periodo de tiempo, y estos factores afectarán a tu respuesta.

Un lugar familiar al que puedas acudir a menudo será una fuente de estudio permanente. Puede ser el jardín de tu casa, o de una amplia zona de bosque o un parque urbano, o una calle de tu barrio…

El equipo necesario para pintar paisaje sobre el terreno puede ir desde un simple cuaderno de bocetos y un lápiz hasta lienzo y caballete, pinturas, pinceles y demás. Martin Beek, por ejemplo usa una modesta silla plegable como paleta.

Visor.

Un visor o una cámara te servirán para enmarcar el sujeto en horizontal (paisaje) o en vertical (retrato), de lejos o de cerca.

El visor puede ser una abertura de tamaño fijo recortada en un cartón, o dos piezas de cartón con forma de L unidas con cinta adhesiva para hacer aberturas de proporciones variadas. La abertura debe tener la misma orientación y proporciones que el papel a emplear.

8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.

  1. La observación desde un punto elevado puede revelar varios aspectos de un paisaje, las marcas y características de la presencia humana, así como los cambios originados por fenómenos naturales como lluvias o sequías. El paisaje también puede contemplarse a lo largo del año para ver los cambios estacionales.
  2. Haz un boceto de todo un paisaje hasta descubrir áreas más pequeñas que te interesen y que después podrás explorar en más detalle.
  3. Concéntrate en áreas de distintos tamaños y escalas.
  4. Fíjate en algo que esté a tus pies, como la hierba o una tapa de alcantarilla.
  5. Añade algo que hayas visto, como vallas o cables eléctricos, y atraviesa con ellos la composición usando un material o color de contraste, para añadir otra dimensión espacial.
  6. Dibuja o pinta con rapidez; imponte un tiempo límite o trabaja con algo móvil, como el agua o las nubes.
  7. Dibuja durante periodos más largos y regresa otras veces a la escena para incorporar una respuesta distinta o para recoger novedades que te interesen. Registra los cambios de los sitios, como las mareas en un estuario, las áreas de agricultura intensiva, o los edificios en construcción. Dibuja lugares en distintas condiciones climáticas y lumínicas.
  8. Registra los cambios con fotos, como hizo Liam O´Connor en su dibujo evolutivo de una construcción en el British Museum.
8 consejos para pintar paisaje sobre el terreno que debes conocer.
Liam O´Connor, «View from the Model Room Window». 2010-13.

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3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

En este artículo te explicamos 3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer. El color siempre es visto dentro de un contexto. Su apariencia cambia según su relación con los colores vecinos y con el espacio que ocupa. Su significado también cambia en función de asociaciones culturales aprendidas.

Los artistas usan  el color con muchos fines distintos:

  • Por su presencia física inmediata.
  • Para expresar significado, ya sea emocional, personal o simbólico universal.
  • De forma sistemática: por ejemplo, limitándose a los primarios tricromáticos exactos o a determinados colores complementarios para controlar el efecto de las capas o las sensaciones ópticas. De forma arbitraria, simplemente para identificar capas separadas, como en la obra de Manfred Mohr.
deGranero el color y la música
Manfred Mohr. P-1414_148, pigment-ink on canvas, 2010, 80 cm x 80 cm.

Los artistas también enfocan sus usos del color de muchas y muy diversas maneras:

  • Improvisación: Cada decisión se toma en respuesta a lo hecho previamente, como producto del repertorio subconsciente individual de trazos y manchas o de referencias externas visuales, o de ambas cosas.
  • Control: Por ejemplo, con una estructura de cuadrícula y con un conjunto predeterminado de colores.

Muchos artistas se sitúan en algún punto entre estos extremos y combinan aspectos de la improvisación con otros del control.

Gina Burdass habla de la siguiente forma de su obra, «En mis cuadros intento resaltar las diferencias de los colores a través de sus interacciones y, aun permitiendo que cada color conserve su carácter distintivo, no dejo que ninguno de ellos domine y rompa la unidad».

deGranero Gina Burdass
Gina Burdass – AF-6
acrylic on wood panel – 15 x 21 cm.

Música visual y sinestesia.

A menudo, los artistas relacionan su suso del color con la música, ya sea el free jazz, las estructuras matemáticas de Bach, o los compositores contemporáneos de música serial. La correspondencia entre las estructuras musicales y las armonías de color vienen siendo investigadas desde Platón. La música visual ha sido definida por Roger Fry como la traducción de la música a la pintura en su descripción sobre Kamdinsky, quien creía que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias semejantes a los acordes musicales. Esto se confunde fácilmente con la sinestesia: la música incita a algunos artistas a ver determinados colores y a intentar capturar en la pintura sus sensaciones de música-color. También se usan órganos de color, vídeos y ordenadores para generar respuestas de color a la música.

3 proyectos para trabajar con el color y la música que debes conocer.

  1. Selecciona un color o un grupo de colores armónicos. Rompe esta selección con un color de contraste para crear una reacción o para oscurecer la capa anterior. Busca un equilibrio empleando colores complementarios del mismo valor tonal.
  2. Considera las claves tonales de color: pigmentos puros para la clave alta, colores mezclados con blanco o con negro para la clave baja. Es probable que los colores resuenen más si hay un cambio de clave, por ejemplo, si el color de clave más alta se introduce en una imagen con predominio de clave baja.
  3. Ten en cuenta la ubicación y la forma de los espacios ocupados por los diferentes colores en relación con el formato de la obra. ¿tienen las formas un significado particular, o son menos contenedores neutros del color?¿Qué tensiones o efectos ópticos o espaciales se producen cuando ciertos colores se colocan en el borde o cerca de él, o en el centro de la composición?
Mali Morris. «Wilbury». Acrílico sobre lienzo.

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10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

En este artículo te explicamos 10 consejos para pintar el entorno que debes conocer. A muchos artistas les gusta realizar obras completas en el sitio, delante del tema, pero otros consideran que esto no es práctico, o no les interesa. Cuando el artista trabaja en el estudio, está separado de su fuente de inspiración y , en consecuencia, necesita estrategias para desarrollar obras basadas en el entorno.

deGranero pintar el entorno

La artista Emma Stibbon comenta sobre este tema: «De regreso al estudio, a menudo manipulo o adapto una imagen. Suelo fotocopiar mis fotos, hacer collage con algunas partes y redibujar por encima. Me interesa empujar al espectador dentro del espacio pictórico, y a menudo es esto lo que guía la perspectiva o la disposición de la composición. Me interesa el modo en que la cámara recorta y enmarca la vista y también los recursos cinematográficos».

Ute Kreyman dice: «Inicialmente hice una serie de estudios sobre el terreno en mi cuaderno de bocetos. Después empecé el dibujo a gran tamaño en la iglesia, recogiendo la arquitectura de los muros, antes de completar el dibujo en el estudio. Finalmente, alteré ventanas y suelos según mi imaginación».

10 consejos para pintar el entorno que debes conocer.

  1. Amplia los bocetos en fotocopias y dibújalos o cálcalos.
  2. Trabaja con fotos, dibujando directamente. También puedes dibujar o pintar sobre fotos impresas.
  3. Elije detalles de tu cuaderno de bocetos para ampliarlos y rehacerlos con otros materiales.
  4. Usa sistemas de perspectiva para construir un espacio convincente.
  5. Trabaja con materiales recogidos en el entorno, como piedras o plantas.
  6. Superpón en el mismo papel dos o más dibujos desde distintos puntos de vista. Unifica la imagen decidiendo partes a conservar o a borrar. Este ejercicio proporciona un sentido más amplio del espacio del lugar.
  7. Haz modelos o disposiciones que puedan reemplazar temas de paisajes.
  8. Para estudiar el movimiento del agua, busca equivalencias que traduzcan en imágenes las formas de su flujo.
  9. Humedece, dobla o arruga el papel y trabaja con tinta o pintura en la superficie irregular, dejando que los materiales encuentren su propio nivel. En respuesta al resultado, corta o rasga el papel en formas adecuadas y dispón las piezas en un collage, o dibuja en la superficie para establecer o reestablecer una imagen.
  10. Mezcla materiales del entorno, como arena o sal con la pintura. la sal hace que la tinta o la acuarela se dispersen de modo diferente.

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4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 procedimientos pictóricos que debes conocer. Pinturas con cera, esmalte, alquídicas y miscibles en agua.

Las pinturas alquídicas, de esmalte y miscibles en agua son usadas por los artistas en combinación con la pintura al óleo convencional o como alternativa a ésta. El medio de cera se emplea para cambiar la consistencia a la pintura al óleo. En conjunto, estas pinturas van de mate a brillante y de espesas y cerúleas a muy fluidas. Son diferentes al tacto y cada una tiene sus ventajas y sus inconvenientes.

4 procedimientos pictóricos que debes cnocer. deGranero

4 procedimientos pictóricos que debes conocer.

  1. Pintura alquídica: Las pinturas alquídicas son las que conocemos como pinturas caseras con base de aceite. Los artistas las emplean aveces porque son más baratas que las pinturas al óleo. Esta pintura fluida y brillante se esparce cuando sale del tubo. Es pegajosa para trabajar y, aunque resbala, no es fácil esparcirla si no está disuelta con aguarrás mineral. La adición de medio alquídico produce un efecto más traslúcido, pero también requiere disolver con aguarrás mineral. Una vez obtenida una buena consistencia, es fácil de mezclar y admite bien el esgrafiado. Tiene muchas de las características de la pintura al óleo mezclada con medio de resina damar. Su imprecisión hace difícil usarla para pintar con espátula, pero mantiene bastante bien su forma en la superficie y puede retocarse con un pincel. Tarda un día en quedar seca al tacto y conserva su superficie brillante.
  2. Pintura al óleo miscible en agua: Las pinturas miscibles en agua nos trasladan a algo casi milagroso… Cuesta entender cómo el óleo puede modificarse químicamente para que acepte el agua. Sin embargo, estas pinturas funcionan perfectamente y permiten a los artistas que las emplean pintar al óleo sin usar disolventes minerales. Es una pintura mucho más sólida que la alquídica, con un carácter muy ceroso y opaco que no tiene nada que ver con esta última. Diluida en agua ofrece un lavado seco y mate parecido al que se obtiene con óleo y aguarrás mineral; es más cómodo trabajar con esta pintura cuando está más espesa. No se esparce demasiado ni se mezcla con facilidad, y conserva las marcas de las pinceladas incluso en lavados. Las pinceladas se rompen creando una serie de marcas interrumpidas que caracterizan este tipo de pintura. El frotado y el esgrafiado funcionan bien con ella, y es fácil pintar con espátula, puesto que la pintura es espesa.
  3. Pintura de esmalte: El tercero de estos 4 procedimientos pictóricos es el esmalte. El termino esmalte se aplica actualmente a cualquier pintura muy brillante y autonivelante con base de disolvente o de agua. Suele contener una resina como damar, epoxi o alquídica. Las ricas pintura de esmalte están hechas con esmalte de automoción. La pintura de esmalte es muy líquida, mucho más que la alquídica. Se mezcla con un pincel y se aplica suavemente sin necesidad de diluirla con aguarrás mineral. Se acumula con facilidad, los colores se combinan en espirales y las lineas de esgrafiado se rellenan. Seca deprisa  y deja una superficie muy lisa y brillante, sobre la que es posible pintar al cabo de 10 o 15 minutos, pero que se levanta si es tocada demasiado pronto. La superficie se estropea fácilmente con el polvo, por lo que es conveniente protegerla con una cobertura improvisada mientras se está secando.
  4. Medio de cera: La cera en sí misma es un medio de pintura, y la mezcla de cera para añadir a los pigmentos se llama «pintura encáustica». En este caso, la cera se disuelve en trementina para hacer un medio que se añade a la pintura al óleo. Esta operación disuelve y cambia la consistencia de la pintura de brillante a mate. El medio de cera tiene una consistencia suelta y cuando se añade a la pintura tal como sale del tubo ésta se diluye y adquiere una textura ligeramente granulosa. La pintura se alisa en la superficie y se seca casi al instante, por lo que se limitan las posibilidades de esparcir la pintura. Puede pintarse por encima en unos minutos, aunque la pintura permanece blanda y vulnerable hasta que se seca por completo, un par de días después. Es fácil realizar esgrafiado. A pesar de que la pintura es mate, es posible realizar efectos de lavados transparentes, y el color es puro y brillante.

Hasta aquí estos 4 procedimientos pictóricos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.