20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

En este artículo te damos 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

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Pez, David Lobenberg.

Todo hace suponer que la pintura a la acuarela siguió a la invención del papel en China (atribuida al eunuco Cai Lun, consejero del emperador He de la dinastía Han Oriental), en el s.II d.C. Ya en el siglo XIII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco (pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo). Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514. El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a Van DyckThomas GainsboroughJohn ConstablePaul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada GuilabertCeferino OlivéFrancisco Bonnín GuerínJosé Comas Quesada o Alberto Manrique. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada «Sumi-e». En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

Pues vamos al grano con nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer.

  1. Pintar animales: Pintar animales con acuarela se considera un trabajo de cierta dificultad. Al tratarse de una figura realista no se recomienda para principiantes sino para pintores con algo de experiencia.
  2. El pelo de los animales: El pelo del animal es una de las cuestiones más difíciles de pintar. Aquí juega un papel muy importante la textura. De hecho, el pelo de los animales es una de las texturas de mayor dificultad, pues debe mostrar el sentido del pelo, marcar el cuerpo y la musculatura del animal, así como las distintas tonalidades que adopta el pelambre frente a la luz.
  3. El proceso para el pelo de los animales: El proceso de pintado del pelo de los animales se realiza por capas, para representar las sucesivas hileras de pelo que el animal posee. Debe utilizarse un pincel especial para este trabajo.
  4. El primer color para los animales: El primer paso es dar color de fondo a la piel. Este puede variar de acuerdo a cada parte del animal.
  5. A tener en cuenta para el pelo: Es importante tener en cuenta el sentido de crecimiento del pelo, desde la raíz hacia las puntas y su largo. Todo esto determinará el largo de la pincelada.
  6. Pintar la musculatura de los animales: La musculatura es otro factor de vital importancia a tener en cuenta. Esto se debe a que produce movimientos en el pelo y efectos de luces y sombras sobre el mismo.
  7. Los tonos para el pelo de los animales: Es aconsejable utilizar varios tonos de cada color para crear un pelaje más realista. Al momento de dar vida a las sombras, se irán agregando detalles en tonos más oscuros.
  8. El inicio del pelo de los animales: Se aconseja comenzar a pintar el pelaje desde las patas y la cola, hacia arriba, capa por capa, de modo que se superpongan y la capa final, la del lomo, será la que esté más afuera.
  9. Naturaleza muerta de los animales: Los animales son considerados parte del universo de la naturaleza muerta. Sin embargo, resulta ser mucho mayor el grado de dificultad de otras naturalezas muertas.
  10. Las zonas para el pelo de los animales: En las zonas donde se marca la musculatura, se comenzará la hilera de pelo en el nacimiento del músculo para dejarlo en evidencia.
  11. Las pinceladas para el pelo de los animales: Las pinceladas siempre deben ser en la dirección del crecimiento para que se afinen hacia la punta del pelo.
  12. La composición de los animales: A la hora de pintar animales con acuarela la composición es vital. Por ejemplo si se tratará de un pájaro será necesario saber si está volando o si estará sobre una rama. En el caso de un animal doméstico habrá que ver si se encontrará en alguna parte del hogar o en el exterior. De esta manera se podrán crear interesantes juegos de colores, contrastes etc.
  13. Empezar por el fondo de los animales: Lo más recomendable es comenzar por el fondo. Así, por ejemplo si se tratará de un pájaro en vuelo, primero habrá que pintar el cielo. Humedecer el pincel, aplicar pintura azul, comenzar a limpiarlo a través del papel y dejar que el agua natural se disperse por el papel. Así se obtendrá un cielo lavado al que se podrá añadir más azul y luego nubes.
  14. Pintar pájaros: A la hora de pintar pájaros se recomienda comenzar por la cabeza. Luego habrá que establecer la forma del cuerpo.
  15. Tonos para pintar pájaros: Utilizar diferentes tonos de color ayudará a resaltar las texturas de las plumas del ave. Esto puede lograrse a través del uso de diferentes tonos de color o mediante la aplicación de trazos de pintura color negro con un pincel muy pequeño para llevar a cabo el aspecto de capas de las plumas.
  16. Mejorar las partes del pájaro: Una buena forma de mejorar la calidad de las plumas es mojando un pincel y difuminando la acuarela en cada pluma para crear una graduación de color en las plumas que se destacan sobre las capas creadas por las líneas finas de negro.
  17. Pintar partes del pez: Si se quieren pintar escamas de peces se recomienda elegir un tono claro para los espacios de mayor tamaño y otro más oscuro para los detalles. De esta forma se podrá otorgar una mejor textura a la obra.
  18. Pintar el fondo del pez. Se sugiere que en la pintura de peces el fondo sea más claro que la figura. De esta forma se creará un buen contraste en el que se destacará el animal y sus detalles.
  19. Perspectiva para el pez: Si la pintura del pez será vista desde una perspectiva superior, tomarán gran importancia algunos aspectos como los reflejos en el lomo del pez o sus ojos.
  20. El agua para el pez: El agua es el segundo elemento en la escala de importancia en la pintura de un pez. Es relevante jugar con sus diferentes matices. Luces, sombras, movimientos y colores juegan un papel primordial al momento de crear una obra capaz de transmitir sensaciones.

Hasta aquí nuestros 20 consejos para pintar animales con acuarela que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

20 consejos para pintar retratos con acuarela que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 20 consejos para pintar con retratos con acuarela que debes conocer.

"Niña", David Lobenberg. pintar retratos con acuarela
  1. El inicio para pintar retratos: La composición del retrato es esencial. Cuando el retrato es el centro de importancia básico que ningún otro punto de la obra rivalice, y para ello se pueden seguir los conceptos básicos de la regla de los tercios o la de sección áurea.
  2. Las proporciones para pintar retratos con acuarela: Respetar las proporciones es esencial. Es normal que el pintor principiante amplíe ciertos elementos como por ejemplo los ojos o la boca y reduzca otros como las orejas, cuello, frente o cabello.
  3. Los modelos para pintar retratos: Si se trabaja con modelos, se aconseja representarlo hasta los hombros. De esta manera se podrá apreciar mejor la personalidad y actitud del retratado.
  4. Un punto importante para los retratos: La mirada es un punto importante en cualquier retrato. En un retrato de perfil, o de tres cuartos, es preciso dejar la mayor parte del «aire» en el lado hacia donde mira la persona, cuidando así mismo de dejar suficiente espacio por encima de la cabeza, de este modo, la composición de torna equilibrada.
  5. Más realismo para los retratos: Un buen retrato suaviza el contorno de las sombras para darles más realismo. Con sólo aplicar el color y pasar el pincel limpio pero aún húmedo sobre los bordes de la zona en cuestión se consigue el efecto.
  6. La boca en los retratos: Para pintar la boca se deben aplicar pinceladas más o menos diluidas en función de la reflexión de la luz. Para dar una impresión de brillo, dejar una zona sin pintar en el centro del labio inferior.
  7. Los ojos en los retratos: Si se quiere otorgar redondez a los ojos hay que resaltar el párpado superior y colocar una sombra sutil en el párpado inferior.
  8. Partes de los ojos en los retratos: Definir el párpado inferior es de vital importancia. Esto ayudará a que el ojo se vea bien ubicado y no «flote».
  9. Ojos expresivos en los retratos: Para crear ojos expresivos hay que definir muy bien la línea en la que el párpado superior se pliega cuando el ojo está abierto.
  10. Luces y sombras en los retratos: Observar y plasmar con detalle y dedicación las figuras, luces y sombras dentro del ojo. Este truco le brindará mucha más profundidad en la mirada.
  11. La piel en los retratos: Las mezclas de colores para la piel en el retrato pueden y deben variar de artista en artista y de obra en obra.
  12. Tonos en la frente de los retratos: Hay algunos detalles que suelen permanecer invariables en los distintos retratos como por ejemplo que en la frente predominan los tonos más ocres o que en las zonas oculares suelen aparecer tonos fríos ligados a los violetas.
  13. Las mejillas en los retratos: Otras constantes en los retratos se pueden ver en las zonas de las mejillas (en general asociadas a los rosados), en la nariz (donde suelen incrementarse los rojos o naranjas) o en la mandíbula en la que suelen aparecer tonos grises para las mujeres y verdes para los hombres.
  14. La carne en los retratos: El color carne se consigue a base de ir intercambiando tonos cálidos y fríos. Un buen método para no olvidar esto es trabajar todo el rostro con sólo colores cálidos y tras ello trabajar sólo con fríos en sólo las zonas donde se supone que deberían estar.
  15. El blanco en los retratos: No dejar nunca el blanco del papel solo para los reflejos o puntos máximos de luz. Se deben añadir otros tonos como el ocre amarillo, o amarillo, o cualquier otro color (normalmente el color de la luz que ilumina el rostro) sin importar que sea cálido o frío.
  16. Tonos en la piel de los retratos: Los tonos de la piel no varían en función de que el retrato lo hagas más realista o más impresionista, son los mismos, la diferencia consiste sólo en el trato de la pincelada más o menos difuminada.
  17. Claros/oscuros en los retratos: Dominar la técnica del claro-oscuro ayudará a conseguir los colores exactos de la piel. En otras palabras, lo importante es conseguir el volumen propio de un rostro y no tanto el color.
  18. Primero los claros al pintar retratos con acuarela: Iniciar los retratos con los tonos claros y proceder a oscurecer de forma progresiva.
  19. El fondo en los retratos: Hay que tener en cuenta que las tonalidades o colores del fondo suelen reflejarse en los extremos de las mejillas.
  20. La ropa en los retratos: El color de la ropa tiene su reflejo en el mentón y en la zona inferior de la mandíbula.
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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas que debes conocer. Los materiales son una parte muy importante al momento de pintar a la acuarela. En este artículo vamos a darte algunas claves sobre los pigmentos de las acuarelas. Vamos allá.

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12 puntos sobre los pigmentos de las acuarelas.

  1. Acuarelas, una aproximación química. El principal atractivo de la pintura a la acuarela se basa en la transparencia de sus colores, hecho que la convierte en una pintura fresca, luminosa y espontánea. Esa forma de pintar ha sido ideada para ser trabajada con agua y aplicada sobre un soporte de papel. De todos modos, hoy la acuarela se aplica a otros soportes como cartón o arcilla entre otros.
  2. Composición de la acuarela: La pintura a la acuarela se encuentra compuesta de pigmentos naturales molidos, sustancias aglutinantes como la goma arábiga, que la convierten en una masa.
  3. Pigmentos: Los pigmentos son pequeñas partículas que dan color. Cada uno de ellos tiene un origen específico por lo cual es lógico que reaccionen de manera diferente. Los hay con mayor o menos poder de tinción, algunos son de por sí transparentes y otros son ligeramente opacos. Es justamente por eso que es necesario prestar mucha atención a la hora de recomendar combinaciones de colores con una composición.
  4. Pigmentos inorgánicos: Se trata de pigmentos derivados de compuestos que nunca fueron parte de la materia viva y que no contienen carbón. Este grupo incluye los cadmios, el cobalto, el ultramar, los tierra y una amplia gama de otros colores tradicionales.
  5. Pigmentos orgánicos: Son pigmentos derivados de sustancias vivas o de sustancias que en algún momento fueron parte de algo vivo. Dentro de este grupo se incluyen numerosos pigmentos modernos conocidos por su claridad y transparencia. Algunos de ellos ftalocianina, quinacridona, perileno y bencimidazolona. Estos pigmentos contienen carbón.
  6. Pigmentos únicos. Todos los pigmentos difieren en forma, tamaño, color y «personalidad». Los pigmentos de las acuarelas especialmente, son la caja de herramientas o los elementos a través de los que «dicen» los artistas, los elementos que los ayudan a manipular la obra y alterar su expresión. Es por esto que muchas marcas tratan de crear formulaciones con pigmentos únicos. Las formulaciones con pigmentos únicos tienen tonos más puros y colores más limpios que las mezclas de pigmentos, lo que facilita la realización de un mayor número de mezclas cromáticas y retrasa la aparición de los efectos de emborronado.
  7. Pigmentos de las acuarelas mixtos. Aunque los pigmentos mixtos pierden inevitablemente algo de intensidad cromática o viveza, existen numerosas razones por las que marcas como Windsor & Newton todavía los utilizan en las formulaciones. En algunos casos, es posible lograr un nivel de permanencia superior con un pigmento mixto.
  8. Pigmentos tierra naturales. Los pigmentos tierra son los materiales colorantes más antiguos del mundo. En las cuevas de Altamira y Las-caux aún se encuentran obras de arte de hace al menos 15.000 que los han utilizado. Las tierras naturales son esenciales debido a su escaso poder colorante y sus tonos naturales. Además son esenciales porque no se pueden obtener a partir de mezclas de tonos negros o blancos. Los tierras son depósitos de color que suelen haber adquirido su tono por haber estado en contacto con hierro durante millones de años. Son algunos de los pigmentos más inertes y permanentes que se pueden encontrar. Los pigmentos tierra se extraen del suelo y se limpian y lavan posteriormente.
  9. Pigmentos tierra sintéticos. Los pigmentos tierra sintéticos representan al grupo de pigmentos que han sustituido a los pigmentos tierra naturales dada su falta. Se trata de óxidos de hierro sintéticos. Estos últimos son atractivos por sí mismos dado que su carácter tiende a ser bastante resistente y opaco. Los primeros datan de mediados del siglo XIX. Aunque los óxidos de hierro sintéticos poseen buenas características propias, no reemplazan totalmente a los pigmentos tierra. Por lo tanto, es recomendable que el artista cuente con pigmentos tierra naturales y tierra sintéticos.
  10. Pigmentos cadmio. Los colores que contienen pigmentos de cadmio constituyen una importante gama cromática en la paleta del artista. Sus singulares tonos, son buena cobertura y su escaso poder colorante son cualidades que ningún otro pigmento disponible iguala. Además cuentan con una excelente solidez a la luz y son muy opacos. Se trata de los rojos y amarillos más populares de la paleta de los artistas.
  11. Pigmentos alternativos. Ha habido preocupación por los compuestos de cadmio utilizados en otras industrias y por su impacto en el medio ambiente. Tomando esto en consideración, algunos artistas que no dependen da las singulares características de los cadmios pueden optar por usar alternativas. No hay sustitutos directos de estos tonos, pero existen alternativas que poseen algunos de sus atributos.
  12. Quinocridonas. Son un grupo de pigmentos muy importante originado en la década de 1.950. Las primeras fueron introducidas por Windsor & Newton, como el Rosa permanente y el Magenta permanente. Con la gran transparencia y solidez a la luz de sus tonos, estos colores transformaron la sección del rosa y del malva de la paleta, una zona que siempre había estado signada por su escasa solidez a la luz. Con el tiempo fue posible disponer de muchos otros tonos de esta gama.

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5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 5 puntos básicos sobre las acuarelas que debes conocer.

  1. ¿Qué es la acuarela?: El término «acuarela», etimológicamente, deriva del latín «aqua». El diccionario define este vocablo como «pintura realizada con colores diluidos en agua». Esta definición no resulta para nada casual ni azarosa si se considera que el agua es el medio a través del cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos y aglutinados con otras sustancias como por ejemplo la goma de Senegal o goma arábiga, por mencionar algunas. Las personas muy puristas de la técnica suelen añadir otros componentes a las acuarelas como glicerina, miel, hiel de vaca o algún agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio. A estas disoluciones se las conoce como tintas y los baños con los que se baña el papel usando el pincel u otro medio, se llaman aguadas.
  2. La importancia del color en la acuarela: Los colores de las acuarelas se forman a través de un compuesto de pigmentos secos, en polvo, mezclados con goma arábiga y solubles en agua. En la práctica, los colores ya preparados se disuelven, en el mejor de los casos, en agua destilada y se aplican al papel por medio de un pincel. La característica principal s elos trabajos en acuarela es la transparencia que generan estos pigmentos diluidos. Desde finales del siglo XIX, la pintura a la acuarela ha gozado de una gran popularidad. Y fue justamente esta enorme popularidad la causante de cierto desprestigio de la técnica ya que, el termino «pintar a la acuarela» se asociaba primeramente a los más altos estratos de la sociedad que transformaban su afición por la pintura en un pasatiempo ameno haciendo uso de las acuarelas como medio de expresión, ejecutando de forma repetitiva paisajes delicados donde se utilizaban mayormente los tonos pastel.
  3. ¿Por qué el agua es protagonista de esta técnica? El agua es la protagonista de la pintura a la acuarela y la causante de su típica transparencia y luminosidad, dos características imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En la pintura a la acuarela interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez evaporada el agua, queda depositado en una capa diáfana Esto es justamente lo que permite que el color blanco del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia propia de una buena acuarela.
  4. ¿Por qué es la técnica más admirada? Es interesante mencionar la transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica. Se trata del paso de la presentación de un aspecto muy vivo, cuando están húmedas, a una presentación atenuada, clara una vez que la obra está seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con la que se haya cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Es justamente por eso que se debe tener en cuenta este proceso durante la realización del trabajo para poder conseguir el aspecto deseado. A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, es decir un modo que «respeta» las normas establecidas en tiempos de antaño, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan diversas técnicas en la misma obra.
  5. ¿Por qué nos gusta pintar con acuarelas? La técnica de la acuarela es la más seguida por los que tienen la intención de empezar a introducirse en el bello arte de la pintura. Aunque para la mayoría de expertos es la técnica más compleja, es precisamente este y otros aspectos la que la hace más interesante. Con acuarelas el artista puede pintar obras de colores muy vivos. Desarrollar paisajes y marinas con esta técnica, es la mejor manera para la representación del agua. Debido a su condición acuosa, la fusión entre los distintos colores termina dando a la obra una belleza que no se consigue con las otras técnicas. Su luz, cuando el manejo es ya avanzado termina siendo radiante y potente en cualquier práctica. El soporte donde se pinta con la acuarela también le proporciona al artista una ventaja sin igual. Normalmente se trabaja sobre papeles con grano semigrueso o grueso, lo que le aporta a la obra una gran plasticidad.
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12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

En este artículo te damos 12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer. En primer lugar dos trucos rápidos para aprender a dibujar árboles es aceptar que no hay trucos rápidos para eso y aprender a dibujarlos uno por uno.

Registro de colores.

Siempre que dibujes un árbol que no conozcas, estudia todos los colores que veas y cuéntalos. En tu cuaderno de bocetos, crea un diagrama de color del árbol y especifica el lugar y la época del año.

deGranero dibujar árboles y vegetación

12 consejos para dibujar árboles y vegetación que debes conocer.

  1. El lugar, el clima y la estación afectan al color: Hay muchas cosas que influyen en la paleta de color de los árboles, entre ellas el clima y la estación. La ubicación también es fundamental para la percepción del color de los árboles: las cualidades y el carácter de la luz del lugar donde trabajamos alteran la paleta de color de manera fundamental.
  2. Estudia los árboles: Para dibujar los árboles con eficacia hay que observarlos y conocerlos. Si te gustan mucho los árboles y quieres aprender a dibujarlos, te recomiendo que dediques algo de tiempo a mirarlos y a aprender acerca de ellos. Fíjate en su constitución y su estructura; por ejemplo estudia el modo en que se articulan las ramas a partir del tronco y averigua como crecen y cambian a lo largo de las estaciones. Estudia su apariencia desde una serie de perspectivas distintas.
  3. Dibuja árboles y repítelos en todas las estaciones. La forma de los árboles se reconoce mejor en invierno, cuando han perdido las hojas y su estructura subyacente es visible. Dibuja el patrón de las ramas y la forma en que éstas irradian desde el tronco del árbol.
  4. Dibuja árboles a distancia: Para capturar la forma de un árbol no conocido prueba a dibujarlo a distancia. Los parques y el campo son buenos lugares para ello.
  5. Deja huecos: Todos los árboles tienen vacíos entre el follaje a través de los cuales se puede ver el cielo. Para no olvidarte de incluirlos en tus dibujos, imagínatelos como agujeros para que los pájaros pasen a través de ellos.
  6. Dibujo de troncos: Los troncos y las ramas son formas cilíndricas y alargadas. El truco para que el tronco parezca cilíndrico es emplear tramas de volumen laterales, lo mismo que se hace para destacar la forma de una pierna. Las palmeras ofrecen troncos fáciles de dibujar.
  7. Dibuja el jardín desde la ventana: SI tienes jardín, dibújalo al menos una vez al mes; es un modo excelente de mejorar tu técnica.
  8. Dibuja el jardín: El jardín es un lugar tranquilo para enfrentarte al dibujo al aire libre. Lo primero que notarás es que la luz cambia constantemente y las sombras se mueven al pasar el tiempo. Siéntate en un punto y dibuja los cambios de luz durante el día. Observa también lo oscuras que son las sombras en los días soleados.
  9. Dibuja jardines durante las estaciones: Es bueno sentarse en el mismo sitio y hacer el mismo boceto para registrar los cambios. Los macizos de flores parecen difíciles, hasta que empiezas a ver las flores como formas, masas y distintos tipos de marcas.
  10. Cualquier verde entona todos los verdes: Un hecho interesante es que los verdes nunca desentonan. Mezclar los verdes siempre los hace más atractivos. Dicho esto, se requiere práctica para llegar a mezclar y dibujar todos los verdes visibles. Los verdes oscuros son especialmente complicados.
  11. Utiliza oscuros intensos y coloridos: A menudo encontramos zonas de intensa oscuridad en los jardines. Usa colores complementarios, como carmesí y verde, para crear colores oscuros profundos, y evita los agujeros negros en tus dibujos.
  12. Dibuja esculturas de tejo: Las esculturas de los jardines pueden ser naturales o artificiales, y las esculturas de tejo pueden ser ambas cosas. Estas esculturas son una práctica excelente para dibujar formas tridimensionales dentro de paisajes.
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12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 13 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer. Los artistas botánicos suelen dibujar del natural y no de fotografías. Normalmente empiezan la observación en el terreno y después continúan dibujando en el estudio a partir de especímenes vivos. También dibujan las plantas a lo largo de las estaciones en cada etapa de crecimiento y decadencia.

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12 consejos para dibujar plantas y flores que debes conocer.

  1. Cuaderno de bocetos de naturaleza: Un cuaderno de bocetos de campo es un elemento muy valioso para las personas interesadas en dibujar plantas y flores. Resulta especialmente útil si la planta tiene que permanecer en su hábitat y hay que dibujarla in situ. Utiliza el cuaderno de bocetos para anotar medidas o el registro de las pautas de crecimiento con el tiempo. Puedes también tomar notas sobre el hábitat, registrar los detalles de estructuras no contenidas en las fotos de referencia o realizar estudios de color y anotaciones sobre los colores observados.
  2. Referencias mixtas de color: Antes de empezar a dibujar, identifica los colores y mezclas de colores relevantes de cada planta, flor y hoja. Un conjunto de mezclas de colores y tarjetas de sombreado nos proporcionará el color correcto y podemos usarlo sobre el terreno.
  3. Primavera: dibuja la vida nueva. Concéntrate en las estructuras de nuevo crecimiento, los brotes y capullos de flores y los verdes peculiares y frescos de las hojas nuevas.
  4. Verano: dibuja la floración. El desafío del verano es la abundancia de temas, tanto de flores como de frutos. Haz series temáticas de dibujos sobre colores, familias de plantas o hábitats.
  5. Invierno: la vida en una estación dormida. En invierno, los jardines tienen menos que ofrecer en cuanto a flores, pero presentan otros asuntos interesantes como, por ejemplo, piñas, líquenes, verduras de invierno y las estructuras de los árboles sin hojas.
  6. Otoño: frutos, hojas y semillas: Con el otoño llegan los colores cambiantes de las hojas y la producción de nueces, semillas frutos y tubérculos.
  7. Planifica y establece prioridades: Puede parecer obvio, pero para dibujar del natural es esencial establecer prioridades. Toma fotos de referencia del lugar y prepara estudios de color. Empieza por las partes de la planta que probablemente vayan a marchitarse o morir primero.
  8. Mantén frescas las plantas y las flores a dibujar: Conserva el material fresco para detener el desarrollo y disponer de más tiempo para dibujar el asunto. Puedes colocarlas en el frigorífico por la noche. Utiliza espuma floral o envuelve los tallos en un paño o en un papel húmedo para mantener la humedad del material. Usa bolsas de plástico con cierre para guardar especímenes encontrados en el campo.
  9. Dispón bien las plantas para prolongar su vida.
  10. Reglas estrictas de sombreado: La ilustración botánica prescinde de los detalles de contexto y de las sombras fuera de la forma llena de la flor o planta.
  11. Usa papel vegetal para desarrollar la composición: Decide que componentes de la planta quieres incluir; después, dibuja cada uno de ellos en hojas de papel vegetal separadas. Superpón y reposiciona los calcos en una superficie plana hasta que encuentres la composición que prefieras. Finalmente, pégalos con cinta de baja adherencia y haz un calco modelo para realizar la pieza final.
  12. Mantén limpio el papel: Protege las partes de l dibujo ya terminadas. Por ejemplo puedes usar papel vegetal o papel glassine sujetos con cinta adhesiva.
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Cómo disponer las plantas y prolongar su vida.

Algunos consejos:

  • Usa un soporte de laboratorio para mantener el espécimen en su lugar.
  • Pon los especímenes bajo una luz adecuada para ver sus detalles. La luz natural es la mejor.
  • Si usas luz artificial, procura no calentar la planta.
  • Mantén fresco el estudio para limitar el desarrollo de las flores.
  • Usa un color de fondo neutro para evitar reflejos.
  • Si deseas estudiar las plantas en plano, pega hojas y pétalos a un tablero con cinta de doble cara.

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7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. El color es mucho más que el círculo cromático.

Sobre el color.

Términos empleados para describir las propiedades del color:

  • Color local: Color natural visto a la luz del día, sin modificaciones de luces o sombras. Bajo una luz artificial el color puede tener un aspecto muy diferente.
  • Color (matiz): Color en un estado natural, sin añadidos de blanco ni negro.
  • Valor tonal: Posición de un color en el efecto de la luz (iluminación o tinte) y oscuridad (sombra).
  • Iluminación: Color mezclado con blanco.
  • Sombra: Color mezclado con negro (o con su color complementario).
  • Intensidad/saturación: Calidad de brillo y pureza, color pleno.
  • Espectro de color: Gama de colores visibles para el ojo.
  • Círculo cromático: Modelo teórico de las relaciones entre los colores, centrado en tres aspectos, colores primarios, colores secundarios y colores terciarios.
  • Clave alta: Predominio de colores claros y brillantes.
  • Clave baja: Predominio de colores oscuros y apagados.
  • Colores análogos: Tres o más colores adyacentes en el circulo cromático, uno de ellos suele ser el color dominante.
  • Colores complementarios: Dos colores opuestos en el círculo cromático.
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7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer.

  1. Lee sobre el color: Si te gusta dibujar en color, procura aprender todo lo posible sobre él. La teoría del color es un tema muy amplio que puedes encontrar un montón de libros de referencia.
  2. Sistemas de color: El sistema de impresión de color (CMYK) es distinto al de reproducción en pantalla (RGB). Los colores impresos y los digitales son también distintos de los que usan los artistas, que se elaboran mezclando pigmentos y tintes.
  3. El color cambia: El color varía según el tipo de luz (natural o artificial), la hora del día , la estación del año y la parte del planeta donde estamos. Los cambios de estación modifican la paleta de color del mundo que nos rodea.
  4. Color a partir de la observación: Para conseguir los mejores efectos de color hay que practicar la observación de la infinita variedad de colores que nos rodea y que están en los asuntos que dibujamos. Es muy fácil dibujar un asunto partiendo de los colores que creemos que tienen en lugar de fijarnos en los colores reales que veremos en él si los miramos con atención. Disponte a descubrir colores distintos a los que esperabas. Confía en tus ojos y no en los recuerdos de tu mente.
  5. Dibuja con buena iluminación: Busca una iluminación que te permita ver los colores auténticos y sin cambios. te recomendamos: trabajar lejos de la luz solar brillante o intensa, sentarte juntos a una ventana que dé al norte, ya que la luz en más constante en esta dirección, usar persianas para controlar la luz que entra por la ventana y emplear bombillas de luz del día en lugar de las bombillas domésticas normales de interior.
  6. Aísla el color: La manera en que vemos un color está influida por otros colores que lo rodean, lo cual puede confundirnos. Es más fácil apreciar un color cuando lo aislamos. Cierra un ojo y mira el color a través de un pequeño orificio practicando en un trozo de cartón, o por un papel enrollado, o por un cilindro formado con el puño.
  7. Dibuja con las tijeras: Recorta papeles de colores con distintas formas y dispónlos para crear la imagen de un objeto. Esta actividad nos obliga a pensar en fondo en las formas, los valores y los colores, así como a simplificar , puesto que no podemos usar nada más complejo que usar formas grandes y uno o dos colores.

«El recorte de papel me permite dibujar en color»

Henri Matisse (1869-1954, acerca del dibujo con tijeras y papel de colores).

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Hasta aquí estos 7 consejos para hacer dibujo en color que debes conocer. Esperamos haberte enseñado algo nuevo. Estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Luces y sombras se combinan para representar un asunto mediante un espectro de valores que van desde la luz más brillante hasta la sombra más oscura. Los valores pueden crearse por la combinación de línea, sombreado y color.

Sobre luz y sombra.

Algunos términos que se aplican a luces y sombras:

  • Sombra proyectada: Sombra que forma un objeto sobre una superficie cercana al bloquear la fuente de luz.
  • Destello: Luz intensa o resplandor en el ojo.
  • Claroscuro: Técnica que emplea luces y sombras intensas para definir objetos 3D. Núcleo o joroba de la sombra: La parte más oscura de la sombra, alejada de la luz y no afectada por la luz reflejada.
  • Zona de luz: Área de un objeto expuesta a la luz.
  • Zona de sombra: Área de un objeto no expuesta a la luz directa.
  • Brillo: El tono más claro; rodeados de tonos más oscuros, los brillos saltan del papel.
  • Luz reflejada: Zonas más claras dentro del núcleo de la sombra, producida por las reflexiones de la luz y el color.
  • Contraluz: Luz que ilumina un objeto por detrás.
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9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer.

  1. Dibujo de luz y sombra: Con el tiempo y la observación llegarás a saber cómo crear la impresión de luz y sombra. Empieza practicando con formas muy simples, por ejemplo, huevos, en un entorno neutral donde solo actúen las luces y las sombras.
  2. Evalúa la iluminación: Una buena iluminación ayuda a mostrar tanto el volumen como la forma, mientras que una iluminación mala puede confundir al observador. EL tipo de luz, sea ésta neutral o artificial, afecta al valor tonal y a la calidad de los contornos que vemos. La dirección e intensidad de la luz influye en el carácter de las sombras y en el modo en que detectamos las formas. El color de la luz afecta de manera natural a los colores visibles. Los nuevos tipos de luz artificial ofrecen distintas opciones en cuanto a la temperatura del color, desde el cálido (amarillo) hasta el azul (luz diurna) pasando por el neutral.
  3. Responde a la luz exterior: La luz y la sombra se mueven continuamente cuando dibujamos al aire libre, y la longitud de las sombras cambia a lo largo del día. Antes de empezar el dibujo, haz un boceto del patrón de valores para anotar el efecto de la luz ante tus ojos. Si realizas un dibujo compuesto con distintas fuentes asegúrate de que la relación de cada objeto corresponda a una fuente de luz determinada.
  4. Para mejorar el diseño de los dibujos: Los dibujos que no tienen un buen rango de valores tonales suelen tener un aspecto plano y sin vida, mientras que un buen patrón de valores tiende a captar la mirada. En un dibujo visto a distancia, lo único que distinguimos es el patrón abstracto de luces y sombras; todos los valores se subordinan al patrón de valores.
  5. Escala de grises: La escala de grises muestra los cambios de valores tonales de luz y sombra entre el blanco y el negro. Sirve para comprobar y comparar el valor tonal de los que vemos con el de lo que hemos dibujado.
  6. Entorna los ojos: Entornar los ojos es una manera simple y rápida de ver los valores tonales sin usar ningún utensilio. Usa esta técnica para desarrollar bocetos miniatura.
  7. Prueba distintos métodos de sombreado: Elabora un portfolio de distintas maneras de sombrear y de representar diversos valores tonales. Para producir cambios de tono, es mejor emplear lápices progresivamente más blandos en lugar de variar la presión.
  8. Evalúa valores tonales todos los días: La práctica continua y la evaluación instantánea ayudan a desarrollar la competencia.
  9. Hazte examinar la vista si tienes problemas de visión de los tonos. Afecciones oculares tales como las cataratas pueden reducir la capacidad de ver el color y el tono con precisión y provocar visión borrosa, por lo que es aconsejable hacerse una revisión si se presentan problemas.
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Hasta aquí nuestros 9 puntos sobre luz, sombra y valor tonal que debes conocer. Como siempre esperamos haberte enseñado algo nuevo. Siempre estaremos encantados de recibirte en nuestras clases de pintura en Madrid.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

En este artículo te damos 7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer. El tipo de líneas que se emplean en los dibujos hablan tanto del artista como del tema. La línea se usa para describir un espacio o una forma, además de expresar movimiento y energía creando una sensación de dirección y perspectiva. Las líneas tienen muchas características: pueden ser gruesas o finas, rectas o curvas, asépticas o expresivas, controladas o sueltas. Estas características pueden reflejar la naturaleza del objeto representado.

«Un dibujo no es más que una línea que sale a pasear

Paul Klee (1879-1940)

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Sobre líneas y contornos.

Los bordes nos comunican la naturaleza de un asunto y el modo en que la luz cae sobre él:

  • Perímetro: Borde exterior de una forma plana bidimensional.
  • Línea de contorno: Silueta de una masa o forma tridimensional.
  • Borde duro: Borde definido y preciso.
  • Borde suave: Borde vago y difuso que carece de definición.

Cuando empieces a dibujar del natural en lugar de usar fotos, pasarás de dibujar perímetros a dibujar líneas de contorno.

7 consejos para dibujar líneas y contornos que debes conocer.

  1. Crea líneas con distintas características: El acto de dibujar implica sentir el carácter de las líneas mientras el brazo y la mano aplican el medio al papel. Energía, presión y control afectan a la naturaleza de las líneas, a su grosor, peso y precisión. El tipo de material de dibujo y el soporte también son importantes. Por ejemplo, la estilográfica tiene una punta flexible que permite más variedad de grosor e intensidad. El estilógrafo y el portaminas ofrecen ambos una línea muy consistente y exacta.
  2. Desarrolla el control de las líneas rectas: Es más fácil decirlo que hacerlo. Intenta dibujar una línea despacio, y después con rapidez. Dibuja una línea vertical paralela al borde del papel y repite la operación otra vez.
  3. Trama, trama vertical y trama cruzada: Observa dibujos de bellas artes de artistas contemporáneos y de maestros antiguos para estudiar el empleo de las variaciones de las tramas para crear valores tonales y sugerir las características de las superficies. Los tramados de contorno se usan mucho en el dibujo clásico para descubrir las formas humanas.
  4. Usa líneas discontinuas: La línea no tiene por que ser continua; las líneas rotas también son importantes. Cuando dibujo con rapidez, mi pluma baila por la página mientras encuentro mi camino alrededor del asunto. Las líneas intermitentes sugieren contorno de las cosas de forma discreta, sin estridencias.
  5. Los contornos duros son duros para la vista: Un contorno duro indica un agudo contraste tonal entre formas adyacentes debido, por ejemplo, a un cambio de luz; el contorno duro ayuda a crear énfasis. No obstante hay que usarlos con prudencia, ya que demasiados contornos duros pueden resultar difíciles de ver y crean confusión en cuanto al centro de interés del dibujo.
  6. Los bordes suaves atenúan las transiciones: Los bordes suaves ayudan a atenuar la transición entre una forma o un valor tonal y los siguientes. Se producen allí donde la luz es baja o difusa o está detrás del asunto, y se usan cuando se necesita sutileza. No obstante,demasiados bordes claros pueden hacer confuso el dibujo y crear formas mal definidas.
  7. Imagina que el lápiz está tocando los contornos reales de los objetos: El dibujo asciende un escalón cuando sientes que, literalmente, formas parte del trazo que estás haciendo. Imagínate que el lápiz está tocando realmente el objeto mientras dibujas su contorno. Sigue el contorno con el ojo y dibuja lentamente la misma línea en el papel.
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6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

En este artículo te enseñamos 6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer. Dentro de un dibujo, el espacio ayuda a definir los objetos que contiene y los que le rodean. Los dibujos describen las relaciones entre los objetos y el espacio mediante línea, valor tonal y color, que definen tales objetos y crean impresión de profundidad, escala y perspectiva.

Sobre el espacio.

Algunos términos relativos al espacio en el dibujo:

  • Ilusión: Representación visual de un espacio 3D en dos dimensiones.
  • Espacio pictórico: Ilusión de profundidad y espacio 3D creada en un soporte 2D.
  • Plano pictórico: Espacio 2D dentro de los bordes del marco establecido para el dibujo.
  • Espacio lleno o positivo: Área ocupada por un espacio.
  • Espacio vacío o negativo: Área entre los objetos y en torno a ellos.
  • Espacio abierto: Se incluye en los dibujos para permitir que el tema respire en el papel.
  • Espacio activo: Espacio dentro de la imagen en el cual pueden moverse los elementos activos.
  • Espacio plano: Espacio sin curvas ni atisbos de profundidad.
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Dibujo del espacio.

  1. Dibuja una silla y el espacio dentro y alrededor de ella para entender los espacios llenos y vacíos.
  2. Selecciona un tema de dibujo y ponlo boca abajo para que parezca menos familiar. Dibuja los que veas y utiliza un color claro para la forma llena y un color oscuro para la forma vacía.

6 puntos sobre espacio y proporción que debes conocer.

  1. Dibuja el espacio lleno, ocupado por el objeto. Las personas que aprenden a dibujar, a menudo dibujan solamente el llamado espacio lleno o positivo, es decir, el espacio que ocupa el objeto (por ejemplo, un jarrón de flores, un rostro, un gato), y tienden a dejar de lado o ignorar el contexto por lo que respecta al fondo.
  2. Dibuja el espacio vacío, que está entre los objetos y su alrededor. Si te concentras en dibujar las formas vacías o negativas que hay en el espacio entre los objetos y en torno a ellos es mucho más fácil evitar que nos distraigan nuestras ideas acerca del aspecto que deberían tener las formas y los objetos.
  3. Dibuja al revés. Es mucho más fácil dibujar un objeto si lo miramos boca abajo o desde un punto de vista insólito. Este ejercicio es útil para quienes tienen dificultad en ver formas llenas y vacías en el espacio y para aquellos a quienes les cuesta captar las dimensiones correctamente.
  4. Dibuja a escala. La escala es importante cuando se dibuja en proporción al tamaño real. Podemos decidir ampliar el asunto (por ejemplo, para dibujar una pequeña parte de una flor) o reducirlo (para dibujar un edificio). Captar la escala y la proporción correctas es importante en el dibujo realista. Por ejemplo, hay que asegurarse de que las puertas sean lo bastante grandes en relación con las personas de una habitación. La escala se distorsiona a propósito para cambiar la importancia relativa del objeto distorisonado.
  5. Usa una cuadrícula para ampliar o reducir. El método más sencillo para realizar una ampliación es una cuadrícula. Es muy fácil de aprender y de recordar, y el tamaño de la cuadrícula puede adaptarse a la tarea en cuestión (para dibujar zonas detalladas podemos usar una cuadrícula más pequeña).
  6. Evita los espacios uniformes. Los espacios uniformes dentro del dibujo o alrededor del asunto deben evitarse. La disposición irregular del espacio es más efectiva.
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