4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer. La pintura diluida con trementina o aguarrás se emplea para dibujar diseños esquemáticos o para crear una pintura base más elaborada y que se deja secar. Estas marcas de pintura lavada se modifican después con capas añadidas encima (velados), o se cubren y contrastan con pintura más espesa pintada o aplicada con espátula.

Para hacer velados hay que añadir medio de aceite, para que la pintura se seque más despacio que la capa inferior y que las distintas capas se sequen con el tiempo sin separarse ni agrietarse. La adición de medios también aporta lustre y brillo. Este método puede emplearse para modificar los colores y texturas de la pintura espesa o diluida que está debajo. Pintar por encima con colores opacos y mezclados con blanco oscurece parcialmente las capas inferiores y unifica áreas de tono y color; los colores traslúcidos cambian o intensifican el color subyacente.

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4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer.

  1. Pintura afinada con trementina: La adición de trementina hace que el pincelado de la pintura sea más fácil. Puedes darla con un pincel pequeño y suave, aplica los colores como si de un puzle se tratara. La trementina es considerada en general como el mejor disolvente para pintar, por su carácter resinoso que ayuda a que la pintura se adhiera y que otros disolventes no poseen.
  2. Áreas contrastadas de pintura: El trabajo se desarrolla cubriendo y modificando en algunas zonas la pintura diluida con pintura más espesa, sin diluir, mezclada directamente tal como sale del tubo. Puedes frotar algunas zonas con un trapo hasta llegar a la imprimación.
  3. Pintura sobre pintura espesa: Puedes trabajar con un velado sobre una pintura elaborada por ejemplo con una espátula, esto te ayudará a unificar los tonos y modificar el color. Para esto puedes usar un medium de aceite de linaza.
  4. Pintura con velados: Puedes emplear más de un velado transparente sobre una pintura dejando secar entre uno y otro. Puedes utilizar aceite de linaza polimerizado, 6 partes de trementina con 1 parte de aceite.

La regla de “flexible sobre menos flexible”.

Después de estas4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer, debes saber que una vez que la pintura está seca al tacto, es posible pintar una o más capas por encima. Las capas pueden ser escasas o finas, pero si se emplea un medio de aceite cada capa debería contener más aceite que la inferior.

Las capas inferiores tardan años en secarse por completo y se encojen un poco durante el proceso. Por ello, lo más inteligente es asegurarnos de que la pintura que está encima se seque más despacio que la inferior, para que pueda moverse con ella. De lo contrario, la capa superior podría resquebrajarse. Empieza con 6 partes de trementina por 1 de aceite y termina con no menos de 2 partes de trementina por 1 de aceite.

Suele haber confusión sobre como aplicar esta regla a un medio de resina alquídica de aceite modificado como Liquin. A diferencia de los medios de aceite, la resina alquídica acelera el secado en lugar de ralentizarlo. También se dice que esta sustancia se vuelve más quebradiza que el aceite de linaza. Por ello, en lugar de añadir más Liquin u oleopasto a medida que avanza la pintura, lo mejor es asegurarse de que todas las capas (incluidas las de pintura espesa) contengan más o menos la misma cantidad de medio alquídico.

Del mismo modo, pintar por encima con pintura al óleo espesa con un medio de resina de damar o de cera puede producir agrietamiento, por lo que  si se usan estos medios, es mejor mantenerlos en todo el trabajo, preferiblemente en pinturas húmedo sobre húmedo de una capa, en la que la composición es más estable.

Hasta aquí estas 4 técnicas con pintura diluida y velados que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

 

 

5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 cosas que debes tener en cuenta para dibujar del natural. Dibujar del natural es dibujar copiando directamente el modelo, que puede ser una persona, un objeto o el paisaje.

Por ejemplo, el pintor académico o el realista observa modelos, y realiza por lo tanto dibujos del natural, los que son la guía para la pintura que aplica después; mientras que los artistas del arte naïf o el futurismo, no copian nada del exterior, pues se remiten a las imágenes que pueblan su mente, buscando más que la perfección, la expresión.

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5 cosas para dibujar del natural que debes conocer.

Dispón hasta tres objetos simples sobre una hoja de papel y prueba las siguientes tres formas de mirara y dibujar. A los más noveles, les resultará más fácil si eligen objetos redondos o amorfos y no cuadrados, botellas o piedras mejor que cajas, para no tener que pensar demasiado en la perspectiva lineal en este momento.

  1. Dibujo de línea continua: Realiza un dibujo lineal sin retirar el lápiz del papel. Observa cuidadosamente los objetos, no el papel, y hazlo a tu manera. Deja que los ojos guíen la mano y dibuja lentamente lo que veas. Artistas como Matisse solían trabajar de esta manera para abstraerse de lo que veían; como ellos, tu obtendrás un dibujo simplificado, que quizá también resulte tremendamente inexacto. Debes perseverar, ésta es una excelente forma de mejorar tu observación.
  2. Cuadrícula: Puedes dibujar líneas adicionales como guía para observar distancias, ángulos y tamaños relativos. Traza horizontales y verticales para comparar la parte superior, la base y los lados de los objetos y úsalas para ver la altura de uno de los objetos en relación con otros. Dibuja líneas entre los objetos para apreciar bien la distancia entre ellos.
  3. Espacios vacíos: Son las formas negativas o espacios en blanco entre y alrededor de los objetos. Entrecierra los ojos para reducir los detalles, es decir mira desenfocado, y busca y dibuja los espacios vacíos, tratando el modelo como una serie de motivos interconectados. Esto te ayudará a relacionar los objetos entre sí y a dibujar contornos difíciles con mayor facilidad. Ésta es una manera de trabajar muy intuitiva.
  4. Compara medidas: Después de abocetar los objetos, toma medidas aproximadas con el pulgar apoyado en el lápiz. Compara la anchura y la altura y los tamaños relativos de los objetos. Por ejemplo, la botella es más o menos tres veces más alta que ancha o el tronco del árbol, es un tercio de ancha que la ventana de la casa de detrás…
  5. Mide: Sostén el lápiz sobre el bodegón real para encontrar conexiones y ver la alineación de objetos. Esto te será útil para hacer la cuadrícula. Las comparaciones debes hacerlas con el brazo extendido para que todas las medidas las tomes desde la misma distancia y, por lo tanto, sean consistentes.

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Hasta aquí estas 5 cosas para dibujar del natural que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo en Madrid.

 

2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

En este artículo te explicamos 2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer. Los artistas trabajan de diferentes maneras para generar ideas y, con la práctica, encuentran el sistema más adecuado para ellos. Prueba varios enfoques para encontrar lo que sea eficaz para ti. Para comenzar, puede ser útil hacer las siguientes distinciones:

  • Con la imagen primero, la idea después, empezamos por la imagen y buscamos la idea a través de ella.
  • Con la idea primero, la imagen después, empezamos con la idea y buscamos imágenes para mostrarla.

El artista David Shrigley describe el segundo enfoque: “Otro método es escribir una lista de cosas antes de empezar: un árbol, un elefante, un camión, una orgía, etc. De este modo cada dibujotiene un punto de partida. Creo que el punto de partida es importante para un artista. Una vez que has empezado, la batalla está medio ganada”.

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“Joseph´s Dream”. Acrílico en papel sobre lienzo. Paula Rego

 

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“Yoy Brother”. Lápiz en papel. David Shrigley.

2 procedimientos para desarrollar tus ideas que debes conocer.

1.La imagen primero, la idea después.

  • Haz collages. Recicla dibujos, pinturas o fotos, recórtalos y móntalos formando nuevas figuras. Inventa escenarios usando imágenes en collage, dibuja o pinta los tuyos propios , o utiliza fondos planos.
  • Fotogramas de cine. Dibuja o pinta a partir de una imagen pausada en la pantalla, destacando o exagerando los aspectos que te parezcan importantes.
  • Dibuja, pinta, fotografía del natural. Mira a tu alredeor. La vida supera la ficción y siempre nos ofrece temas sobre los que trabajar.
  • Dibuja de memoria, de la imaginación, de los sueños. No te preocupes por la precisión ni por el realismo, simplemente pon tus ideas en el papel. Observa pinturas antiguas y figuras en museos de distintas culturas y épocas y úsalas como base para tus ideas.

2.La idea primero, la imagen después.

  • Brainstorming: juego de azar. Escribe siete títulos: nombres, adjetivos, adverbios, entorno, clima, gente y emociones. Escribe diez palabras debajo da cada título. Elije una palabra al azar de cada categoría, por ejemplo, mar, lluvia, tren, verde, rápido, anciano, feliz. Haz un dibujo o pintura a partir de esta lista.
  • Brainstorming: identificación de temas. Haz una lista de palabras y elije unas cuantas de entre ellas. Haz dibujos a partir de las palabras o busca imágenes relacionadas para hacer un collage. También puedes hacer versiones dibujadas o pintadas de tus collages.
  • Narraciones: Dibuja a partir de un momento de una historia. redibuja muchas veces con distintas composiciones y diversos tamaños de las figuras.
  • Sal y toma fotos sobre un tema predefinido, que puede ser visual, como “mujer pelirroja” o abstracto, como “soledad”.
  • Junta los títulos de poemas o pies de fotos de los periódicos con imágenes con las que éstos no tengan relación aparente y busca nuevas conexiones.
  • Mira películas o lee libros, y toma notas. Identifica temas e investígalos trabajando en todos los medios.

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3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer.

Alguien podría suponer que la abstracción consiste en copiar formas observadas y colocarlas en un nuevo contexto; esto podría ser un punto de partida, pero lo más habitual es que la relación de la abstracción con la observación sea menos directa.

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Las piezas musicales no suelen sonar como una cosa concreta, sino que existen por sí mismas, y la abstracción visual aspira evocar una experiencia equivalente. Por ejemplo, una sensación de equilibrio o desequilibrio, movimiento, peso, espacio, excitación o repulsión, que se consigue por el contraste y las capas de colores o materiales, la colocación y tamaño de las formas, el grosor de la pintura o la dirección de las pinceladas.

Para comenzar, necesitamos una idea o sentimiento o, mejor dicho, un impulso, que puede proceder de cualquier lugar: algo visto u oído, leído, sentido o soñado. La observación es invocada y empleada sin referencias a su fuente original. Los artistas explican que se empieza por poner un lavado de color o hacer una marca y, después, se responde a este primer elemento. Es parecido a un impulso, ¿demasiado estático o demasiado pesado? El trabajo avanza a partir de lo que ha surgido antes, de las pinceladas recién hechas o quizá a partir de un trabajo previo escaneado, impreso, recortado, montado de nuevo y pintado.

A veces los artistas se imponen reglas como por ejemplo, realizar una serie de acciones repetidas. El proceso puede compararse a realizar movimientos en un juego, añadiendo, ocultando o deshaciendo las decisiones previas. Concédete permiso para jugar. Con la práctica, adquirirás una sensibilidad reforzada hacia los  movimientos correctos.

3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer.

  1. Escribe una lista de palabras abstractas que no describan objetos concretos (para evitar hacer ilustraciones) y elije tres o cuatro de ellas. En hojas de papel separadas, dibuja grupos de marcas o pinta colores en respuesta a cada palabra. Reúne las hojas, tal vez cortando formas de cada una de ellas y montándolas. Repite las marcas o colores en otras hojas. Cambia el tamaño de las marcas o formas.
  2. Dibuja una línea que atraviese una hoja de papel. Imponte una regla como por ejemplo, agitar un dado para decidir cuántas veces debe la línea cruzarse sobre sí misma en su recorrido de izquierda a derecha . Añade tono, textura o color en las áreas separadas creadas por línea. También puedes dejar que el dado decida sus decisiones en cuanto a colores o tonos y su ubicación. Busca equilibrio y contraste.
  3. Experimenta con materiales mixtos para descubrir posibilidades de abstracción determinadas por éstos.

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Hasta aquí nuestras 3 experiencias para crear una abstracción que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Nos encantará recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

 

10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer. El trabajo imaginativo requiere que nos deshagamos de ideas preconcebidas y nos adentremos en lo desconocido. Para usar la imaginación y buscar una respuesta emocional es útil sentir que podemos asumir riesgos y que no tenemos por qué ser racionales. Mientras trabajas, mantén la conexión con tus sentimientos o ideas; si te distraes, es posible que tu trabajo pierda profundidad o resulte encorsetado por la técnica.

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“The New Baby”. Carboncillo sobre papel. Eileen Cooper, ROYAS ACADEMY.

Ciertos artistas usan la emoción como fuerza motriz de la obra de arte y abandonan el realismo en favor de la expresividad. En su imaginería onírica, Eileen Cooper crea escenarios imaginarios como telón de fondo para contar historias de momentos mágicos en las relaciones y en la vida familiar. En “The New Baby”, la cabeza de la madre es inmensa y aparece encuadrada en primer plano; en contraste, el bebé es diminuto y se sienta en la palma de la mano de la madre. De este modo, la artista logra expresar asombro y fragilidad. Al poner la idea o el sentimiento al frente de nuestra intención nos damos permiso para suspender la verdad física.

10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer:

  1. Dibuja a ciegas: dibuja o pinta un personaje del natural, de memoria o con la imaginación sin mirar al papel. Obtendrás distorsiones expresivas que después podrás desarrollar.
  2. Intenta sentir la emoción del tema en tu propio cuerpo, permite que las marcas, formas, colores y elección de materiales lo reflejen así: por ejemplo, marcas fuertes y decididas para indicar fuerza o toques ligeros y delicados para expresar timidez.
  3. Distorsiona la figura a tenor de lo que te parezca importante. Por ejemplo, una cabeza pequeña y un cuerpo grande denotan monumentalidad, mientras que una cabeza grande y un cuerpo pequeño indican vulnerabilidad.
  4. Dibuja, pinta, haz collages escuchando música para conectar con sentimientos e ideas.
  5. Use papel de colores o con motivos, o papel pintado, para tener un punto de partida ambiental.
  6. Experimenta con el ordenador. Escanea imágenes y manipúlalas  digitalmemte para crear efectos expresivos. Usa las nuevas imágenes como base de un trabajo.
  7. Dibújate o dibuja a otra persona en un papel. Relájate, cierra los ojos e identifica sensaciones y emociones como calidez o tensión y dales textura, forma y color. Después de entre 5 y 10 minutos, pinta lo que hayas experimentado.
  8. Autorretrato psicológico: pinta con lo que sientas, no lo que veas. A veces es más fácil dibujar o pintar nuestros sentimientos  hacia alguien cuando esa persona no está presente.
  9. Pinta lo que te sugiera un poema: responde a la emoción a las imágenes y a la atmósfera. Deja que surjan respuestas aparentemente ilógicas. Suspende el juicio crítico.
  10. Pinta un recuerdo de la infancia: Intenta recordar todos los detalles: atmósfera, luz, imágenes, sonidos y olores. Los detalles cuentan historias. Intenta pintar con la confianza de un  niño.

Hasta aquí estas 10 prácticas para pintar desde la imaginación que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer.

El temple de huevo se acumula en capas finas y translúcidas. La pintura se seca rápidamente por lo que es posible añadir capas cada 15 minutos. A diferencia de la acuarela, cuantas más capas se añaden más oscuro y luminoso se vuelve el color. Las obras pintadas con temple de huevo deben protegerse tras un cristal  cuando están recién terminadas, ya que la superficie se raya fácilmente , peor con el tiempo (50 años aproximadamente) se va endureciendo poco a poco.

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3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer:

1.Preparación del huevo para usarlo como aglutinante:

  1. Casca un huevo y vierta la clara en un recipiente.
  2. Pon la yema en la palma de la mano y lávalo con cuidado debajo del grifo. Pasa la yema de palma a palma hasta que esté lo bastante seco para cogerlo por la piel.
  3. Toma la yema por la piel con una mano y sostenla encima de un recipiente. Con la otra mano pellizca la yema para romper el saco.
  4. Vierte la yema en el contenedor, quedándote con la piel.
  5. Añade media cáscara de huevo de agua, preferiblemente destilada (el agua del grifo contiene productos químicos que pueden reaccionar con el pigmento).
  6. Mezcla con un pincel. La mezcla debe tener la consistencia de una crema ligera.

2.Pintura con temple de huevo:

  1. Con un pincel mezcla un poco de preparación de huevo y agua con el pigmento hasta formar la pintura.
  2. Pinta finamente con un pincel seco en cartulina, papel grueso o un tablero con una base de gesso o una buena imprimación.
  3. La pintura debe aplicarse en finas capas con un movimiento intermitente, como si se sombreara con un pincel. Esparce la pintura a medida que trabajas. Se seca rápidamente y puede apilarse en capas después de entre 5 y 20 minutos, según la absorbencia de la base. Si la pintura no está lo bastante seca, o si la mezcla de huevo es demasiado fuerte o demasiado débil, las capas se desprenderán.

3.Emulsión de yema de huevo y aceite de linaza:

Esta fórmula produce un temple de huevo que tiene algunas cualidades de la pintura al óleo y que una vez seca muestra un brillo satinado. Puede hacerse una mezcla menos grasa añadiendo menos aceite y agua.

  1. Pon la yema en un recipiente con tapa hermética. Añade una cucharadita rasante de aceite de linaza, gota a gota y remueve después de cada adición.
  2. También gota a gota y removiendo después da cada adición. agrega a la mezcla una cucharadita rasante de agua destilada.
  3. Agita los ingredientes como si prepararas el aliño de una ensalada. La mezcla emulsionará.

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Hasta aquí estos 3 pasos para pintar con temple de huevo que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestra academia de pintura en Madrid.

Proyecto de creación plástica y visual: VERDE.

Éste proyecto tiene como finalidad la de estimular la creatividad del alumno a través de la representación plástica en torno al color VERDE. Podemos pensar en cualquier cosa que tenga que ver con cualquier variante o tono de este color secundario, podemos pensar también en la ausencia de este color, e incluso en su caligrafía, es decir en como se escribe. Tendrá cabida cualquier obra que deje claro al espectador que este color es el protagonista…

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Cada alumno podrá emplear la técnica que desee o que consideré más oportuna para la representación de su idea. Grafito, carboncillo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico, óleo, ceras, fotografía, técnicas mixtas, fotos coloreadas… Aquellos materiales con los que el alumno se sienta cómodo para llevar a cabo su obra. El tamaño de todas las obras será de 60 x 60 cm. El soporte será un tablero de contrachapado con su correspondiente bastidor que será igual para todos los participantes, y de los que se os comunicará el precio a su debido tiempo. El soporte también podrá ser intervenido por el alumno a su antojo, podrá trabajar sobre él directamente, entelarlo, empapelarlo, pegar cualquier textura…

Para participar en este proyecto titulado VERDE, da igual el nivel del alumno, no importa que sea veterano o nobel, buscaremos algo apropiado y que podamos llevar a cabo teniendo en cuenta las aptitudes de cada participante.

¿En qué debo pensar para generar esta obra? Como punto de partida, piensa en temas cercanos que hagan referencia o nos traslade directamente a una imagen con gran cantidad de verde,  y que te parezca que no deberían faltar en una exposición sobre este color. Mide tus fuerzas y piensa en de qué manera puedes representarlo. No debes quedarte en “lo facilón”, se original, no tenemos intención alguna de que este proyecto se llene de bosques…

Se establecen los siguientes plazos:

  • Semana del 15 de Octubre, presenación del proyecto en los distintos grupos.
  • Semana del 5 de Noviembre, comienzo de la ejecución de la obra en si.
  • Semana del 28 de Enero de 2019, fin de la obra.

Con todas las obras participantes tendrá lugar la exposición “Verde que te quiero VERDE” durante la segunda quincena de febrero en una sala aún por determinar de Madrid (estamos en plena negociación).

Con la finalidad de que empieces a pensar… te dejamos aquí algunas imágenes en las que el verde es el protagonista…

4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer. La pintura acrílica es un medio muy flexible, adecuado para muchas técnicas y estilos. Cuando se aclara con agua es similar a la acuarela y puede pintarse en suaves y transparentes lavados, o salpicarse sobre la superficie. Cuando se diluye en más medios, se comporta como una pintura al óleo de secado rápido y puede aplicarse en finas veladuras sobre capas de pintura gruesas y delgadas.

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4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer:

  1. Diluida con agua:

    Cuando el pigmento se diluye con agua, de forma que la pintura queda fluida y transparente, el acrílico se usa casi como una acuarela. Se extiende fácilmente sobre la superficie y es perfecto para los fondos. Una pintura acrílica poco densa es ideal porque se mezcla fácilmente con agua y cuesta menos aplicarla con el pincel.

  2. Lavados sobre dibujo:

    La pintura acrílica diluida o transparente se puede aplicar sobre un dibujo. Esta acción es más efectiva si las líneas del dibujo son gruesas y su composición repele el agua, como ocurre con un buen lápiz de grafito. Asegúrate de que la pintura sea muy translúcida, puesto que sólo se trata de dar un tinte al dibujo.

  3. Aerosol y goteo:

    La tercera de estas técnicas para pintar con acrílico diluido es la pintura con aerosol. Ésta es ideal para pintar superficies uniformemente; también es excelente para trabajar con plantillas. Para un enfoque más dramático y abstracto estruja u contenedor blando de plástico de boquilla estrecha que contenga pintura un poco espesa, o aplica la pintura con esponja, déjala gotear, salpícala o arrójala sobre la superficie.

  4. Veladura:

    Es la técnica de aplicar una película fina de pintura diluida a una superficie ya pintada. Permite homogeneizar los colores para crear un aspecto unificado,y también se emplea para retrasar algunos elementos creando profundidad en el cuadro. Para diluir la pintura es mejor usar un medio de veladura, que se mantiene fluida y seca uniformemente.

Algunos consejos para pintar con acrílico diluido:

  • La pintura diluida en agua puede guardarse en botes de cierre hermético.
  • Para aplicarla con atomizador, debes mezclar la pintura con mucha agua, el pigmento tiene que ser muy fino para que sea propulsado por la boquilla.
  • Para gotear y salpicar , la pintura tiene que tener la consistencia adecuada (fluida como un yogur cremoso).
  • Cuando lancs pintura y la dejes gotear, pon el soporte sobre el suelo para que te puedas mover con facilidad a tu alrededor.
  • La proporción para una veladura es un 90 % de medium y un 10% de pintura.

Hasta aquí estas 4 técnicas para pintar con acrílico diluido que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer.

En este artículo te explicamos 4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer. Es fácil dejarse seducir por el acrílico en su estado natural, por la consistencia que tiene la pintura recién salida del tubo. Sin embargo, recomendamos aplicar la pintura espesa sobre una superficie de lavados diluidos, ya que una construcción desde pintura líquida a la densa logra profundidad e interés visual. Normalmente, con los acrílicos es mejor evitar aplicar pintura espesa sobre espesa, esto puede derivar en un trabajo sobrecargado y turgente.

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4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer:

  1. Pintura espesa directa del tubo:

    La pintura semiopaca se aplica tal como sale del tubo o se mezcla con un poco de agua. Cuando se extiende con un pincel firme retiene las pinceladas, La pintura opaca, con su peculiar aspecto semejante al pastel, puede usarse con pincel o con espátula.

  2. Agentes espesantes:

    Se añaden a la pintura para aumentar su consistencia natural. Por ejemplo cuando se añade un medium extra fuerte a una pintura fluida o espesa se aumenta su volumen, densidad y viscosidad, lo que es fundamental para que las pinceladas o los trazos hechos con espátula permanezcan.

  3. Uso de espátula:

    La tercera técnica para pintar con acrílico espeso es el empleo de una espátula. Es perfecto para el empaste, en el que la pintura se pone sobre la superficie (en general directamente del tubo) y se esparce con una ligera presión . La pintura debe tener un espesor semejante al de la mantequilla untada en pan. Los resultados son más angulares y menos versátiles que los creados a pincel.

  4. Collage:

    Muchos artistas usan esta técnica para añadir interés a la superficie, y es particularmente eficaz en obras abstractas o semiabstractas. Se pegan fragmentos de papel, tela o cartulina  sobre lienzo con medio acrílico o con acetato de polivinílo.

Algunos consejos para pintar con acrílico espeso:

  • Una buena pincelada aguanta si no se sobrecarga la pintura. Trabajarla demasiado la aplana y hace trazos menos evidentes.
  • Debido a su alto contenido en pigmento, la mayoría de las pinturas acrílicas de buena calidad oscurecen al secar.
  • Encima de un collage puedes extender un lavado ligero de un color acrílico. Al secarse, el lavado proporciona una superficie sellada y segura sobre la que se puede aplicar más pintura.
  • Los acrílicos combinan muy bien con medios con base de agua. Como se secan rápido, a menudo se usan como base para las pinturas al óleo.
  • Los medios espesantes extienden la pintura y aumentan su brillo y transparencia. También proporcionan más tiempo de trabajo. La piedra pómez añade textura y volumen.

Hasta aquí estas 4 técnicas para pintar con acrílico espeso que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantado de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid. 

 

 

5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer. El acrílico tiene muy pocas restricciones en lo que se refiere a herramientas y soportes. Puede pintarse sobre casi todo, con o sin imprimación, y se aplica con cualquier tipo de pincel. Su único inconveniente es que deja una superficie blanda y flexible que atrae el polvo. SI quieres que tus pinturas hechas con acrílicos duren, debes protegerlas con una capa de barniz.

deGranero 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer

5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer:

  • Pinceles:

    Para trabajar con acrílicos puedes usar tanto pinceles naturales como sintéticos. Los pinceles blandos son adecuados para acrílicos fluidos, pues retienen más humedad  y dispersan la pintura líquida más eficazmente. Los pinceles gruesos y duros son imprescindibles para usar pintura espesa, tal como sale del tubo o con un poco de agua.

  • Superficies:

    Hay tres superficies para pintar: lienzo, tabla (madera o cartón) y papel. También se puede experimentar con plástico.. Se recomiendan papeles de acuarela gruesos, de buena calidad, 100% algodón, prensados en frío o en caliente. Aguantan más y se deforman menos.

  • Paletas:

    La tercera de estas 5 herramientas para pintar con acrílicos que debes conocer es la paleta. En teoría, cualquier superficie no porosa sirve como paleta para acrílicos. El plástico, el cristal o incluso la madera sellada son perfectos para este fin. Muchos artistas usan bandejas o platos de plástico para las mezclas. Como el acrílico se seca rápido, es importante no poner demasiada pintura cada vez; ponla en la paleta a medida que la necesites. Puedes mantener tus colores húmedos atomizando un poco de agua por encima.

  • Imprimaciones:

    La pintura acrílica puede aplicarse sin preparación sobre la mayoría de superficies, pero normalmente se acepta que es mejor sellarlas previamente. Las superficies sin imprimar son muy absorbentes y, debido a que el acrílicos tiene base de agua, embeben el color de forma que el pigmento pierde su vivacidad y se vuelve plano y sin vida. Los papeles de acuarela de buena calidad se venden sellados con cola, pero el lienzo y la tabla tendrán una superficie más estable si se impriman primero con un medio acrílico o una imprimación acrílica de gesso.

  • Barnices:

    El acrílico seco tiene un lustre natural atractivo, pero a algunos artistas les gusta aplicar barniz brillante cuando quieren mostrar su obra sin cristal, pues el barniz crea una superficie brillante, diamantina. Tanto el barniz brillante como el mate proporcionan una película protectora transparente que hace más fácil limpiar la superficie. Escoge con prudencia el barniz pues algunos son permanentes y no pueden eliminarse. El barniz mate suele tener base de agua y da un lustre uniforme no brillante. El barniz brillante tiene base acuosa o de aguarrás y da al acrílico un lustre muy brillante que realza los colores y repele el polvo.

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