4 recursos sobre el collage que debes conocer.

El collage es una variedad relativamente moderna dentro de las artes plásticas. Hay que remontarse al vanguardismo para encontrar los primeros indicios de una técnica basada en la superposición de imágenes y materiales distintos para lograr texturas y efectos de relieve. La finalidad de esta técnica es variable según se utilicen materiales distintos y con finalidad estética o bien imágenes concretas con una intención conceptual y buscando un determinado significado.

Collage de la artista Eugenia Conde (antigua alumna de nuestras clases).

Una vez aclarado esto pasamos a mostrarte estos 4 recursos sobre el collage que debes conocer:

  1. Texturas: Cuando se trabaja el collage como medio de expresión artística, el pintor debe pensar en un determinado tipo de papeles para que, utilizando las texturas de cada uno, se pueda lograr el efecto deseado. La rugosidad y la transparencia de cada papel es muy variable, y a ello se suma el efecto del color. Para el collage, siempre es conveniente tener a mano revistas con imágenes fotográficas. Una vez se ha elegido la composición que se va a realizar, se deben trabajar las siluetas de los elementos , recortándolas en el papel elegido por sus características de textura y color. Se debe tener la imagen previa bien clara, puesto que así los contrastes entre tonos quedarán evidentes y podrá elegirse acertadamente cada papel de acuerdo con el lugar que ocupe en el cuadro. Para fijar el papel en el soporte lo mejor es el fijador en spray, es limpio y crea una capa muy fina sin alterar la ondulación del papel que se pega. Los pegamentos en barra o en tubo son muy agresivos o espesos y pueden alterar el efecto. Otra buena alternativa es la goma de caucho que se aplica con una pequeña brocha: adhiere el papel sin dañarlo y permite despegarlo y modificar su posición.
  2. Papeles pintados: Además de una combinación de texturas, los collages son una sinfonía de tonos. Para ello se puede trabajar con pintura sobre la composición de papeles elegidos tratada como una técnica mixta. Aunque los trabajos con técnicas mixtas persiguen finalidades estéticas basadas en el contraste de medios, se rigen por las mismas leyes de luz, sombra y composición que las obras con técnicas convencionales.
  3. Las formas y los retoques: Los medios y recursos del collage son prácticamente inagotables,pues las características propias de los papeles crean efectos propios de la pintura. Así, un papel vegetal sobre otro cualquiera da lugar a un efecto de transparencia de claro sobre oscuro, propio de la pintura por veladuras. Los acabados a pincel suelen reservarse para los últimos retoques para trabajar los detalles sobre las bases ya establecidas. La elección del papel es fundamental para crear efectos.
  4. La pintura: La pintura es un elemento importante del collage, ya que con ella se realzan y se definen formas. En el collage, la pintura puede trabajarse como elemento adicional y superfluo o como una base para establecer superposiciones. Hay, pues, dos maneras distintas de combinar el papel y la pintura: en algunas destaca la textura creada por el papel, en otras domina el efecto de ésta como base de color y de composición para añadir detalles.

Recuerda, los materiales que te harán falta para elaborar un buen collage son: papeles variados y de varios colores, tijeras, fijador en spray, pintura acrílicas o guache y pinceles. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo con este artículo sobre la técnica del collage. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar texturas que debes conocer.

Hablar de texturas es referirse a todo un mundo de formas y de color. Sea cual sea, cada elemento tiene unas características propias e inconfundibles. Para el pintor realista, el hecho de plasmar las propiedades de las superficies de los objetos es el objetivo primordial de su pintura.

Pues aclarado a lo que nos referimos con texturas vamos a ver esos 4 pasos para pintar texturas que debes conocer:

  1. La luz: La luz es la responsable de cualquier textura puesto que sin ella no son posibles ni formas ni colores. Siempre se tiene que determinar el punto de luz máxima, que no siempre corresponderá al blanco. En referencia a él deberá establecerse el resto de luces. En la pintura al óleo, el color blanco es intenso, tiene densidad y matiza decisivamente el resto de tonos. Al mezclar un color con blanco, se tornará claro y luminoso, formando parte de las zonas resaltadas del volumen.
  2. El sentido de la pincelada: El pincel es la herramienta más valiosa que utiliza el pintor para realizar sus obras. Con él se consigue tanto modelar como cubrir superficies. La pincelada da volumen a las formas atendiendo siempre a la dirección del pincel y al color que se quiera dar a esas. El tipo de pincelada dependerá del medio utilizado. La pincelada seca deja rastro sobre la superficie, mientras que la húmeda hace deslizar la pintura sobre el soporte pudiendo así obtener algunos efectos como fundidos.
  3. Los metales: El color de los metales se logra siempre mediante el contraste entre tonos claros y oscuros. Estos tonos dan lugar a una formas que normalmente mantienen una armonía con su contorno y su volumen. Los metales presentan una serie de contrastes, no sólo de claroscuro, también se producen contactos de tonos complementarios, por lo que en los dorados siempre se encuentran incidencias de azules, o en los cromados, de amarillos, etc.
  4. El cristal: Por su transparencia, los objetos de cristal constituyen un ejemplo excelente para entender las sutilezas del color y los brillos. La transparencia del cristal hace que éste no tenga un color propio. Sus formas se definen por los cambios de matices producidos por el color del fondo o los objetos que le rodean. EN cuanto a los brillos, son definitorios de la forma y la luz, por cuanto se trata de superficies muy lisas que la reflejan en todo momento.

Después de este breve artículo sobre pintar texturas, esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo sobre este maravilloso campo que es la pintura. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar un desnudo que debes conocer.

No hay tema como el desnudo tan bello y tan adecuado como instrumento de aprendizaje. En el transcurso de la historia siempre ha estado presente, pero en el Renacimiento se produjo un verdadero cambio a la hora de pintar un desnudo: el arte se centró en un mejor conocimiento del cuerpo humano, y los artistas, apoyados por una técnica nueva y de grandes posibilidades como el óleo, situaron el desnudo en un lugar preferente.

En este artículo te facilitamos 4 pasos para pintar un desnudo que te van a ayudar mucho esta tarea:

  1. Encaje con carboncillo y manchado: El primero de los pasos para pintar un desnudo es el del dibujo… En cualquier escenario se establecen una serie de relaciones de luz y sombra que determinan decisivamente una representación.  Se establece una primera comprensión de la imagen basada en la línea y el contorno, una aproximación al cálculo de proporciones y al establecimiento de la composición y el equilibrio formal. El trabajo se centra después en la mancha y la valoración, en la cual se establecen los tonos que aportarán, profundidad, volumen y carácter. Con carboncillo se construye la estructura de la figura. La primera intención es encontrar un ritmo lineal que determine el gesto de la figura; mediante líneas sinuosas se definen los contornos, los elementos internos y la inclinación de la figura. Con el mismo carboncillo se realiza una valoración de los oscuros que determinan el volumen. Se añade esencia de trementina la carboncillo para crear una imagen difuminada del volumen y poder aplicar después la pintura al óleo de forma fundida. Las manchas que se habían realizado antes quedan ahora fijadas al aplicar la esencia, y, por tanto, se convierten en definitivas.
  2. Las formas no se definen al principio: En el segundo de los pasos para pintar un desnudo te aclaramos que el hecho de realizar mezclas con el óleo depende en gran medida de la fase de mancha en que se encuentra la obra. Las primeras fases del cuadro requieren una ejecución rápida y decidida; muchas mezclas y valores se realizan sobre la misma tela para dar una primera sensación cromática y para tapar el blanco de dicha tela, pues podría confundir. Los matices y mezclas posteriores deberán realizarse con mucha más atención formal. Se añaden unas pinceladas para establecer el tono general de la carnación, unos tonos más cálidos para las luces y otros más intensos para las sombras, así definiremos el volumen.
  3. Graso sobre magro: En óleo el proceso de secado es más rápido cuanto más diluido se aplica, es decir, cuanta más carga  de trementina contenga. En esta técnica, el proceso de pintura se basa en el principio graso sobre magro, es decir, las capas tienen que ser más oleosas conforme se vaya avanzando para garantizar la perfecta fijación de la pintura. Lo lógico es empezar aplicándolo con diluyentes como la esencia de trementina e ir añadiendo en las nuevas capas disolventes más grasos. Con carboncillo se esboza la figura del modelo buscando la síntesis. En el fondo se aplica una tonalidad neutra y en el modelo se utilizan diferentes colores que describan la carnación. Finalmente la figura se empasta y se contrasta.
  4. No empastar en exceso: El último de los pasos o recomendaciones que te demos para pintar un desnudo es no empastar en exceso. El proceso de la pintura consiste en construir un cuadro superponiendo sucesivas capas de pintura. Para ello es fundamental aplicar los primeros colores con el óleo rebajado con esencia de trementina e ir intensificando la densidad de la pintura con cada nueva capa. Cada tema requiere un trabajo más o menos texturado de la pintura. Por sus características, contrariamente a lo que suele ocurrir en el paisaje, el desnudo se plasma mejor con un trabajo menos texturado.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para pintar un desnudo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte aportado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

3 gamas de colores que debes conocer.

A la hora de comenzar a planificar una pintura, debemos pensar en que gama de colores queremos trabajar. Para esto es importante que conozcas tres que son fundamentales, la gama de colores cálidos, la gama de colores fríos y la gama de colores quebrados.

  1. Gama de colores cálidos: Desde un punto de vista teórico, la gama de colores cálidos está constituida por los colores verde amarillento, amarillo, naranja, rojo, púrpura y violeta. Sin embargo, en la práctica, los colores cálidos serían el amarillo, el ocre, el rojo, el tierra sombra tostada, el carmín de garanza, el verde permanente, el verde esmeralda y el azul ultramar. Pero ¡cuidado!, el haber excluido de esta relación el azul cobalto y el azul de Prusia, no significa que estos colores (y todos los colores) no puedan intervenir en una gama de colores cálidos. Gama de colores cálidos quiere decir tendencia cromática hacia el rojo, el amarillo, el anaranjado, el ocre, el siena… pero pudiendo mezclar estos  y otros colores calientes con azules, verdes, violetas  con el fin de agrisar (o ensuciar como decía Tiziano), pintar sombras y penumbras…
  2. Gama de colores fríos: La gama de colores fríos, teóricamente está construida por los colores verde amarillento, verde, verde esmeralda, azul cyan, azul, azul ultramar y violeta. En la práctica, los colores de esta gama vienen condicionados por los que el artista usa corrientemente… Podríamos hablar de el azul de prusia, el azul ultramar oscuro, el azul cobalto oscuro, el verde esmeralda, el verde permanente, el carmín de garanza oscuro, el tierra sombra natural y el ocre amarillo. Una gama de colores llamada fría, no ha de ser necesariamente azul… aún cuando en su conjunto es azul.
  3. Gama de colores quebrados: La gama de colores quebrados o grises coloreados, está compuesta por la mezcla de colores complementarios en partes desiguales, mezclados con el blanco. Si tomamos dos colores complementarios entre sí; por ejemplo verde y rojo intenso; mezclamos una parte de color verde con una cuarta parte de color rojo intenso y añadimos blanco a voluntad, obtendremos un color marrón, caqui, ocre, verde… que en cualquier caso resultará agrisado. Más oscuro cuanto más semejante sea la cantidad de un color respecto a otro; más grisáceo, cuanto mayor sea la cantidad de blanco que añada. La gama de colores quebrados no excluye ningún color de la paleta, y además puede tener tendencia fría o cálida.

Hasta aquí esta breve explicación de estas tres gamas de colores que debes conocer. Esperamos, como siempre, haberte enseñado algo nuevo de este maravilloso mundo de la pintura.

4 aspectos sobre la técnica del pastel que debes conocer.

La técnica del pastel es una de las más agradecidas en la representación pictórica por tres razones básicas: trabajar en barra proporciona un gran dominio de la gestualidad y el trazo, característica típica del dibujo; los pasteles se componen de pigmentos compactos de gran calidad, lo cual asegura un impactante colorido, propio de las mejores obras pictóricas, y la variedad de tonos existente en este procedimiento garantiza una obra muy rica en colores y matices.

Una vez aclarado esto sobre la técnica del pastel, vamos con esos cuatro aspectos básicos que debes conocer:

  1. La fuerza de los contrastes: Los contrastes pueden obtenerse con la luz y la sombra o por la complementareidad del color. Una vez que se ha hablado de la fuerza de los colores claros sobre los oscuros, es momento de referirse a los efectos que crea la propia naturaleza de los pigmentos. los colores cálidos y los fríos forman un combinado muy variado, ya que son opuestos, y al colocarlos juntos se produce un choque cromático. Los contrastes más radicales son los que se forman entre tonos complementarios.
  2. Sutilezas y grandes empastes: El color en la técnica del pastel, cuando se trabaja directamente de la barra, puede aplicarse de manera plana, lo cual proporciona una mancha amplia que forma la mejor base para después poder realizar un degradado uniforme. Si en vez de fundir el color se deja la mancha, la barra plana desprenderá mucho más pigmento y el trabajo de relleno será más rápido. Si se presiona suficientemente, se crea un efecto de empaste y el color aparece muy intenso.
  3. Contrastes cromáticos: Los contrastes cromáticos son la base de las obras coloridas. Si los máximos contrastes de color se producen entre tonos complementarios, éstos se enfatizan. Hay colores muy luminosos, como los amarillos y sus tonos cercanos, es decir, los verdes claros y los naranjas; si los tonos complementarios de estos colores se trabajan sobre un fondo oscuro, el contraste se intensificará. Eso ocurre al situar, por ejemplo, un carmín junto a un verde claro, un azul ultramar junto a un naranja pálido, o un violeta intenso junto a un amarillo.
  4. Luz y atmósfera con la técnica del pastel: En pastel, los colores claros son fáciles de conseguir, ya que se funden bien con el blanco; una caja normal contiene muchos tonos claros. El problema está en saber aplicarlos sobre el papel, de manera que desempeñen la función adecuada. Los pasteles se trabajan de oscuro a claro, por lo que se debe empezar el trabajo manchando las zonas sombrías sin miedo, ya que los claros cubrirán perfectamente otro color. Cuando se pintan zonas amplias, los colores claros pueden formar un degradado con los oscuros en orden  a crear el volumen adecuado.

Hasta aquí los 4 aspectos sobre la técnica del pastel que debes conocer. Esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras cursos de dibujo y pintura en Madrid.

4 procedimientos con pinturas acrílicas que debes conocer.

Las pinturas acrílicas son unas de las más modernas que existen. Su existencia deriva de la necesidad de un tipo de pintura de calidad, con un medio disolvente limpio y rápido de secar. Los pigmentos de que constan son de gran pureza y permiten obtener todo tipo de colores, se mezclan con gran facilidad y el resultado cromático es tan vistoso como el de la pintura al óleo, aunque mate. Pero siempre puede aplicarse algún tipo de barniz cuando están secas para añadirles brillo.

Una vez aclarado esto sobre las pinturas acrílicas, vamos con los cuatro procedimientos que queremos enseñarte hoy:

  1. Manchado acuoso: Las pinturas acrílicas pueden trabajarse por empastes, como el óleo, o aguada, como la acuarela. Se aplican como ésta porque sus pigmentos son puros y potentes; aunque con una buena dosis de agua, la pintura es capaz de teñir el papel; no es necesario recurrir al empaste para lograr oscuros intensos o colores vivos. Cuanto más líquidas se aplican las pinturas acrílicas, más rápido es su secado. En esta ocasión se mancha mediante veladuras, que se producen cuando se interviene con un color muy transparente que deja ver la capa de color inferior.
  2. El secado y las nuevas capas: Cuanto más líquido sea dado a las pinturas acrílicas, más rápido será su secado; ello permitirá trabajar por capas de las misma manera que con acuarelas, lo cual obligará a esperar a que la capa anterior se haya secado antes de dar una nueva, para evitar que se produzcan fundidos. Sobre una capa seca se puede matizar el color interviniendo con otro o con el mismo para intensificarlo.
  3. Rapidez en la mezcla: El hecho de esperar a que la pintura se seque es imprescindible para aplicar capas y lograr veladuras. Si se requiere un tono puro independiente de los anteriores, deberá esperarse al secado total de las primeras capas; si no se espera el tiempo suficiente, el color anterior ensuciará el siguiente. Los tonos que se vayan a fundir deberán aplicarse en húmedo y podrá lograrse una sensación tan lisa y homogénea como con el óleo, si bien el trabajo será más rápido, ya que el tiempo de secado es mucho más rápido.
  4. Superposición sobre seco: Para evitar fundidos, siempre debe esperarse a que una capa se haya secado antes de aplicar otra sobre ella. Una vez que una capa está seca, se puede matizar el color interviniendo con otro o con el mismo para intensificarlo. Pueden utilizarse muchas capas, no tiene por qué aplicarse una pintura plana; en esta técnica, aguada o empaste se combinan con gran facilidad.

Hasta aquí estos 4 procedimientos con pinturas acrílicas que debes conocer. Recuerda que siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

4 pasos sobre el encajado y la mancha que debes conocer

El encajado y la mancha constituyen el inicio de un cuadro. Si estás dos cosas empiezan bien, es prácticamente seguro que obtengas unos buenos resultados finales. Es artes plásticas, cualquier ejercicio debe seguir todo un proceso hasta llegar al final. El desarrollo de un cuadro empieza por las primeras líneas orientativas, basadas en un encaje de los elementos en el espacio sin atender a sus formas concretas; progresivamente se añaden nuevos detalles hasta conseguir un dibujo correcto, y finalmente se mancha hasta establecer todos los matices que configuran el volumen y los últimos retoques.

Una vez aclarado esto, vamos con los 4 pasos sobre el encajado y la mancha que debes conocer:

  1. Las líneas esenciales: Al plantear un nuevo proyecto, deben encajarse todos los elementos en el margen del papel. Las líneas esenciales distribuyen y componen el cuadro estudiando las distancias y las proporciones; no son dibujos definitivos, pues plantean el cuadro sin necesidad de ajustar excesivamente las formas a sus detalles. Estos dibujos se van concretando hasta llegar a las formas definitivas; por ello los encajes deben realizarse suavemente para facilitar las intervenciones posteriores.
  2. Ir de lo general a lo concreto: Éste es el segundo paso sobre el encajado y la mancha que te mostramos. Plantear una obra supone esbozar una visión global de ésta para realizar después una valoración particular de cada elemento. El proceso del cuadro empieza por ,a generalización (encaje) hasta llegar a lo más concreto (detalles, contornos y sobre todo, la valorización del volumen mediante la mancha). En el manchado se siguen los mismos pasos que en el dibujo: primero se abordan los tonos y luego se va concretando hasta llegar a los matices más sutiles.
  3. Rehacer y corregir: En el encajado y la mancha, bueno y posteriormente también, el trabajo de un pintor comporta una lucha continua por plasmar la verdad, la representación de lo que se ve. Ello exige que durante el proceso se destruyan unas formas para crear otras sin pensar que los trazos van a ser definitivos. Se trata de una constante evolución del trabajo hasta conseguir el objetivo propuesto, La modificación de una obra depende siempre de la naturaleza del medio que se emplea; así, la goma de borrar sirve sólo para los trabajos de dibujo, y en pintura hay métodos distintos, según se trabaje por empaste o por transparencia.
  4. El acabado: Éste, como es lógico, es el último de los 4 pasos sobre el encajado y la mancha que te enseñamos. El acabado de un cuadro depende de la intención del artista. Hay que distinguir entre esbozos (apuntes, trazos que determinan gestos y siluetas) y acabados definitivos (llenos de detalles y matices). Las obras acabadas requieren un proceso de mancha y volumen; las escenas pueden representarse con total fidelidad al modelo, de manera que hay que tratarlas con detalle y multitud de matices o bien pueden resultar más simples en cuanto a definición; todo depende del criterio del pintor).

Hasta aquí estas nociones sobre el encajado y la mancha. Como siempre, esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre esteremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 reglas de composición pictórica que debes conocer.

La composición de un cuadro es la forma en la que los elementos se encuentran distribuidos en una espacio representativo. Una composición es correcta cuando se aprecia un equilibrio visual al contemplar una obra, ya sea figurativa o abstracta. El número de objetos que intervienen en un cuadro es un factor decisivo para la composición. Ésta será más compleja si el número de objetos es muy complicado.

Una vez aclarado lo que es la composición, te presentamos las 4 reglas de composición que debes conocer:

  1. El peso de los objetos: El peso de un objeto guarda estrecha relación con su posición en el cuadro, lo cual depende de varios factores, como la cantidad de objetos (cuantos menos hay, más importancia tienen) y la distancia del punto de vista (cuanto más cercanos, más pesados son). A la hora de componer un cuadro, los elementos tienen mayor peso, si se sitúan en el lado derecho, y menor si lo hacen en el izquierdo, más en la parte inferior y menos en la superior.
  2. Composición y equilibrio: Se dice que un cuadro está equilibrado cuando los elementos quedan bien distribuidos en él, lo cual implica el número de elementos representados, a la distancia existente entre ellos y el punto de vista del espectador. Una obra se divide en cuatro cuadrantes; el inferior derecho es el de mayor peso, y el superior izquierdo, el de menor. Los objetos así distribuidos dan una sensación de reposo y solidez, sea cual sea el tema representado.
  3. Formas compositivas: Hay múltiples maneras de componer en cuadro. Incluso las más disparatadas pueden constituir un buen recurso para lograr efectos especiales. Los métodos tradicionales de componer se basan en la colocación de los elementos representados alrededor de un centro que es el punto medio del cuadro. Si sólo hay un único elemento, éste se situará en ese centro, y si hay más, deberán distribuirse con respecto a dicho centro.
  4. El espacio del cuadro: Un cuadro de un mismo tamaño puede representar un punto de vista cercano, uno lejano o uno medio, lo cual tiene mucho que ver con el tema; así los grandes paisajes exigen una visión distante de los elementos, en cambio los bodegones sencillos y con pocos elementos requieren un acercamiento al modelo para quedar situados correctamente en la superficie.

Hasta aquí las 4 reglas de composición pictórica que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

8 cosas sobre los colores que debes conocer.

En este artículo te explicamos 8 cosas sobre los colores que debes conocer. Para nosotros, aspectos básicos en torno al color, que cualquier persona que se dedique al mundo de la pintura debe tener presentes.

  1. Colores luz y colores pigmento. La vista, los ordenadores, la televisión, la fotografía y todos los medios que se expresan con la luz se basan en los colores espectro. En pintura, que es donde se plasman físicamente los colores, las condiciones son contrarias, ya que pretende imitar aquello que en realidad se produce mediante la luz y el proceso de creación de los colores hace que la unión de éstos actúe de modo distinto. Con la luz , la unión de los tres primarios (el azul intenso, el rojo y el verde) se consigue el blanco. Con el pigmento, la unión de los primarios (magenta, azul cian y amarillo) se consigue el negro.
  2. Colores primarios. Se considera ‘color primario’, antes llamado color primitivo, al que no se puede obtener mediante la mezcla de ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células receptoras del ojo humano (conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva del cerebro humano.
  3. Colores secundarios. Los colores secundarios puros  son aquellos que surgen de la mezcla de dos primarios en proporciones iguales. Los secundarios en pigmento son los primarios en colores luz y viceversa. En pintura, los secundarios son el rojo anaranjado, el azul violáceo y el verde. El color rojo surge de la mezcla del color amarillo y el color magenta, el color violeta sale del color cian mezclado con el color magenta, y el color verde, de la mezcla del color azul y el amarillo. Si las proporciones entre primarios son desiguales, se obtienen naranjas, verdes azulados, violetas, etc. pero éstos  no serán secundarios puros.
  4. El circulo cromático, es la forma más sencilla de representar visualmente todas las variaciones de color entre los tres primarios. En el centro de cada separación entre primarios se encuentran los secundarios; cuantas más divisiones se realicen en este círculo, más colores distintos se obtendrán. Si además se añade blanco a las mezclas para iluminar cada tono, o negro para oscurecerlo, la paleta se hace prácticamente infinita. Se debe tener siempre muy presente que de los colores primarios surgen todos los demás y que la riqueza de una paleta muchas veces radica en la habilidad del pintor para crear mezclas (consulta nuestro artículo 14 colores que debes tener en tu paleta).
  5. Colores fríos. El azul es el color más frío, aunque dentro de esta familia también figuran algunos verdes y violetas. El azul determina la frialdad de un tono; cuanto mayor carga de este color tenga, más frío será. En el círculo cromático, los colores más cercanos al azul forman la gama fría propiamente dicha. No todos los verdes y violetas pueden clarificarse como fríos. Cuanta más cantidad de color cálido interviene en la formación del verde o violeta, menos frío se vuelve. Los tonos verdes muy amarillentos y los cálidos y violetas muy cercanos al carmín serán cálidos.
  6. Colores cálidos. Transmiten una sensación de calidez y proximidad. En la paleta son los amarillos, los ocres, los rojos, los naranjas, los carmines y los terrosos. Si bien los ocres y marrones forman parte de la gama quebrada, el predominio del rojo y amarillo que poseen los vuelve fuertemente cálidos. El color de un cuerpo se determina por la luz que incide; por eso, según la hora del día o la luz que recibe, un elemento puede aparecer dominado por los tonos fríos o cálidos. Por efecto de la atmósfera, los cuerpos más cercanos al espectador presentan unos matices más cálidos.
  7. Colores quebrados. Los colores marrones y los grises se denominan “quebrados”. Éstos se obtienen con la mezcla de los tres primarios, aunque en distintas proporciones. Así pues, en los grises se encuentra una carga de azul bastante grande, mientras que en los marrones los que dominan son los rojos y los amarillos. Según sea la cantidad  de uno u otro color, se obtienen los sienas, bastante rojos, o los ocres, bastante amarillos.
  8. Armonizar el color. Una vez se comprenden los conceptos frío y cálido, primario y secundario, se pueden hacer tantas combinaciones como se desee a la hora de realizar una composición cromática. os tonos similares siempre armonizan, mientras que los contrarios  contrastan y se complementan . Cuando se busque una armonía y una atmósfera unificada, deberá tenerse en cuenta como se colocan los colores y qué papel juegan unos junto a otros. Si no se quiere contraste, se matizarán los tonos contrarios para que su visión uno junto a otro no resulte estridente.

Hasta aquí este articulo sobre el color en el que esperamos haberte enseñado algo nuevo.

4 formas de sombrear un dibujo que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 formas de sombrear un dibujo que debes conocer. Hacer un dibujo completo se compone de dos partes, el encajado o dibujo de línea y el sombreado para generar volumen. Hace algún tiempo escribí un artículo sobre el dibujo de línea que te recomiendo que leas si te interesa este tema, el encajado. Una vez que realizamos el encajado del motivo que hemos elegido, llega el momento de realizar el sombreado del mismo para generar esa falsa tercera dimensión en un papel que es la profundidad y el volumen. Ahora sí, ahí van las 4 formas de sombrear un dibujo que debes conocer:

1. Sombreado suavizado: Este tipo de sombreado, es el más corriente, el que todo hemos hecho alguna vez en nuestra infancia. ¿De qué se trata? Simplemente debes coger un lápiz blando (de 2B en adelante) e ir moviéndolo suavemente en las zonas en las que quieras tonos medios y haciendo más presión cuanto más oscuros quieras los grises hasta llegar a los negros. Puedes dejar el trazo directo o suavizarlo con tortillón. ¿No sabes lo que es esto? Echa un vistazo a otro artículo titulado 7 utensilios de dibujo que debes conocer.

Sombreado suavizado de nuestra alumna María Luisa Barreno.

2. Sombreado a base de rayados: La segunda de las 4 formas de sombrear un dibujo que debes conocer son los rayados. ¿De qué se trata? Únicamente debes ir dibujando rayas paralelas en la misma dirección, cuantos más rayados superpongas más oscuros serán tus grises. A mi como más me gusta este tipo de sombreado es con los rayados en vertical.

Sombreado a base de rayados verticales de nuestra alumna Vanesa Yuste.

3. Sombreado a base de tramas: Está técnica requiere que seas riguroso y limpio. ¿Qué es una trama en dibujo? Una trama simplemente es un con junto de líneas cruzadas en diferentes direcciones. Para conseguirlo debes hacer rayados en distintas direcciones creando esas tramas, a más rayados, más oscuros serán los grises de tu dibujo, hasta llegar a los negros. Esta técnica aporta mucha textura a un dibujo, y es otra de las formas de sombrear un dibujo que debes conocer.

Sombreado a base de tramas de nuestra alumna Lola Gor.

4. Sombrado a base de punteados: Este sombreado viene del puntillismo, técnica impresionista consistente en la yuxtaposición de los colores sobre el lienzo, de modo que producen un nuevo tono al fundirse en la retina del espectador. Pues al igual que en la pintura, en el dibujo si yuxtaponemos capas de puntos lo que conseguiremos será que en la retina del espectador se creen los diferentes grises en función de la cantidad de puntos que haya en cada parte de nuestro dibujo.

Sombreado a base de puntos.

Mi recomendación es que emplees todas las formas de sombrear un dibujo a la vez. Tu dibujo será más rico cuantos más recursos tenga. A continuación te mostramos uno muy interesante.

Sombreados variados de nuestra alumna Lourdes de Lucas.

Has ta aquí las 4 formas de sombrear un dibujo que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo para que mejores tus técnicas de sombreado.