4 pasos para dibujar un paisaje que debes conocer.

En este artículo te contamos 4 pasos para dibujar un paisaje que debes conocer.

Paisaje es el nombre que el estudio de la historia del arte da al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo).

En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros géneros (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo esencial para la pintura japonesa.

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Ahora si, vamos con estos 4 aparatados o pasos para dibujar un paisaje que debes conocer:

  1. Abocetar los diferentes temas de dibujo. El paisaje ofrece al artista una serie de elementos con los que puede disfrutar o componer con mayor libertad que en el resto de los temas pictóricos, posiblemente porque cualquier error es menos apreciable en el paisaje que en la figura o el bodegón. El paisaje exige una especial atención compositiva para repartir pesos y formas, un tema muy importante debido a al gran número de interpretaciones plásticas que posibilita. Una simple línea horizontal podría ser ya un paisaje, puesto que dividiría el espacio del papel y generaría una ilusión de horizonte. Con el horizonte se logra dar profundidad y situar el punto de vista del espectador. No se trata únicamente de trazar una línea sobre el papel, sino de situar los planos de profundidad. Al dibujar un paisaje, éste debe ser bien construido ya desde el principio, pues los trazos originales no hacen más que preparar el desarrollo posterior.
  2. Componer con la vista. Cuando el artista quiere dibujar un paisaje, al plasmarlo sobre el papel toma sólo un fragmento, es decir, no dibuja todo cuanto abarca su vista, sino únicamente una zona determinada. para ello debe hacer un esfuerzo de selección y de síntesis de lo que ve.
  3. Estructura e importancia del encuadre. Siguiendo con la importancia de la composición, esta propuesta trata conjuntamente los dos primeros aspectos del presente tema: el encuadre y la profundidad de términos. La relación entre los términos es tan necesaria en el dibujo de paisaje, que , sin un estudio adecuado, el trabajo podrá resultar un amasijo de tonos; en cambio, si se tienen en cuenta estas consideraciones, el paisaje será un verdadero recreo para la vista por su armonía y equilibrio. El encuadre de un motivo a representar se realiza mediante el dibujo esquemático de las líneas y formas más simples posibles que sintetizan los elementos principales que intervienen en la composición.
  4. Formas fundamentales y cálculo de distancias. Para dibujar un paisaje, podemos buscar puntos de referencia que permiten al espectador tener una cierta idea de las distancias. Algunos paisajes no tienen esta característica, sobre todo los románticos, en los que lo importante es impresionar al espectador al situarlo en una naturaleza sin referencias de tamaño. Pero en el dibujo realista, dichas referencias aportan la información imprescindible para que el espectador tenga una idea del entorno.

Hasta aquí este artículo en el que te damos 4 pasos o ideas para dibujar un paisaje que debes conocer. Siempre estaremos encantados de recibirte en alguno de nuestros cursos.

4 pasos para dibujar el rostro que debes conocer.

Este artículo lo dedicamos a la conjunción de todos los rasgos para dibujar el rostro humano y al estudio de la expresión en el retrato. Existen diferentes maneras de abordar el rostro humano, algunas de ellas se analizan en este artículo.

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Te mostramos ya los 4 pasos para dibujar un rostro que debes conocer:

  1. Encaje del rostros: Una vez resueltas las proporciones y la ubicación de los rasgos anatómicos, se puede abordar el tema del retrato desde un punto de vista muy directo y espontáneo. Este estilo fresco permitirá apuntar fácilmente los rasgos del retratado. Las líneas crean una estructura general que se va perfilando hasta lograr la forma definitiva de la cara y sus características. Este es el primer paso para dibujar el rostro. el encajado es fundamental, es decir, poner cada cosa en su sitio.
  2. Medidas y proporciones: El retrato, es con diferencia, el tema más complejo para un dibujante, pues implica el conocimiento del rostro y un acercamiento al interior del retratado. Cada técnica de dibujo ofrece posibilidades específicas para interpretar y representar, aunque la finalidad es siempre la misma: obtener el parecido y acercarse a la personalidad del personaje. Para dibujar el rostro debes empezar por el encajado. En esta primera fase, se estudian medidas y proporciones; deben quedar bien planteadas las distancias entre los ojos y la frente; la amplitud de los labios, la forma de la nariz y las dimensiones del rostro.
  3. Volumen y relación entre las facciones: Al dibujar el rostro, el volumen no se puede tomar a la ligera; un tono mal ubicado debe generar una forma que desestabilice la armonía de los rasgos. Hay que buscar la relación entre los volúmenes que se generan entre claros y oscuros y el equilibrio de cada rasgo.
  4. Realces y matices: Dibujar el rostro sobre papel de color puede ser muy agradecido, ya que admite la integración del color del papel como parte de la paleta que se emplea y más aún cuando se trabaja con una gama restringida. Se puede trabajar a partir de reservas y de realces. Te recomendamos que primero esboces la cara y una vez que los rasgos estén ubicados, se traza suavemente la principal zona de sombra. Después trabaja las sombras y trabaja los contrastes definitivos. Por último, los realces de blanco indicarán la dirección  da la luz y aportarán la expresividad definitiva.

Hasta aquí este breve artículo sobre los 4 pasos para dibujar el rostro que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo.

4 temas básicos para dibujar caricaturas que debes conocer.

Uno de los temas que mas simpatía despiertan son las caricaturas, es una de las variantes más divertidas del retrato. Lejos de lo que puede parecer,  dibujar caricaturas no es tarea fácil; sus peculiaridades pueden ser infinitas y cada artista puede trabajar con su estilo propio, y aplicar una serie de recursos que se terminan convirtiendo en su sello personal. En este artículo vamos a tratar 4 temas básicos e interesantes para dibujar caricaturas.

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  1. Proporcionar para comprender la forma: Un buen caricaturista es, sin duda alguna, un buen dibujante y, aunque existen ciertos aspectos que dan a la caricatura una gran elasticidad en la interpretación de las formas, se deben hacer extensivos al dibujo aspectos tales como las proporciones o el equilibrio de las formas en los cuerpos. Los rasgos, el movimiento, su dinámica y su aplicación a la anatomía también son elementos a caricaturizar. Las líneas deben sintetizar la forma, pues la caricatura no muestra la realidad, sino aquello que más destaca de la misma. El rostro se dibuja con líneas sintéticas acentuando los rasgos y sin entrar en detalles de valoración. El cuerpo humano se debe imaginar como un maniquí articulado capaz de adoptar múltiples posturas. Cada miembro ha de poder hacer un movimiento que se pueda representar de manera exagerada. Las formas se reducen a volúmenes simples, con los que se juega sobre el papel.
  2. Deformar según la forma del rasgo: Una de las características del retrato caricaturizado es la deformación de las facciones del rostro. La cara puede mostrar las cualidades del retratado acentuando algunas de sus principales características y estableciendo una dinámica entre las facciones del personaje. En la caricatura, el primer paso es siempre el más importante, pues en él se representan aspectos tan importantes como la personalidad, el sentido del humor, la expresión y el carácter. Al dibujar caricaturas es importante tener en cuenta los puntos de luz del rostro.
  3. La ironía en el retrato: La ironía es un aspecto muy destacable en cualquier caricatura. Saber encontrar el punto ideal de picaresca no es fácil, pues requiere práctica y conseguir acentuar el lenguaje interpretativo de las facciones a la manera personal del dibujante. Caricaturizar bien sólo se consigue con el dominio del dibujo y la perseverancia. Cuando se tiene cierta práctica sobre el tema, cada artista desarrolla un código particular que utiliza de manera cada vez más natural. La interpretación de los volúmenes de la cabezal dibujar caricaturas, se plantea desde un trazado muy libre, estructurando las formas en orden a acentuar las más evidentes.
  4. Diferentes estilos: La caricatura se puede hacer en estilos muy diferentes. Un simple trazo puede definir el rostro de un personaje, su actitud. Otras cuestiones técnicas permiten acentuar la personalidad del retratado o sus rasgos más característicos. Con las vanguardias artísticas la caricatura varió totalmente. Las tertulias en los cafés favorecían el hecho de que entre los mismos pintores e intelectuales se hicieran bromas a través de la caricatura. En el siglo XIX los caricaturistas solían ser pintores reconocidos que colaboraban en periódicos o revistas. La caricatura partía directamente del retrato y la deformación de los rasgos, aunque evidente, muchas veces no llegaba al sarcasmo actual. El concepto de retarto no se perdía en pos de la caricaturización de los rasgos.

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Hasta aquí nuestros 4 temas básicos para dibujar caricaturas que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo como siempre.

 

4 técnicas mixtas que te interesa conocer.

Las técnicas mixtas son innovadoras por el tratamiento y la combinación de los materiales entre sí. En ellas se mezclan pinturas de naturalezas distintas para conseguir efectos especiales de gran atractivos. Con la conjugación de materiales diferentes e incluso opuestos se produce un rechazo de la pintura que crea un interesante contraste entre texturas.

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Pues ahora, una vez aclarado lo que son las técnicas mixtas, vamos con estas cuatro que te interesa conocer para que tus cuadros estén cargados de recursos diferentes:

  1. El pincel seco: En cualquier técnica, el efecto que produce el agua suele ser degradado y fundido. Pero cuando se trabaja con una técnica mixta, debe buscarse el resultado contrario, una contraposición entre la textura lisa y la quebrada. El pincel seco es una técnica de pintura seca, muy distinta del acrílico, que e blando y maleable. Para lograr el efecto de pintura seca, se trabaja con poca agua y se restriega el pincel. Después, al lavarla, se desprenderán las zonas aún húmedas y se crearán las fragmentaciones y resquebrajados propios de las técnicas secas. Con pintura crílica muy espesa, casi sin diluir, se realiza un encaje suelto y espontáneo de pincelada rápida y directa en el que domina el empaste y el contraste de color. Con la pintura todavía tierna, se lava el dibujo bajo el grifo para que el color se funda y desprenda. La pintura tierna tiende a mezclarse con el agua creando tonos nuevos y transparentes. La presión del agua desprende las zonas más densas y crea un efecto más plano. De nuevo con pincel seco, se potencian el contraste y el volumen. Es un trabajo propio de la pintura acrílica, con la cual se consigue que , en el estado intermedio de secado, la pintura pueda fundirse o desprenderse.
  2. Pintura con textura: Para potenciarla textura y el relieve de una obra, bastará con añadir sustancias como la arena, el polvo de mármol e incluso piedras. Estos materiales son frecuentes en el arte abstracto, que persigue una investigación plástica del material. En el arte figurativo, en cambio, se suele recurrir a materias densas para representar elementos que expresan volúmenes importantes y pueden ser reforzados dando textura al pigmento antes de aplicarlo.  Según la cantidad de polvo que se utilice en la mezcla, se conseguirá un efecto con más o menos textura.
  3. Transferencia de la imagen al papel (transfer): Es frecuente en las técnicas mixtas las transferencias de imágenes fotográficas que después se modifican con el pincel. Puede pintarse directamente sobre la imagen como si se tratara de un collage. Si se desea un soporte único que excluya la añadidura de otros papeles, la imagen deberá transferirse sobre él; la silueta y los colores se deberán acoplar al soporte sobre el que después se pintará; para ello es necesario emplear líquidos corrosivos como los disolventes universales. Se elige la imagen sobre la que se quiere trabajar. Se realiza una fotocopia en color, que permitirá transferir la imagen a otro soporte. En una cubeta se coloca el papel que servirá de soporte y sobre él la fotocopia a color, de manera que la cara impresa de la fotocopia quede totalmente unida al soporte. Con un algodón se aplica el disolvente sobre el dorso de la fotocopia; conforme se humedece, el pigmento del color de la fotocopia se desprende y se adhiere al papel del soporte que tiene debajo. Se espera un poco a que el disolvente se seque para separar el papel de la fotocopia del papel sobre el cual va a realizarse el cuadro. Una vez separados, el motivo de la fotocopia habrá pasado al que servirá de soporte del trabajo a realizar: la imagen se habrá transferido.
  4. Acabado con transparencia acrílica densa: Una vez hayas transferido una imagen al papel puede retocarse y completarse con cualquier material. Si se desea que el color fotográfico sea muy visible, se retocará con medios transparentes o lápices de color que no  lo modifiquen excesivamente. Si, por el contrario, se desea crear una obra muy personal y con un dominio total del medio, se utilizarán pinturas que cubran, como el acrílico, que podrán convertir el trabajo en una obra pictórica  y sin apenas rastros del calco fotográfico.

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Hasta aquí éstas técnicas mixtas que te interesa conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer.

El proceso de la pintura no es un trabajo rápido. requiere una serie de matices y retoques que van desde las manchas más amplias hasta los detalles más precisos para conseguir un efecto realista. El trabajo del color es también progresivo y las primeras valoraciones se basan en tonos generales que definen cada objeto. Añadiendo matices se conseguirá enriquecer el colorido y aportar volumen y textura a cada motivo.

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En este artículo te mostramos 4 pasos para pintar con acrílicos que debes conocer, con esto tratamos de enseñarte un proceso bastante lógico para pintar con acrílicos:

  1. Partir de la transparencia respetando el dibujo: Conseguir tonos luminosos depende del tono que se emplea.  Normalmente se empieza aplicando la pintura líquida y se va empastando progresivamente. Los brillos muy fuertes se pueden obtener con blanco directo. Plantear la obra con tonos aguados supone una doble ventaja: el dibujo a lápiz queda a la vista y no se pierden ni los detalles ni los contornos. Los colores claros pueden solucionarse  con la transparencia sen mezclar el blanco, que taparía los trazos de lápiz. Nuestra propuesta es que para pintar con acrílicos dibujes primero el motivo, con grafito o con carboncillo que es más intenso. Con ello la pintura se trabaja más densa, pero los trazos resaltarán por su oscuridad. Se dibujan los contornos y se plantean los principales contrastes con carbón directo; así el sombreado queda establecido ya desde el principio. Nunca te olvides de fijar el dibujo al soporte, ya sea con un pincel aplicando un color acrílico diluido repasando las líneas del dibujo o bien con un fijador de carboncillo. Después aplica los tonos globales que definen cada elemento.
  2. Modelar las formas con mezclas directas: La pintura acrílica es muy apropiada para trabajar directamente y con impactos de color. Es un medio con un secado bastante rápido, lo cual hace que sea muy apropiado para fundir tonos y crear nuevas tonalidades por degradado si eres rápido. La alternativa a este proceso es la pincelada directa, por lo que los tonos deben ser elgidos acertadamente para que, al aplicarlos, definan correctamente el volumen y las características del objeto. Se aborda el motivo con nuevos tonos que explican mejor la textura e cada elemento. Se siguen añadiendo matices a toda la superficie para darle más profundidad y realismo. Después trabaja tonos oscuros reforzando el contraste y definiendo formas.
  3. Rehacer y corregir: El acrílico es una técnica que combina transparencia y opacidad. El hecho de aplicarlo opaco hace fácil la corrección de errores, así como cubrir unos colores con otros. Si se quiere tapar una zona, deberá empastarse  la pintura antes de aplicarla. Si se trabaja con oscuros, ello no supondrá ningún problema porque cubren muy bien. Y si se trabaja con claro, se mezclará el tono con blanco, consiguiendo un color igualmente opaco.
  4. Toques finales: Para terminar pintar con acrílicos tu obra, se deben seguir diferentes etapas: dibujo, manchado general y trabajo de los matices hasta resolver los volúmenes y las texturas de cada elemento. Tratándose de una pintura acrílica, los colores se superponen fácilmente sobe las capas anteriores sin necesidad de fundirlos. Por superposición pueden añadirse tantos matices como sea necesario.
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Acrílico sobre lienzo de nuestro alumno Paco Torralba.

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4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer.

La pintura acrílica es bastante peculiar, puesto que es más densa que la acuarela, pero seca muy rápido, por lo que fundir colores resulta basta engorroso. La pintura acrílica puede aplicarse muy aguada, como si se tratara de una acuarela, aunque su textura es más espesa, si bien no tanto como el óleo. Estas propiedades hacen del acrílico una pintura muy versátil y maleable, que permite fundidos, solapàmientos y todo tipo de mezclas, sobre el mismo cuadro o en la paleta…

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Una vez aclarado esto, te explicamos los 4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer:

  1. Las mezclas en la paleta: El hecho de mezclar colores en la paleta es una manera muy válida de obtener ciertos tonos que luego se podrán aplicar sobre el trabajo de manera muy determinada. Se trata de un proceso muy adecuado para trabajar, por ejemplo, con pintura plana en áreas rellenas de color que no necesitan ser fundidas ni degradadas. Las mezclas en la paleta permiten estudiar el cromatismo del nuevo tono y constatar los colores que intervienen.
  2. Las mezclas en el cuadro: La versatilidad de la pintura acrílica permite fundir colores y mezclarlos sobre el propio cuadro, lo cual es posible únicamente cuando la pintura se encuentra tierna, ya que, de lo contrario, se tratará de empastes y superposiciones de color. Las mezclas sobre el soporte exigen una buena cantidad de pintura para que los colores se integren, aunque mi recomendación es que añadas un poco de retardador de secado en cada color y después para fundir colores emplees un pincel seco.
  3. Humedecer el color en el cuadro: La pintura acrílica, es una pintura al agua como la acuarela o el guache. El acrílico una vez seco no se puede modificar solo con agua, sin embargo se vuelve tierna si se le añade un poco de alcohol y puede modificarse parcialmente fundiendo con un nuevo color. Desde mi punto de vista esto no es muy recomendable, es mejor colocar otra capa pictórica con retardador y fundir colores sobre ella.
  4. Rehacer las formas: La textura del acrílico, bastante espesa, permite correcciones y retoques muy difíciles en técnicas similares como la acuarela. El acrílico se puede trabajar de manera mixta, por empaste o por transparencia. Ésta no permite corregir errores, pues todos los trazos quedan reflejados en el papel. El empaste, sin embargo, es un método más cómodo, ya que permite superponer unos colores sobre otros y, de esta manera, corregir las siluetas o los tonos con la incorporación de nuevos trazos.

Hasta aquí nuestros 4 pasos para fundir colores acrílicos que debes conocer. Esperamos haberte sido de ayuda como siempre, estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de dibujo y pintura en Madrid.

4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer.

En dibujo existen diferentes procesos que permiten acercar el objeto de la representación al espacio que éste ocupará en el papel. En el dibujo esquemático la corrección es constante desde el primer trazo, p correcta del dibujoero esta corrección es precisamente lo que define al ajuste del trazo y la comparación con las demás líneas del dibujo. Con la práctica, la corrección será cada vez más precisa desde los primeros pasos del esquema inicial.

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Ahora si, te presentamos los 4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer:

  1. El medio y su trazo: La elaboración del esquema es un paso importante a seguir para la construcción correcta del dibujo. Estas nociones elementales son imprescindibles para cualquier dibujo que se realice, por complejo que sea y por mucho dominio que uno tenga. En el esquema inicial intervienen varios factores técnicos que, a medida que se trabaje sobre ellos, se harán más imperceptibles y naturales. En según el tipo de dibujo, el esquema puede construir el objeto definitivo. El esquema es un dibujo rápido, que, ya desde el principio, ayudará a comprender el modelo. Cualquier medio puede ser válido. EL carboncillo da un trazo contrastado, muy maleable, ya que su cuerpo facilita su adhesión sobre el papel (casi sobre cualquier papel). Otro medio adecuado para el esquema es la sanguina. Más compacta que el carboncillo, se utiliza de manera similar. Su trazo puede ser más definido y duro, y se suele usar combinada con otros procedimientos de dibujo como el carboncillo o la creta blanca. Un trazo se combina con el gesto, característica que dará lugar a una viveza muy particular. Para un dibujo esquemático pueden utilizarse diferentes procedimientos y aportar al dibujo y aportar al dibujo diversas calidades de tono, color y trazo. La calidad del trazo puede constituir una guía muy útil de cara al aspecto final que vaya a tener nuestro dibujo.
  2. La dureza y la presión: En la realización de un dibujo esquemático es importante conocer el medio con que se está trabajando. A medida que se practica, uno va adquiriendo ciertas preferencias, pero para ello hay que investigar y probar. No todos los medios ofrecen un mismo resultado, puesto que, mientras algunos son duros y limpios, otros son blandos y manipulables. Los lápices más adecuados para el sombreado son los que tienen impresa una B. Cuanto más elevado sea el número que acompaña a la B, su huella será más blanda y grasa, y la variación de tonos será más rica. La dureza del lápiz determina, además el oscuro máximo, su capacidad gestual. Para ciertos trabajos, será importante que el lápiz tenga una cierta maleabilidad. En otros casos el dibujo puede requerir una cierta dureza. Los lápices duros dan un trazo bien perfilado y limpio. Su presión sobre el papel lo llega a marcar definitivamente, de tal manera que, si se tiene que corregir, la marca del trazo en el papel permanecerá. Cuando se dibuja con estos lápices conviene no presionar mucho el trazo, pues su máximo oscuro ya está preestablecido. Estos lápices llevan impresa la letra H, cuanto más alto sea el número, más duro va a ser el trazo.
  3. Formas del trazo en el dibujo esquemático: Cuando se empieza a dibujar, es preciso que el trazo se realice adecuadamente. El esquema inicial será acertado si parte de una buena base o estructura lineal. La mejor manera de entender eso es practicando. Cuando el esquema ha adquirido la forma adecuada, se atacarán los contrastes necesarios. En esa fase no se concluyen los detalles; el esquema es algo elemental y sintético, que se debe conservar en todo el proceso. Según el medio que se emplee, el aspecto final del trabajo será uno u otro.
  4. El carácter del trazo: El trazo es un extensión de la intención artística, así como la prolongación del pensamiento. Hay trazos que son susurros y otros que se pueden convertir en gritos o poesía. El carácter del trazo es lo que permite expresarse a través del dibujo. A lo cual ayudará el medio que se emplee.; es importante acertar en la elección del medio adecuado. Cada medio tiene su carácter, y si se le suma la vida que le da quien lo emplea, permite resultados sorprendentes. Incluso el medio más sencillo ofrece muchas posibilidades. El trazo es la expresión más elemental del medio y de él dependen en gran medida no sólo el resultado del dibujo esquemático sino también del dibujo definitivo. Un artista siempre debe pensar que su medio de expresión es el trazo y todo aquello que le acompaña: suavidad, dureza, gesto, matiz, etc. EL trazo es la quinta esencia de todo dibujo.

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Hasta aquí los 4 pasos para realizar un dibujo esquemático que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo y te recomendamos que leas otros artículo que escribimos hace tiempo titulado “10 consejos para dibujar bien“.

 

4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer.

Dejando a un lado las posibilidades acuarelables de las pinturas acrílicas, éstas pueden ser muy densas y permiten ser trabajadas con total opacidad. Es muy frecuente aplicar color con acrílicos en ilustraciones y dibujos con pintura plana y con tonos lisos realizados con una densidad media de color. Este espesor permite superponer (al aplicar color) unos tonos sobre otros, ya que si éstos son suficientemente densos, son muy opacos y cubrientes. Su textura, en cambio, no permite crear relieves, como ocurre con el óleo.

Aplicar color

Una vez aclarado todo esto, vamos con los 4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer:

  1. Colores claros y oscuros: La capacidad de cubrimiento del acrílico permite trabajar claro sobre oscuro, algo que por ejemplo, no es posible con la acuarela. Éste es un punto a favor de las pinturas acrílicas ya que, gracias a ello, los trabajos pueden ir progresando mediante la superposición de capas nuevas al aplicar color hasta lograr el tono deseado. El aspecto del acrílico cambia un poco al secar, se oscurece, lo cual obliga a esperar al secado de una capa para aplicar una nueva y ver cómo actúan los tonos al solaparse.
  2. Definición de las formas: Los colores acrílicos son muy maleables y con un pincel adecuado pueden resolverse con ellos hasta los más mínimos detalles. Los pinceles para acuarela son demasiado blandos para aplicar color con acrílicos, a mi me gustan más los de cerda, aunque los de pelo sintético, también son válidos y ofrecen una fluidez total para extender la pintura. Con este tipo de pinceles y un grosor muy fino se pueden definir todo tipo de formas, incluso las más lineales.
  3. Rehacer y corregir: La capacidad cubriente del acrílico supone una ventaja a la hora de corregir errores, si no se consigue el color adecuado o la silueta correcta. Es lo mismo que sucede con el óleo. En acrílico es frecuente manchar las formas buscando el tono apropiado y el volumen sin tener en cuenta el contorno. Los límites pueden establecerse en fases posteriores al proceso, tapando los trazos que sobresalen con colores nuevos.
  4. El acabado con acrílicos: El secado de las pinturas acrílicas es relativamente rápido, lo cual posibilita una pintura fresca y espontánea, definida por el trazo suelto y las pinceladas solapadas. Otros medios más grasos como el óleo, requieren una elaboración más lenta y minuciosa a la hora de aplicar color por ejemplo, el acrílico, en cambio, ofrece mucha riqueza en su tratamiento, que se caracteriza por la combinación de trazos aguados con solapamientos y zonas empastadas.

Hasta aquí este breve articulo sobre los 4 pasos para aplicar color con acrílicos que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestros cursos de dibujo y pintura en Madrid.

4 recursos sobre el collage que debes conocer.

El collage es una variedad relativamente moderna dentro de las artes plásticas. Hay que remontarse al vanguardismo para encontrar los primeros indicios de una técnica basada en la superposición de imágenes y materiales distintos para lograr texturas y efectos de relieve. La finalidad de esta técnica es variable según se utilicen materiales distintos y con finalidad estética o bien imágenes concretas con una intención conceptual y buscando un determinado significado.

Collage de la artista Eugenia Conde (antigua alumna de nuestras clases).

Una vez aclarado esto pasamos a mostrarte estos 4 recursos sobre el collage que debes conocer:

  1. Texturas: Cuando se trabaja el collage como medio de expresión artística, el pintor debe pensar en un determinado tipo de papeles para que, utilizando las texturas de cada uno, se pueda lograr el efecto deseado. La rugosidad y la transparencia de cada papel es muy variable, y a ello se suma el efecto del color. Para el collage, siempre es conveniente tener a mano revistas con imágenes fotográficas. Una vez se ha elegido la composición que se va a realizar, se deben trabajar las siluetas de los elementos , recortándolas en el papel elegido por sus características de textura y color. Se debe tener la imagen previa bien clara, puesto que así los contrastes entre tonos quedarán evidentes y podrá elegirse acertadamente cada papel de acuerdo con el lugar que ocupe en el cuadro. Para fijar el papel en el soporte lo mejor es el fijador en spray, es limpio y crea una capa muy fina sin alterar la ondulación del papel que se pega. Los pegamentos en barra o en tubo son muy agresivos o espesos y pueden alterar el efecto. Otra buena alternativa es la goma de caucho que se aplica con una pequeña brocha: adhiere el papel sin dañarlo y permite despegarlo y modificar su posición.
  2. Papeles pintados: Además de una combinación de texturas, los collages son una sinfonía de tonos. Para ello se puede trabajar con pintura sobre la composición de papeles elegidos tratada como una técnica mixta. Aunque los trabajos con técnicas mixtas persiguen finalidades estéticas basadas en el contraste de medios, se rigen por las mismas leyes de luz, sombra y composición que las obras con técnicas convencionales.
  3. Las formas y los retoques: Los medios y recursos del collage son prácticamente inagotables,pues las características propias de los papeles crean efectos propios de la pintura. Así, un papel vegetal sobre otro cualquiera da lugar a un efecto de transparencia de claro sobre oscuro, propio de la pintura por veladuras. Los acabados a pincel suelen reservarse para los últimos retoques para trabajar los detalles sobre las bases ya establecidas. La elección del papel es fundamental para crear efectos.
  4. La pintura: La pintura es un elemento importante del collage, ya que con ella se realzan y se definen formas. En el collage, la pintura puede trabajarse como elemento adicional y superfluo o como una base para establecer superposiciones. Hay, pues, dos maneras distintas de combinar el papel y la pintura: en algunas destaca la textura creada por el papel, en otras domina el efecto de ésta como base de color y de composición para añadir detalles.

Recuerda, los materiales que te harán falta para elaborar un buen collage son: papeles variados y de varios colores, tijeras, fijador en spray, pintura acrílicas o guache y pinceles. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo con este artículo sobre la técnica del collage. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

4 pasos para pintar texturas que debes conocer.

Hablar de texturas es referirse a todo un mundo de formas y de color. Sea cual sea, cada elemento tiene unas características propias e inconfundibles. Para el pintor realista, el hecho de plasmar las propiedades de las superficies de los objetos es el objetivo primordial de su pintura.

Pues aclarado a lo que nos referimos con texturas vamos a ver esos 4 pasos para pintar texturas que debes conocer:

  1. La luz: La luz es la responsable de cualquier textura puesto que sin ella no son posibles ni formas ni colores. Siempre se tiene que determinar el punto de luz máxima, que no siempre corresponderá al blanco. En referencia a él deberá establecerse el resto de luces. En la pintura al óleo, el color blanco es intenso, tiene densidad y matiza decisivamente el resto de tonos. Al mezclar un color con blanco, se tornará claro y luminoso, formando parte de las zonas resaltadas del volumen.
  2. El sentido de la pincelada: El pincel es la herramienta más valiosa que utiliza el pintor para realizar sus obras. Con él se consigue tanto modelar como cubrir superficies. La pincelada da volumen a las formas atendiendo siempre a la dirección del pincel y al color que se quiera dar a esas. El tipo de pincelada dependerá del medio utilizado. La pincelada seca deja rastro sobre la superficie, mientras que la húmeda hace deslizar la pintura sobre el soporte pudiendo así obtener algunos efectos como fundidos.
  3. Los metales: El color de los metales se logra siempre mediante el contraste entre tonos claros y oscuros. Estos tonos dan lugar a una formas que normalmente mantienen una armonía con su contorno y su volumen. Los metales presentan una serie de contrastes, no sólo de claroscuro, también se producen contactos de tonos complementarios, por lo que en los dorados siempre se encuentran incidencias de azules, o en los cromados, de amarillos, etc.
  4. El cristal: Por su transparencia, los objetos de cristal constituyen un ejemplo excelente para entender las sutilezas del color y los brillos. La transparencia del cristal hace que éste no tenga un color propio. Sus formas se definen por los cambios de matices producidos por el color del fondo o los objetos que le rodean. EN cuanto a los brillos, son definitorios de la forma y la luz, por cuanto se trata de superficies muy lisas que la reflejan en todo momento.

Después de este breve artículo sobre pintar texturas, esperamos como siempre haberte enseñado algo nuevo sobre este maravilloso campo que es la pintura. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.